El mapa sonoro de Antoni Abad en el EACC

Antoni Abad, blind.wiki
Espai d´art contemporani de Castelló
Calle Prim, s/n, Castelló de la Plana
Del 4 al 8 de abril de 2016

El EACC desarrolla un programa de actividades relacionadas con la exposición en curso. La «experiencia pedagógica» es gratuita, se adapta a la edad de los alumnos que visitan el centro e incluye actividades que permiten una mejor comprensión de la muestra.

Además, el centro ofrece talleres que se desarrollan en dos vías paralelas. Los talleres de artista y de cineastas permiten el acceso a los mecanismos de creación desde la experiencia de los invitados. Los talleres didácticos tienen la intención de facilitar una mejor comprensión de todo aquello que envuelve la creación contemporánea,  ofreciendo herramientas teóricas y prácticas que pueden ser aplicadas tanto a nivel personal como profesional.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

El taller blind.wiki está concebido para participantes con diversidad visual, que utilizan teléfonos móviles con el objetivo de experimentar el proceso de gestación de un grupo de comunicación mediante grabaciones de audio geolocalizadas en la web.

En reuniones diarias se proponen, debaten y deciden los temas a tratar, organizando las transmisiones móviles en función del consenso a que el grupo haya conseguido llegar. La folksonomía y la geo-localización son parte intrínseca de la experiencia, generando una cartografía pública digital que prima la voz colectiva del grupo, sobre la expresión individual.

Se organizarán excursiones de mapeado en grupo en las calles, donde los participantes registrarán grabaciones de audio geolocalizadas, que se publican automaticamente en la web del proyecto por medio de la aplicación para teléfonos móviles blind.wiki

El mapa sonoro resultante de la experiencia, será accesible tanto desde los teléfonos móviles mediante la app blind.wiki, como en la web del taller.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

Tras 10 años, Antoni Abad vuelve al circuito galerístico

Antoni Abad, La diezmillonésima parte del cuadrante del meridiano terrestre
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Diálogo artista/comisario 12 de febrero, 19h.
Inauguración: 12 de febrero, 20h.
Hasta el 30 de abril de 2016

Antoni Abad, tras diez años sin mostrar su trabajo en galerías de arte, presenta en la Galería pazYcomedias de Valencia la exposición La diezmillonésima parte del cuadrante del meridiano terrestre, comisariada por José Luis Pérez Pont.

Antoni Abad (Lleida, 1956) representa el perfil opuesto al del artista ensimismado, pues sus vínculos creativos se establecen de un modo directo con la pulsión de vida que discurre por las calles. El valor de su trabajo es proporcional a la capacidad de intervención colectiva que ha demostrado con sus proyectos, articulando localmente redes humanas en cualquier parte del mundo. Sus propuestas son capaces de otorgar un sentido positivo a la globalización social de las tecnologías de la comunicación. Con ello ha logrado potenciar la producción de una sociabilidad no programada, que pone en cuestión diversos estereotipos, alcanzando con éxito el propósito de trabar otros modos de relación dentro del sistema establecido. El territorio híbrido en el que habitan sus propuestas no permite la indiferencia, pues para su desarrollo es imprescindible la participación activa, real, de los implicados.

Por su tipología, la obra de Antoni Abad se aleja de la ortodoxia de lo convencional, la riqueza social que generan sus proyectos se reparte proporcional y simbólicamente a través de los dividendos intangibles que se derivan de la vivencia personal. Una riqueza que, aún no cotizando en bolsa, es seguramente la única por la que de verdad merecería la pena trabajar.  Él lo hace.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

Para esta exposición en pazYcomedias realiza un ejercicio de vuelta a sus orígenes creativos, tendiendo de nuevo la mano a los objetos tras más de veinte años trabajando en experiencias artísticas intangibles. Tomando como punto de partida la definición literal de lo que es un “metro” –la diezmillonésima parte del cuadrante del meridiano terrestre-, recupera algunos trabajos anteriores que pone en diálogo con dos obras creadas ex profeso para este proyecto en Valencia: “Homero” y “La música”. Ambas representan formas de comunicación con los otros. “Homero” reproduce, mediante la escultura en poliuretano resultante del trabajo de una fresadora a través de un brazo robótico, la postura de una persona ciega que usa el teléfono móvil, con una expresión corporal que antes no existía y que es diferente al modo en el que otros usuarios accionan para usar este dispositivo. Por otra parte, la forma en la que se lleva a cabo esta representación es el resultado de un escáner 3D y su posterior realización. Unas soluciones que no serían posibles sin los desarrollos tecnológicos actuales. Se trata pues de la representación de nuevos hábitos, mediante nuevos medios.

