¡Qué horror!

Ni cautivos ni desarmados. Arte, memoria y dolor versus política o [violencia] en/desde [la España del] siglo XX
Colecciones de 9915 y Martínez Guerricabeitia
Centre Cultural La Nau
C/ Universitat, 2. Valencia
Hasta el 2 de octubre de 2016

Manuel Chirivella, presidente de la Fundación Chirivella Soriano, reflexionó en las páginas de la primera etapa de ARTS de El Mundo en torno al coleccionismo de arte apuntando el cambio sufrido en los últimos años a causa del capitalismo salvaje, donde el “todo vale” ha depreciado en muchos casos la labor del coleccionista vocacional. Coleccionistas que han sostenido el patrimonio artístico en momentos de crisis del Estado y que, como apuntó Mercedes Basso, de la Fundación Arte y Mecenazgo de La Caixa, invierten (se refería al auténtico coleccionista, no al arribista de turno) “no para escalar socialmente”.

Algunos de esos coleccionistas vocacionales se dan cita en La Nau de la Universitat de València para ofrecer una muestra de su labor, al tiempo que hacen memoria a través de su valioso patrimonio cultural. José Pedro Martínez Guerricabeitia recordó que las obras que coleccionaron sus padres, reunidas en la Fundación Martínez Guerricabeitia y depositadas en la propia universidad, guardaban un “marcado criterio de índole social y de denuncia de los males de la sociedad”.

Miliciana, de Alberto Korda, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

Miliciana, de Alberto Korda, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural La Nau de la Universitat de València.

La Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915, con su presidente Jaime Sordo a la cabeza, sigue ese mismo rastro al recordar el por qué de la cifra que justifica al colectivo: “El logo 9915 combina el carácter frío del número, con la historia a medio camino entre la pulsión atávica, incontrolada e irracional y el romanticismo azul de lo imposible, de lo irremediablemente humano, y del compromiso con las formas más elaboradas de la creatividad artística”. Además de ser 9915 el código con el que los organismos internacionales identifican a los coleccionistas en general.

Esa mezcla de pulsión atávica y elaboración de la propia pulsión es la que atraviesa la exposición Ni cautivos ni desarmados, que reúne en La Nau de la Universitat de València 40 obras y un mosaico de 28 fotografías pertenecientes a las colecciones de la 9915 y la Martínez Guerricabeitia. Todas ellas mostrando lo que aglutina el “largo y sonoro”, a modo de “proclama o pasquín”, subtítulo expositivo: “Arte, memoria y dolor versus política o violencia en la España del siglo XX”. Alfonso de la Torre, comisario de tan contundente razón de ser de la muestra, lo explica así: “Habla de la pervivencia de la violencia y el dolor como uno de los asuntos del arte”.

Monjas viajeras, de Carlos Saura, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural La Nau.

Monjas viajeras, de Carlos Saura, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural La Nau.

Asunto que el propio comisario localiza en los albores de las vanguardias históricas: “Ni cautivos ni desarmados reflexionan sobre la violencia y el dolor contemporáneos, un tema que persigue o, incluso, atormenta al artista y al mundo del arte, especialmente desde la llegada del surrealismo frente al arte convencional, tradicional, sacro o realista”. Diríase, por tanto, que existe cierta relación entre la quiebra de ese universo simbólico que acoge y da forma al dolor, y ese otro en cuyo interior ya nada sutura la violencia, que campa a sus anchas una vez desgarrado su tejido narrativo.

Víctimas del bombardeo (Kosovo), de Simeón Saiz, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural LaNau.

Víctimas del bombardeo (Kosovo), de Simeón Saiz, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural LaNau.

Y es que el siglo XX que sirve de contexto a las obras de ambas colecciones, provenientes de una quincena de coleccionistas, es el siglo donde parece dominar la idea del horror como verdad más palmaria. Da lo mismo que tal cosa suceda en la España del franquismo y, a su rebufo, los años posteriores, porque como explica De la Torre, lo verdaderamente importante es “la reflexión más intensa sobre la violencia y el horror”, más allá “del contexto social y político en el que se movía Martínez Guerricabeitia”. Violencia y horror del que se nutren las 24 pinturas, siete fotografías, siete esculturas y dos obras audiovisuales, además del mosaico de otras 28 imágenes, a modo de reflejo de ese arte contemporáneo atraído por el abismo de la sinrazón.

