En el estudio

‘Muebles en el estudio’
Ángel Masip
Sala exposiciones La Lonja
Paseo Almirante Julio Guillén Tato. Alicante
Hasta el 18 de febrero de 2018

Sin abandonar el paisaje y su reflexión ante el mismo, Ángel Masip presenta su nuevo proyecto ‘Muebles de estudio’ en la Lonja del Pescado de Alicante. ‘Muebles de estudio’ recoge tres acciones, siempre sugerentes, que aúnan algunas de sus creaciones más recientes, entre ellas ‘Two and a half minutes to the midnight’ que ya pudo verse en el Centro del Carmen de Valencia. En pocas ocasiones Ángel Masip ha expuesto en su ciudad de origen y, en este caso, la oportunidad se da gracias a la convocatoria pública que la Concejalía de Cultura de Alicante abrió el pasado 2017 con objeto de dotar de contenido a las diferentes salas de exposiciones de la ciudad.

A lo largo de toda su trayectoria, Masip viene elaborando un discurso entorno a la significación del paisaje, siempre desde distintas perspectivas y siempre como pretexto para analizar el individuo. En ‘Muebles de estudio’ diversifica y amplia este concepto de paisaje llevándolo a un punto casi íntimo, totalmente introspectivo. La muestra comienza con ‘Domesticidades Fantasma’ donde impresiones digitales y un gran foto-collage, acompañan a una gran escultura de tubos de aluminio. Masip otorga aquí una nueva mirada sobre los objetos cotidianos, sobre nuestros espacios domésticos, aquellos que casi podríamos recorrer con los ojos cerrados, pero ahora descontextualizados, desposeídos de la familiaridad provoca un sentimiento de extrañeza en el espectador. ¿Acaso somos capaces de reconocer esos lugares? Ese orden inconsciente deja de tener sentido y tropieza con lo preestablecido.

Detalle de la exposición. Imagen cortesía Ángel Masip.

Detalle de la exposición. Imagen cortesía Ángel Masip.

Es quizá esta la actitud revuelta y descolocada necesaria para enfrentarse a las siguientes instalaciones, ambas relacionadas con una visión post-apocalíptica de la realidad. ‘Escaparatismo salvaje’ es el resultado de una instalación que el artista llevó a cabo en 2013 site-specific para una galería de Madrid. El resultado conjuga diferentes materiales de desecho domésticos que refuerzan la meditación sobre diferentes cuestiones clave: paisaje, naturaleza, producto artístico… ¿Nos sentimos cómodos reiterando la participación generalizada sobre estas ideas? El confort del no pensamiento obliga al espectador a rodear la obra, a crear una escenografía distinta para cada mirada.

Finalmente, ‘Two and a half minutes to midnight’ parte del Doomsday clock, un reloj simbólico que marca la medianoche como aproximación al fin del mundo. En 2017 ese reloj se adelantó. La instalación de Ángel Masip muestra en una serie de elementos museográficos, objetos encontrados o construidos, enmarcados, expuestos. Pero no es la estética lo que cuenta, sino que partiendo del cuestionamiento del objeto artístico como tal, surge el interrogatorio inconsciente. La presentación lleva inevitablemente a reflexionar sobre lo inminente en el día a día del individuo, quizá mostrando un principio de incertidumbre que el orgullo no deja externalizar.

Detalle de la exposición. Imagen cortesía Ángel Masip.

Detalle de la exposición. Imagen cortesía Ángel Masip.

En resumen, Masip trata de manera ponderada la visibilización de aquello que normalmente no apreciamos. Aquí encaja bien el concepto social que propuso Zygmunt Bauman, el de una sociedad líquido-moderna, en la que todo fluye y el cambio es constante pero no hay conclusión. Pararse a reflexionar sobre lo imposible de averiguar no es sino una manera de detenernos, de alejarnos de ese confort producido por la domesticidad, por las paredes confortables y también, como no, por nuestros muebles de estudio.

María Ramis

Entrevista-paseo por Display-me

Entrevista-paseo con Diana Guijarro y Ángel Masip
Proyecto Display-me. Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Ángel Masip y Alberto Feijóo
Caja Blanca, Centro Cultural Las Cigarreras
C/ San Carlos, 78. Alicante.
Hasta el 22 de enero de 2017

Display-me es un proyecto expositivo que va más allá, cuyo objetivo es replantear no solo el modelo expositivo sino la comunicación y difusión con el público. Para ello, la ideadora y comisaria Diana Guijarro, sustrajo a los artistas Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Alberto Feijóo y Ángel Masip de su producción cotidiana, y les ofreció un espacio en el que trabajar juntos. El resultado, siempre en constante cambio, no deja indiferente al público.

“Buscamos como afrontar los diferentes retos”

“Todo comenzó con la I primera convocatoria pública de proyectos expositivos para salas municipales que propuso el Ayuntamiento de Alicante desde la Concejalía de Cultura. Aunque el proyecto ya nos había rondado anteriormente la cabeza, esta fue una ocasión para plantearlo de manera profesional.” comienza Diana Guijarro. Todavía no hemos avanzado mucho dentro de ese gran espacio que es la Caja Blanca de las Cigarreras pero estamos situadas, junto con el artista participante Ángel Masip, enfrente de las primeras piezas. “ el proyecto que presentó Diana fue el mejor puntuado entre todos. Pero, a la hora de la verdad, nos encontramos con un grave problema y es que nos dijeron que no había presupuesto.” apunta Ángel. Ante mi cara estupefacta, Diana sonríe y me cuenta como tuvo que reunirse con diversos responsables tanto del centro como de la Concejalía de Cultura de Alicante para finalmente llegar a un acuerdo para poder realizar su proyecto.