Antoni Abad trabaja actualmente con el colectivo de personas con diversidad visual a través del proyecto www.blind.wiki Además de Roma, el proyecto BlindWiki ha sido llevado a cabo en octubre de 2015 en Sídney, y tiene prevista su realización durante 2016 en la 9ª Bienal de Berlín y en la Capitalidad Cultural Europea de Wroclaw, Polonia. Las contribuciones de los participantes con diversidad visual de las distintas ciudades son accesibles en la Web.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

“La música” recoge una secuencia fotográfica en la que Roberta Martignetti interpreta en lengua de signos italiana la siguiente frase, atribuida por unos a Nietzsche y por otros a Rumi: Quelli che ballavano erano visti come pazzi da quelli che non sentivano la musica. (Los que bailaban eran vistos como locos por aquellos que no escuchaban la música). En este caso la acción pone el foco sobre otro colectivo social, las personas con diversidad auditiva, y la existencia de un lenguaje de signos que les permite la comunicación y que es diferente en cada uno de los idiomas. Un ejemplo más de los numerosos códigos creados por la especie humana para relacionarse entre sí, tendiendo puentes para favorecer la comunicación entre ciertos colectivos.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

Antoni Abad. La música, 2016. Cortesía pazYcomedias.

Esta exposición sirve para recuperar trabajos anteriores de Antoni Abad, que generan un diálogo fructífero con las nuevas piezas. Sus trabajos con cintas métricas, gomaespuma, sillas, secuencias fotográficas, etc. hablaban de una realidad que superaba las posibilidades de lo tangible, recurriendo en el caso de las cintas métricas a evocar el sistema métrico como metáfora para entender la realidad. Al considerar como abstracta esa definición de lo métrico, el artista optó por usar el palmo como una referencia más clara y próxima a lo humano. “Medidas menores” (1994) es una obra realizada en fundición de aluminio, con ella el artista representa todas las acciones llevadas a cabo durante un día, medidas en palmos, desde que se levanta hasta que se acuesta. La edición de esta obra tiene un número determinado de palmos, no pudiéndose comercializar la misma acción más que una vez.

Antoni Abad. Medidas menores, 1994. Cortesía pazYcomedias.

Antoni Abad. Medidas menores, 1994. Cortesía pazYcomedias.

“Merda” es un trabajo de vídeo creado en 2002, que representaba ya entonces una frustración personal y colectiva que ha ido en aumento, como un grito que se pinta en cualquier parte. Esta acción contrasta con el carácter minimalista de sus esculturas de gomaespuma, de las que queda el testimonio en las secuencias fotográficas. Partiendo de un bloque de ese material, se produce la talla del mismo, cortado a medida, sin que se produzca ningún tipo de perdida de materia. Caracterizadas por las posibilidades de metamorfosis, son esculturas cuya forma inicial es recuperable, aunque su principal valor es la movilidad y la secuencialidad, aspectos que siempre han estado presentes en sus obras de diferentes formas y mediante distintas técnicas o representaciones. Antoni Abad traslada al participante la posibilidad de transformar la obra, mediante una combinatoria matemática que ofrece resultados insospechados más allá del control del artista. Las capturas fotográficas que componen estas secuencias fueron realizadas en Londres en 1987, como parte del tránsito que llevó al artista a deshacerse, hasta ahora, de la representación formal para habitar el territorio digital mediante proyectos con distintos colectivos sociales. Ese tránsito invierte su rumbo mediante esta exposición en la Galería pazYcomedias, en la que Antoni Abad se reencuentra con los objetos.

Antoni Abad. S/T, 1987. Cortesía pazYcomedias.

Antoni Abad. S/T, 1987. Cortesía pazYcomedias.

 

Antoni Abad [Lleida, 1956] es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona en 1979 y European Media Master por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona en 1997. Recibe en 2006 el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña y el Golden Nica Digital Communities del Prix Ars Electronica en Linz, Austria.

Ha participado en las bienales de Venecia e Iberoamericana de Lima en 1999, Sevilla en 2004 y 2008, y Mercosul Porto Alegre en 2009. Sus proyectos han sido presentados en el Museo Reina Sofía, La Casa Encendida y Matadero en Madrid; MACBA y Centre d’Art Santa Mónica en Barcelona; New Museum y P.S.1. en Nueva York; Hamburger Banhof en Berlín y ZKM de Karlsruhe en Alemania; Musac en León, Centre d’Art Contemporain en Ginebra, Museo de Arte Moderno en Buenos Aires; Laboratorio de Arte Alameda y Centro Cultural de España en México, y Centro Cultural Sao Paulo y Pinacoteca do Estado de Sao Paulo en Brasil, entre otras sedes.

