Carmen Calvo. Una jaula para vivir

Carmen Calvo. Una jaula para vivir
Galería Ana Serratosa
C / Vicente Beltrán Grimal, 26. Valencia
www.anaserratosa.es
Presentación, jueves 1 de febrero
Hasta el 28 de febrero de 2018
Visitas gratuitas, lunes a viernes de 17 a 20.30 horas

La instalación se inicia el mismo día en que Carmen Calvo lee la noticia en un periódico, (noviembre de 1997) sobre una niña de siete años que pasó dos semanas de su vida viviendo encerrada en una jaula. Un trágico suceso que la autora quiso reflejar a través de su particular mirada.

‘Una jaula para vivir’ combina elementos como juguetes, peluches, muñecas y otros objetos relacionados con la infancia, que junto con la iluminación, el sonido y la propia mirada del espectador, recrean y ponen hincapié en el universo de la primera edad.
La presencia de espejos y de la jaula (la parte más importante de la instalación, e idéntica a la aparecida en la foto de la noticia) convierten la obra en una experiencia asombrosa y escalofriante que pone en el punto de mira un tema tan relevante y actual como es el maltrato infantil.

Montaje con algunas imágenes de la instalación. Imagen cortesía de la Galería Ana Serratosa.

Montaje con algunas imágenes de la instalación. Imagen cortesía de la Galería Ana Serratosa.

La diversidad de materiales que Carmen Calvo emplea en la creación de sus obras, representan un rasgo característico personal en la composición de la instalación. Elementos encontrados o, también, adquiridos en mercadillos y rastros, junto a materiales como el cemento, el mármol, el cristal, el barro, el yeso y un largo etcétera, forman parte de sus composiciones.

En relación con su trayectoria, Carmen Calvo (Premio Nacional de de Artes Plásticas, 2013) inicialmente ingresa en la Escuela de Artes y Oficios y, posteriormente, en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Sus trabajos adquieren reconocimiento internacional sobre todo a partir de mediados de los 90. En 2003, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó una exposición individual de toda su obra.

‘Una jaula para vivir’, ahora reinterpretada casi dos décadas después de su creación, se presentará el día 1 de febrero en una velada en la que la autora también protagonizará una charla sobre su carrera artística. Esta instalación coincide en el tiempo con la exposición ‘Peces de colores en la azotea’, una muestra de obra totalmente inédita que acoge la otra sede de la Galería Ana Serratosa (ubicada en el ático de la calle Pascual y Genís, 19 de Valencia) y que continuará hasta finales de febrero.

Virginia Kelle y la ciudad ideal

Virginia Kelle. Looking-off
Galeria Benlliure
Cirilo Amorós, 47
Valencia

“El pintor persigue la línea y el color, pero su fin es la poesía”
Rembrandt van Rijn

El diálogo con la arquitectura urbana solo llega después de un rato de silencio, y en el caso de Virginia Kelle, el tamiz del silencio tiene varias fases. Desde la toma de imágenes con la cámara y los apuntes manuales, hasta la composición y ejecución de la obra en soledad. En su estudio. Donde transforma el primer apunte con esmero, donde cualquier detalle urbano pre-existente es enjuiciado por su imaginación y donde le dará otra oportunidad, tanto da, puede tratarse de una gran avenida, un establecimiento comercial, un grafiti, un callejón sin salida, un logotipo maravilloso o el escaparate más atractivo. Pocas composiciones previas son definitivas, siempre suele faltar un pequeño detalle que altera el equilibrio sobre la disposición ideal. Lo incorporará, pero no será suficiente en absoluto. No para ella. Sí, para cualquier otra mirada. Se trata de inconformismo autocrítico. La búsqueda de lo perfecto.

Como base, no todo son apuntes y fotografías, los seres humanos tenemos la capacidad y el deseo de coleccionar y conservar objetos, documentos o imágenes de todo tipo, en el caso de Virginia Kelle, también personajes y perspectivas urbanas que permanecen en la colección que atesora su inconsciente, elementos que a la postre pasarán a formar parte de sus escenarios, a la reubicación que les concederá el ejercicio de su templanza. Una por una, cada pieza representada en las siguientes páginas, es un alarde de esos elementos que previamente ha coleccionado, que ha ido interiorizando para después alojar en el gran álbum imaginario que representan sus composiciones.

Probablemente se trata de la eficacia imaginativa, una condición separada de lo que entendemos por fantasía: el proceso relacionado directamente con la acción de ver, y concretamente con la visión. Visión que no necesita de los ojos, porque es precedente. Se adelanta a su tiempo.