Ángel apunta que recibieron un recorte más o menos del 50%. “Buscamos como afrontar los diferentes retos, como tener que pactar y que lidiar con todos estos inconvenientes. Aunque pensábamos que nos los íbamos a encontrar, te encuentras con que la situación es más complicada de lo que creías”, confiesa.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

“Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada”

La conversación se dirige hacia todas las trabas que han tenido que salvar: ajustes de presupuesto, de tiempo, de recursos… “Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada esta primera edición de las convocatorias públicas y tuvimos que re-adaptar todo. Se habló con los artistas y decidimos seguir adelante pero esto conllevó un mayor esfuerzo presupuestario. También un esfuerzo para con los artistas, ya que mi propuesta no era una colectiva sino un laboratorio sobre la invasión de un espacio. Cuando se tuvo que cambiar a que los cuatro a la vez llevarán a cabo este trabajo a la vez, fue todo un reto. El montaje ha sido quizá más divertido, pero todo un reto profesional ”, confiesa Diana.

“Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación”

Display-me busca mostrar los nuevos modos de transmisión que posee el desarrollo expositivo y para ello, se hace necesario romper con los modelos con los que normalmente nos encontramos cuando vamos a un museo o galería. La concepción del rol del público como agente activo es clave en esta ocasión. A raíz de esto Diana explica que Display-me “no se entiende como una exposición al uso, ni con un final cerrado. Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación. El título refiere a ello, va lo básico, a lo que es un display, y tiende la mano a la gente a que participe o al menos, a hacerles pensar.”

Como artista Ángel cree que las trabas para poder llevar a cabo todo este cambio de roles en el que el público pasa a ser casi creador son complicadas, pero “o generas algo diferente a lo preestablecido y te acomodas a la estructura; o no vas a poder hacer tu proyecto. ‘Display-me’ está pensado más bien como un laboratorio de experiencias y de investigación.” Añade que “normalmente existe  la barrera establecida de la comunicación unidireccional, en la que el espectador no tiene opciones salvo las que le da el artista. Era interesante el abrir ese terreno que permitía generar una comunicación a través de otras vías. Creo que esto es lo más interesante del laboratorio. Si en algún aspecto podemos cambiar la estructura del modelo expositivo clásico es en la comunicación, entre el visitante y el que exhibe.”

Por supuesto, esto implicaba una tarea de coordinación importante entre artistas y comisaria. Display-me parece trastocar, no solo el rol del público, sino también el de las propias relaciones entre agentes del arte. Diana explica que “la exposición no se puede explicar entorno a un recorrido claro, puesto que no hay una estructura clara. Esto también fue asunto interesante a la hora de del montaje. Nos plantamos en este gran espacio blanco y fuimos viendo como empezar a trabajar. Los días de montaje han sido intensos porque muchas ideas se han tenido que readaptar. A pesar de que yo he planteado unas líneas, mi idea de como me imaginaba las piezas cada uno de los ellos ha ido mutando”.

Ángel aporta su visión de artista y añade la importancia de generar un contexto donde las obras de los cuatro artistas tuviesen cabida, donde se interrelacionaran y al menos generasen una vía de interacción con el receptor. Cuenta que “por eso queríamos abrir esta muestra con una obra interactiva, que estableciera barreras, con una visualidad parcial y que produjera confusión. Al mismo tiempo crea cuestiones. Pensamos que aunque no hay ponérselo difícil al visitante sí que hay que se deben generar preguntas que nos puedan a ofrecer otras vías de investigación. Si por el contrario, acabamos haciendo una exposición al uso, ya sabemos cual va a ser el resultado”.

Huellas, desapariciones. Nada y todo es aleatorio en Display-me. Ángel explica que “la intención es que al final, si quitas todas estas cosas que hay por en medio, quede un espacio lleno de indicaciones, donde te diga que ha sucedido algo en sala, que ha tenido a cabo una actividad, la que sea.” Se trata invadir un espacio en el que normalmente al artista no le es posible andar con libertad.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

 “El público creó el contenido sin saberlo”

“Las actividades paralelas tienen mucho que ver con esto de los cambios de roles. Aunque la exposición está a medias, el motor ya está en marcha, creo que hacia todo lo que resta es cuando realmente va a ponerse en funcionamiento toda la máquina”, apunta Ángel. Diana continúa hablando de “poner en marcha la maquinaria” y añade que “ las actividades son la espina dorsal del proyecto. Si quitas una, ya no tiene sentido”.

Es curioso que el programa de actividades comenzara antes que la exposición. “Se hizo una actividad en la que la gente no sabía muy bien a que venía y con un material didáctico que hemos añadido a la exposición, la gente deambulaba por un espacio donde se encontraba con cosas que no sabes que son, y queríamos que nos contaran lo que percibían. Ese material fue el que utilizamos para elaborar los mensajes. El público creó el contenido sin saberlo. Además, cada semana, cada artista enfoca la actividad hacia el ámbito que quiere y eso también dota de contenido o modifica la exposición,” comenta Diana.