“Este es el siglo del dolor”, se apunta en una cita de Paul Lafargue extraída de su ‘Diccionario abreviado del surrealismo’. Siglo atravesado por las dos grandes guerras mundiales y otras menores igualmente sacudidas por odios enfrentados. Y si la Olympia, decía el propio Manet (tal y como se recoge en la exposición), “choca, desprende un horror sagrado”, lo mismo cabe decir de las obras que se hacen eco del dolor que caracteriza al “surrealista” siglo XX.

Guantánamo, de Joan Fontcuberta, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural La Nau.

Guantánamo, de Joan Fontcuberta, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural La Nau.

Obras que van del grito de Santiago Ydáñez, con esa boca desmesurada que parece ampliar la boca de ese otro grito famoso lanzado por Edvard  Munch, a la muerte del miliciano de Robert Capa, pasando por las víctimas del bombardeo en Kosovo (Simeón Saiz), el Guantánamo de Joan Fontcuberta o las notas por Guernica de Eduardo Arroyo. Guerras agujereando, pixelando, descoyuntando la trama interior de la obra de arte, encargada de acoger los efectos devastadores de una violencia muchas veces proyección de las propias ansias del artista.

El NO de Santiago Sierra viene a poner límite al horror, al tiempo que concede todo el protagonismo a la negación frente al carácter afirmativo de un siglo sospechosamente entregado a la destrucción. Muchas veces, autodestrucción o autocensura, como en los textos autocensurados de Concha Jerez, la cabeza demente de Darío Villalba o la Mujer de Juana Francés. También aparece el propio arte yacente, con Andy Warhol postrado letalmente en la obra de Kepa Garraza.

Fotografía de la serie España oculta, de Cristina García Rodero, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural La Nau.

Fotografía de la serie España oculta, de Cristina García Rodero, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural La Nau.

La España del siglo XX comparece nítidamente en los casos de Cristina García Rodero, revelando su cara oculta en lugares inhóspitos de pueblos desabridos, de Alberto García Alix, con el dolor de Elena Mar, de Antonio Sánchez y sus niños de la guerra, o de Juan Roig y sus toreros en la noche. Yoan Capote se sirve de una silla esposada para mostrar cómo hasta los objetos se hallan apresados, atenazados, de ese ambiente claustrofóbico dibujado por los compartimentos estancos de la guerra, en tanto vomitorio al que desemboca fatalmente la política mal digerida.

Ni cautivos ni desarmados, en alusión manida al último parte de guerra del general Franco, pretende darle la vuelta a aquel enunciado victorioso, para que sea el arte contemporáneo quien lo elabore creativamente a su favor. Elaboración, en todo caso, volcada hacia la pulsión atávica de la violencia que nos constituye y a la que conviene poner freno. De lo contrario, como recuerda Nuno Nunes-Ferreira, ahí están las 30 portadas de su ‘Primera Página’ de diversos periódicos, para recordarnos el carácter letal del siglo XX.

Dónde dormir I (Goya), de Eugenio Ampudia, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Centre Cultural La Nau.

Dónde dormir I (Goya), de Eugenio Ampudia, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Centre Cultural La Nau.

También hay movimientos de resistencia como el expresado por Eugenio Ampudia en su serie ‘Dónde dormir’, invitando el autor a tomar espacios como el Museo del Prado, donde junto a ‘Los fusilamientos del 3 de Mayo’, de Goya, descansa una persona tumbada como los fusilados del famoso cuadro. Las zonas de vigilancia, tratadas por Carlos Garaicoa, ponen el acento igualmente en la más contemporánea fijación por el control y la manipulación en tiempos donde lo bélico adquiere un carácter, no por virtual, menos violento.

Las colecciones Marrtínez Guerricabeitia y 9915, al amparo de La Nau de la Universitat de València, hacen memoria de toda esa violencia y horror del doloroso siglo XX mediante una ingente creatividad. Precisamente la que permite recordar su prevalencia sobre la barbarie. El coleccionista Fernando Saludes, insistiendo en la importancia de la cultura, concluyó entonces: “Quién se acuerda de los ministros de la corte de Felipe IV, pero en cambio todo el mundo conoce a Velázquez. ¡Fíjese si tiene importancia la cultura!” Los coleccionistas de Ni cautivos ni desarmados también lo saben. 