Museum Tavern, óleo y acrícilo s/aluminio y metacrilato (90 x 120 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

Museum Tavern, óleo y acrícilo s/aluminio y metacrilato (90 x 120 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

Arquitectos, urbanistas, sociólogos, filósofos, o economistas, llevan lustros deliberando por qué determinadas ciudades, distritos, o arterias urbanas se desarrollan en positivo, y simultáneamente, otras están amenazadas por la despoblación y la degradación. Las discusiones no parecen dar con las claves definitivas, los problemas son variados y están más o menos identificados, pero siempre hay elementos que no obedecen a las estadísticas ni a las proporciones. Y sin eso, no hay soluciones. El problema de la contaminación, la sostenibilidad, el tráfico, el orden urbano y la forma de organizarse en las grandes urbes son factores clave, y la civilización entera se equivoca cuando no confía en sus creativos para visionar salidas.

UNKNOWN READER, óleo y acrílico s/aluminio y metacrilado (150 X 150 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

UNKNOWN READER, óleo y acrílico s/aluminio y metacrilado (150 X 150 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

En los escenarios de Virginia, parece que el bienestar está instalado en las tertulias de los cafés, espacios para gastronomía, o el cuidado de la salud. Pero también ante paisajes urbanos en los que el grafiti se percibe absolutamente armonizado con el entorno. Las casualidades no existen. Destaca la presencia de libros y la importancia de los personajes que intervienen entre ejemplares relacionados con el diseño (Art Cottage Bookstore), pero también con el placer de la lectura. Es evidente el disfrute sereno entre volúmenes de una librería (Unknown reader). Sin duda, el estudio y la lectura están muy asociados a la ciudad soñada.

Curiosamente, la presencia del icono urbano más representativo de la cultura en las ciudades después de la catedral: el museo, está coligado al nombre de una taberna (Abbot and holder). Lo lúdico y lo cultural se asocian, proponen cercanía y tertulia. El mensaje, suavemente se va colando. Es una vieja receta a tener en cuenta por encima de “Pan y circo para todos”. Muy por encima de la “Letra con sangre entra”. El saber, toma su ángulo más permeable, se convierte en debate. Pasará de boca en boca, desde la acera, cruzará a la terraza de un café, engordará en la librería, se aprovechará en el túnel del metro, en la sala de espera de una clínica. Siempre hay un primer paso para salvar a las ciudades. Para salvar a la humanidad. No se debe perder la oportunidad tampoco desde la pintura. Por un clavo se perdió una herradura, por una herradura se perdió un caballo, por un caballo un caballero, por un caballero una batalla, por una batalla una guerra, por una guerra un país, por un país el mundo entero. Lo dice el famoso verso de Shakespeare.

Cofee house teen, óleo y acrílico s/aluminio y metacrilato (90 x 150 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

Cofee house teen, óleo y acrílico s/aluminio y metacrilato (90 x 150 cm), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

“La ciudad ideal es aquella en la que todo es escuela”
Albert Jacquard

Las imágenes de espacios y vida cotidiana de Richard Estes (1932, Kewanee, Illinois, EEUU) plantean premisas estéticas y filosóficas sobre las urbes: también plasman instantes urbanos de paisajes eternos, automóviles, escenas triviales, artículos de consumo, y escaparates de establecimientos relucientes. Son referencias en la memoria visual colectiva del s. XX. Virginia las tiene interiorizadas, al igual que el propio Richard Estes debió interiorizar a Edgar Degas, Edward Hopper o Thomas Eakins en su día. La vida, y en consecuencia las urbes, siguen inspirando búsquedas y adaptaciones de autores de todos los tiempos. En el caso de Richard Estes, la presencia de vehículos relucientes es una constante que denota un determinado modelo de ciudad. En el caso de Virginia, la presencia del automóvil ha desaparecido en su obra (respecto a anteriores exposiciones).

Se trata de una ausencia notable para el análisis, -sin duda- por representar uno de los iconos del progreso, omnipresente en las metrópolis, la identidad del yo, o como objeto de deseo, capricho y ostentación.

La ausencia del vehículo a motor representa una acción de renuncia. Un cambio de dirección que se dirige hacia un modelo de ciudad que da respuesta a nuevas necesidades. Por un lado, la presencia de la bicicleta como elemento alternativo e icono de sostenibilidad (Gerken’s bike shop), y por otro, la sensibilidad sobre el problema de la contaminación acústica que parece estar presente obra por obra, cuadro por cuadro. El exceso de decibelios también se transmite en la pintura. Suena la música, ronrroneos de debates, gotas de lluvia, incluso suenan las páginas de los libros, puede percibirse la respiración, y puede escucharse el silencio, pero no hay ruido.

Reflections IV, óleo s/aluminio y metacrilato (60 x 60), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

Reflections IV, óleo s/aluminio y metacrilato (60 x 60), de Virginia Kelle. Imagen cortesía de la artista.