“Alicante es una ciudad complicada”

El objetivo de la reunión de estos artistas vinculados a un determinado ámbito geográfico, con parámetros generacionales comunes, no es aleatoria. “La paridad entre artistas ha sido importante a la hora de elegirlos. Cada uno de ellos tiene trayectorias diferentes y trabajan mensajes diferentes. Me interesaba esa confrontación”, afirma Diana. Además, nos cuenta que “ninguno de los cuatro, nacidos o residentes en la provincia, había expuesto en un centro institucional. Sí habían hecho exposiciones pero era curioso que ninguno tuviera una gran presencia en el ámbito público”. “Seguimos sin tenerla”, incide Ángel entre risas.

“Alicante es una ciudad complicada. Creo que estas convocatorias son importantes para poder desarrollarnos de una manera profesional y digna”, apunta Diana. Ángel cree que “desde hace mucho tiempo se han reconducido las políticas culturales hacia un foco determinado y que en lugar de abrir el abanico y permitir que artistas emergentes encuentren un espacio en la ciudad, no se ha ejecutado una buena política cultural. Esto deriva en que todos acabemos por irnos. No hay arte vanguardia ni posibilidades de generarlo. Con estos nuevos órganos de gobierno que están abriendo canales de comunicación con la ciudadanía y probablemente ahí es donde tienen cabida nuevas vías de actuación. Aunque no es del todo ideal, sí es más fructífero que antes”.

“Es como una metáfora”

Se configura así un ambiente de presentación de obras donde existe un proceso configurado a través de una investigación artística continua y adherida. Todo un laboratorio dinámico en el que, según palabras de Diana “la gente no se quedara vacía. Nos ha servido para testar al público de la ciudad y el feedback ha sido muy bueno”. Pero en ocasiones, casi sin quererlo, vamos más allá y, como explica Ángel, “se trata de generar estructuras para cuestionar nuestros propios procesos. Es como una metáfora, una especie de juego para proyectarlo en otras cuestiones de la realidad ”.

María Ramis

Un políptico de sabores se lleva el Mardel

IV Convocatoria de Pintura Mardel
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

El Centre del Carme de Valencia acoge hasta el próximo 13 de noviembre la exposición de la IV Convocatoria de Pintura Mardel, con el apoyo del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Esta iniciativa pretende dar la oportunidad a los creadores de mostrar su trabajo y acceder a una ayuda a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico o facilitando la difusión y el conocimiento de su obra.

La convocatoria está dirigida a artistas entre 18 y 40 años, y en ella se concede un premio (dotado con 4.000€) y tres accésit. “Este año hemos decidido conceder cuatro accésit ante el éxito de la convocatoria y la calidad de los artistas que se han presentado. La exposición en el Centre del Carme muestra las obras de los 30 finalistas, entre los más de 200 proyectos que se presentaron”, explicó Amparo Martínez, en representación de la Fundación.

El jurado ha estado compuesto por José Luis Pérez Pont, director gerente del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; Nuria Enguita Mayo, directora de Gens Centre d’Art Valencia y editora de la revista Concreta y curadora, y por Bruno Leitao, director curatorial de Hangar – Centro de Investigación Artística de Lisboa y director del proyecto Cuatorial Clube. Como miembro del jurado, Pérez Pont señaló que “el premio busca la experimentación en el ámbito de la pintura y en este sentido las obras que hemos seleccionado van dirigidas a generar un concepto más amplio de la misma”.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premios

Durante la presentación de la muestra, se dio a conocer el fallo del jurado. La obra ‘Políptico de sabores’ del artista gallego Misha Bies Golas ha sido la ganadora de esta IV edición del Premio de Pintura Mardel.

La pieza, que toma la forma de un cartel de helados, hace un ejercicio crítico acerca de la autoría de la obra de arte y, como explicó el propio artista, “el políptico de sabores habla de un pintor que aborda la pintura con sumo respeto, desde lejos, más que con miedo a mancharse, con miedo a meterse en un terreno sagrado”.

Doble paño de Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Doble paño de la Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Asimismo, los cuatro accésits han recaído en las obras: ‘Doble paño de la Verónica’, de la artista argentina afincada en Madrid, Luciana Rago; ‘Señales de humo’ del alicantino Pablo Bellot; ‘Cambio flúor por fama’, del valenciano Carlos Peris; ‘The evidence’, de la artista andaluza afincada en Valencia, Marina Iglesias.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

En su obra, Luciana Rago parte de una investigación sobre pinturas canonizadas por la Historia del Arte que tiene como punto de partida la ‘Santa Faz’ (1931) de Zurbarán. Por su parte, Pablo Bellot presenta una instalación en la que muestra el estado de descomposición en la que se encuentra la sociedad y el hartazgo que le produce.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El valenciano Carlos Peris hace una reinterpretación de la pintura en la que “cambia fluor por fama”, una reflexión sobre el sector artístico valenciano en clave de humor.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Inspirada en los fotogramas cinematográficos, Marina Iglesias en su obra ‘The evidence’ muestra unos cuerpos semienterrados y postrados en el suelo que presentan una ambigüedad: parecen ser más bien muñecos o maniquíes cuyas caras rotas se funden con el suelo, una escena que invita a ser completada en la mirada del espectador.

