‘Algún paisaje’, el stand de MAKMA en la feria MARTE

Stand MAKMA
Feria MARTE
Del 15 al 18 de noviembre 2018
Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón
www.feriamarte.com

MAKMA estará presente en la Feria MARTE de Castellón presentando su edición especial en papel con motivo del quinto aniversario de la revista. En esta ocasión, y a propósito de la imagen destacada en la portada de la publicación, MAKMA dará visibilidad al trabajo de una selección de artistas que trabajan en torno al paisaje entendido como fruto de la relación entre el ser humano y la naturaleza, llevada a cabo por Eva Marín, doctora y profesora en la Facultat de Belles Arts de San Carles en la Universitat Politècnica de València. Esta iniciativa se enmarca dentro de uno de los propósitos principales de la revista MAKMA, el de difundir la creatividad de los creadores y creadoras y de los espacios que se encargan de esta misión. El stand incluye, además, una selección de trabajos de edición de El Caballero de la Blanca Luna.

Algún paisaje

Artistas:: Gabi Gallego / Carmen Jiménez / Priscilla Romero / Tamara Jacquin / Charlotte Bracho / Víctor Alba
Comisariado: Eva Marín e Ismael Teira

Carmen Jiménez (Badajoz, 1990) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca; realizó el Máster de Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia y el Máster de Obra Gráfica en la Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña. Su trabajo se desarrolla entre dos lenguajes muy definidos la pintura y la gráfica contemporánea. Ha expuesto en la sala Unamuno de Salamanca, el Centro 14 de Alicante, la galería Tigomigo de Terrasa o la CALL20 de la galería Luis Adelantado de Valencia. Ha participado en ferias como FIG Bilbao y obtenido becas como la de la Fundación Vicente y García Corselas.

‘Descifrar I’ pieza de carácter pictórico, se centra en este lenguaje y todas sus posibilidades, desde sutiles gestos a trazos que rompen el carácter delicado de algunos ambientes y construidos a partir de la posibilidad de ir añadiendo una capa y otra de pintura, como queriendo olvidar lo que hay detrás.
¿Nos oculta o nos muestra? Ventanas de color parcialmente ocultas, contenidas, ordenadas, quizás evitando el desborde. Quizás una pintura niña que se volvió adulta, que tras el juego, decidió ordenarse.
Ella, la imagen, dialoga conmigo “lo que ves son solo los trazos finales de mi apariencia, reconoce, sin embargo, que soy más que eso, que yo también tengo pasado”. Entonces, mis ojos curiosos se volvieron profundos y recordé que nada es solo lo que aparenta ser. (Espectador anónimo)

Carmen Jiménez. Descifrar I, (Notas al pie). 2018. Óleo sobre lona 162 x 130 cm

Carmen Jiménez. Descifrar I, (Notas al pie). 2018. Óleo sobre lona 162 x 130 cm

Gabi Gallego (Barcelona, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En 2008 recibe la beca Erasmus en School of Creative Arts, UWE, en Reino Unido. Posteriormente cursa el Máster oficial en Producción Artística (UPV). En 2011 le conceden la Beca de Paisaje de la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce (Segovia) y la Beca de Pintura de la Fundación Privada Güell de la Reial Academia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. En 2012 es becada por la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, en Córdoba. Participa en numerosas exposiciones colectivas destacando la realizada en el Museo Ibercaja Camón Aznar de Zaragoza o la 76 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; e individuales como “Hacia una anarquitectura” en el Centro Cívico Sarria en 2018.

Su obra pictórica es una reflexión sobre la transformación del paisaje: lugares que confrontan al ser humano con la arquitectura y con la (nueva) naturaleza, aludiendo al paso del tiempo. Con el fin de crear espacios ficticios e irreales donde subvertir los significados de la arquitectura, de los objetos y de la realidad para reflexionar sobre el entorno en el que habita el ser humano. Por ello, a través de sus pinturas, El Extranjero y Nonument, la artista busca un constante diálogo entre creación/ destrucción, lugar/no-lugar, espacio/no-espacio, presencia/ ausencia y memoria/olvido. Por un lado, El Extranjero es una pintura que reflexiona sobre la exploración del territorio a través de la huella, convirtiendo un no-lugar en lugar. Y por otro, a través de la pintura, Nonument, la artista refleja la contraposición entre la construcción y desconstrucción a partir de la estructura de una casa en un inhóspito paisaje.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo sobre lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo s/ lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Priscilla Romero (Costa Rica, 1987) es artista visual y profesora titular de grabado y dibujo de la Escuela de Arte y Comunicación de la Universidad Nacional de Costa Rica. Actualmente doctoranda en la Universidad Politécnica de Valencia. Durante los últimos nueve años ha investigado la gráfica múltiple expandida y los medios experimentales de impresión y registro del cuerpo, estableciendo una dialéctica entre las poéticas discursivas y los procesos formales. Ha participado en exposiciones internacionales en diversos países como Polonia, México, Francia, Estados Unidos, El Salvador y España. En el presente año ha sido galardonada con el premio de Leon Wyczólkowski de la Trienal Internacional de Grabado de Cracovia.

La serie indicios plantea un grupo de imágenes provenientes de fragmentos corporales que rompen el vínculo con la representación convencional de la figura humana para abrir al público un espacio abierto de búsqueda y asociación de las improntas topográficas del cuerpo que remiten al imaginario colectivo e individual: un pezón que deviene en cráter volcánico, una vulva que nos recuerda un crustáceo, un párpado que asemeja una hoja seca, una piel envejecida que nos recuerda la corteza de un árbol…

Priscilla Romero. Indicios. 2013. Impronta con Latexgrafía sobre papel Gampi 20 x 20 cm cada pieza

Priscilla Romero. Indicios. 2013. Impronta con Latexgrafía sobre papel Gampi 20 x 20 cm cada pieza

Charlotte Bracho (1990), artista franco-venezolana, licenciada en Bellas Artes con especialidad en diseño de la Universidad Concordia de Montreal, en Canadá. Actualmente, reside y trabaja en Valencia donde está completando un Master en producción artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Fue diseñadora y miembro de la revista Yiara en 2015/16, en la que dirigió la línea artística visual de la revista y su plataforma web. Ha expuesto su trabajo en Canadá y España. Recientemente ha sido premiada en la muestra PAM!18 en Valencia, y es la beneficiaria de la Beca Pedro Marco 2018.