Marifile, de Jorge Rueda, en 'Ni cautivos ni desarmados'. Imagen cortesía de Centre Cultural La Nau.

Marifile, de Jorge Rueda, en ‘Ni cautivos ni desarmados’. Imagen cortesía de Centre Cultural La Nau.

Salva Torres

Zenón le pone música a la identidad cultural

Miguel Zenón Quartet
VII Ciclo de Verano
Jimmy Glass Jazz Bar
C / Baja, 28. Valencia
Miércoles 15 de julio de 2015, a las 20.45h. 17€

El saxofonista portorriqueño y primer espada de la vanguardia del latin jazz Miguel Zenón actúa nuevamente en el Jimmy Glass para presentar su último trabajo, Identities are Changeable, en el que investiga en torno al concepto de identidad cultural y al asentamiento de la colonia portorriqueña en Nueva York.

Zenón se presenta el miércoles día 15 de julio con su cuarteto original: el increíble pianista Luis Perdomo, el sólido contrabajista Hans Glawischnig y el baterista nativo de Puerto Rico Henry Cole. Los aproximadamente 1,2 millones de puertorriqueños residentes en Nueva York se han convertido en la mayor comunidad fuera de la isla de origen.

Miguel Zenón Quartet. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Miguel Zenón Quartet. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Identities are Changeable es el resultado musical de una serie de entrevistas personales (vecinos, comerciantes, etc.) de la colonia portorriqueña de Nueva York. De ellas utilizó no solo las respuestas de los participantes sino que capturó algunos de los sonidos de la calle.

Zenón tiene nueve excelentes discos como líder -cuatro de ellos con el sello Marsalis Music-. Su disco Esta plena -una inteligente fusión entre el jazz y la música plena portorriqueña- (Marsalis Music, 2009) obtuvo dos nominaciones a los Grammy y recibió las 5 Estrellas del Downbeat y las más importantes publicaciones especializadas estadounidenses: Village Voice, Chicago Tribune o Jazz Times lo declararon el mejor CD de jazz de 2009. Otro de sus discos, Rayuela (Sunny Side Records, 2012), consiguió la máxima calificación en casi todos los medios del género.

San Francisco Jazz Collective

Además, ha grabado más de 50 registros discográficos en colaboración con otras grandes figuras del jazz, entre ellos los editados con el San Francisco Jazz Collective, un octeto de estrellas (la élite del jazz contemporáneo) del que son o han sido miembros desde su fundación en 2004 músicos como Joshua Redman, Bobby Hutcherson, Nicholas Payton, Eric Harland, Dave Douglas, Joe Lovano, Stefon Harris, Robin Eubanks y actualmente Mark Turner, Avishai Cohen y Zenón.

Este último y el gran contrabajista Matt Penman pertenecen al grupo desde el principio. Zenón colabora con músicos o grupos como Charlie Haden, David Sánchez, Village Vanguard Orchestra, Bob Moses, Mingus Big Band, Jerry González, Ray Barreto, Steve Coleman, Greg Osby, Ben Monder, Antonio Sánchez, Guillermo Klein, Chris Cheek, Jeff Ballard, Chris Potter y muchos más.

El saxofonista portorriqueño Miguel Zenón. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

El saxofonista portorriqueño Miguel Zenón. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

PINPANPUN FESTIVAL EN VALENCIA

Festival PINPANPUN
Octubre Centro de Cultura Contemporánea
C/ San Fernando 12. Valencia
Valencia 10 de enero 2015

El festival de arte sonoro y experimentación PINPANPUN celebra el día 10 de enero de 2015 su IV Edición en Octubre Centre de Cultura Contemporània, en pleno centro de la ciudad de Valencia. PINPANPUN es un lugar de encuentro artístico-cultural que aúna creatividad, riesgo y diversión.

Bajo un espectro muy amplio y con el sonido como eje estructural, el festival abarca desde conciertos y propuestas audiovisuales hasta acontecimientos performativos. PINPANPUN es una plataforma pionera en la ciudad para estilos y corrientes sonoras tan transgresoras como el noise, el drone, el glich, el DIY, el field recording o la música electroacústica entre otros. Es un festival heterodoxo, mutable y sorprendente.