El resto de artistas seleccionados y cuya obra puede visitarse también en el Centre del Carme son: Gil Gijón, Aaron Sanroman, Saskia Rodríguez Araña, Manuel Antonio Suárez, Luis San Sebastián, Ángela Cuadra Casas, Juan Jose Valencia, Yann Leto , Jose Luis Cremades, Roberto Guille, Jesús Herrera Martínez, Ángel Masip, Alejandra de la Torre, Bell Fulllana, Asensio Martínez Soler, Juan Luis Fernández González, Quique Ortiz, Rubén M. Riera, Kepa Garraza Álvarez, Alexis Hernández, Cristina Santos Muniesa, Iker Lemos, Víctor Melia de Alba, Luisa Pastor, Pau Sellés Alós.

Ángel Masip y el concepto de paisaje

Ángel Masip. Meteorismo
Galería pazYcomedias. Valencia
Plaza del Patriarca, 5, bajo
Inauguración: 4 de diciembre de 2015, 20h.

Los espacios que habitamos, los entornos que nos rodean, los acontecimientos televisados, el concepto de paisaje, la propia naturaleza… Todo ello entraña un remanente mental que pone en tela de juicio el desenlace natural de las cosas. La duda sobre la certeza de lo fortuito amenaza continuamente nuestra existencia. Diariamente asistimos a un bucle cotidiano que se cierne sobre nosotros con su eterna y trágica carga.

A pesar de la convergencia de las acciones, de los procedimientos para reconducir actitudes, parece que no asistimos a ningún cambio sustancial, que todo sigue su propio curso repitiéndose una y otra vez bajo los designios de su propia melancolía, a través de ese túnel que nos brinda la historia, tal y como apunta Milan Kundera “El crepúsculo de la desaparición lo baña todo con la magia de la nostalgia; todo, incluso la guillotina”.

Al igual que en nuestro entorno, la idea de naturaleza, es decir, la arbitrariedad impuesta por leyes que escapan al dominio humano, es algo que trasciende incluso al propio dominio del concepto. Frecuentemente pasamos por alto ciertas intervenciones, determinadas circunstancias que desvían nuestra percepción y que determinan las acciones que percibimos hacia un terreno enmascarado por la confusión, que las eleva a categorías con las que no se corresponden exactamente.

Ángel Masip. S/T (Serie Meteorismo), 2013. Tinta pigmentada y spray sobre papel. Marco-caja de pino, 115x70/125x80 cm. Cortesía pazYcomedias.

Ángel Masip. S/T (Serie Meteorismo), 2013. Tinta pigmentada y spray sobre papel. Marco-caja de pino, 115×70/125×80 cm. Cortesía pazYcomedias.

Bajo este mismo paradigma, carece de sentido cualquier voluntad de pretender modificar el desenlace histórico. El propio acontecer natural de las cosas se impone frente a un estéril afán de reorientación. La disuasión de la propia voluntad es todo un reto para el individuo contemporáneo, voluntad que condiciona cualquier acción, incluso la de evocar un momento o una acción irrepetible, todo un reto desatender el anhelo que abochorna cada instante al que sobrevive la humanidad.

Meteorismo juega con la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar, tal y como generalmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual. Hoy más que nunca, y más allá de lo que a priori nos pueda parecer, la reivindicación de la experiencia espiritual se impone frente a la objetividad del análisis, en aras del conocimiento del yo para poder afrontar los nuevos conflictos y retos que la sociedad contemporánea plantea.

* meteorismo.(De meteoro e -ismo). 1.m.Med. Abultamiento del vientre por gases acumulados en el tubo digestivo.

Ángel Masip. S/T (Serie Meteorismo), 2013. Tinta pigmentada y spray sobre papel. Marco-caja de pino, 115x70/125x80 cm. Cortesía pazYcomedias.

Ángel Masip. S/T (Serie Meteorismo), 2013. Tinta pigmentada y spray sobre papel. Marco-caja de pino, 115×70/125×80 cm. Cortesía pazYcomedias.

Ángel Masip presenta una intervención en el espacio Glass Wall de la Galería pazYcomedias, en diálogo con la exposición que ocupa la sala principal Els pronoms febles, de Rogelio López Cuenca, dentro del programa comisariado por José Luis Pérez Pont. Antes de la inauguración tendrá lugar una mesa redonda sobre “Malas buenas prácticas”.

Las “MALAS BUENAS PRÁCTICAS” a debate

Mesa redonda: “Malas buenas prácticas”
Galería pazYcomedias. Valencia
4 de diciembre de 2015, 19h.

Con la participación de:
-Javier Martín-Jiménez, asesor de Arte de la Comunidad de Madrid
-Àngel Masip, artista visual
-Jose Luis Perez Pont, comisario

La progresiva implantación de las “buenas prácticas”  culturales se ve en ocasiones distorsionada, generando procesos que representan un retroceso, pues se amparan bajo esa denominación para enmascarar decisiones que no responden en realidad a un juego limpio. Es lo que desde ahora hemos empezado a llamar “malas buenas prácticas”.

Tras unos años de elaboración de documentos desde el sector del arte, negociaciones con las diferentes administraciones, numerosas reivindicaciones de los profesionales de la cultura ante los progresivos procesos de precarización, la arbitrariedad y la politización en las decisiones que afectan a la gestión de algunos contenedores culturales, etc.

La mayor parte de los programas electorales han incorporado ya el mantra de las “buenas prácticas”, como marca que legitima su propuesta cultural y que, sin entrar en detalles, se quiere validar mediante una nebulosa plagada de lugares comunes, que obvia las necesidades culturales de la sociedad y las potencialidades y carencias del propio sector.

