El color y la geometría de Pepe Blanco

Pepe Blanco. Color y Geometría
Sala Municipal de Exposiciones Lonja del Pescado
Paseo Almirante Julio Guillén Tato, s/n. Alicante

No conocí personalmente a Pepe Blanco (Alicante, 1938-2003) y no pude realizarle las muchas preguntas que me surgen sobre su obra, como, por ejemplo, qué pigmentos empleaba y cómo los mezclaba, qué preferencias tenía por determinados temas o el porqué de la elección de este o ese encuadre. Tampoco pude conversar con él, aprendiendo de sus conocimientos artísticos o intercambiando opiniones sobre temas banales que –imagino– nos unirían, como nuestro Alicante y su mar o el amor que sentía por l’illa de Tabarca, pero oí hablar de él y me habitué a ver su obra antes de conocer a su familia, por la especial vinculación personal y laboral que le unió, hasta su fallecimiento, a parte de la mía.

El camino se estaba trazando. Hace unos años, coincidí profesionalmente con Queru, la mayor de sus hijas –ella como directora y yo como subdirectora de la revista Canelobre-, y de ahí nació una inmensa amistad y cariño que se ha hecho extensivo a Rafaela, su madre, y a Julia y Paloma, sus hermanas, por lo que me siento vinculada emocionalmente a esta exposición mucho antes de que se fraguara.

Obra de Pepe Blanco.

Obra de Pepe Blanco.

Tiene su punto de partida el día siguiente a la publicación, por parte de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, de la ‘I Convocatoria pública para la presentación de proyectos expositivos en las salas municipales de exposiciones’, cuando, hablando con Queru, me dijo: “Mi madre…”. La interrumpí y le contesté: “Sí, presentamos un proyecto con la obra de tu padre”. Impulsada por su familia, hemos ido preparando esta exposición con intensas y divertidas reuniones. Comenzamos a catalogar y seleccionar obra y la idea que teníamos en mente fue tomando forma. Nuestro proyecto fue seleccionado y tenemos el honor de inaugurar las exposiciones elegidas, por primera vez en Alicante, mediante convocatoria pública y con un jurado integrado por políticos, técnicos y profesionales del sector de las artes plásticas.

La trayectoria profesional de Pepe Blanco como arquitecto está sobradamente reconocida en la provincia de Alicante, con obras tanto para particulares como para instituciones en diferentes localidades; sin embargo, su faceta artística, a pesar de tener obras tan singulares como el enorme mural del Aeropuerto de Alicante-Elche, el del desaparecido tinglado del Muelle de Poniente del Puerto de Alicante o el de la Casa de Cultura de Ibi, ha trascendido casi exclusivamente a su círculo más cercano, puesto que, aunque participó en colectivas y recibió varios premios y accésits, solo realizó muestras individuales hace más de cincuenta años, en salas de Madrid y en el Casino de Torrevieja, en 1961 y 1962. El trabajo que presentamos en su ciudad natal es inédito y destaca por su frescura y originalidad, pero, sobre todo, por su modernidad. Su avanzada visión artística hace que obras realizadas hace décadas parezcan actuales.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

José Blanco Cantó era hijo de Rafael Blanco, que, junto a su hermano Fulgencio, eran conocidos artísticamente como los Hermanos Blanco, escultores, imagineros, constructores de hogueras y hasta artesanos creadores de muñecas que han dejado una extensa producción en Alicante y que se preocuparon por fomentar la creatividad artística de Pepe Blanco desde niño.

Formado profesionalmente en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, la obra de Pepe Blanco abarca prácticamente toda la segunda mitad del siglo XX. En esta antológica mostramos obras realizadas entre 1955 y 2003. Comienza su andadura artística colaborando, mientras estudiaba la carrera, con revistas universitarias a mediados de los años 50, para las que realiza dibujos con trazo firme, como algunos de los que podemos ver aquí, de su hermana Ana María, su padre o su tío Fulgencio.

