La Academia en Roma: historias para una exposición

Academia de España en Roma
Exposición colectiva

Cuando accedes a la Academia de España en Roma y te reencuentras con el templete de Bramante, aquella maravillosa construcción que muchos conocimos a través de los manuales de historia del arte, puedes llegar a pensar que el tiempo se ha detenido. Pero siguiendo un cierto paralelismo con esta obra, precursora y máximo exponente del cinquecento renacentista, en su espacio se combina el pensamiento y la creatividad, la innovación y la crítica, la investigación y la Historia. También, las historias…

Desde su creación en 1873, bajo el gobierno de la Primera República, la Academia ha sido un importante foco en la formación de artistas. Y en la actualidad ha conseguido integrar hábilmente una amalgama de trabajos reunidos desde las artes visuales, el cómic, el cine, el diseño, la fotografía, la literatura, la música o la moda en una selección de autores que toman el concepto de la ciudad de Roma como argumento de sus proyectos.

Estudio de Santiago Ydáñez. Detalle de la obra 'Y tenía corazón' (en proceso de ejecución). Fotografía: Maite Ibáñez.

Estudio de Santiago Ydáñez. Detalle de la obra ‘Y tenía corazón’ (en proceso de ejecución). Fotografía: Maite Ibáñez.

Derivando las múltiples posibilidades que ofrece la ciudad italiana desde el contexto pasado o presente, dentro de unos meses los resultados serán mostrados en un escenario plural que ha servido de inspiración para todos. El convento de San Pietro in Montorio convertido en un entorno mágico que actúa como estudio, casa, taller, museo o galería, será el encargado de acoger el montaje de los resultados. Allí mismo, en la Academia, verán la luz por primera vez las obras de los artistas becados, y con ellos también podremos analizar las líneas o tendencias que resumen la edición de este año.

En estos momentos, uno de los focos españoles de referencia cultural pasa por Roma. Y es por ello que antes de la inauguración de esta muestra colectiva, el 22 de junio, haremos una rápida visita desde la distancia. El conjunto de propuestas viajan desde la memoria, la arqueología del pasado o la ruina, en las obras de Beatriz Ruibal y Mercedes Jaén respectivamente, hasta el descenso al inframundo simbólico y la exploración del subsuelo romano en el proyecto pictórico de Santiago Leal.

Visita a los estudios de artista. Rosalía Banet con Santiago Lara, Beatriz Ruibal, Los Bravú, Santiago Ydáñez, Suset Sanchez, Víctor Resco, Xosé Prieto Souto o Juan Gómez Bárcena, entre otros.

Visita a los estudios de artista. Rosalía Banet con Santiago Lara, Beatriz Ruibal, Los Bravú, Santiago Ydáñez, Suset Sanchez, Víctor Resco, Xosé Prieto Souto o Juan Gómez Bárcena, entre otros. Fotografía de Rosalía Banet por cortesía de la propia autora.

Por su parte, los Bravú (Andrea Gómez y Diego Omil) realizan un retrato generacional a través del cómic, abriendo su proceso al contacto y la interactuación en las redes sociales. Desde el expresionismo más vital, Santiago Ydáñez consigue reinterpretar la historia de la ciudad a través de piezas de gran formato o cajas de cuchillos, donde la narrativa surge de la conexión entre el objeto y la imagen.

Merece especial atención el montaje de estos trabajos, donde los resultados inéditos, a partir de la dialéctica entre el continente y el contenido, proyectan el concepto de la pieza desde el llamado Site specific. En este sentido, ‘El gran banquete’, de Rosalía Banet, inspirado en los festines o gaudeamus de la época de decadencia del Imperio, reflexiona sobre la sociedad actual. El despliegue de elementos recreados en torno al triclinium, actúa como espacio simbólico de los excesos y desigualdades a través del acto comunitario de la comida.

Templete de Bramante (detalle). Fotografía: Maite Ibáñez.

Templete de Bramante (detalle). Fotografía: Maite Ibáñez.