La realidad de la política cultural se está reformulando tras las elecciones autonómicas y municipales del pasado mes de mayo, aunque no son pocas las dudas que surgen ante el titubeo en unos casos, o el desconcierto y la inacción en otros. Los nombramientos “a dedo” de carácter “provisional” al frente de algunas instituciones culturales han hecho saltar las alarmas en la Comunitat Valenciana y en otros territorios, casi tanto como esos “códigos de buenas prácticas culturales” emanados desde la institución sin procesos de diálogo ni participación. Así son las nuevas “malas buenas prácticas”. La pregunta es si son un síntoma transitorio o si han llegado para quedarse, como un simple efecto placebo, tranquilizante, ineficaz y adormecedor.

Ángel Masip. Meteorismo -detalle. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ángel Masip. Meteorismo -detalle. Cortesía Galería pazYcomedias.

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

MUA: residencias formativas en arte contemporáneo

Programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
Del 13 al 25 de julio de 2015

La Universidad de Alicante y su Fundación General convocaron a través del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) un programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo. “PLUS” se lleva  a cabo del 13 al 25 de julio de 2015 y tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Cinco propuestas de artistas individuales o colectivos (en distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, fotografía, videoarte, instalación, etc.) han sido elegidas por una comisión de expertos y técnicos de arte del MUA. Durante dos semanas, de lunes a viernes y de 9:00h a 20:00h, los seleccionados realizarán su proyecto artístico en las instalaciones del MUA: sala Naias, sala Àgora, biblioteca, anfiteatro y exteriores. Las residencias se complementan con una formación que propone talleres de diferentes agentes culturales con los artistas para potenciar la profesionalización y la proyección de los creadores.

Los artistas seleccionados son: María Ortega Estepa, Ángel Masip, Pablo Bellot, Juan F. Navarro y Alexandra Rodes. Cada artista recibe una bolsa de 300€ para la producción de su proyecto. Además se ofertó una bolsa de alojamiento de 600€ para un solo artista no residente en el contexto local. Los proyectos deberán estar acabados al final de la residencia y el MUA los expondrá en octubre de 2015 en una muestra colectiva.

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Desde el martes 14 de julio y hasta el miércoles día 22, el Museo de la Universidad de Alicante, acogerá seis conferencias formativas en el marco del programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”. De 12 a 13 h. serán sesiones abiertas al público y entre las 13 y las 14 h. se celebrarán los encuentros de los profesionales con los residentes.

Las charlas contarán con especialistas en diversas áreas de conocimiento y abordarán temas como:

14 de julio:  la Galería de arte como proyecto work  in progress, impartida por Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural.

15 de julio:  Arte y comunicación. Comunicación del arte, a cargo por Raúl Rodríguez, coordinador del Máster Oficial en Comunicación e Industrias Creativas.

16 de julio: Hacer, deshacer, rehacer. El sistema del arte y las buenas prácticas, por José Luis Pérez Pont, crítico de arte, comisario y codirector de www.makma.net.

20 de julio: + – 1961 La Eclosión  de un arte expandido, impartido por José Maldonado, doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

21 de julio: Valor social del arte, a cargo de Isaac Montoya, artista y presidente de la Asociación de Artistas Contemporáneos de Alicante (ACOA).

22 de julio: Tiempos y procesos en el desarrollo de proyectos artísticos, por Teresa Marín, doctora en Bellas Artes y profesora de profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

El programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”, impulsado por la Universidad de Alicante y su Fundación General, tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Las jornadas son de acceso  libre hasta completar el aforo.

Juan Sánchez, Premio Mardel 2014

II Premio de pintura Mardel
Inauguración de exposición y resolución de premiados
Centro Municipal de las Artes de Alicante

El 4 de diciembre, Mardel presentó la exposición de los artistas galardonados del II Certamen de Pintura. La exposición recoge obra del primer premio, Juan Sánchez, así como de los autores galardonados con accésit: Javier Palacios, Keke Vilabelda, Ignacio Estudillo e Iker Lemos. La resolución premiada fue decidida por un jurado formado por Pilar Tébar, Ángel Masip, José Luis Martínez Meseguer, Luisa Pastor y José Luis Pérez Pont.

Cuadro plegable, de Juan Sánche (primer premio); Imagen cortesía de la organización.

Cuadro plegable, de Juan Sánche (primer premio); Imagen cortesía de Mardel.

Con este certamen, Mardel pretende dar la oportunidad a jóvenes intérpretes y creadores de mostrar su arte, y acceder a una ayuda económica a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico, becas de formación o facilitando la difusión y conocimiento de su obra a través de exposiciones colectivas, audiciones musicales o lectura de poesía y narrativa corta.

Ente, de Javier Palacios (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Ente, de Javier Palacios (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

Panóptico acid house, de Keke Vilabelda (accésit); imagen cortesía de Mardel.

Panóptico acid house, de Keke Vilabelda (accésit); imagen cortesía de Mardel.

La música, la literatura y las artes plásticas, especialmente la pintura, están representadas en el proyecto mardel, que como fin último pretende hacer de la expresión artística una forma de comunicación y divertimento. Sería interesante asomarse a otras culturas, todas ellas con un estigma común: la capacidad humana de comprensión y respeto mutuo a través de los símbolos-lenguaje-formas-sonidos que conforman el conocimiento como medio de bienestar.