Mímêsis es una serie fotográfica de estructuras de papel efímeras. El papel ya no es plano, sino que se convierte en un mineral, rocoso, con una textura visual porosa que requiere tacto, que sorprende y modifica nuestra relación con las formas. Formas que han perdido su estabilidad, destacando vibraciones materiales. La obra resalta un estado de transición, un paisaje experimental y sensorial, ampliando nuestra percepción y concepción del mundo. Paisaje en el que la piedra se vuelve fibrosa y la fibra se vuelve porosa, como un camuflaje en un proceso de mimetismo constante de los materiales. Mímêsis revela una forma natural, de carácter orgánico, con una imprecisión constante. Una forma capaz de proliferar, con tensiones que conducen siempre a una metamorfosis implícita.

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30x40 cm cada una

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30×40 cm cada una

Tamara Jacquin (Chile, 1986), artista multidisciplinar asentada en Madrid, estudió Arquitectura en Chile y Francia. En España realizó el Máster de Producción Artística (UPV) y el Máster de Investigación en Arte y Creación (UCM). Ha participado en diversas exposiciones y festivales de videoarte en España, México, Argentina, Italia y Cuba. Ha obtenido becas como las Ayudas Específicas de Casa de Velázquez (Madrid, 2017), Tabacalera Cantera (Madrid, 2017), la Beca de Residencia Artística en Ayllón (Ayllón, 2016), la Beca de Producción de la Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2015), el FondArt del Gobierno de Chile (2016 y 2017) o la Young Talent Scholarship de la International Summer Academy de Venecia (Venecia, 2016).

‘Silenciar el Vacío’ hace referencia a ese murmullo insistente y persistente que te acosa, te
persigue, aparece y desaparece. La mente intranquila rumia pensamientos nocivos. No hay
escapatoria. El cuerpo en el espacio inhóspito se contrae. Consumido por el paisaje, no consigue
aplacar el sonido. El vacío está lleno de ruidos.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60x90 cm.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

Víctor Alba (Salamanca, 1986) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Realizó el máster Especialista en Pintura en la Universidad de Belgrado, Serbia, y el máster en Producción Artística de la UPV, donde actualmente es doctorando. Ha participado en exposiciones colectivas en centros como el Museo Sorolla de Madrid, feria Estampa, JustMad 6, Art Mad, ARCO o Casa de Velázquez; y a nivel internacional en Bruselas, Washington, Varsovia, Praga o Aquisgrán; y realizado exposiciones individuales en Santander, Salamanca o Vitoria. Ha recibido algunos galardones como el primer Premio de la Fundación Gaceta de Salamanca, o el primer del Certamen Pancho Cossío de Cantabria; y disfrutado de residencias internacionales en Japón o la República Checa.

Estas piezas forman parte de mi último proyecto que desarrollo ante la idea Paisaje, partiendo del convencimiento de que es un constructo social basado en una actitud estética por parte del observador, que es la que convierte un lugar, o una obra de arte, en un paisaje. En estas piezas, utilizo fragmentos superpuestos de pintura seca, provocando horizontes artificiales, que evocan paisajes incidiendo en la idea anterior, jugando con la ironía de estar buscando el límite del propio término: ¿qué es paisaje y qué no lo es? A su vez, esta búsqueda de límites se solapa con la búsqueda de los límites de la pintura en sí. Es un trabajo únicamente pictórico, pero si bien es cierto, se sale de la bidimensionalidad a la que nos tiene acostumbrados el género Paisaje, siendo estos artefactos tridimensionales.

Víctor Alba. La estructura del Horizonte (1,10,6 y 11). 2018. Acrílico sobre lino 7 x 11 cm.

Víctor Alba. La estructura del Horizonte (1,10,6 y 11). 2018. Acrílico sobre lino 7 x 11 cm.

Imagen de portada: Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

Remains: restos que permanecen

Remains, de Rebeca Zurru
Espai d’Art de El Cortes Inglés de Colón. Valencia
Hasta el 26 de febrero de 2017

“En el espejo, me veo donde no estoy, en un espacio irreal que se abre virtualmente detrás de la superficie, estoy allá, allá donde no estoy, especie de sombra que me devuelve mi propia visibilidad, que me permite mirarme allá donde estoy ausente: utopía del espejo

Michel Foucault “Des espaces autres

Existe un ecosistema singular en el que los límites se diluyen de  forma arbitraria. Donde la reflexión y la práctica artística poseen la habilidad de hacer que lo estático se torne permeable, provocando que las realidades circulen en planos paralelos e incluso divergentes a lo que viene establecido como norma. A su vez, provoca que se difumine la estructura del sistema que lo sustenta, así como el poder de quienes dicen ser sus defensores, logrando invertir el orden de las cosas y transgrediendo las relaciones socialmente legitimadas.

A medida que las colectividades se desarrollan, el individuo se ve envuelto en diferentes estadios de comprensión en torno a lo que implica el ejercicio del poder y en consecuencia, a la dominación asumida como deducción lógica en la evolución de las sociedades según temporalidades y lugares. Las formas de disciplina instauradas en lo social, político y cultural se ven como algo endémico y propio de un sistema de órdenes que seduce por lo fácilmente que se asienta, por cómo domestica a las masas y por esa espontaneidad dócil de los que nos inscribimos en esas dinámicas. Modelos peculiares que instrumentalizan y operan a diferentes niveles y que nosotros, como ‘usuarios’, percibimos tan sólo cuando la configuración inocua de la vida presentada necesita de alternativas en ese momento en el que el mundo se acelera.