Entre 2004 y 2014 centra su actividad en la realización de proyectos de comunicación audiovisual en Internet, a partir del uso de teléfonos móviles por parte de grupos en riesgo de exclusión de México DF, Lleida, León, Madrid, Barcelona, San José de Costa Rica, Sao Paulo, Ginebra, Manizales (Colombia), Sáhara argelino, Nueva York y Montréal (Québec, Canadá). Taxistas, jóvenes gitanos, trabajadoras sexuales, inmigrantes, mensajeros en motocicleta, refugiados y desplazados, guerrilleros desmovilizados y personas con movilidad reducida fueron participantes activos de estas experiencias, publicando día a día sus propias crónicas audiovisuales en www.megafone.net

En otoño de 2014 inicia en la Real Academia de España en Roma el desarrollo del proyecto BlindWiki, un prototipo de red ciudadana en Internet, concebido para personas ciegas y con baja visión. Los participantes utilizan teléfonos móviles para realizar registros de audio geolocalizados de sus experiencias cotidianas en la ciudad. Mediante la aplicación BlindWiki, las grabaciones previamente publicadas son siempre accesibles desde los teléfonos móviles, reflejando el paisaje urbano tal como lo experimentan las personas con diversidad visual. El proyecto promueve la creación colaborativa de una cartografía pública sensorial que pueda extenderse a otras ciudades y de la que pueda beneficiarse no solo el propio colectivo, sino también el resto de la sociedad.

Además de Roma, el proyecto BlindWiki ha sido llevado a cabo en octubre de 2015 en Sídney, y tiene prevista su realización durante 2016 en la 9ª Bienal de Berlín y en Capitalidad Cultural Europea de Wroclaw, Polonia. Las contribuciones de los participantes con diversidad visual de las distintas ciudades son accesibles en www.blind.wiki

Conociendo los entresijos de Foro Arte Cáceres

Foro Arte Cáceres’15
Del 23 al 25 de Octubre de 2015
Entrevista a Lucía Ybarra y Rosina Gómez-Baeza, coordinadora y comisaria de Foro Arte Cáceres’15

Foro Arte Cáceres’15 es una iniciativa de la Junta de Extremadura para impulsar la creación de un patrimonio artístico contemporáneo y a su vez fomentar, desde una óptica novedosa y detallada, las propuestas de los artistas, sus postulados y posicionamientos. Un punto de encuentro entre el público profesional y el público en general en torno al arte contemporáneo en diálogo con la arquitectura y el patrimonio artístico e histórico extremeño. Esta edición en concreto cuenta con galerías, artistas y comisarios de España y Portugal, como reflejo de la riqueza y diversidad de ambas culturas, entrelazadas de manera especial en tierras extremeñas.

Logotipo de presentación de la nueva edición de Foro Arte Cáceres'15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Logotipo de presentación de la nueva edición de Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Lucía Ybarra, Coordinadora General de Foro Arte Cáceres, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid especializada en arte moderno y contemporáneo. Durante dieciséis años (1995-2011) desarrolló su carrera profesional en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid como coordinadora y responsable de las exposiciones itinerantes. Asimismo, ha llevado a cabo numerosos proyectos expositivos con museos nacionales e internacionales y trabajado con los artistas y comisarios más reconocidos en el mundo del arte contemporáneo, realizando también labores de comisariado y colaboraciones como crítica de arte en la sección de Arte y Cultura del diario El Correo Español. En la actualidad, es Socia Directora de YGB ART-Sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural, Vicepresidenta y Directora de Relaciones Externas de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORIA CULTURAL desde abril de 2014.

Rosina Gómez Baeza, Comisaria de Foro Arte Cáceres, es graduada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en Londres e Historia del Arte y la Civilización Francesa en París. Fue directora de ARCO entre 1986 y 2006, Directora Fundadora de la 1ª Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006) y Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008), Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias (2006-2011). Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2009), la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana, la Distinción a la Excelencia Europea de la UE y Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa, entre otros. Actualmente es Socia Directora de YGB ART, presidenta de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORÍA CULTURAL desde abril de 2014.

En la presente entrevista, Gómez-Baeza e Ybarra responden sobre los orígenes, objetivos, características y gestión de Foro Arte Cáceres así como las novedades de la presente edición y el papel de la ciudad de Cáceres en el proyecto.

Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra, comisarias y coordinadoras de Foro Arte Cáceres'15

Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra, comisarias y coordinadoras de Foro Arte Cáceres’15

¿Cómo nace Foro Arte Cáceres?
Foro Arte Cáceres es consecuencia de la actual situación económica y la crisis experimentada muy especialmente por el sector del arte en España desde 2008. Tras numerosas consultas se vio la necesidad de contribuir a la difusión de la creación contemporánea a través de agentes múltiples y formatos diversos. En estas cuatro ediciones han participado artistas, coleccionistas, comisarios, críticos, directores de museos y prensa especializada a través de exposiciones, talleres, debates y los “salones de arte”, que denominamos Gabinetes, y que centran su atención en distintos soportes y medios con un fin didáctico y no estrictamente de mercado.

¿Cuáles son sus objetivos y las características de este proyecto?
El principal objetivo de FORO ARTE CÁCERES es establecer un diálogo entre tradición histórica y contemporaneidad, así como entre la extraordinaria belleza de Cáceres y las nuevas expresiones artísticas. Igualmente se trata de provocar el interés por la creación contemporáneo haciendo partícipe a toda la ciudadanía del arte de nuestro tiempo. Coadyuvar en la proyección de Cáceres como destino artístico y cultural, sus artistas, sus profesionales y sus museos y centros de arte.

 

¿Cómo lo gestionáis?
Se parte de un Plan Director en el que se proponen un concepto teórico y líneas de actuación concretas: programación, campaña de comunicación y marketing, participantes, equipo de colaboradores, imagen y calendario de trabajo. Todas estas acciones se realizan a partir de un presupuesto establecido por los organismos competentes quienes han de aprobar las líneas de trabajo.

¿Qué disciplinas artísticas acoge el proyecto?
Como anteriormente señalado en esta próxima edición dedicamos una especial mirada al medio pictórico en el Gabinete de Pintura y las primeras sesiones del Foro de Debate. En la exposición Tercer espacio se amplía el espectro, incluyéndose todas las disciplinas artísticas, escultura fotografía, video, instalación y pintura.

¿Qué papel juega la ciudad de Cáceres en este proyecto?
Una ciudad que es Patrimonio Cultural en sí misma es un escenario perfecto para acoger un acontecimiento como FORO ARTE CÁCERES. Durante el certamen, el arte contemporáneo impregna todos los rincones de la ciudad: la práctica totalidad de los espacios expositivos de Cáceres participa con diversas actividades, las exposiciones principales de esta edición proponen recorridos por la ciudad al estar repartidas en distintas sedes, e incluso palacios privados normalmente cerrados al público, como el de los Condes de Adanero o el palacio de Hernando de Ovando se abrirán al arte contemporáneo durante el fin de semana central del evento con la instalación de obras de los artistas españoles Jacobo Castellano y Sara Ramos como en sus patios.
No sólo la ciudad es un protagonista más de FORO ARTE CACERES, sino que también los artistas cacereños cuentan con presencia en el certamen con la actividad A puerta abierta: que supondrá la apertura al público de los talleres de diez artistas locales que mostrarán cómo son sus procesos creativos “desde dentro”: Hilario Bravo, Beatriz Castela, Jorge Gil, Matilde Granado, Ana H. del Amo, Nacho Lobato, Roberto Massó, Cesar David Montero, Luis Rosado y Andrés Talavero.

El ‘plato fuerte’ de esta edición es la exposición Tercer espacio: entre tradición y modernidad. ¿Qué nos ofrece?
“Tercer espacio: entre tradición y modernidad” es una muestra comisariada por Miguel Amado y su adjunto Martim Días que pretende ahondar en el concepto de “intercambio cultural” mediante la exposición de casi un centenar de obras en diversos soportes y medios que forman parte de las colecciones del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y de la Fundación ARCO cuyo tema es el análisis de los espacios sociales donde se cruzan distintos tiempos y culturas (el museo, la ciudad y la historia). Profundizando en esta idea de intercambio, las piezas dialogarán con las obras del Museo de Cáceres así como con su patrimonio arqueológico y etnográfico. La exposición invita a los espectadores a recorrer y descubrir Cáceres, ya que se distribuye en cuatro espacios singulares de la ciudad: el Museo de Cáceres, la Sala de arte El Brocense, la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballestero y la Filmoteca de Extremadura. La muestra podrá visitarse en la sala El Brocense hasta el 15 de noviembre, en la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballesteros hasta el 22 de noviembre y en el Museo de Cáceres hasta el 29 del mismo mes.

¿Con qué nombres del arte contemporáneo contaremos en esta edición?
Además de los ya mencionados, FORO ARTE CÁCERES 2015 cuenta con la presencia de Antoni Abad como artista invitado.
Por otra parte, participarán en el programa de debates de la edición de este año artistas de la talla de Antonio López, Darío Urzay, Juan Ugalde, Alejandra Freyman, Emilio Gañán o Ignacio Pérez-Jofre.