Además, la artista integra una particular iconografía asociada al cuerpo y la enfermedad, los cuidados de la alimentación y el poder conectado a la escenografía del fasto, para conducirnos a nuevas lecturas de nuestra vida. Uno de los aspectos más interesantes de esta obra será su presentación, en un espacio doméstico de dimensiones similares a las de un comedor. Rosalía Banet instalará las piezas en su propio estudio de la academia, transformando el lugar hacia una experiencia más completa.

Los trabajos de Víctor Resco e Irene Cantero repetirán esta fórmula. El diseño de moda desde el concepto de la guerra y su reflexión política componen el proyecto Diáspora, del primero, mientras la coreógrafa y bailarina realiza un estudio a través de la anatomía y la poesía en Dum lucem habetis (‘Mientras tenéis la luz’). Ambas piezas se presentarán en el entorno del templete de Bramante, en un relato efímero y evocador. Otros artistas mostrarán sus trabajos en el maravilloso conjunto del claustro, que a su vez combinará la opción de una gran sala para el montaje colectivo de diversas obras y lenguajes.

Claustro de la Academia de España en Roma. Convento de San Pietro in Montorio.

Claustro de la Academia de España en Roma. Convento de San Pietro in Montorio. Fotografía extraída de una web asociada a la Academia. 

Existen dos factores que favorecen este tipo de respuestas: la utilización del espacio expositivo como opción narrativa más allá de la sala, y el desarrollo de una filosofía del lugar, a través de la dirección, a cargo de Ángeles Albert, que invita a los artistas becados a ‘vivir el espacio de la Academia’ en toda su dimensión. Un detalle al respecto: la biblioteca está abierta las 24 horas para el aprovechamiento de los residentes.

Para los que no podamos viajar a Roma por esas fechas, sabemos que la exposición itinerará a España dentro de unos meses. Coincidiendo con la feria ARCO, el proyecto se presentará en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, como viene siendo habitual. Se abrirá entonces el camino de la polisemia, aquel que permite que las mismas piezas en diferentes lugares reactiven nuevas lecturas. Y donde el montaje expositivo también nos desvelará sus claves. De cualquier manera, en Roma o en Madrid, estaremos atentos al desarrollo de esta muestra, y a toda la inspiración que puede despertar en 24 artistas la ciudad eterna.

Estudio de la artista Rosalía Banet en la Academia de España en Roma. Fotografía de Rosalía Banet por cortesía de la propia autora.

Estudio de la artista Rosalía Banet en la Academia de España en Roma. Fotografía de Rosalía Banet por cortesía de la propia autora.

Maite Ibáñez

14 artistas Por venir en Casa de Velázquez

Por venir, exposición colectiva
Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid
C/ de Paul Guinard, 3. Madrid
Inauguración: 3 de diciembre a las 20:00 horas
Del 3 de diciembre de 2014 al 15 de febrero de 2015

Como cada año, la Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid realiza una exposición colectiva en la que participan los artistas miembros así como los becados en residencia. La muestra del ejercicio 2014-2015 propone un recorrido multidisciplinar por las obras de catorce artistas, en su mayoría franceses y españoles, englobados bajo el título ‘Por venir’: un desideratum que ratifica el empeño de esta institución pública francesa por fomentar la creación y la investigación artística contemporánea; labor que desempeña desde su fundación en los años veinte del siglo pasado.

Planteada como una rica panoplia de técnicas y estilos, ‘Por venir’ abarca diversas disciplinas que van de la pintura al vídeo, pasando por la instalación, la fotografía, el dibujo y el grabado, elaborando así un repaso aproximado de la joven creación contemporánea.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

El arquitecto Esaú Acosta (España, 1978) (http://www.estudiosic.es/) participa con fotografías y maquetas del proceso de su proyecto “Casa G” en el que reflexiona acerca de cómo una pareja heterosexual española configura su estilo de vida a través del diseño de su vivienda, buscando reforzar con ella su capital simbólico. Un proyecto arquitectónico y sociológico que gira alrededor del pensamiento de Pierre Bourdieu, resumido parcialmente en la sentencia: “La configuración del hábitat no se realiza por la verdadera naturaleza de sus partes; sino por la ‘legitimación del gusto’ y su relación con lo dominante”.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