Contraponer dos conceptos tan antagónicos como son la práctica artística y su libertad de acción y la dominación enlazada a la subordinación, nos marca una interesante relación dicotómica que no hace sino reflejar la realidad que nos constriñe diariamente de manera continuada, un eterno escenario de limitaciones donde esa supuesta imposibilidad de plenitud nos hace reflexionar sobre aquellos conceptos ‘ideales-tipo’ que han tratado la sociología y la filosofía una y otra vez.

Pieza de la exposición Remains. Imagen cortesía Centre Documentación d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle”.

Pieza de la exposición Remains. Imagen cortesía Centre Documentación d’Art Valencià Contemporani “Romà de la Calle”.

Si aquellas sociedades de control se caracterizaron por una gestión de la visibilidad sesgada, ahora nos encontramos con la posibilidad de entablar diálogos cruzados y mostrar multitud de perspectivas tanto de los tiempos, como de los espacios y sujetos que habitan en las diferentes capas de significado, otorgando visibilidad a esas otras formas de vida y de gestión dentro de una época  que nos aporta los instrumentos para desarticular miradas obsoletas, desgastadas por su rigidez.

El arte como herramienta contemporánea posibilita preguntarnos acerca de las contradicciones que nos rodean, nos interpela sobre otras formas de vida para cuestionarnos sobre lo que el mundo real nos enseña. Aquello que se esconde tras ese espejismo de realidad implica observar de otras maneras, que nos acerquemos o alejemos entendiendo que el escenario exige ser visto y pensado de forma diferente, y que la deconstrucción no es sino un paso más para la emancipación.

Cuando uno se acerca a los trabajos de Rebeca Zurru observa trazos que nos hablan de desaparición pero también de visibilidad, como cuando la lectura entre líneas nos desvela las múltiples posibilidades pictóricas del vacío para que la mirada se detenga en la dificultad y en la complejidad como punto de partida. ‘Remains’ es reflejo de un avance y de un proceso de cambio en el que la artista interroga, no sin extrañeza al medio sobre la objetividad impuesta como filosofía de vida, una metáfora de aquellos restos que la enfermedad nos deja expresados a modo de manchas, trazos y líneas transformados en cicatrices pictóricas.

Rebeca Zurru, con representantes del Espai d'Art de El Corte Inglés y de la Universitat de Valencia.

Rebeca Zurru, con representantes del Espai d’Art de El Corte Inglés y de la Universitat de Valencia.

Durante el proceso busca transmutar el resultado final e interpela de manera estética a los elementos, dando lugar a una escena en la que las narraciones se suceden y los choques se dominan unos a otros en una colonización del espacio pictórico ajeno a la idea de sumisión.

Entendiendo la práctica artística y educativa como vehículo  que nos adentra en otras realidades, sus procesos se apoyan en un pensamiento disruptivo, crítico y transformador.

Como si de una partitura se tratase, los ritmos y lecturas se suceden generando una correspondencia entre espacio interior y subjetividad, donde lo personal entra a formar parte de lo que ella denomina metáfora de la descontextualización. Un lugar expositivo en el que  los discursos circulan en diversas direcciones y donde puede materializar los conceptos apropiándose del significado de las formas y colores para hacer suyas las superficies.

Por medio de su trabajo, Rebeca nos invita a mirar a través de otra lente, a reflexionar sobre diversos contextos para entender que el espejismo de realidad al que nos enfrentamos es sólo una apariencia, que el reto es otro. Ella nos demuestra que su escenario se independiza y que ahora por fin en este terreno, la dominación es algo ya del pasado.

Diana Guijarro

EAC 2017 XVII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo

Convocante: Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert y la Universidad de Alicante
Dotación: 12.000 euros
Modo de presentación: Envío de dossier presencial u online
Plazo de admisión: hasta el 3 de febrero de 2017

1.- OBJETO
1.1.- La presente convocatoria del XVII Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo
(EAC-2017) pretende potenciar la participación de creadores plásticos y visuales. En base
a la documentación aportada por los artistas, se seleccionarán las obras que compondrán
la exposición colectiva de esta XVII Edición que tendrá lugar en el Museo de la Universidad
de Alicante, entre junio y julio de 2017.
1.2.- El Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert y la Universidad de Alicante organizarán
el montaje de la muestra y se editará un catálogo de los que habitualmente viene
publicando el IAC Juan Gil-Albert para este tipo de actividades.
1.3.- Durante la exposición se podrán organizar conferencias, charlas o mesas redondas
sobre arte contemporáneo con la participación de acreditados especialistas.
2.- PREMIOS
2.1.- La dotación económica para premios será de 12.000,00 €. El Jurado determinará las
obras a premiar y el importe de los mismos, de acuerdo con la valoración indicada por el
artista, entre los participantes que forman la exposición colectiva, pudiendo dejar total o
parcialmente, en su caso, desierto el concurso. Las cuantías de los premios estarán sujetas
a lo dispuesto en la legislación vigente en materia de retención del I.R.P.F.
2.2.- Las obras premiadas quedarán en propiedad del Instituto Alicantino de Cultura
Juan Gil-Albert, que podrá conservarlas para sus fondos propios o cederlas a Colecciones
o Museos. Asimismo el Instituto podrá publicar su reproducción, realizar lmaciones y
distribuirlas para difusión cultural.
3. PARTICIPANTES
3.1.- Podrá participar en este concurso cualquier artista interesado, de manera individual
o colectiva. La participación será a título personal, no pudiendo estar representados por
terceros.
3.2.- Las obras deberán ser de reciente creación. Las técnicas, temas y formatos serán
libres, sólo condicionados a que su exhibición sea viable.
3.3.- Cuando se trate de agrupaciones de artistas sin personalidad jurídica, los compromisos
de ejecución asumidos por cada miembro de la misma deberán hacerse constar
expresamente en la solicitud, tanto como la relación pormenorizada y nominativa de
todos sus integrantes. Igualmente se hará constar el porcentaje del premio que le correspondería
a cada uno de ellos, que tendrán igualmente la consideración de beneciarios a
todos los efectos. En todo caso, los componentes de la agrupación nombrarán, de entre
ellos, a un representante ante el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, lo que
deberán acreditar sucientemente para cumplir las obligaciones que, como beneciario,
corresponden a la agrupación.
4. PRESENTACIÓN
4.1.- La documentación se presentará en un único documento digital en formato pdf que
constará de:
1 – Solicitud/Ficha de inscripción con los datos requeridos.