“Encuentro hermoso construir un edificio e imaginarlo en su silencio”
Peter Zumthor

Por poder, se puede observar la oscuridad, y puede adivinarse la emoción. Y hasta pueden sentirse los iconos publicitarios, estos últimos ordenados y ubicados al detalle en la escenografía, e integrados en estricta compensación del ya mencionado código estético propio del que participa el espectador ejerciendo el papel de observador como un personaje más. Frente al cuadro, al igual que cualquier personaje imaginario contempla la ciudad a través del escaparate que separa interior y exterior, la vida en sí, ese escenario del que todos somos partícipes.

Detiene la metrópoli, detiene el tiempo, y en ese parón, ordena detalles y busca los rincones perfectos para crear su paisaje urbano de comisuras impecables. Para el buen viajero, todas las ciudades tienen su encanto, su rincón inolvidable, los rincones de Virginia Kelle tienen el encanto propio de sus reflejos, los destellos de luces interiores, los tonos especiales de sus gamas cromáticas, y por lo tanto, tienen el encanto propio y el de todas las demás ciudades.

Vicente Chambó

Superficie de ruptura. Cristina Ramírez

Superficie de ruptura. Cristina Ramírez
Espacio Iniciarte
Calle Capitulares, 2 y calle Pedro López, 5
Córdoba
Hasta el 27 de agosto 2017

La exposición ‘Superficie de ruptura’ de la artista Cristina Ramírez (Toledo,1981), cuyo ciclo se inició en el Espai galería del Tossal (Valencia, diciembre 2016), con ‘Negro humo’, sigue mostrando la genialidad del trazo en el dibujo como obra definitiva, reivindicativa y con argumento propio. Actualmente visible renovada y ampliada, la muestra puede seguirse en el Espacio Iniciarte de Córdoba, ubicado en una antigua Casa Palacio de la Diputación y Biblioteca Provincial de Córdoba. Actualmente, también la Delegación Territorial de Cultura, cuya sala fue rehabilitada en el año 2010 para uso expositivo.

Las obras que componen, esta muestra impecable, forman parte de un todo, es decir, confirman la existente necesidad de imbuirse en la temática que la autora propone, para despertar la capacidad meditativa de cada visitante.

El punto de partida podría ser, la incertidumbre que suscita una naturaleza potente y descontrolada, la cual posee la capacidad divina de modificar todo el entorno hasta ahora conocido. Pero como apostilla Víctor Borrego, ”todavía podemos hacer hipótesis, inferir, atisbar y hasta dar expresión a nuestras expectativas;” otorgando a la humanidad esa capacidad redentora y salvadora, frente a lo inevitable.

'' 2.5 en el silencio se hace grande''. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

” 2.5 en el silencio se hace grande”. Imagen: cortesía de Cristina Ramírez

Con un estilo, que recuerda a la tendencia japonesa del manga, plasma una naturaleza desbocada y atroz, devorando todo a su alrededor. Rescatando la idea reflexiva que propone Borrego en su escrito, nos encontramos ante un punto de inflexión, en el que se presentan dos caminos; por un lado adentrarnos en la más oscura de las incertidumbres sin retorno y por otro,  cambiar el color que pinta el futuro.

La utilización de los colores, como continuidad de lo anterior, se reduce al blanco y negro, superpuesto uno sobre otro para crear texturas, espacios y profundidad aportando calidad al mensaje inicial. Podría entenderse que la presencia humana queda reducida a la figura del espectador, sin embargo, se aprecia en elementos de las propias representaciones como apunta PAC (Plataforma de Arte contemporáneo) ”(…)La podemos encontrar, no como figuración del cuerpo humano, sino a través de las creaciones del hombre: la escalera y la valla, elementos muy simbólicos, vinculados al mundo artesanal y al hogar.” Prueba de ellos es la obra Un zumbido durante días ( 2017).

Fragmento de la exposición, y de la obra  '' Un zumbido durante días''. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

Fragmento de la exposición, y de la obra ” Un zumbido durante días”. Imgen: cortesía de Cristina Ramírez

El trabajo de Cristina Ramírez, invita a reflexionar sobre nuestro propio futuro mirando a través de sus ojos, usando como hilo conductor del discurso la historia narrada mediante sus tintas. Y como sentencia Borrego ”(…) después todo es incierto, penetramos, con horror reverencial, en esa nube del no saber”.

Victoria Herrera Lluch

¿A qué dedica su tiempo Juanjo Sáez?

Hola, me llamo Juanjo Sáez y a esto dedico mi tiempo, de Juanjo Sáez
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Inauguración: viernes 21 de abril, a las 20.00h
Hasta el 20 de mayo de 2017

“Llevo toda la vida luchando para no trabajar, es un empeño que resulta muy costoso y requiere bastante esfuerzo. Esta exposición recoge una parte más que significativa de todo lo que me he dedicado a hacer , con tal de no entrar en la rueda del trabajo. Al final lo que era no trabajar se ha convertido en mi principal actividad y mi vida se ha convertido en esto. Dibujar e inventarme historias es prácticamente mi única ocupación y el sentido de mi vida. En Pepita Lumier podrás ver un bonito resumen de lo que hago y de lo que soy. Ya no sé dónde termina uno y empieza el otro, no por nada se suele decir que somos lo que hacemos.”