Imagen cortesía Pinpanpunfest

Imagen cortesía Pinpanpunfest

El carácter marcadamente local de las propuestas se mantiene desde sus inicios con la voluntad de mostrar la evolución de los artistas autóctonos. Estos creadores, tanto los emergentes como los veteranos, encuentran en PINPANPUN un lugar de expresión que las estructuras culturales públicas de la ciudad no ofrecen. De ahí radica la relevancia y la particularidad de este festival: PINPANPUN apoya y muestra el excelente trabajo de los creativos valencianos y residentes, de forma independiente. Además, supone un extraordinario lugar de encuentro e interacción para todos los asistentes.

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El propio festival ha experimentado una importante evolución, siendo año tras año un evento más comprimido e intenso. En su primera edición mostró nueve propuestas en tres semanas consecutivas. Actualmente ofrece en un solo día diecisiete propuestas distintas, con más de treinta y cinco artistas involucrados. Por este motivo, esta IV Edición del festival se denomina PINPANPUN Collapse.

PINPANPUN Collapse será un maratón de doce horas que arranca durante el día y termina acercándose la noche (de 12:00 a 24:00). El festival tendrá lugar el día 10 enero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, sede del festival desde la primera edición. Habrá también bebida y comida variada a precios populares.

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El elenco de artistas participantes es más que destacable, con figuras de renombre internacional y nacional en el entorno de la música experimental como el profesor y poeta sonoro Bartolomé Ferrando, el incombustible Avelino Saavedra, el ya mítico compositor, musicólogo y tocador de campanas Llorenç Barber, Josep Lluis Galiana, además de otros muchos grandes nombres como Monserrat Palacios, Truna, Edu Comelles, Jorge Marredo, Víctor Tréscoli, MKM, We are not Brothers, Antonio Sánchez, ALOZEAU, Camí de Fondo, Martí Guillem y otros muchos que especificamos en la programación. Todas las propuestas están fuera de los estándares musicales convencionales.

PINPANPUN Collapse se trata de un acontecimiento ineludible para una ciudad, Valencia, en la que el concepto de cultura se ha malentendido durante mucho tiempo, gastando los recursos en actos e infraestructuras faraónicas. ¡Es hora de cambiar! La gestión independiente, la sencillez y el trabajo duro deben ser el leitmotiv de la cultura.

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

Moingeon: Construcción de la solución

Sinergia, de Xavier Moingeon
Sporting Club Russafa
C / Sevilla, 21. Valencia
Inauguración: 9 de enero
Hasta el 31 de enero de 2015

Si tratamos de comprender la idea impulsora que una y otra vez nos conduce a nuevas exaltaciones, encontramos el mismo anhelo de creación inspirada que se atestigua en los primitivos y se conoce en los grandes períodos culturales. La experiencia primaria que precede a todo saber se desarrolla sin un plan, forzosamente, como todos los acontecimientos primordiales. La reevaluación del primitivismo desde una perspectiva contemporánea nos instala otra vez en la tensión en continua lucha y negociación en el arte.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

No hay una visión de lo primitivo sino una pluralidad. Dimensión que nos permite dar cuenta de la pluralidad de visiones posibles donde el autor vincula la memoria del pasado con el presente. Los diferentes criterios constituyen una postura integradora que permite valorar una posición artística actual ante lo primitivo. Y en el proceso negociador de esa tensión entre los polos de la máxima proximidad a la naturaleza – naturalismo – y la máxima lejanía de la naturaleza – abstracción – el artista traslada ya el acento al proceso configurativo, renunciando al detalle en beneficio del efecto unitario, elige, abstrae. Es justo la tensión polar entre contenido expresivo y forma lo que el virtuosismo resuelve en favor de la forma, culminando cada vez en el componente acentuado, reduciendo cada vez esa imagen a sus factores determinantes.

Escultura de Antonio Sánchez. Sporting Club Russafa.

Escultura de Antonio Sánchez. Sporting Club Russafa.