2 – Copia del D.N.I. o equivalente.
3 – Curriculum vitae del autor o autores resumido en una página tamaño A4, como extensión
máxima, a times new roman de 12.
4 – Informe en el que se detalle el estado actual de su investigación plástica o visual con
un máximo de 250 palabras.
5 – Una memoria explicativa de la propuesta expositiva, con un máximo de 300 palabras.
6 – Fotografías de las obras: Un máximo de 10 imágenes.
4.2.- Los concursantes enviarán toda la documentación solicitada en el apartado 4.1, en
un único pdf de un máximo de 9 megas, a la siguiente dirección de correo electrónico:
iaccursos@diputacionalicante.es. Así como en las dependencias del Instituto Alicantino
de Cultura Juan Gil-Albert, en la Calle San Fernando, 44 de Alicante.
En cumplimiento de lo establecido en el artículo 17 de la Ley General de Subvenciones, el
plazo de presentación de solicitudes será de treinta días contados a partir del día siguiente
al de la publicación del extracto de la convocatoria en el Boletín Ocial de la Provincia,
por conducto de la Base de Datos Nacional de Subvenciones, una vez que se haya presentado
ante ésta el texto de la Convocatoria y la información requerida para su publicación.
Las solicitudes se formalizarán necesariamente en el impreso de inscripción, cuyo modelo
estará disponible junto con las Bases del Concurso, en la sede del Instituto Alicantino de
Cultura Juan Gil-Albert, así como en su página web: http:/www.iacjuangilalbert.com
5.- RESOLUCIÓN
5.1.- La selección de las propuestas presentadas se llevará a cabo por un Jurado nombrado
por la Junta Rectora del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert a propuesta de
su Director. Estará integrado por vocales especialistas y expertos en arte designados de
entre los miembros de la Comisión Asesora del Departamento de Arte y Comunicación
Visual “Eusebio Sempere” y la directora de dicho departamento.
El Jurado estará presidido por el Presidente del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert,
en caso de ausencia, podrá ser sustituido por el miembro de la Junta Rectora en
quien delegue, actuando como Secretaria la del Instituto.
5.2.- La resolución del Jurado se publicará en la página web del IAC Juan Gil-Albert.
5.3.- La participación en esta Convocatoria supone la aceptación de las presentes Bases,
cuya interpretación se reserva el Jurado.
6.- EXPOSICIÓN
6.1. Con las propuestas seleccionadas por el Jurado el Instituto Alicantino de Cultura Juan
Gil-Albert organizará una exposición colectiva en el Museo de la Universidad de Alicante,
entre junio y julio de 2017.
6.2.- Los autores seleccionados aportarán las obras que se concreten para la exposición
en el lugar y fechas que se establezcan por la organización, corriendo a su cargo los
gastos derivados de su entrega y devolución. Así mismo, quedan obligados a retirar las
obras al nalizar la exposición. La organización indicará, en su momento, el lugar de
entrega y devolución de las obras aportadas a la exposición.

Imagen de portada: Óscar Vázquez Chambó. Proyecto Sisters. Seleccionado en la pasada edición.

Paisajes de contradicciones

Paisajes de contradicciones, Alba Cataluña
Espai d’Art Colón
C/ Colón 27. Valencia
Hasta el 27 de noviembre de 2016

Las obras de la joven artista Alba Cataluña se exponen en el espacio del Ámbito Cultural de El Corte Inglés de la calle Colón. La tarea de promoción y divulgación de arte joven que lleva a cabo el Corte Inglés, la Real Academia de Bellas Artes y el Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani Román de la Calle, ha tomado un nuevo rumbo al trasladarse, por fin, al centro de la ciudad de Valencia.

Alba Cataluña es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia donde se especializó en pintura. En la actualidad, trabaja en sus proyectos artísticos y los compagina con la ampliación de sus estudios.

En el texto crítico que escribe Gabriela Georgieva se explica que “su pintura es poesía visual. Mediante una profunda introspección la pintora se centra en la búsqueda constante entre el contraste creado entre la ausencia o presencia de la luz. La artista presenta una variación constante en su percepción del mundo, fluctuando en su cambiante sentido, dominado solamente por el color y la luz.

Así pues, pigmentos y luz se funden en una danza interminable, mágica. Crean movimientos como si de un vals de altibajos se tratase. Ella es su propia obra de arte: muchas veces incapaz de dominar la fuerza que brota del lienzo, que llama a gritos al espectador, pero sí con la fuerza suficiente para mandar sobre sí misma. Sus pensamientos, sentimientos y deseos únicamente pueden ser descubiertos a través de la contemplación serena de sus piezas.

Una de las obras de Alba Cataluña. Imagen cortesía Centro de Documentación de Arte Valenciano Contemporáneo.

Una de las obras de Alba Cataluña. Imagen cortesía Centro de Documentación de Arte Valenciano Contemporáneo.

Alba se presenta en la actualidad como una autora que emplea todas las herramientas que se encuentran a su disposición, para centrarse, primordialmente, en la realización de pinturas en las cuales el dripping, el assemblage y el violento pero preciso rasgado de las telas se convierten en su signo de identidad.”