Construcción nómada, de Iker Lemos (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Construcción nómada, de Iker Lemos (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

Naturaleza: dos esculturas, de Ignacio Estudillo (accésit); Imagen cortesía de la organización.

Naturaleza: dos esculturas, de Ignacio Estudillo (accésit); Imagen cortesía de Mardel.

 

 

La atemporalidad del Gallery Walk

Ruta 2. Gallery Walk. Abierto Valencia.                                                                       LaVac.                                                                                                                                                                                                             Mr. Pink, Espaivisor, Rosa Santos y Galería Punto.

Educar en el arte y en el patrimonio a través de museos, enseñanza reglada, asociaciones u organizaciones privadas son algunas de las premisas de Avalem -asociación sin ánimo de lucro organizadora de estas interesantes visitas a determinadas galerías de arte- con motivo del pasado “Abierto Valencia”. Pero el objetivo es ineludiblemente mediar entre la sociedad y la cultura, como muy bien reza en su manifiesto, materializado en la Gallery Walk.
Cabe destacar la importancia de esta iniciativa- esponsorizada por la Fundación Arco-, puesto que aún pervive la creencia de que las galerías de arte y otros espacios, contenedores de expresiones artísticas, siguen siendo lugar vetado y dirigido a una elite económica y cultual. Por ello es importante universalizar el acceso a los sentidos para el deleite de sus expresiones artísticas en estado puro.

Bajo la atenta recepción de Daniela Sirvent y Gema Gil –integrantes de Avalem- y ávidos de conocer la historia y detalles de la cotidianeidad de las galerías, comenzamos la ruta en Mr. Pink, que bajo el concepto “Espejismos” nos ofrece una exposición colectiva, con aportaciones de otras galerías, y la intención de conformar el panorama del arte en la actualidad ”y de la nueva hornada de espacios dedicados a promover el arte contemporáneo”.

De esta primera toma de contacto echamos de menos conocer algo más sobre la propia galería, su leitmotiv, orígenes, objetivos y, por qué no, alguna anécdota que nos permitiese establecer algún vínculo más inmediato. No obstante, su propuesta expositiva se antoja interesante y con entidad para visitarla de nuevo. Tal vez ahí nos conectemos.

Elementos expositivos y visitante de la galería Mr. Pink. Imagen de Merche Medina.

Elementos expositivos y visitante de la galería Mr. Pink. Imagen de Merche Medina.

Dando un pequeño paseo, nuestras anfitrionas nos condujeron –animada tertulia callejera mediante-  hacia el segundo punto de la ruta, Espaivisor, galería referente en Valencia desde 1982,  que bajo las directrices de Pep Benlloch ha ido progresando y enriqueciéndose hasta haberse posicionado como una de las galerías más interesantes del panorama internacional en su especialidad de vídeo y fotografía. Mira Bernabeu, artista de la galería, y Miriam Lozano ya participaban de sus avances, pero no fue hasta hace cinco años cuando ambos tomaron sus riendas. Actualmente alberga varios espacios a modo de contenedor de diversos conceptos, anaqueles para artistas emergentes o proyectos “site especific”.

Un concepto de galería 360º con un equipo joven, aunque experimentado, que suma a sus propuestas recientes “Ruina >Interveción>Archivo. Valencia 2005-2010”, donde las artistas Patricia Gómez y Mª Jesús González  tratan de rescatar la memoria de lugares inmersos en procesos de desaparición o abandono. “A través de la intervención en el interior de edificios deshabitados llevamos a cabo un trabajo de exploración fotográfico y estampación por arranque de grandes superficie con el objetivo de extraer un registro material que permita conservar las huellas y la memoria de lugares que van a dejar de existir”.

Gemma Gil, de Avalem, exponiendo algunas claves de Espaivisor. Imagen de Merche Medina.

Gemma Gil, de Avalem, exponiendo algunas claves de Espaivisor. Imagen de Merche Medina.

Imbuidos de experiencias, realidad y cercanía, caminamos por las aceras del barrio del Carmen en dirección a la galería Rosa Santos,  otrora denominada Post-Pos  -iniciativa surgida en los años ochenta y referente para una generación de jóvenes estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos-, un edificio rehabilitado abierto al público en 2003 y, como reza en su concepto de galería, un lugar especializado en “arte visual contemporáneo, mostrando especial interés por las últimas tendencias en pintura, escultura y dibujo, fotografía, vídeo e instalación”. Con esta premisa nos encontramos ante sus puertas, recibidos por la propia galerista, una mujer jovial, dinámica, accesible y afable que no duda en darnos la bienvenida personalmente, junto a su asistente, Johanna Caplliure, y el artista que actualmente expone en la galería, Alex Francés, quien se ofrece junto con Rosa Santos a enriquecer con su experiencia las explicaciones de nuestras anfitrionas.  Ascendiendo por la “columna vertebral” de la galería, materializada en unas escaleras que comunican todos los espacios, el artista nos invita a observar su exposición, planteada como una conversación entre materia y estructuras corporales, a través de técnicas y material artesanales.

Johanna Caplliure -asistente de la galería-, el artista Alex Francés y la galerista Rosa Santos. Imagen de Merche Medina.

Johanna Caplliure -asistente de la galería-, el artista Alex Francés y la galerista Rosa Santos. Imagen de Merche Medina.