También investiga y realiza obra experimental en distintas vanguardias, con estudios de descomposición en planos, próximos al cubismo, o dibujos con formas oníricas, más cercanos al surrealismo, hasta los collages abstractos o la reducción de elementos que le llevarán a la abstracción con las manchas negras realizadas con esmalte. En toda su obra podemos percibir cómo empleó sus conocimientos arquitectónicos para plasmar la perspectiva de las construcciones, de los encuadres y la descomposición planimétrica. En su trabajo predomina, por encima de todo, la línea recta, empleando diferentes técnicas como el gouache, las ceras, el grafito, los rotuladores o el acrílico, que se unen a veces en la misma obra.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Otro aspecto que también queremos dar a conocer en esta muestra es la unión del artista y el arquitecto, con imágenes de los grandes murales diseñados y producidos para instituciones y algunas maquetas de proyectos arquitectónicos en las que sobresalen la pureza de líneas y el novedoso uso de los materiales. Esa simbiosis entre arquitecto y artista le lleva a dejar su doble huella. Pueden verse sus creaciones como muralista en el zaguán de algunos de los edificios que diseñó como arquitecto. Autor también de carteles, se expone el premiado para ser la imagen de las Hogueras de San Juan de 1961, y que forma parte de los fondos del Archivo Municipal de Alicante, o el de la Semana de la Arquitectura de Alicante de 1996.

Entre las obras ejecutadas por Pepe Blanco sobresalen, en calidad y volumen, las obras inspiradas en el ámbito marinero, en los puertos pesqueros, en sus muelles, grúas de carga y barcos. Es la cara menos visitada del puerto, pero de gran atractivo para este artista que nos muestra en sus pinturas, realizadas en diferentes técnicas, composiciones y encuadres originales que representan el mundo portuario. Puertos con colores contrastados –ocres y azules, blancos, grises y naranjas o verdes– o solo en negro, formando espacios lineales, esquemáticos, en los que aúna el color y la geometría, pintados desde su visión única. Fue autor también del edificio de la nueva Lonja de la Dársena pesquera de esta ciudad, por lo que su obra está especialmente vinculada a esta sala municipal de exposiciones, Lonja del Pescado.

A través de esta muestra hemos intentado unir sus dos facetas creativas, la obra de Pepe Blanco artista y la de Pepe Blanco arquitecto, lo que demuestra, una vez más, la relación y la influencia mutuas entre todas las disciplinas artísticas. El resultado es esta reunión de sus maquetas arquitectónicas con una cuidada selección de su obra pictórica, carteles, murales, dibujos, esculturas o collages que reflejan su particular forma de ver y sentir el arte y la vida.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Obra de Pepe Blanco. Imagen cortesía de la comisaria.

Pilar Tébar
Comisaria de la exposición
Vicepresidenta (Alicante) de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte (AVCA)

 

La Nau: De la alta cocina al bajo vientre

Diseño al plato, exposición colectiva de cocineros, artesanos y diseñadores
Organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV)
La Nau de la Universitat de València
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 1 de marzo, 2015

Hay platos finamente elaborados con arroz meloso, anguila, remolacha y eneldo. También con berenjena, salazón, queso y piñones. Y artesanos que han utilizado la orfebrería, la cerámica, la forja, la madera o el vidrio para crear recipientes que acojan apropiadamente esos manjares. Y diseñadores encargados de poner en relación esa rica gastronomía con singulares recipientes mediante los recursos que ofrece el diseño gráfico. La conjunción de esas tres disciplinas creativas ha dado como resultado la exposición ‘Diseño al plato’, que hasta el 1 de marzo acoge La Nau de la Universitat de València.

Imagen de la propuesta realizada por el equipo de Dani Salvador, Kiko Moya y Tiziana Chiara, en la exposición Diseño al plato. La Nau de la Universitat de València.

Imagen de la propuesta realizada por el equipo de Dani Salvador, Kiko Moya y Tiziana Chiara, en la exposición Diseño al plato. La Nau de la Universitat de València.