Respecto a las actividades, ¿a quién irían dirigidas?
Todas las actividades de FORO ARTE CÁCERES son de entrada libre y están dirigidas tanto al público general como al especializado.

¿Qué herramientas de promoción utilizaréis?
Estamos utilizando todas las herramientas a nuestro alcance: desde la colocación banderolas y el reparto de información comunicación tradicional y la presencia en medios impresos y audiovisuales hasta la difusión en prensa online, blogs y redes sociales.

¿Qué novedades encontraremos en este proyecto respecto a ediciones anteriores?
Este año se duplica la presencia.
Otras de las principales novedades incorporadas en el programa de este año ha sido la ya mencionada actividad “A puerta abierta” y la inclusión en el programa de un taller infantil de retrato colectivo de la mano de la asociación cultural cacereña Lemon y Coco.

¿Es posible aunar patrimonio histórico y arte contemporáneo?
Foro Arte Cáceres lo intenta y trata de establecer ese dialogo tan necesario entre la tradición y la modernidad.

Plaza de San Jorge de Cáceres, espacio de actividades en Foro Arte Cáceres'15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Plaza de San Jorge de Cáceres, espacio de actividades en Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Vista de Cáceres. 2015. Cortesía de Boni Sánchez.

Vista de Cáceres. 2015. Cortesía de Boni Sánchez.

Juliana Notario

Escif + Fermín Jiménez Landa en pazYcomedias

Escif. Miopía
Fermín JIménez Landa. 300,4 litros
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: 3 de julio, 20 h.
Hasta el 12 de septiembre de 2015

Fermín Jiménez Landa. Ecuestre. Cortesía Galería pazYcomedias.

Fermín Jiménez Landa. Ecuestre. Cortesía Galería pazYcomedias.

Galería pazYcomedias presenta la exposición “300,4 litros” del artista Fermín Jiménez Landa, en la sala principal en diálogo con “Miopía”, una intervención de Escif en el espacio Glass Wall de la galería.

Fermín Jiménez Landa es un artista que presenta sus proyectos a través de acciones, intervenciones públicas, dibujos, video o instalaciones, de las que muchas veces únicamente queda constancia de ellas su registro a través de la fotografía y el vídeo. En sus planteamientos subyace una base de ironía y humor, y en sus trabajos establece nuevos resortes de pensamiento para poner en contacto asuntos aparentemente ajenos entre sí.

Fermín Jiménez Landa. Ecuestre (detalle). Cortesía Galería pazYcomedias.

Fermín Jiménez Landa. Ecuestre (detalle). Cortesía Galería pazYcomedias.

En esta ocasión nos presenta su obra más reciente, replanteándola en el espacio de la galería, manteniendo el significado de las obras y al mismo tiempo alterándolas totalmente. Se trata de hacer un ejercicio de recomponer, reordenar, desordenar, mutar y quizá tergiversar.

Fermín Jiménez Landa. Serie Periplanomenos. Cortesía Galería pazYcomedias.

Fermín Jiménez Landa. Serie Periplanomenos. Cortesía Galería pazYcomedias.

A los 300 litros de agua que incluía su proyecto anterior, expuesto en el Museo Artium de Vitoria, en esta ocasión le añade 0,4 litros de una nueva pieza, Inercia, una pequeña cantidad de líquido de frenos y de sedantes, donde se piensa en una presencia estática del movimiento, entendido desde distintos sentidos, como algo mostrado en potencia.

Fermín Jiménez Landa. Cul de sac (proceso). Cortesía Galería pazYcomedias.

Fermín Jiménez Landa. Cul de sac (proceso). Cortesía Galería pazYcomedias.

Los muros del centro histórico de Valencia sirven a Escif de bastidor para sus grafitis cargados de mensajes en combustión, al igual que numerosas ciudades se han convertido en el soporte a sus trabajos, buscando la complicidad del observador para hacer detonar las convenciones que durante demasiado tiempo han nublado el juicio de una inmensa mayoría. Pero mientras asistimos al final de una época, Escif salta del muro para llevar a cabo una intervención en la Galería pazYcomedias de Valencia, en una de las escasas ocasiones que este creador ha aceptado abandonar la calle, su espacio natural, y activar su discurso a través de un soporte comercializable.

Escif. Política, Valencia. Cortesía del artista.

Escif. Política, Valencia. Cortesía del artista.