El escultor Antonio Sánchez deja huella con su patrimonio genético de un equilibrio complejo entre lo innato y lo adquirido. Valorando la materia prima que la naturaleza le regala, ha sabido aportar con su gesto a base de cincel y martillo una lucha propia donde el individuo una vez realizado en el ejercicio de su expresión se petrifica dejando constancia eterna de su proceso. El resultado es un universo cálido con un sentir primario nutriéndose en ese nido. La temperatura constante e ideal. Gran flexibilidad. Marcada elasticidad. Compás y ritmo en un mundo de seguridad y vitalidad donde parece invitarnos a una regresión placentera y placentaria.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

Y en ese registro los trazos del pintor Xabier Moingeon, que, con independencia de los medios expresivos frente a la realidad exterior y con primacía de la intuición sobre la razón, fija los circuitos donde establece las redes de cooperación que conducen al proceso negociador, integrando las leyes de la perspectiva con su pulsión interior. En su proceso de gestión ha sabido canalizar bien la liberación respecto de las compulsiones de la apariencia externa, ocupándose sólo de las propiedades puras traducidas en códigos universales para entrar en una “unio mystica” con el mundo.

Dentro de estos presupuestos los dos autores han sabido luchar en un proceso en el que ganan todos integrando lo mejor de cada uno en su proceso vital de necesidad de expresión, construyendo la solución para saciar el ansia de placer como un impulso primordial en la vida, como un medio para satisfacer las demandas de los impulsos de la vida. El placer no como idea, sino como experiencia organizada químicamente en el cerebro, fruto de la lucha en la consecución de una tregua entre nuestras pretensiones y nuestra propia naturaleza.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

Obra de Xavier Moingeon de la exposición Sinergia en Sporting Club Russafa. Imagen cortesía del autor.

Constance Celta

Off_Herzios: La Gallera suena

Off_Herzios (conciertos)
Sala La Gallera
Aluders, 7. Valencia

Viernes 11 de abril de 2014, a las 19:00 h:
NARCOLÉPTICA
MARREDO & MONTAG
dot.tape.dot

Sábado 12 de abril de 2014, a las 19:00 h:
MODE ON
Juan Antonio Nieto
NAD SPIRO

Culminan las actividades de “Off_Herzios” en la Sala La Gallera con tres días de conciertos.

Después de tres meses de intensa actividad, Off_herzios consolida su presencia en el panorama cultural valenciano como una de las propuestas de vanguardia y referente dentro del arte sonoro local y nacional.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

La edición de este año termina con una traca final con 6 conciertos y 3 actividades paralelas. La Gallera se llenará de sonidos electrónicos a cargo de músicos y proyectos noveles como Narcoléptica, Mode On o Marredo & Montag y junto a ellos propuestas más afianzadas como los directos de Juan Antonio Nieto, el asturiano dot.tape.dot o la guitarrista vasca afincada en Barcelona Nad Spiro.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El viernes las actuaciones se iniciarán con el proyecto novel de la madrileña Beatriz Vaca (Narcoléptica) que presentará su post-rock experimental. Seguido, Marredo & Montag ofrecerán su directo a base de atmósferas cósmicas y sintetizadores. Finalmente el encargado de cerrar la velada será dot.tape.dot (Daniel Romero) desatando en La Gallera su música experimental a medio camino de la electrónica, el pop y la música aleatoria.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El sábado abre Antonio Sanchez, uno de los músicos experimentadores más jóvenes de Valencia y una apuesta de largo de Off_herzios. Seguidamente Juan Antonio Nieto venido de Madrid presentará la contundencia de su lenguaje sonoro electrónico. Finalmente, Nad Spiro (Rosa Arruti) será la encargada de rubricar Off_herzios con su directo a base de guitarra eléctrica, efectos y voz.

Fotografía de una sensión anterior en el Festival. Autor de la fotografía Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

La Gallera. Foto: Manu Marpel. Imagen cortesía del Festival.

El festival cierra está edición pero quedan a disposición del público el conjunto de grabaciones, vídeos y fotografías de lo que ha sucedido en el festival Off_herzios. Todos los contenidos del Festival se encuentran disponibles de forma gratuita en la página web del certamen y sin restricciones de derechos de autor. Dando la posibilidad a aquellos que no han podido asistir a La Gallera de poder escuchar en sus propias casas lo que allí ha acontecido durante 3 meses.

dot.tape.dot (Daniel Romero) fotografiado por Jesús Santos. Imagen cortesía del Festival a3bandas.

dot.tape.dot (Daniel Romero). Foto: Jesús Santos. Imagen cortesía del Festival.