La obra de la artista se fundamenta en fragmentos de paisajes blancos y negros, parajes desolados, donde el tiempo, en su soledad, nos muestra superficies aparentemente limpias en las que puede plasmar el dibujo de la línea, línea como escritura, como huella, como un diario, un abecedario propio, en el cual simplemente recoger la tranquilidad que éstas superficies le confieren al artista día tras día. El enfrentamiento entre estas obras crea un deseo de tocar, la necesidad del tacto mediante la mirada, ese otro tacto que puede llegar a ser embarazoso y al mismo tiempo perturbador de la sensibilidad.

Fenómeno CALL en Luis Adelantado

CALL XVIII
Simone Bailey, Alejandro Botubol, Florencia Caiazza, Carlos Correcher, Iñaki Domingo, Ana Esteve, Sejma Ferré, Alejandro Ginés, Daniel Jordán, María León, Sali Muller, Elia Nuñez, Hilde Onis, Martín Piolatti, Manel Ros, Rosa Rubio y Jesús Eloy Sánchez
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia

“Yo es que nunca me pierdo la Call”. Cuando esta es una de las frases escuchadas en una inauguración, es un hecho que hay algo que funciona. Además, nos aporta una gran pista sobre la dimensión de la exposición. Retomando la genial nominalización cuando hablamos de “La Call” nos estamos refiriendo a la Convocatoria internacional de jóvenes artistas que dirige la galería Luis Adelantado. Esta convocatoria nace con el propósito de fomentar y apoyar la creación artística, y por supuesto, ha logrado, en su ya décimo octava edición, dar a conocer el arte emergente y joven, así como a sus autores enmarcándolos en un ámbito profesional. En esta edición nos topamos con más de una sorpresa…

Casi todas las disciplinas tiene un representación en el recorrido expositivo. Obras de diecisiete artistas componen el total de la exposición, once de ellos son españoles y cuatro de la Comunidad Valenciana. El resto se reparte entre distintas nacionalidades como la argentina, luxemburguesa, estadounidense, holandesesa o serbia. Distintas partes del mundo, incluso de España, con sus respectivas particularidades inherentes al contexto y la cultura.

Dar la bienvenida con un tipo de instalación como ‘The Fool Show XII’ de Daniel Jordán es un gran acierto. Genera curiosidad y realmente representa ese choque que suele ir implícito al arte joven contemporáneo. Esta gran caja de cartón tamaño humano en la que asoman por debajo unos pies esconde algo y fomenta la sensación de querer saber más. María León parece continuar con el juego generado a través de los vacíos creados por la materialidad de la cortina, negra, sobre fondo blanco. Iñaki Domingo con la serie fotográfica ‘Somewhere to Nowhere’ nos muestra la esencia de la disciplina reducida casi al mínimo donde la protagonista es la luz.

Instalación de María León. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Instalación de María León. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Mientras tanto Alejandro Botubol estudia la simbología de los elementos pictóricos a través, sobre todo, de la geometría. De nuevo, un breve ápice instalativo con ‘Sweet, Backbreaking Adolescence’ de Hilde Onis donde el pasado reciente se materializa a modo de juguete y desprende roja limonada, lo que nos recuerda que no hay que dejar de observar o nos perderíamos la intervención en la ventana de Elia Nuñez así como los no-retratos de Jesús Eloy. El aporte de videoarte lo hace Ana Esteve con ‘Después de Nunca Jamás / After Nerverland’, una pieza que toma como referencia la famosa Ruta del Bakalo para construir dos vídeos, mostrados paralelamente, que reflejan el estilo de vida de dos jóvenes anónimos que entran en el bucle de la cotidianidad de la fiesta, el baile y el alcohol.

Una nueva perspectiva hacia la decoración se puede ver en el trabajo realizado por Rosa Rubio y en el hueco detrás del muro, se pueden ver alojados los paisajes de Alejandro Ginés, lo que implica que su ‘Plan de Fuga’ está funcionando, pues tiene vida propia. Los rostros naturales de los personajes de Manel Ros transmiten pura expresión, esa que también, aunque de manera distinta, quiere transmitir la instalación de Sali Muller. Las obras de Martín Piolatti ocupan gran parte de la sala donde están expuestas, el detalle del color intercambiado de los marcos y la neutralidad de los mismos, hace que las texturas sean las protagonistas.

Vista general de las obras de Carlos Correcher (al fondo) y Florencia Caiazza. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Vista general de las obras de Carlos Correcher (al fondo) y Florencia Caiazza. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Ya en la última sala, al ver las obras sin título de Sejma Ferré nos vienen a la mente las escenas de Richard Hamilton pero de composición aún más abigarrada. Parece que se respira mejor alrededor del video de la estadounidense Simone Bailey y cierra el recorrido un Carlos Correcher cuyas obras dialogan con las de otros artistas, obligándonos a pasear entre ellas, a acercamos, como si en el mismo estudio del artistas nos halláramos.

Sin embargo, “La Call” nos reserva otra última sorpresa. Como novedad en las bases de esta edición se incluía premiar a uno de los artistas seleccionados, con el objetivo de llevar a cabo una exposición individual para el espacio Boiler Room, última sala expositiva, en la parte más alta de galería, durante el verano de 2017. La elegida ha sido Florencia Caiazza, cuyas piezas presentadas reflexionan sobre incompatibilidad de los materiales crudos. El vaciado de cemento con un molde de papel, o el cemento y la moqueta,  supeditan todo el proceso artístico al paso del tiempo, su deterioro o transformación es clave para el interesante estudio sobre el volumen escultórico que la artista lleva a cabo. Merecida mención y enhorabuena, en general, a todos los implicados en el proyecto. Muchos estaremos esperando la siguiente “Call”.

María Ramis

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Escif, cinco años de trabajo

A estas alturas todos nos hemos encontrado con la obra de Escif. Conociéndole o no, es inevitable fijarnos en sus críticas político-económicas, presentes por las calles valencianas de Ciutat Vella.