Juanjo Sáez (Barcelona, 1972) estudió en la prestigiosa Escola Massana de Barcelona y, tras participar en fanzines ahora ya de culto (“Círculo Primigenio”), su labor como dibujante le hizo destacar, por su brillantez y originalidad, en los campos más diversos ya desde sus comienzos. En efecto, su trabajo ha despuntado en ámbitos como la publicidad para marcas internacionales (Primer Premio en el Festival Publicitario de San Sebastián y dos Oros en el Festival Publicitario Internacional de Cannes), hasta el diseño, los libros, pasando por la prensa y el mundo audiovisual.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Entre sus libros cabe destacar “Viviendo del Cuento” (PRH, 2004), merecedor del Premio Junceda al mejor libro para adultos, al que siguió el longseller “El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre” (PRH, 2006), traducido con gran éxito a varios idiomas. Asimismo, sus colaboraciones en prensa, tanto nacional como de ultramar, han sido el origen de libros como “Crisis de ansiedad” (PRH, 2013), de talante más político o “Hit Emocional” (Sexto Piso, 2015), una especie de autobiografía musical.

Asimismo es el creador de la serie de animación para TV ‘Arròs covat / Arroz pasado’, en la que se cuentan, con la lucidez y el humor que caracterizan a Juanjo, las aventuras y desventuras de un joven treintañero. La serie rompió moldes y cosechó tal éxito de público y de crítica (Premio Ondas en España y el Premio Expotoons en Argentina) que se renovó por tres temporadas. El guión gráfico de la serie se publicó también en forma de libro, ‘Arroz pasado’ (PRH, 2010) y actualmente Juanjo se encuentra ultimando su segunda serie de animación para televisión de creación propia, cuyo estreno está previsto para finales de 2017.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Su más reciente publicación ha sido la edición especial que celebra el décimo aniversario de ‘El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre’ en 2016, que han publicado simultáneamente Astiberri, en España; Sexto Piso en México y Editorial Común en Argentina.

‘Hola, me llamo Juanjo Sáez y a esto dedico mi tiempo’, es la primera exposición individual de Juanjo Sáez en Valencia, donde hace un repaso a su trayectoria. Una amplia selección de originales y obra gráfica original en exclusiva para Pepita Lumier de ‘Viviendo del Cuento’, ‘El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre’, ‘Arròs Covat’, ‘Hit Emocional’ y los trabajos de arte realizados para el grupo de música Los Planetas, donde disfrutar de sus ya característicos dibujos de caras sin facciones y un estilo infantil ficticio.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Omega TBS y su ¿horror? Vacui

Vacui, de OmegaTBS
Galería Plastic Murs
C/ Dènia, 45. Valencia
Inauguración: viernes 3 de febrero, a las 20.00h
Hasta el 10 de marzo de 2017

“Tienes que ver los trabajos de Omega, te gustarán…”. Si un camarada al que toleras por sus conocimientos, gusto gráfico y no dado a las recomendaciones te dice algo así, la visita al susodicho es inevitable.

¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes? La expresión con reminiscencias ochentonas ¿estudias o ilustras? se ha hecho más actual que nunca. La cantidad de ilustradores y artistas por metro cuadrado afincado en Valencia es brutal. No recuerdo que en nuestra ciudad haya habido tanta gente dibujando tan mal y con tanto éxito. Soy consciente de que mis escasos conocimientos, más la envidia, la coca, las telenovelas y el chocolate avalan esta opinión.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Omega es un artista paciente y repleto de ideas imaginativas. Igual se enfrenta al óleo, la acuarela, al guache o a la tinta china con total condescendencia, con riqueza y sin prisas. Sus habilidades técnicas son refinadas, expresivas y disfruta de un penetrante poder de percepción que me recuerda al tratamiento de los personajes enfermizos de Gerónimo El Bosco, o a la honestidad con la que refleja la vida cotidiana Pieter Brueghel el Viejo, y por qué no, al más disparatado Giraud y su estilo de dibujo sintético donde la línea pura define las figuras con una representación muy cercana a la caricatura. Escenas rutinarias de poca acción y mucho sentido sentido del humor.

Mario me ha pedido que escriba sobre la obra de su nueva exposición. Crear es un placer donde no cabe el equilibrio, pocas veces va acompañado de amor y coquetea con el reconocimiento, que es su perdición. Sabe bien de lo que hablo. Así que es una excusa perfecta para acercarme al estudio y disfrutar de sus novedades.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Lo que encuentro es fresco, sorprendente, provocador, ¿psicodélico?, ¿lunático? Desde luego, desconocido en cuanto a mi prejuicio sobre su trabajo. Todo un pasmo. Intenta explicarme la técnica pero no entiendo nada. Sólo me quedo con la tinta, las capas, el papel higiénico y poco más. Bromeamos. Una vez más no ha conseguido evitar la esquizofrenia artística y, por lo tanto, ha ampliado el límite de las artes plásticas. Se encuentra en el reino viscoso que llama a la creación de imágenes para el enriquecimiento social. Y por eso le estamos agradecidos. ¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes?