“Miopía” es la forma con la que Escif da respuesta al proceso individualizador que avanza implacable en las sociedades desarrolladas, donde los individuos son incapaces de ver más allá de los cincuenta centímetros que les separa de sus smartphones. El proyecto parte de una reflexión en la que el propio autor, a partir de su miopía, lleva la afección médica de la ceguera al plano de lo social mediante un paralelismo con el que extiende ese déficit de visión a un diagnóstico de lo humano definido por el egoísmo.

El trabajo de Escif se caracteriza por deshacerse de los atributos inútiles, como forma para poder llegar mejor a la esencia de las cosas. Es frecuente que las ramas impidan ver el bosque, pero también sucede en ocasiones que las verdades fundamentales se muestran sencillas a los ojos de todos y es nuestro enrevesado entendimiento el que nos impide apreciarlas y asumirlas. Por lo general, en la sencillez reside no solo la belleza sino también la inteligencia. Con “Miopía” Escif alcanza esa máxima, habitual en su obra.

Escif. Retratar el silencio (with SAN), Valencia. Cortesía del artista.

Escif. Retratar el silencio (with SAN), Valencia. Cortesía del artista.

Comisariado por José Luis Pérez Pont, este proyecto forma parte del programa de Galería pazYcomedias centrado en expresiones artísticas de cuestionamiento y actitud crítica, que se inició con las exposiciones de Yara El-Sherbini, Isidro López-Aparicio e Isidoro Valcárcel Medina, a las que seguirán en los próximos meses las de Ernesto Casero, Rogelio López Cuenca, Antoni Abad y Nuria Güell, entre otros.

Escif. Casus Belli, San Petersburgo. Cortesía del artista.

Escif. Casus Belli, San Petersburgo. Cortesía del artista.

Lo especulativo y el valor de las cosas

Isidro López-Aparicio. Sobre el cómo y el cuánto
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: 24 de abril de 2015, 19 h.

La Galería pazYcomedias presenta la exposición “Sobre el cómo y el cuánto” del artista Isidro López-Aparicio, producida para la ocasión, que ocupará la sala principal de la galería en diálogo con una intervención sonora de Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Bellas Artes) en el espacio Glass Wall de la entrada.

Isidro López-Aparicio interviene con sus proyectos en contextos sociales, como herramienta colaborativa, pero también sobre algunos aspectos cotidianos de las relaciones humanas aquejados de cierta atrofia.

En la sociedad actual el valor de las cosas forma parte de un ámbito especulativo. Tanto lo económico como lo legal es susceptible de estructuras de poder en el que las cosas desaparecen por su valor en términos economicistas. Pero los objetos, poseen un valor más allá  de su tasación, que se basan en su relación con las personas, en su utilidad, en su carga simbólica y  conceptual, en su vínculo con lo humano. Los elementos que representan el valor económico son utilizados como objetos por López-Aparicio en “Sobre el cómo y el cuánto”. Consciente de su simbolismo, son usados como meros objetos que forman parte de construcciones o sirven de vehículo para cuestionar su propia función.

Los procesos son una parte fundamental en el trabajo de Isidro López-Aparicio, pues su reflexión no persigue necesariamente objetos finales, sino experiencias capaces de condensar y comunicar las ideas que maneja.

Para López-Aparicio, el arte no es solo un campo de satisfacciones estéticas y desarrollos ficcionales, sino que la realidad es el argumento de lo creativo.

Esta muestra, comisariada por José Luis Pérez Pont, es la segunda del programa de Galería pazYcomedias centrado en expresiones artísticas de cuestionamiento y crítica social, y que se inició con la exposición de Yara El-Sherbini (artista participante en la Bienal de Venecia 2015). El programa continuará con Fermín Jiménez Landa, Escif, Ernesto Casero, Rogelio López Cuenca, Antoni Abad y Nuria Güell, entre otros.

Isidro López-Aparicio. La más cara, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio. La más cara, 2015. Cortesía Galería pazYcomedias.

Isidro López-Aparicio es un artista con una sólida presencia y reconocimiento profesional participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Italia, Reino Unido, Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Hungría, Finlandia, Rusia, Egipto, China, Grecia, Fiji, Rumania, Papua Nueva Guinea, Noruega, Jordania, Unión de Emiratos Árabes, etc. en centros como Darat al Funum (Aman, Jordania), Inter Art Gallery, 798 Art Distric (Pekin, China), Tate (Londres, UK), GAM, Galería de Arte Moderno de Palermo, Sicilia, Columbia, ARTifariti, Sahara Occidental, S.C., EEUU, Tamarind, N. Mexico, Imatran Taidemuseo, MNCA Reina Sofía, Madrid, Finlandia, Pushkinskaya 10 Art Center, St. Petersburg, etc.  Premiado y becado para la ampliación de estudios y la creación artística en más de treinta instituciones. Ha comisariado cinco festivales artísticos internacionales trabajando con más de un centenar de artistas y miembro del panel de expertos del proyecto comisarial internacional Artist Pension Trust.