Sin embargo, no sabemos quién se esconde tras este artista -o artistas- que con sus pinturas genera un diálogo entre la pared y el paseante. Muchos se han referido a él como “El Banksy Valenciano”, pero su trabajo debe valorarse no como un símil al artista británico sino por quién es, el mismo Escif, quien a día de hoy ha conseguido tener repercusión internacional.

¿Cómo referirnos a la obra de Escif? ¿Es graffiti o Street Art? Para el artista “Street Art” es un término al que se refiere el mercado del arte para la comercialización. En su manifiesto, La calle otra vez, contesta:  “no creo demasiado en las definiciones, es una forma de encerrarse y de limitar el campo de acción. Estamos hablando de pintura, de jugar, de experimentar, de investigar y a lo mejor también de graffiti.” El artista, por lo tanto, juega con lo que le ofrece el espacio público, la calle, a su vez un espacio con normas, en el que existen unas limitaciones. De esta forma, “una pared pintada deja de ser un límite para convertirse en un canal de comunicación abierto, con ella se puede llegar a muchísima gente.”

"The Reader", por Escif.

“The Reader”, por Escif.

Sus intervenciones son trabajos o reflexiones que desarrolla él mismo, mostrándose ante nosotros como mensajes sutiles, en ocasiones “camuflados” en la ciudad grisácea, dada la gama cromática que utiliza en su pintura mural. Son protestas contra la crisis económica en España, el consumismo y capitalismo del mundo, o contra temas de actualidad más concretos como el caso Gürtel y la trama de corrupción, además de temas relacionados con la Primavera Valenciana, junto a característicos juegos de palabras.

Escif comenzó haciendo graffitis en la segunda mitad de los 90′, tal y como explica en una de las pocas entrevistas que concedió en Velvet Liga. Después empezó a plantearse “la calle como espacio de investigación”. De manera que, como él mismo señalaba en la entrevista:

“Antes luchaba contra el sistema y ahora el sistema soy yo. Soy mi enemigo número uno y mi mejor aliado. Ya no creo en la revolución, pero sí en las pequeñas revueltas que empiezan por uno mismo.”

Con esta frase de lucha personal, y con una gran cantidad de intervenciones a su espalda, os proponemos participar en “Elsewhere”, una recopilación del trabajo llevado a cabo por Escif durante los últimos 5 años. No solo de murales, sino también bocetos, dibujos, ideas, sentimientos… así como pequeñas anécdotas. “No es un libro sobre el trabajo de Escif. Es un trabajo sobre el libro de Escif.”

"Elsewhere", por Escif.

“Elsewhere”, por Escif.

En la página de recaudación se presenta el libro como “un cruce de pensamientos, pinturas, referencias y fragmentos. No desde un punto de vista espectacular, pero como si fuese tu madre quien lo hubiese cocinado”.

El objetivo que se han propuesto es imprimir el libro en febrero para comenzar la distribución en marzo . “Elsewhere” tendrá una primera edición de 1000 copias, un total de 300 páginas a todo color, en diferentes papeles y diferentes texturas. Enrique Casp se ha hecho cargo del diseño y Santiago Alba Rico del texto. A nosotros nos ha tocado la parte de producción. Sí, nosotros, “tú, tus amigos, los amigos de tus amigos y la abuela de Escif”.

A cambio de participar, y según la cuantía que quieras aportar al proyecto, podrías hacerte con una copia del fanzine ANTI-MATERIA, o la edición de Coreographies/Blue realizadas en POW, impresiones de alguno de sus trabajos (The Writer o The Reader) o hacerte con el libro “Elsewhere” firmado y terminado a mano por el autor.

Incluso puedes participar a cambio de recibir a Escif en tu casa para cocinarte una paella vegetariana o tener la posibilidad de aparecer en la portada del libro una foto tuya o de tu familia.

Para colaborar o adquirir más información: “LA CALLE ES GRATIS, IMPRIMIR UN LIBRO NO”

"Elsewhere", por Escif.

“Elsewhere”, por Escif.

Un trabajo de chinos en Mustang Art Gallery

Elia Torrecilla / Francisco Javier Reina. “Chinese work”
Mustang Art Gallery
C/ Severo Ochoa, 36, Elche Parque Empresarial
Horario ininterrumpido de 10:00 a 20:00 horas, de lunes a sábado
Hasta el 12 de octubre de 2013

Elia Torrecilla y Francisco Javier Reina son los ganadores de la Beca “Puénting” 2012, que han sorprendido con un montaje para el que han utilizado 2.000 zapatillas rojas compradas en China, haciendo realidad su proyecto creativo “Chinese Work”, que plantea una reflexión sobre la expansión económica mundial de China en los últimos años, la fuga de capital y el abaratamiento de la producción.

Elia Torrecilla / Francisco Javier Reina. Chinese work, 2013. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

Elia Torrecilla / Francisco Javier Reina. Chinese work, 2013. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

Se trata de una singular, arriesgada, crítica y comprometida propuesta,  ganadora de la segunda edición de la Beca Puénting que otorga el Vicerrectorado de Cultura y el Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández de Elche y Mustang Art Gallery. El objetivo de la beca es generar un salto a la profesionalización en el ámbito de la producción artística tomando como base de operaciones los talleres de la Facultad de Bellas Artes de Altea.

Según sus autores, “este proyecto aborda nuestras posturas en relación al capitalismo desde un interés mutuo por el espacio y lo objetual. La Beca Puénting nos dio la oportunidad de realizar una colaboración en equipo, centrándonos en una de las actividades industriales de la comarca de Elche: el calzado. De esta forma nació CHINESE WORK, un trabajo de chinos que presentamos con una instalación concebida ex profeso para la Sala MAG”.

Esta es la instalación artística número 20 que acoge Mustang Art Gallery desde que se puso en marcha en julio de 2010. La Sala MAG se configura así como una sala de exposiciones para la promoción y difusión del arte emergente y contemporáneo, suponiendo una iniciativa innovadora dentro de un entorno empresarial como es Elche Parque Empresarial.