Tania Blanco (España, 1978) (http://www.taniablanco.com/) recrea el ambiente de una sala de espera presidida por la escultura-pintura de un reloj simbólico que, de manera análoga al Doomsday Clock de la Universidad de Chicago, avisa del impacto socio-económico que producirá el acuerdo de la Asociación Transatlántica para el Comercio y la Inversión  (TTIP) que se negocia actualmente entre los EE. UU. y la U.E., a través de un listado de ítems que advierten sobre la “privatización feroz de los servicios públicos” o  el “entierro definitivo del concepto de soberanía nacional”. Sobre la mesa, una réplica en resina de un periódico imposible de desplegar nos alerta de la opacidad informativa con la que dicho acuerdo se está llevando a cabo.

"Je me suis dévêtue pour monter à un arbre". Imagen por cortesía de Hélène Damville.

«Je me suis dévêtue pour monter à un arbre». Imagen por cortesía de Hélène Damville.

Las xilografías de Hélène Damville (Francia, 1984) (http://helene-damville.blogspot.com.es/) basadas en la observación romántica del paisaje, representan troncos y ramas de árboles y cepas que se retuercen mostrando sus nudos como en una visión onírica. Una representación personal de la arquitectura de la naturaleza que imbrica sus cualidades vegetales y minerales asimilándolas a una apariencia ósea  que se funden en escenas de cierto halo macabro, potenciadas por la dureza del blanco y negro.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

Daniel Escobar (Brasil, 1982) (http://danielescobar.com.br/) propone una disertación acerca de la configuración de la imagen de los países por parte de la industria del turismo, ligando las ideas de geografía y consumo. Su pieza es un objeto escultórico construido mediante la intervención de una guía turística corriente que deviene en un libro pop-up, a la manera de esos cuentos infantiles que convierten la ficción del relato en una realidad en tres dimensiones; como una verdad insondable.

"Après une visite en Palestine". Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

«Après une visite en Palestine». Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

Baptiste Fompeyrine (Francia, 1989) elabora unas escenas preciosistas de reminiscencias orientales con sus grabados al aguafuerte, al aguatinta y a la manera negra. Sus composiciones, herederas del espíritu documentalista y satírico de los viejos maestros del grabado francés del siglo XIX, suponen la representación idealizada de los propios recuerdos del artista; personajes, paisajes y situaciones extraordinarias materializados con sutiles texturas y claroscuros y su enorme capacidad para el dibujo.

"Bakki". Imagen por cortesía de Didier Hamey.

«Bakki». Imagen por cortesía de Didier Hamey.

El universo mágico de Didier Hamey (Francia, 1962) (http://didier.hamey.free.fr/) queda patente en sus minuciosos grabados, plagados de seres zoomorfos, antropomorfos y vegetales, fantásticos y carnavalescos. Un alegato de la joie de vivre desde la mirada aparentemente inocente de quien alberga un profundo amor por la naturaleza y aderezada con la consciencia del reverso inquietante que impregna todas las cosas.

"Des châteaux en Espagne". Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

«Des châteaux en Espagne». Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

El fotógrafo Guillaume Lemarchal (Francia, 1974) (http://www.guillaumelemarchal.com/) presenta dos fotografías paisajísticas de su proyecto sobre los castillos españoles; enclaves a los que otorga las cualidades del espejismo y la ensoñación. Recurrentes en su trabajo, la luz y el paisaje como objeto, son manipulados por el objetivo fotográfico para potenciar esos “lugares fantaseados” que encuentra y resignifica poéticamente, poniendo en relación al hombre con su historia y su tiempo.

"The Walking Pillows". Imagen por cortesía de Albert Merino.

«The Walking Pillows». Imagen por cortesía de Albert Merino.