Tras concluir la visita, a continuación nos encaminamos hacia Galería Punto, lugar emblemático y referente del arte contemporáneo desde su apertura allá por 1972 bajo la iniciativa de Miguel Agraït y Amparo Zaragozá quienes  apostaron por eximios creadores del panorama cultural internacional, siendo sus hijos Nacho y Miguel Agraït quienes han completado esta senda con artistas de vanguardia. En la actualidad la planta principal alberga “Insomne”,  una singular exposición de fotografía paisajística a cargo de Manuel Vilariño.

Igualmente cabe destacar  Área 72, iniciativa gestada por Amparo Agraït y Jorge López -nuevo director artístico-, quienes han rebautizado la planta inferior de la galería con el objetivo de visibilizar a artistas emergentes o consolidados peculiarizados por nacer a partir de ese año. Así lo confirman los trabajos de Julia Mariscal y Ángel Masip  quienes exhiben la presente “Mute Things”.

Nacho Agraït, de Galería Punto, conversando con los asistentes. Imagen de Merche Medina.

De este modo concluimos un recorrido que nos ha permitido acercarnos a los entresijos de diversas galerías bajo una perspectiva enriquecida por los testimonios de quienes las conforman como si de una performance al hilo del work in progress del arte se tratase.

Integrantes de Gallery Walk en Galería Punto. Imagen cortesía de Nacho López Ortiz.

Merche Medina

Rubén Guerrero brilla en Abierto Valencia

Abierto Valencia 2014
Fiesta de entrega de premios
Noche del miércoles 24 de septiembre
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia

La Secretaria Autonómica de Cultura de la Conselleria de Educació, Cultura i Esport, Julia Climent, entregó en el Centro del Carmen el premio de la Generalitat Valenciana a la Mejor Exposición de Abierto Valencia 2014 a Rubén Guerrero de la Galería Luis Adelantado. Y lo hizo en el marco de una celebración que reunió a representantes de las 21 galerías de arte que componen LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) y que han organizado esta apertura conjunta que se completará con visitas guiadas para el público a lo largo del fin de semana.

Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, con el premio a la mejor exposición del Abierto Valencia 2014, entregado por la Secretaria Autonómica de Cultura, Julia Climent, a su lado. Centro del Carmen. Foto: Nacho López Ortíz.

Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, con el premio a la mejor exposición del Abierto Valencia 2014, entregado por la Secretaria Autonómica de Cultura, Julia Climent, a su lado. Centro del Carmen. Foto: Nacho López Ortíz.

El acto se completó con tres importantes Premios Adquisición, muy repartidos, pues Hortensia Herrero, de la fundación que lleva su nombre, entregó los galardones a Sean Mackaoui de la Galería Set, Nuno Nunes-Ferreira de Paz y Comedias y Guillermo Ros de Galería 9. DKV Seguros, de la mano de Alicia Ventura y José Antonio García, entregaron sus Premios Adquisición a Alfredo Rodríguez de Mr. Pink y a Rubén Guerrero de Luis Adelantado, mientras que José Gandía Blasco se decidió por las exposiciones de Sean Mackaoui de Espai Set y Nelo Vinuesa de Espai Tactel.

José Gandía Blasco, en el centro, tras entregar los premios patrocinados por Gandía Blasco, junto a los galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d'Art, y Nelo Vinuesa, de Espai Tactel. Foto: Nacho López Ortíz.

José Gandía Blasco, en el centro, tras entregar los premios patrocinados por Gandía Blasco, junto a los galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d’Art, y Nelo Vinuesa, de Espai Tactel. Foto: Nacho López Ortíz.

La entrega de premios reunió a los galeristas, en el claustro gótico del Centro del Carmen, con la colaboración del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, con la degustación de postres del Grupo de Restauración Vicios Italianos, los vinos de las bodegas de Terres del Alforins, las cervezas de Turia, vodka de Belvedere, Federica, el arancello de Valencia y los combinados de Dicoval. Además del equipo de José Arte, el mobiliario de Gandía Blasco y la producción de Cuchita Lluch de La Lista y Vanesa García Gatzsch de GMG.

Alicia Ventura y José Antonio García, entre los galardonados por DKV Seguros, Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, y Alfredo Rodríguez, de Mr. Pink. Foto: Nacho López Ortíz.

Alicia Ventura y José Antonio García, entre los galardonados por DKV Seguros, Rubén Guerrero, de la galería Luis Adelantado, y María Tinoco, de Mr. Pink. Foto: Nacho López Ortíz.

Pero Abierto Valencia fue mucho más, ya que todas las galerías hicieron una inauguración conjunta desde las 17 hasta las 22 horas que animaron sus barrios pues se asociaron con un restaurante, ultramarinos, bar o local de su entorno y ofrecieron un catering a todo el que quiso acercarse a conocer sus exposiciones de apertura de temporada.
A lo largo de estos días, se espera la asistencia de más de 3000 personas que podrán disfrutar de más de 300 obras de artistas nacionales e internacionales. Esta expectación viene marcada por los ARCO Gallery Walk, visitas guiadas realizadas por AVALEM, que conectarán las distintas galerías en tres rutas. Así, el que quiera conocer la historia de las galerías, sus peculiaridades y sus artistas con más profundidad, no tendrá más que apuntarse a las visitas guiadas gratuitas en el correo asociacionavalem@gmail.com que se realizarán el viernes 26 por la tarde y sábado 27 por la mañana.