Elia Torrecilla / Francisco Javier Reina. Chinese work, 2013. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

Elia Torrecilla / Francisco Javier Reina. Chinese work, 2013. Imagen cortesía Mustang Art Gallery

TEST. Chema López / Ximo Ortega / Clara Bleda / Paula Bonet

TEST
Con trabajos de Chema López, Ximo Ortega, Clara Bleda y Paula Bonet
Inauguración: 1 de marzo, 20h.
Hasta el 13 de abril de 2013
El Convent. Espai d’Art
C/ Hospital, 5
Casa de l’Oli
Plaça de Mossen Ballester, 1
Vila-real (Castelló)

Claredat de l’art
L’obra de Chema López ha incidit sobre els grans relats de la modernitat i les seues bases ètiques, amb la certesa que estan sotmesos a una profunda crisi. En aquesta crisi, i inclús dins de les seues ferides obertes, l’artista inicia la seua reflexió. El resultat no és tant una possibilitat de restituir-los, fugint per tant de la figura de l’artista com a guru, sinó de firmar el seu certificat de defunció a través d’homenatges fragmentaris i no sempre oferits a primera vista.
El mateix fet de pintar determinades escenes exemplars d’aquesta debilitat crítica completa la consciència de la crisi.
Aquesta pareix la comesa que s’ha proposat l’artista. En una cançó interpretada per Bonnie Prince Billy, es llança la pregunta Why must the same love made me laugh, make me cry?, “Per què el mateix amor que em va fer riure, ha de fer-me plorar?”
La qüestió implica la gran complexitat de les coses que, sent ja sabudes, no per això perden la seua càrrega emocional i profunda.
La pintura i l’escriptura comparteixen una vinculació primigènia per la comprensió del món a través del llenguatge, cada vegada més sofisticat, on el text esdevé imatge i les imatges necessiten ser llegides.

Àlvaro de los Àngeles

 

Tres pardals d’un tir.
Les seues escultures no exposen solucions de continuïtat relacionades amb el futur, sinó una referència permanent a la resta, al fragment des del qual no és possible reconstruir el tot, a la processualitat, al reciclatge de la fusta que abandona per això la seua qualitat de producte per a recuperar els seus valors en brut, per a perdre l’olor de mercaderia.
Com un fuster peculiar, va generant híbrids d’animal i arquitectura en un bestiari personal en què es produeix la simbiosi d’allò orgànic i allò constructiu, marcat per buits ortogonals que mostren l’interior d’aquelles carcasses, semblants a mobles inestables. En elles habitem sempre els límits i en situacions sempre límit. Com a animals ensinistrats, caçadors caçats, els individus contemporanis conceptualitzem el nostre temps com un present d’aniquilacions i supervivències, sense demores, sense possibilitat de sedentarisme o nomadisme, sinó només de subsistències precàries.
D’aquesta manera, el treball de Ximo Ortega Garrido és una invitació a creuar el confús buit de la contemporaneïtat, els seus trofeus espectaculars i la seua derrota monumental.

Marina Pastor

 

FM2
Clara Bleda capta instantànies de quotidianitat, reflex del pas del temps i les seues relacions, de les connexions i interaccions de la ciutat amb els seus habitants, i ho fa mitjançant el llenguatge de comunicació urbana, detenint el temps en les seues fotografies. Bleda desenvolupa aquest llenguatge després de buscar els seus referents en els pioners del color, però sempre sota una mirada entremaliada.
Ser fotògrafa professional pot paréixer una labor entremaliada –per usar l’expressió pop de Diane Arbus– en la qual les càmeres són màquines que fabriquen fantasies i creen addicció. Paul Strand deia que la fotografia és un registre de la vida, per a qui sàpiga veure-ho; carabasses, picaportes, cotxes, fanals, racons, rètols, cafeteries, etc., formen part de la quotidianitat que se’ns escapa i rescata Bleda per a nosaltres. Les seues obres capten i reflecteixen els detalls transformant l’essència dels seus protagonistes i les alliberen de l’anonimat.
La càmera analògica li permet captar imatges amb un tractament de pel·lícula que li aporta una textura cinematogràfica a les seues sèries, revelant un estil que destaca per una estètica tipogràfica, caracteritzada per la frontalitat i l’atemporalitat.

Irene Gras Cruz

 

Viatge a l’interior de Paula Bonet
Benvolguts passatgers, cordin-se els cinturons, posin els seus seients en posició vertical i apaguin els dispositius electrònics. L’espectacle Paula Bonet és a punt d’alçar el vol. Amb “Life vest under your seat” els espera un viatge que mai no oblidaran al llarg de les il·lustracions més íntimes d’aquesta jove artista vila-realenca de traç instintiu i directe, gairebé animal.
Posseïdora d’un claríssim do per al dibuix, les seves creacions ja ostenten una marca pròpia que parla totes les llengües, atrau totes les mirades i sedueix els cors d’arreu del món. Ella és inconfusible, irrepetible i universal.
Les imatges seleccionades per a aquesta exposició, no obstant, tenen més en comú que un estil fresc o una tècnica exquisida. Perquè en aquest cas, sí, cal prendre-s’ho com un assumpte personal. Totes elles estan inspirades en les vivències de la Paula Bonet i juntes conformen un retrat del seu univers interior, descobrint-nos una autèntica transformista de l’expressió artística, capaç d’adoptar les pells que calgui per posar en ordre allò que li cou a la pròpia carn.

María Leach

Bayrol Jiménez. LandEscape

Galería Luis Adelantado. Valencia

Inauguración: miércoles 30 de enero, a las 20h. 