El videasta Albert Merino (España, 1979) (http://albertmerino.com/web/) está presente con su vídeo The Walking Pillows en el que un ejército de trabajadores sin rostro rastrean las huellas de vidas remotas a medio camino entre lo mítico y lo real. Como es habitual en su producción audiovisual, lo real y lo irreal se entremezclan en entornos verosímiles, alternando su particular imaginario fantástico con el absurdo cotidiano.

"Points Noirs". Imagen por cortesía de Sarah Miller.

«Points Noirs». Imagen por cortesía de Sarah Miller.

Los dibujos a lápiz y polvo de grafito de Sarah Miller (Francia, 1985) (http://sarahnavassemiller.free.fr/) subliman los pequeños detalles cotidianos, los instantes fugaces y los gestos más sutiles en escenas de gran formato en las que, con un tratamiento brumoso del dibujo y una composición casi fotográfica, centra su atención en el lenguaje corporal y en la emoción contenida en cada momento.

"Typing". Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

«Typing». Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

El ilustrador y animador audiovisual Renaud Perrin (Francia, 1977) (http://perrin.renaud.free.fr/) aporta las pequeñas escenas “dibujadas” con máquina de escribir y tintas de colores de su serie “Typing”: personajes, edificios y objetos de uso cotidiano esquematizados que adquieren la apariencia naïf de los bordados coloristas de punto de cruz.

"Le Rosicruchien". Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

«Le Rosicruchien». Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

Las xilografías de Agathe Pitié (Francia, 1986) (https://www.facebook.com/pages/Agathe-Piti%C3%A9/187770171303785?fref=ts) forman parte de su serie “Impertinences”: un trabajo que remite a los grabados medievales de corte moralizante y a la emblemática y que, de manera satírica, la artista revisita desde una óptica contemporánea. Sus personajes encierran significados ocultos y símbolos herméticos llegando incluso a un absurdo tragicómico, que se ve potenciado por el carácter expresivo y conscientemente arcaizante del trazo.

"Perenne. Cuello" (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

«Perenne. Cuello» (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

La instalación de Esther Señor (España, 1982) (http://www.senorcifrian.com/) que conforma el colectivo “Señor Cifrián” con Carmen Cifrián, presenta un juego de espejos acerca del mismo referente: un cuello de camisa intervenido con pétalos de geranio y conservado en parafina. Una construcción poética de la realidad titulada “Perenne. Cuello” en la que el objeto escultórico, su captura fotográfica y el muestrario de pétalos utilizados, componen un arte expandido que reflexiona acerca de los distintos modos de representación, el atesoramiento de los recuerdos y la reivindicación del proceso creativo.

"1 + 1 + 1 + ... + 1 = 547". Imagen por cortesía de Pep Vidal.

«1 + 1 + 1 + … + 1 = 547». Imagen por cortesía de Pep Vidal.

El artista, físico y matemático Pep Vidal (España, 1980) (http://www.pepvidal.com/) analiza el desorden, los cambios infinitesimales de los procesos y los conceptos de caos y entropía y los plasma en dibujos de carácter científico en los que la repetición metódica juega con la alternancia del vacío y la mancha y la imprevisibilidad del azar.

"Sin título". Imagen por cortesía de Federico Miró.

«Sin título». Imagen por cortesía de Federico Miró.

Por último, las pinturas de Federico Miró (España, 1991) (http://www.federicomiro.com/), ganador del Premio Salón de Verano 2014, pertenecientes a su serie “Tras las apariencias”, en la que el artista superpone finas líneas de pintura acrílica que, en su conjunto, dan la sensación de que nos encontramos ante una imagen digital, pixelada, errática. A partir del referente figurativo de la naturaleza, las abstracciones que el artista compone se convierten en una suerte de estratigrafía natural e incluso en el reverso de un tapiz colorista.

Una muestra ecléctica que aglutina catorce visiones, poéticas, lenguajes e intenciones distintas que los artistas residentes en la Casa de Velázquez continuarán desarrollando, en su mayor parte, hasta mediados de 2015. Una buena oportunidad para conocer las diversas propuestas de un grupo de artistas a los que se augura y se desea un gran porvenir.

Manuel Garrido Barberá