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

MacDiego

Teatro valenciano en Sala Russafa

Cicle Companyies Valencianes
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
De 27 de enero al 26 de marzo de 2017

Sala Russafa comienza esta semana la sexta edición de su ‘Cicle Companyies Valencianes’. Del 27 de enero al 26 de marzo, siete formaciones componen una muestra dedicada en exclusiva al teatro realizado en la Comunitat. “Desde la apertura del centro cultural teníamos claro que queríamos apostar por la escena autóctona. Y, sobre todo, por piezas que tienen menos oportunidades de encontrar un hueco en los escenarios por diferentes motivos. En unos casos, por lo arriesgado de la propuesta. Y en otros porque no han surgido en la capital o al amparo de una compañía con cierta trayectoria. Esto hace que, pese a la calidad del proyecto, tengan menos acceso a ser programadas. Y con este ciclo queremos aportar nuestro granito de arena para paliar esa situación”, apunta Juan Carlos Garés, director de la sala.

Escena de 'Iceberg'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Iceberg’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Una muestra de ese espíritu es el caso de Teatre Corrent y su pieza ‘Iceberg’ (27 al 29 de enero, Premi de Teatre Ciutat d’Alzira 2011, que esta semana inaugura el ciclo. Elsa Tronchoni dirige esta cruda historia de Paco Romeu que se desarrolla en dos noches marcadas por la muerte y la música. Transitando entre ambas, encontramos a una joven prostituta adicta y a dos hermanos, un red skinhead que menudea con drogas y un enamoradizo tartamudo. Drogas, familia, alcohol y ansia por vivir son el cóctel fatal de este montaje que interpretan Inma Ruiz, Pep Laza y Xavi Cubas.  Un caleidoscopio de instantes en los que cabe el drama, el humor, la muerte y el misterio. Un rara avis de la escena valenciana que fue bien recibido por la crítica y que regresa a las tablas con este ciclo.

Escena de Julio César.

Escena de Julio César. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Ya en febrero (del 10 al 19), retorna a Sala Russafa la versión del ‘Julio César’ de Shakespeare adaptada y dirigida por Chema Cardeña. Un montaje que vio la luz como investigación de uno de los talleres de interpretación para profesionales del centro cultural, cuyos integrantes han formado la compañía Trece Teatro. La obra realiza un guiño a la época isabelina, cuando las mujeres tenían prohibido actuar y los hombres encarnaban papeles femeninos. Ahora ocurre a la inversa: once mujeres interpretan a los personajes, mayoritariamente masculinos, de esta potente trama. Los populares César, Antonio, Bruto, Octavio o Casio cobran vida con la voz, sensibilidad y fuerza de las actrices Rocío Ladrón de Guevara, Irene González, Lucía Poveda, Rocío Domènech, María Pérez, Patricia Sánchez, Mónica Zamora, Ruth Palones, María Asensi, Alejandra Beltrán y Sara Bonell. Se suman al elenco Juanki Sánchez y José Torres para recrear la conspiración contra el dictador romano en una historia sobre la lucha por el poder que también puede leerse en términos de género.

Escena de Gloomy Sunday. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Gloomy Sunday. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La tercera propuesta del ‘Cicle Companyies Valencianes’ es ‘Gloomy Sunday’ (24 al 26 de febrero, de la formación colombiano-valenciana Theatretk, residente en Sala Russafa. Tras el pseudónimo de Harlan Pinter se esconde el autor de esta comedia que dirige Harold Zúñigan. Su protagonista es Benjamín Phreiz -al que da vida el propio director-, un joven filósofo que encuentra la respuesta al porqué de la existencia: el absurdo. Y, una vez descubierto, ya no desea seguir viviendo. Pero el propio absurdo se cruzará en su camino, impidiéndole por los motivos más peregrinos completar su suicidio. Grazia Hernández junto al cantante y bailarín africano Asso Mbaye completan el reparto de este suicidio interruptus, una inusual comedia negra, reflejo del choque entre culturas y de la divergencia entre el mundo intelectual y la vida misma.

Escena de 'Capullos que vuelan'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Capullos que vuelan’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación del VI Cicle Companyies Valencianes se completa en marzo con tres propuestas. La primera es un estreno en Valencia de la joven compañía valencia (afincada ahora en Madrid) Apart Teatre, que presenta ‘Capullos que vuelan’ (4 de marzo),  una comedia programada este verano en el circuito off madrileño, en la sala AZarte. Se trata de un realista y delicioso retrato de la juventud actual a través de cuatro amigos con inquietudes, que no se resignan a dejar de volar, pese a que la coyuntura más bien anime a quedarse con los pies en el suelo. Lluís Mosquera firma esta pieza generacional, llena de cruda realidad, bromas comprometidas y humor negro, que interpretan Enrique Cervantes, Alba Fontecha, Maria Part y Javier Martínez.