Hortensia Herrero, de la Fundación que lleva su nombre, junto a sus galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d'Art, Nuno Nunes-Ferreira, de PazyComedias, y Guillermo Ros, de Galería 9. Foto: Nacho López Ortíz.

Hortensia Herrero, de la Fundación que lleva su nombre, junto a sus galardonados Sean Mackaoui, de Set Espai d’Art, Nuno Nunes-Ferreira, de PazyComedias, y Guillermo Ros, de Galería 9. Foto: Nacho López Ortíz.

Son precisamente estas rutas las que recorrió el prestigioso jurado compuesto por Javier Díaz Guardiola, coordinador de la sección de arte y arquitectura de ABC Cultural, Maribel López, directora comercial y de programas comisariados de ARCOmadrid y Javier Hontoria, crítico independiente que, junto a los representantes de cada uno de los Premios de Adquisición otorgados por Gandía Blasco, DKV Seguros y la Fundación Hortensia Herrero, seleccionaron las obras que pasarán a formar parte de su colección entre las más de 300 expuestas.

Ambiente de la entrega de premios de Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente de la entrega de premios de Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

Abierto Valencia es ya la cita ineludible que atrae a coleccionistas, amantes del arte, expertos, críticos, comisarios, artistas, pues las galerías realizan, además, importantes descuentos estos días, pero también pretende que su nombre se defina a través del acercamiento del arte, de forma abierta y sencilla, al público en general.

Ambiente durante la noche de entrega de los premios de Abierto Valencia 2014 en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la noche de entrega de los premios de Abierto Valencia 2014 en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

GALERIAS Y EXPOSICIONES DE ABIERTO VALENCIA 2014
La II Edición de Abierto Valencia cuenta con exposiciones tanto individuales como colectivas y de grupo, como la de Nelo Vinuesa en Espai Tactel, galería ganadora del premio Abierto Valencia en su primera edición, nuevas obras del pintor sevillano Rubén Guerrero en Luis Adelantado, una recopilación de proyectos realizados en Valencia del 2005 al 2010 del dúo formado por Gómez & González en Espai Visor, las pinturas de Willy Ramos en Alba Cabrera y de Víctor Mateo en Rosalía Sender. Además contará con el proyecto comisariato por Aramis López de Alex Francés en Rosa Santos; la aportación de Galería Cuatro con obras de Ana Vernia, mientras que Paz y Comedias presenta las pinturas del portugués Nuno Nunes-Ferreira.

Ambiente durante la noche de entrega de premios de Abierto Valencia en el claustro gótico del Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la noche de entrega de premios de Abierto Valencia en el claustro gótico del Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

Por su parte, las más veteranas, como son Benlliure, Del Palau y Thema contarán con una amplia selección de sus artistas. En Galería Thema, concretamente, los artistas son Rafael Armengol y Pedro Esteban en la exposición Palimpsesto (capitulo1), al igual que, en una línea más joven, Trentatres con Hélène Crécent, Roberto Mollá y Jimmy Molina entre otros. En Mr. Pink, proponen en esta ocasión un proyecto comisariado que incluye a jóvenes artistas de las galerías más punteras del panorama español como también son punteros los collages del anglo-libanés Sean Mackaoui en SET Espai d´Art o las propuestas de Punto y Area 72 respectivamente, al traer la obra del conocido artista Manuel Vilariño y un proyecto de instalación de Ángel Masip y Julia Mariscal. Finalmente en Valencia, Galeria 9, se presenta con Pablo Lambertos i Guillermo Ros.

Ambiente durante la entrega de premios del Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Imagen cortesía de la organización.

Ambiente durante la entrega de premios del Abierto Valencia en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

En Alicante se podrá ver la exposición “Racionalismo Levantino” de David Sardaña & Iñigo Lanz en Parking Gallery y en Jávea las pinturas de Antonio Abellán en Isabel Bilbao. Sin olvidar Aural de Alicante que muestra, por primera vez en España, el proyecto de Armando Miguélez (Tucson, Arizona) “Somewhere closet or anywhere but here”. Más al norte, ya en Castellón, Canem, con Arancha Goyeneche, y Collblanc, con Ramón Roig, finalizan una serie de propuestas que no dejarán indiferente a nadie.

Ambiente de Abierto Valencia durante la noche de entrega de premios en el Centro del Carmen. Imagen por cortesía de la organización.

Ambiente del Abierto Valencia durante la noche de entrega de premios en el Centro del Carmen. Foto: Eduardo Martínez Arribas.

El nuevo director del IVAM, José Miguel García Cortés (en el centro de la imagen), junto a Ismael Chappaz (de izda a dcha), Olga Adelantado, Rosa Santos y Álvaro de los Ángeles. Foto: Nacho López Ortíz.

El nuevo director del IVAM, José Miguel García Cortés (en el centro de la imagen), junto a Ismael Chappaz (de izda a dcha), Olga Adelantado, Rosa Santos y Álvaro de los Ángeles. Foto: Nacho López Ortíz.

De izquierda derecha, las galeristas Elena Grunder, María Tinoco y Reyes Martínez.

De izquierda derecha, las galeristas Elena Grunder, María Tinoco y Reyes Martínez. Foto: Nacho López Ortíz.

El fotógrafo Nacho López Ortíz (izda) y el reportero Tonino Guitian.

El fotógrafo Nacho López Ortíz (izda) y el reportero Tonino Guitian.