Hasta el 22 de marzo de 2013

Esta segunda exposición individual del artista mexicano Bayrol Jiménez (Oaxaca, México 1984) en la Galería Luis Adelantado, titulada “LandEscape”, es un juego de palabras que conjuga la idea de paisaje y de fuga, apuntando así los dos conceptos claves de la exposición. El proyecto, busca generar tangentes que muestren un paisaje híbrido en el que las referencias culturales, los viajes del propio artista y su imaginario se mezclan con el interés por un paisaje social y urbano, con los que construir o reconstruir realidades más amplias.

Para Jiménez, el dibujo, de donde surge toda su obra, no tiene límites espaciales. No es un papel acotado, es la concatenación de varias secuencias, la superposición, la explosión que contamina paredes y suelos y que en última instancia, genera una instalación global en la que la presencia de objetos tridimensionales – que nos recuerda a las arquitecturas efímeras de la ciudad – participan a su vez de esa idea de assemblage contemporáneo.

Parte del imaginario de sus obras, viene dado por la idea de tránsito, de recorrido; deambular por la ciudad a la manera de los Situacionistas pero, un recorrido esta vez, en el que la atención por el detalle será primordial. Como el mismo nos cuenta: “Me interesa el encuentro azaroso con distintos objetos, huellas urbanas que tienen un carácter específico y que en cuya existencia encuentro aspectos que los hacen interesantes, tales como: la forma en la que están dispuestos en el espacio, el color, la materia, su composición, las imágenes que contienen, su cualidad pictórica…” También esa búsqueda se refleja en su vida, a caballo entre México y Francia.

Todo ello, le proporciona gran cantidad de imágenes y estímulos que junta y entremezcla creando un nuevo y alucinado mundo que se percibe como precario pero a la vez extremadamente hiperreal. En una misma obra podemos encontrar referencias a la cultura popular, al arte Povera, al ready-made pero también a los slogans publicitarios, la imaginería underground, el universo del cómic y de los mass-media

Meteoritos. 2013 Acrílico y tempera sobre papel 150×120 cm. Imagen por cortesía de la Galería Luis Adelantado

A la hora de la ejecución final de las obras, hay una idea básica de aglutinar, en la que involucra la improvisación, es la parte más lúdica. Todo lo recolectado; ideas, imágenes y objetos físicos convive en un verdadero collage tridimensional. El proceso implica una actividad experimental y azarosa, como describe André Bretón, en la que Jiménez se identifica totalmente: “…en esa actividad, lo que buscamos antes que nada es divertirse y es después, en sus consecuencias, cuando descubrimos la riqueza que le aporta al conocimiento.”

 

Bayrol Jiménez realizó estudios en “La Esmeralda” (México) y posteriormente, en la Ecole dArt Villa Arson en Francia. De entre sus exposiciones individuales destacan: “The voice of…Onomatopee” en Holanda (2012); “The Roads of Devotion”, Galerie Dukan Hourdequin, París (2012); “Historias Salvajes”, Luis Adelantado Mexico (2010) y “Bayrol Jiménez”, Luis Adelantado Valencia (2008). Últimamente ha expuesto de manera colectiva en Resisting the Present, Musee dArt Moderne de la Ville de Paris y Museo Amparo, Puebla (2012); “Tell me your dreams and your nightmares”, M.D.A, Cagnes (2010) “54 Salon d´Art Contemporain de Montrouge”, París (2009).

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LandEscape
BAYROL JIMÉNEZ
From January 30th until March 22nd
Opening Wednesday January 30th at 08.00 PM
The gallery Luis Adelantado Valencia is pleased to present the second solo exhibition by Mexican artist Bayrol Jimenez (Oaxaca, Mexico 1984) entitled “LandEscape”, a play with words, which combines the idea of landscape and vanishing, thus emphasizing the two key concepts of the show. The project seeks to generate tangents showing a hybrid landscape in which cultural references, the artist’s own travel and his imagination mixes with interest in social and urban landscape, with which to build or rebuild broader realities.
For Jiménez, drawing, from which arises all his work, has no spatial limits. It’s not a limited paper, it’s the concatenation of several sequences, overlapping, the explosion that pollutes walls and floors and ultimately generates a global installation in which the presence of three-dimensional objects – which reminds us of the ephemeral architectures from the city – part turn that idea of contemporary assemblage.
Part of the imagery in his work, is from the idea of transit, to travel, to wander the city in the manner of the Situationists but this time a tour, in which attention to detail is paramount. As he himself tells us: “I’m interested in the chance encounter with different objects, urban fingerprints that have a specific character and in whose existence I find aspects that makes them interesting, such as: the way they are arranged in space, the color, the material, the composition, the images they contain, their pictorial quality … ” A search that is also reflected in his own life, somewhere between Mexico and France. All this provides him with lots of images and stimuli that mixes together creating a stunning new world, perceived as precarious but yet extremely hyper-real. In the same work we find references to popular culture, arte Povera, the “ready-made” but also the advertising slogans, underground imagery, the universe of comics and the mass media…. At the final execution of the works, there is a basic idea of binding, which involves improvisation, is the more ludic part. All that has been collected; ideas, images and physical objects coexist in a true three-dimensional collage. The process involves an experimental and risky activity, as described by André Breton, in which Jiménez finds himself totally identified “… in that activity, what we want above all is to have fun and it is afterwards, in the consequences, when we discover the wealth it contributes to knowledge. ”
Bayrol Jiménez first studied at “La Esmeralda” (Mexico) and later on at Ecole d’Art Villa Arson in France. Among his solo shows are well worth mentioning: “The voice of…Onomatopee” Holand (2012); “The Roads of Devotion”, Galerie Dukan Hourdequin, Paris (2012); “Historias Salvajes”, Luis Adelantado Mexico (2010) y “Bayrol Jiménez”, Luis Adelantado Valencia (2008). Lately he has been part of group shows at Resisting the Present, Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris and Museo Amparo, Puebla (2012); “Tell me your dreams and your nightmares”, M.D.A, Cagnes (2010) “54 Salon d’Art Contemporain de Montrouge”, Paris (2009).