Escena de 'Nora'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Nora’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Produccions El Soterrani, de Picassent, estrena en Valencia ‘Nora’ (5 de marzo), una conmovedora pieza en la que se recrea la estancia en una sala de espera de su protagonista, antes de entrar a una entrevista de trabajo para su supermercado habitual. Mezclando casos verídicos con ficción, se construye el retrato de una sociedad anestesiada frente a una crisis que hace aflorar los más humano e inhumano de las personas. Jèssica Fortuny escribe e interpreta esta valiente pieza dirigida por Pau Blanco.

Escena de 'Copito de nieve'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Copito de nieve’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Otra interesante propuesta es ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’ (11 y 12 de marzo), una pieza del dramaturgo Juan Mayorga que dirige la valenciana Kika Garcelán. El proyecto nació como montaje de final de estudios de Dirección y Dramaturgia de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia), con el tutelaje de Carles Alberola. Ahora llega al teatro en un espectáculo interpretado por Vicent Domingo, Abraham García y Diego Sánchez. Adentrándose en la jaula del entrañable gorila albino del zoo de Barcelona, la obra presenta una reflexión sobre la libertad y la muerte.

Merce. Imagen cortesía de Sala Russafa.

On está Merce?. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación se completa con una sorprendente creación conjunta de Núria Urioz, Lola Granell, Elena Donzel, Claudia Zucheratto, Mariló Tamarit, Esther Ramos y Paqui Noguera. Bandana es una coral de payasas valencianas, colaboradoras de PayaSOSpital, que reúne el humor con la interpretación a capela en una serie de números, gags y desconciertos, más que conciertos, que componen ‘On està Mercé?’ (24 y 26 de marzo). Una curiosa propuesta que combina el género clown con el canto en una pieza humorístico musical. Un tipo de espectáculo poco habitual en la cartelera valenciana, que llega a Sala Russafa tras ganar el Primer Premio de la Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella (2013) y el Premio del Público al Mejor Espectáculo en Cabanyal Íntim (2016).

Escena de 'Iceberg'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Iceberg’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La imagen digital en tela de juicio

File Genesis, de Solimán López
Sala Dormitori del Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 19 de enero de 2017

Génesis u origen de archivos digitales. Así ha titulado Solimán López el conjunto de piezas multimedia que muestra en la Sala Dormitori del Centre del Carme. Es decir, File Genesis. Nada que ver con el génesis bíblico, pues allí donde primero fue el verbo, ahora el origen laico lo constituye la imagen. Origen sobre el que el propio artista ya nos advierte que hay que mantenerse alerta, por cuanto “en una sociedad tecnológico-dependiente, en la que se dan por sentadas las verdades emitidas por lo digital en la pantalla”, la verdad intrínseca a esa imagen pasa por su carácter representacional “y la mentira implícita en lo digital”.

Una de las piezas de la exposición 'File Genesis', de Solimán López, en el Centre del Carme.

Una de las piezas de la exposición ‘File Genesis’, de Solimán López, en el Centre del Carme.

File Genesis viene a ser la puesta en escena del trampantojo al que finalmente nos abocan las imágenes desprovistas de relato. Solimán López, desmontando precisamente la supuesta verdad de esas imágenes acríticas, escora su discurso del lado de la sospecha diletante. De manera que la obra expuesta, centrada principalmente en las piezas File Genesis. Fisher Price y Red Cloth, interpela al espectador “estableciendo un vínculo confuso entre lo real y lo virtual”. Confusión que dificulta cualquier aproximación a la verdad, por cuanto esta aparece estrangulada entre la pura fisicidad y su traslación engañosa al código digital.

Por eso resulta pertinente la alusión que Solimán López hace al Mahabharata: “Un único proyectil cargado con todo el poder del Universo…Una columna incandescente de humo y llamas tan brillante como 10.000 soles se elevó en todo su esplendor…era un arma desconocida, un rayo de hierro, un gigantesco mensajero de muerte que redujo a cenizas a una raza entera”. Esa especie de apocalipsis, destilando una imagen tan siniestra como cautivadora, diríase que atraviesa el conjunto expositivo.

Vista de la exposición 'File Genesis', de Solimán López, en el Centre del Carme.

Vista de la exposición ‘File Genesis’, de Solimán López, en el Centre del Carme.