Ha trabajado en un centenar de instituciones de los cinco continentes, en la actualidad compagina su docencia en la Universidad de Granada con otras en instituciones de Finlandia y del Reino Unido. Autor de numerosos libros y artículos.

Master en Gestión Medioambiental, EU, Miembro del Instituto de investigación de la Paz y los Conflictos y Director del Grupo de Investigación CreaciónECI.

Presidente de honor del Fine Art European Forum y de la ejecutiva de la European League of Institutes of Art. Miembro de la comisión editorial del Journal of Art Research. Presidente de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España. Vicepresidente de la Unión de Artistas Andaluces. Estrella de oro por la EU por programas de movilidad.

Antoni Abad: megafone.net

Antoni Abad, megafone.net/2004-2014
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Plaça dels Àngels, 1 , Barcelona.
Inauguración:18 de febrero, a las 19 h.
Hasta 24 de junio de 2014.

Desde 2004 megafone.net, un proyecto creado por Antoni Abad y que se puede definir como una instalación audiovisual, invita a grupos situados al margen de la sociedad a expresar sus experiencias y opiniones. Mediante el uso de teléfonos móviles graban y publican en la web, de manera instantánea, mensajes de audio, video, texto y foto.

Es una manera de “prestarles la voz” a los grupos marginados, al mismo tiempo que sirve de espacio donde los participantes, transforman estos dispositivos en “megáfonos digitales”, los cuales amplifican sus voces, tanto individuales como colectivas, que son en muchas ocasiones ignoradas o desfiguradas por los medios de comunicación imperantes.

megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Estos trabajos exploran la transferencia de creatividad entre el artista y el usuario, de manera que el artista adquiere el rol de catalizador. Las obras traspasan inicialmente la institución museística, y ésta se convierte en receptáculo de esos trabajos-procesos-intercambios, en una conexión entre, por una parte, los espacios físicos de la ciudad, sus geografías y la institución artística y, por otra, el espacio virtual de las ondas, invisible pero tangible y útil de las redes.

Antoni Abad (Lleida, 1956), es el creador y catalizador de este proyecto, un pionero en el uso de redes de comunicación en la tecnología de los teléfonos móviles. A través de su trabajo, permitió que esta tecnología estuviera al alcance de grupos sociales situados en los márgenes de la sociedad: personas con diversidad funcional, inmigrantes ilegales, refugiados políticos, comunidades desplazadas, trabajadoras sexuales y sectores profesionales como taxistas y mensajeros motoristas.

Antoni Abad. megafone.net. Mèxic DF, Mèxic, 2004, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Mèxic DF, Mèxic, 2004, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Esta exposición documenta y analiza por primera vez un cuerpo de trabajos innovador y de una gran implicación social, que ha sido producido en un amplio abanico de ciudades de Europa, las dos Américas, África y Asia a lo largo de la última década (2004-2014).

El proyecto está comisariado por Cristina Bonet, Soledad Gutiérrez y Roc Parés.

megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Antoni Abad. megafone.net. Lleida, 2005, CC (by-nc-nd). Imagen cortesía del MACBA.

Últimos días de ITINERARIOS en la Fundación Botín

Exposición ITINERARIOS
XIX BECAS ARTES PLASTICAS FUNDACION BOTIN

Hasta el 1 de abril de 2013
Sala exposiciones Fundación Botín
C/ Marcelino Sanz de Sautuola, 3. Santander

La exposición Itinerarios 2011/2012 muestra el trabajo reciente de Antoni Abad (Lérida, 1956), Karmelo Bermejo (Málaga 1979), André Guedes (Lisboa, Portugal, 1976), Julia Montilla (Barcelona, 1970), Javier Nuñez Gasco (Salamanca, 1971), Joâo Onofre (Lisboa, Portugal, 1976), Jorge Satorre (México DF, México, 1979) y David Zink Yi (Lima, Perú, 1973).

Todos los artistas disfrutaron de la Beca de la Fundación Botín en su XIX convocatoria y fueron seleccionados entre 908 solicitudes recibidas desde 70 países por Iria Candela, Juan de Nieves, Fernando Sánchez Castillo, Juliâo Sarmento y un representante de la Fundación Botín.

Esta exposición colectiva constituye todos los años el inicio del calendario expositivo de la Fundación en su sede de Santander. En ella se evalúa el aprovechamiento de los artistas durante nueve meses de trabajo y se ofrece un panorama muy fidedigno de las propuestas artísticas más actuales. Diversidad de procedencias, de lugares de trabajo, de técnicas, de inquietudes se dan cita en la sala de exposiciones de la Fundación Botín en su propuesta más joven.