“Son tres motores que tiene esta tierra valenciana”, destacó Carlos Tíscar, presidente de la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV), encargada de organizar la exposición. Motores por explotar, a falta de “ayudas, reconocimiento y apoyo decidido por parte de las instituciones públicas”. Tíscar fue más lejos, al señalar que los cocineros valencianos “no son tan conocidos como los vascos, pero poseen un enorme potencial que tenemos que reivindicar”.

Para eso está ‘Diseño al plato’, para mostrar todo ese potencial a base de paneles con fotografías, objetos y explicaciones de esa simbiosis entre 14 equipos y un total de 40 creadores. Como apuntó el vicerrector de Cultura, Antonio Ariño, la Comunidad Valenciana tiene un sector agroalimentario de primer orden, como lo demuestra el Laboratorio de Tecnología de Alimentos de la Universidad Politécnica de Valencia “puntero en Europa”.

imagen de la propuesta de Yonoh Estudio, David Carrión y Piró Orfebres en la exposición 'Diseño al plato'. La Nau de la Universitat de València.

imagen de la propuesta de Yonoh Estudio, David Carrión y Piró Orfebres en la exposición ‘Diseño al plato’. La Nau de la Universitat de València.

Cada uno de los recipientes creados para la ocasión son piezas únicas. Piezas que serán sorteadas el 25 de febrero con el fin de recaudar fondos para el Banco de Alimentos de Valencia (los números se pueden adquirir en la tienda online de la ADCV). Con esta iniciativa se pretende mostrar la cara solidaria de la muestra ‘Diseño al plato’, donde la alta cocina convive con el bajo vientre. “Sabemos del contraste que supone el boom de la alta cocina y el hecho de que haya tanta gente pasando hambre”, señaló Tíscar. “Queremos contribuir a resaltar esa paradoja con ese fin benéfico”, añadió.

Imagen de la propuesta de Sanserif Creatius, Bernard H. Knöller y Sara Sorribes en la exposición 'Diseño al plato'. La Nau de la Universitat de València.

Imagen de la propuesta de Sanserif Creatius, Bernard H. Knöller y Sara Sorribes en la exposición ‘Diseño al plato’. La Nau de la Universitat de València.

No sólo eso. Dado que Tíscar es igualmente consciente de que el incremento de alimentos para ese banco no puede entenderse como un éxito, proclama lo contrario: “Nosotros queremos hundirlo…, hacer desaparecer el Banco de Alimentos”. Entretanto, ahí están los cocineros, artesanos y diseñadores apelando a todos los sentidos mediante su esfuerzo creativo. Un esfuerzo que algunos, como Dani Salvador, entienden así: “La búsqueda de sintonización entre la funcionalidad del objeto, las posibilidades del vidrio y el propio diseño, encamina la propuesta hacia un plato sencillo y eficaz”. Plato, en este caso, de Kiko Moya y diseño de Tiziana Chiara.

Vitrina con algunos de los objetos diseñados para la tienda especializada en cerveza artesana Beer-attack, en la exposición 'Diseño al plato'. La Nau de la Universitat de València.

Vitrina con algunos de los objetos diseñados para la tienda especializada en cerveza artesana Beer-attack, en la exposición ‘Diseño al plato’. La Nau de la Universitat de València.

Y así hasta las 14 propuestas que configuran la muestra ‘Diseño al plato’, enmarcada en la sexta edición de Valencia Disseny Week. Inspirándose en el océano, las olas y los bancos de peces, en la Albufera, en el Mediterráneo, pero siempre desplegando el juego de los sentidos, cocineros, artesanos y diseñadores muestran en La Nau un poderío agroalimentario por explotar. También hay propuestas de identidad corporativa, rótulos y objetos diversos relacionados con el diseño de restaurantes valencianos como L’Olleta, Beer attack, Llámame Lola o Cracovia Bar, hasta un total de 19.