Primero, capturando al espectador en la misma red donde aparecen atrapadas diversas pantallas con peces digitales (Fisher Price). Después, con el sonido machacón que va permitiendo la génesis de los archivos digitales a los que alude el título File Genesis, almacenados en seis esculturas de mármol “que funcionan como templos de la imagen digital”. Y, por último, desembocando en la pantalla donde una imponente arma parece abrirse paso entre burbujas. En medio, la pieza Red Cloth traza el horizonte de la visión conjunta: “Nos presenta la duda sobre la verdad de la representación digital a través de un video y un fragmento de tela roja”, señala el artista.

Esa mezcla de ficción cautivadora y fondo siniestro, de peces de colores atrapados en la red y armas que amenazan con destruir un mundo de burbujas, caracteriza el proyecto File Genesis. Proyecto que el propio Solimán López define así: “La construcción de la mirada a través de lo digital se convierte en arma de doble filo”. Por una parte, “la aceptación categórica de lo que vemos en la pantalla”. Y, por otro, la imposibilidad de “contemplar la posibilidad de una mentira absoluta derivada de la representación tecnológica”.

Vista de la exposición 'File Genesis', de Solimán López, en el Centre del Carme.

Vista de la exposición ‘File Genesis’, de Solimán López, en el Centre del Carme.

Representación, continúa subrayando el artista, “encargada en todo momento de representarnos una verdad inducida…suscitando una subjetividad extenuada que nos miente y convierte en individuos atrapados en la red digital”. File Genesis es la representación de esa vacuidad a la que convoca el trampantojo de la imagen. Engaño del ojo que fascina por su virtualidad al tiempo que angustia por la ausencia de sentido. File Genesis, que permanecerá en el Centre del Carme hasta el 19 de enero, ha sido producida por ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) y Etopía (Centro de Arte y Tecnología), en colaboración con Gandía Blasco y ASUS y la asistencia técnica de Toni Vaca y José Luís Hidalgo.

Ver noticia en ARTS de El Mundo Comunidad Valenciana

Solimán López en su exposición 'File Genesis'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Solimán López en su exposición ‘File Genesis’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

Sara Mansanet, nombrada directora de La Cabina

Sara Mansanet, directora de La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Martes 17 de enero de 2017

Tras el reciente nombramiento como director de Cinema Jove del hasta ahora director de La Cabina, Carlos Madrid, la dirección del Festival de Mediometrajes pasa a manos de Sara Mansanet.

Mansanet, licenciada en Historia del Arte por la Universitat de València y Máster en Gestión Cultural por la Universidad Politécnica de Valencia, ha dirigido la producción de La Cabina desde el año 2012.

Además, ha desarrollado labores de regiduría y apoyo a programación en Cinema Jove; ha sido jefa de producción del cortometraje valenciano ‘La Buena Fe’, que ha cosechado varios premios en festivales como el de Aguilar de Campo, Quartmetratges o Visualízame Festival Audiovisual y Mujer; y ha sido coordinadora de producción del festival de cine y derechos humanos, Humans Fest, y TEDxCiutatVelladeValència.

Sara Mansanet encara así una nueva etapa del festival La Cabina, que este año cumple su décima edición y que se celebrará del 16 al 26 de noviembre, y lo afronta como un “reto ya que La Cabina está en un momento muy bueno e importante” y trabajará para “mantenerla y, por supuesto, para que siga creciendo”.

Además, ha destacado que para ello cuenta con “un excelente equipo de profesionales que año tras año ha demostrado su profesionalidad y su pasión por el festival”. Mansanet añade que asumir los mandos del Festival de Mediometrajes ha sido “un paso lógico y natural que ambos (tanto Carlos Madrid como ella) tenían claro”.

Sara Mansanet. Imagen cortesía de La Cabina.

Sara Mansanet. Imagen cortesía de La Cabina.

El 10 Sentidos 2017 arrancará con ‘May B’

May B, de Maguy Marin
VI Festival 10 Sentidos
Teatro Principal de Valencia
Mayo de 2017

El Festival 10 Sentidos de Valencia ha comenzado a cerrar algunas de las propuestas que conformarán la VI edición, que se celebrará en mayo de 2017. Danza, teatro, cine, arte y música volverán a ser los protagonistas de una programación que se iniciará de la mano de un clásico, ‘May B’, una de las obras maestras de la historia de las artes escénicas contemporáneas.

Estrenada en 1981 esta pieza creada por la coreógrafa Maguy Marin no ha dejado nunca de representarse. La última vez que pasó por España fue hace diez años. Ahora, por primera vez, llegará a un escenario valenciano, el Teatro Principal, que el año que viene se une a las sedes del festival.

A la creadora francesa (Toulouse, 1951), hija de exiliados españoles, se le considera una de las fundadoras de la danza moderna francesa. En los años 70 bailó como solista con el legendario Maurice Béjart y más tarde fundó su propia compañía, con la que presentó la pieza ‘May B’, basada en textos de Samuel Beckett. El espectáculo cuenta con diez intérpretes sobre el escenario que se apoyan en música de Schubert, Gilles de Binche y Gavin Bryars y se plantea como una investigación sobre el movimiento y los gestos, con fuerte influencia de lo absurdo.