Para Juan de Nieves, “Los ocho artistas ensayan y trascienden los límites de la escultura, la instalación, el diseño expositivo, el video o la fotografía. Se aventuran en una variedad de disciplinas que abarcan la historia del arte y las manifestaciones  culturales, la psicología, la política, la economía o el ámbito de lo social, para converger en una obra multifacética que no puede ser reducida o encasillada como exclusivamente política ni tampoco formalista. Sin embargo sus trabajos se presentan rigurosos en sus dispositivos formales a la vez que ciertamente anárquicos en sus contenidos”.

Agrega que “En la mayoría, sus prácticas están marcadas por un interés en colaborar con otros agentes y productores culturales. Con frecuencia utilizan materiales ya existentes sobre los que se vuelcan con afán investigador, tales como documentos relativos a personalidades históricas o referencias de la identidad cultural de contextos precisos, o ejerciendo una capacidad revisionista sobre algunas patologías del presente y del pasado”.

En las propuestas: Una pequeña isla a la deriva por el río Tajo y perdiéndose en el océano; la creación de una plataforma de visibilidad para una comunidad étnica diversa; la introducción de un sub-relato dentro de una representación teatral; una operación especulativa en la bolsa de valores; una investigación sobre las relaciones entre artes visuales, diseño industrial y socialismo en el siglo XIX; el estudio de la historia de las instituciones psiquiátricas en el ámbito del estado español; una experiencia de convivencia en el seno de una comunidad andina; el dibujo como herramienta para narrar otras historias posibles en una pequeña localidad del centro de Italia.

Para De Nieves, “el arte es una herramienta de primera magnitud para entender el tiempo en el que vivimos, y a la vez una alternativa útil para el cambio social”. Como apunta en su texto, los escenarios discursivos de los artistas de Itinerarios 2011-2012 “implican una deconstrucción de las bases culturales de nuestra sociedad y desafían las actitudes dominantes de la práctica artística como una actividad impulsada por el mercado, ajena a una dimensión política y social más amplia. El trabajo de estos artistas aborda el fenómeno “real” de hacer arte, es decir, la compenetración entre la labor intelectual y la dimensión de la producción material. Sus resultados, a menudo incrustados en las tradiciones y códigos que van más allá de particularidades generacionales o de tono nacionalista, pueden constituir de hecho un campo de pruebas para nuevas formulaciones y también el punto de partida para un discurso subversivo, bien sea a través de un acto directo de resistencia o a través de mecanismos basados en la parodia o el comentario crítico”.

De los artistas, De Nieves considera que “André Guedes, Julia Montilla y Jorge Satorre abordan diferentes aspectos de la historia como medio para tomar una mirada crítica sobre la actualidad. Sus investigaciones son de largo recorrido y los dispositivos que utilizan se manifiestan en el aquí y ahora de cada evento expositivo, sometiéndolos a transformaciones y reutilizaciones posteriores, invalidando de algún modo la idea del artefacto único y descontextualizado. La discontinuidad caracteriza buena parte de sus piezas, favoreciendo líneas discursivas abiertas como también lo son las formas de visibilización producto de sus investigaciones”.

Sobre las prácticas de Karmelo Bermejo y Javier Núñez Gascó, indica que “están asociadas a las paradojas del sistema del arte y sus mecanismos de validación, poniendo en entredicho el propio estatus del objeto artístico y las políticas de acomodo y recepción tanto por parte de la institución como de las audiencias. En este sentido, sus producciones desvían la atención desde el artefacto o el evento hacia procesos de visibilidad retórica y transparencia sobre aquello que supuestamente constituye la esencia de lo “artístico”.

Respecto al resto de artistas, Antoni Abad trabaja con diferentes grupos y comunidades en riesgo de exclusión social, utilizando las tecnologías de la comunicación como herramienta fundamental para la visibilización y normalización de dichas comunidades en el ámbito del mundo globalizado. João Onofre ha creado una imagen simple y universal: una isla diminuta que avanza lentamente y se pierde en el horizonte; un refugio a la deriva para aquel que no está conforme con el tono que está tomando el mundo, las cosas. Por último, David Zink Yi explora con su trabajo las tradiciones culturales desde una perspectiva horizontal e íntima tanto con grupos y comunidades como con situaciones sociales e históricas precisas.

Actividades complementarias: El artista y su obra, a cargo de Javier Núñez Gasco el 20 de febrero, y de André Guedes el 21 de marzo, a las 20 horas en la sala, con entrada libre. Visitas en grupo previa cita.