Alta cocina en La Nau como reflejo de la propia cultura, que Antonio Ariño recordó como sinónimo de “cultivar”. “De ese origen primero, relativo a las semillas que pueden ser cultivadas, nace la cocina que además de gastronomía es experiencia anímica y espiritual”. Una experiencia todo lo paradójica que se quiera entre lo alto y lo bajo, el fino paladar y el simple alimento que llevarse a la boca, pero experiencia al fin y al cabo recogida en 14 creativos platos.

Una de las propuestas de la exposición 'Diseño al plato' en La Nau de la Universitat de València.

Imagen de la propuesta de Nueve Estudio, Toni Aliaga y Marifé Navarro, en la exposición ‘Diseño al plato’. La Nau de la Universitat de València.

Salva Torres

Filangieri: Elogio del oficio

Artigiani, Occhi Mani Luoghi, por Francesco Filangieri
Sala de la Muralla
Col.legi Major Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Hasta el 26 de enero de 2015

“Este hombre es un daguerrotipo móvil y apasionado que registra el más mínimo detalle y en él se refleja, con sus cambiantes destellos, aquello que ocurre, el ritmo de la ciudad, la fisonomía múltiple del espíritu público.” Con esta alusión al reciente invento de la fotografía, el escritor y periodista Victor Fournel hizo una apasionada defensa del azaroso y lento vagar por calles y paseos en su obra ‘Ce qu’on voit dans les rues de Paris’, publicada en 1858. Temprana exaltación del flâneur -figura que adquirió densidad con Walter Benjamin-, que hoy reclaman geógrafos o urbanistas al advertirnos contra nuestra pérdida de experiencia física de las ciudades. Abrumados por un urbanismo excluyente y segregador y por el exceso de edificios icónicos, hemos perdido el arte de hacer ciudades, admite Richard Sennet.

Montaje de fotografías de la exposición 'Artigiani', de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Montaje de fotografías de la exposición ‘Artigiani’, de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Hace ya algún tiempo que el trabajo de Francesco Filangieri –cuya primera formación fue la de arquitecto- es una celebración de la errancia urbana como actividad cotidiana significativa, como manera posible de representar el paisaje y de observar el trato y las relaciones que se van tejiendo entre los ciudadanos y las ciudades. Un propósito que ya aparecía en Luce Divina –donde el interior de las iglesias no era sino una extensión cubierta de las plazas- o en Underview, serie que alteraba la perspectiva de las calles al ser vistas por un fotógrafo convertido en un pequeño insecto terrestre. Ahora, con estos Artigiani, renueva el empeño de hacer visible el ritmo de la ciudad, aquella de los talleres artesanos con frecuencia ocultos o agazapados en la trama laberíntica de las calles. La geografía –Palermo, Londres, Roma, París, Valencia o Friburgo- es muy diversa, pero más allá de las diferencias se reiteran los rasgos compartidos, el amor por el trabajo, por la materialidad del objeto útil y de acabado perfecto, y por el flujo de unos saberes ambulantes que han viajado por Europa o por el mundo. Un incesante intercambio que es evocado por la imagen del repetido regreso de las olas a la orilla que vemos en la Muralla de la Sala de la Muralla.

Fotografía de Francesco Filangieri. Col.legi Major Rector Peset.

Fotografía de Francesco Filangieri. Col.legi Major Rector Peset.

Los talleres son a menudo lugares llenos de misterio, colmados de instrumentos y de desordenados rincones que tienen algo de gabinete de curiosidades. Entrar en ellos permite abrir muchas otras puertas, escuchar otros sonidos y percibir con asombro lo que encierra de único y excepcional un objeto repetido. En estos retratos de carpinteros, restauradoras, cerrajeros, herreros, ebanistas, sastres y ópticos –entre otros muchos oficios- hay una cierta melancolía, como si se tratara de escenas de un mundo que declina. Rostros no exentos de cierto orgullo en la mirada y en el gesto, el gesto de quien se sabe dueño de una competencia técnica y de una destreza que no se agota en unos ojos precisos y en unas manos prodigiosas.

Montaje de fotografías de la tarjeta de presentación de la muestra 'Artigiani', de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Montaje de fotografías de la tarjeta de presentación de la muestra ‘Artigiani’, de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Una de las imágenes muestra a un sonriente fotógrafo en el instante en que acciona el disparador de una vieja y hermosa cámara de caja. Me atrevería  a decir que hay en ella algo más que el tributo al amigo y maestro Giuseppe Cappellani, en cuyo estudio de Palermo se formó Filangieri. Es sobre todo una exigencia moral, una manera discreta y elegante de sugerir que estas fotografías no son superiores a los objetos que construyen quienes vemos en ellas. Artístico y artesanal no son términos rivales. Una buena foto es tan valiosa como una silla bien tapizada o un violín de exacto calibre. Soy y me siento artesano, reconoce el autor a propósito de estas fotografías.

Fotografía de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Fotografía de Francesco Filangieri. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Salvador Albiñana

Martí Anson, arquitectura anónima y sencilla

Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo
Nivell Zero de la Fundació Suñol
Rosselló, 240. Barcelona
Hasta el 6 de septiembre

El Nivell Zero de la Fundació Suñol presenta ACTO 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo, un proyecto que toma como punto de partida la casa de vacaciones que Joaquim Anson ideó y construyó para su familia en los años setenta. Su hijo Martí la ha reconstruido con el objetivo de reivindicar la arquitectura anónima y sirviéndose del icono de los pabellones nacionales de las exposiciones universales. El Pabellón catalán se presentó por primera vez en el Palais de Tokyo de Paris en 2013.

Obra de la exposición 'Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Obra de la exposición ‘Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo’. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

A principios de los años 60, Joaquim Anson se dedicaba a la creación de muebles de madera de manera altruista en Mataró. Su objetivo era hacer muebles a un precio asequible, siguiendo una cierta tendencia de la época centrada en la cooperación entre profesionales de diferentes disciplinas. Arquitectos, abogados, administradores, gestores y artesanos trabajaban conjuntamente en varios proyectos, apostando por las prácticas comunitarias y rompiendo con el sistema jerárquico de la dictadura.

Siguiendo el espíritu de la edificación barata, Joaquim Anson, que no era ni arquitecto ni constructor, se planteó la construcción de una casa de vacaciones para su familia. Después de comprar un solar en las afueras de un pueblo de La Garrotxa, se lanzó a la construcción pensando que era posible disponer de una casa a bajo coste utilizando el mínimo necesario de materiales. Por esa razón, diseñó una casa en que la construcción con ladrillos cubría todas las necesidades, tanto a nivel de estructura como de mobiliario, que se incorporaba directamente a la obra de ladrillo. La economía del espacio era uno de los puntos esenciales de la edificación. Un edificio como un mueble.

Montaje de la exposición 'Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo'. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

Montaje de la exposición ‘Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo’. Imagen cortesía de la Fundación Suñol.

En el año 2013, con motivo de la presentación en el Palais de Tokyo de Paris, su hijo Martí Anson decide reconstruir la casa. Se trata de una estructura de madera desmontable, que se puede volver a montar en pocos días y sin la ayuda de profesionales. La construcción de Anson rinde homenaje a los constructores anónimos que realizaban proyectos que se concretaban en edificios sencillos, funcionales y asequibles.

De esta manera, pone en valor los conocimientos y el know how del patrimonio local, como hacen los pabellones nacionales de las exposiciones universales e internacionales, que representan las ideas de un país a partir de la forma arquitectónica en que se concretan. Así pues, la casa familiar es también un “pabellón catalán” y adquiere así un cierto significado político, aquel que reivindica una forma de acción anónima y cooperativa.

Obra de la exposición Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo. Imagen cortesía de Nivell Zero de la Fundació Suñol.

Obra de la exposición Acto 29: Martí Anson. Pabellón catalán, Arquitecto anónimo. Imagen cortesía de Nivell Zero de la Fundació Suñol.