La elección de este título sirve para reivindicar la vigencia de muchos clásicos, de trabajos veteranos, de propuestas consolidadas que siguen influyendo a nuevas generaciones. Esta idea entronca con el lema elegido para la edición de 2017, ‘PorMayores’, con el que el festival pretende fijar la mirada en el paso del tiempo y reflexionar sobre cómo cada ser humano se enfrenta a esta situación en su vida, asumiendo nuevos roles y nuevos escenarios, que no siempre son sencillos de encajar.

Así mismo, el certamen rendirá tributo a los mayores, convirtiéndolos en protagonistas, y quiere demostrar la importancia y relevancia que siguen teniendo en cualquier comunidad, dejando atrás estigmas y ciertos tópicos.

El Festival 10 Sentidos cuenta de nuevo con el apoyo de Caixa Popular, que se implica en esta edición desde su gestación para formar parte y colaborar mientras se pone en marcha toda la estructura y la programación. La entidad firmó un acuerdo de colaboración que se prolonga hasta el año 2018 para dar soporte a esta cita que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía, la cultura y la solidaridad.

May B, de Maguy Marin. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

May B, de Maguy Marin. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

Sento MM, a toda velocidad

Emociones fuertes, de Sento M M
El Sótano Coworking
Avenida Catedrático Soler, 14. Alicante
Hasta el 14 de enero de 2017

Reconozco que tenía cierta impaciencia con esta cita, viernes 23 de diciembre de 2016. La oportunidad de ver por primera vez y de manera individual las imágenes fotográficas de Sento M M en El Sótano Coworking. Un espacio de iniciativa privada, joven y moderno, que sigo con especial interés ante cualquier propuesta cultural que ofrece. No me cabe duda de que pronto desplegará todo su potencial como asociación cultural que desarrolla distintos proyectos artísticos, entre los que destacan las exposiciones fotográficas.

Sento M M, especializado en fotografía y en grabación y montaje de cortometrajes y videoclips, tiene ya varios reconocimientos y galardones en su incipiente trayectoria. Obtuvo, en 2013, el primer premio en el III Premio de Fotografía Centro 14 con la obra ‘Patinando en la Explanada’.

Fotografía de Sento MM. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Sento MM. Imagen cortesía del autor.

En esta ocasión, la exposición ‘Emociones fuertes’ que puede visitarse hasta el 14 de enero de 2017, muestra 15 imágenes digitales de 30 x 40 cm. a través de las que su autor quiere captar el movimiento, la dificultad del instante de un salto, un giro o una acrobacia.

Inspiradas en la práctica de una serie de deportes urbanos: longboard, roller, parkour, bmx y slackline. Disciplinas no exentas de riesgos que se centran en la capacidad motriz y habilidad de cada participante e implican una adaptación al entorno para superar los diferentes obstáculos de la ciudad y que cada vez cuentan con mayor número de practicantes que ensayan y realizan trucos y maniobras al límite del equilibrio. Quienes los practican, presentan rasgos de identidad comunes: un lenguaje, códigos, vestimentas o actitud que los convierten en un fenómeno social y una filosofía de vida,  algo similar a las tribus urbanas.

Sento M M ha ejercitado alguna de estas actividades surgidas en las últimas décadas y que tienen como denominador común el ámbito ciudadano en el que tienen lugar. Cada vez es más frecuente contemplar a jóvenes en parques y jardines con sus patinetes, rollers, bmx o realizando saltos para lo que precisan de un riguroso entrenamiento físico y técnico que les lleva a la exploración y superación de límites y desafíos.

Tarjeta de la exposición de Sento MM en El Sótano Coworking.

Tarjeta de la exposición de Sento MM en El Sótano Coworking.

En Alicante podemos verlos en el Paseíto Ramiro, el castillo de San Fernando o en la playa. El longboard y el roller, se desarrollan sobre ruedas -tabla o patines-, el bmx con bicicleta que permite las acrobacias, en el parkour, sus practicantes o traceurs saltan y franquean obstáculos buscando la máxima efectividad y fluidez en sus desplazamientos y el slackline, quizá el más arriesgado, es un deporte en el que se usa una cinta plana y tensa enganchada en dos puntos fijos por la que camina el deportista, sin ningún tipo de ayuda para mantener el equilibrio.

A través de estas imágenes su autor nos sorprende. Consigue fotografías de gran plasticidad en las que su luz y encuadres denotan una enorme calidad técnica y profesionalidad, a pesar de la dificultad de captar el movimiento en prácticas que se realizan a enorme velocidad. Un segundo antes o después y el objetivo no se hubiera conseguido. Esperamos ya las próximas propuestas de Sento M M.

Fotografia de Sento MM. Imagen cortesía del autor.

Fotografia de Sento MM. Imagen cortesía del autor.

Pilar Tébar
Vicepresidenta de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte