El perro de las tres y cuarto, de Anja Krakowski

Presentación de El perro de las tres y cuarto de Anja Krakowski
Editado por La documental edicions.
Viernes 29 de noviembre, 19:00 horas
CCCC Centre del Carme Cultura Contemporània
C/ Museu, 2. València

La documental edicions presenta el segundo título de la Colección Sr. Velasco El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski. El acto contará con la presencia de la artista, el comisario de exposiciones y docente Juan Luis Toboso, el diseñador de la colección Antonio Ballesteros, y el editor, Álvaro de los Ángeles.

Este libro toma como punto de partida el proyecto expositivo «Right now, right here, right there, right then? El perro de las tres y cuarto», de Anja Krakowski, para convertirlo en una publicación que experimenta con la distribución de los contenidos y las características de los materiales. La muestra se presentó entre los meses de febrero y marzo de 2019 en Espai Rambleta y estuvo comisariada por Juan Luis Toboso.

El perro de las tres y cuarto es una carpeta de archivos personales e históricos, de miradas frente al espejo y ante las pantallas que muestran los sucesos políticos. El libro es, asimismo, parte del tejido con el que Anja Krakowski construye su trabajo artístico. No es una conclusión, sino una puerta más que se abre. Aquí se dan cita Borges y Orwell, Bush y Sadam, Beuys y la liebre, las máquinas de escribir cartas y las de matar civiles, el caballo de Kafka y las estatuas que representan los mitos fundacionales, que acabarán siendo destruidas. Lejos de simplificar los problemas derivados de las sociedades actuales, hace patente sus complejidades. El libro incluye textos (todos en castellano e inglés) de Anja Krakowski, la comisaria y docente Johanna Caplliure y Juan Luis Toboso.

Imágenes del interior de la publicación El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski, cortesía de La documental edicions

La documental edicions es un proyecto editorial que analiza su contexto con el ánimo de plantear cuestiones incómodas y necesarias, y que aspira a reflejar el arte y lo artístico desde lo tangencial. Sr. Velasco es el título de esta colección de ideas compartidas, que se inspira y sirve de homenaje a una persona que sabía mucho de compartir, sin perder ni un poco de su individualidad. Es una anti-colección desde el punto de vista de lo formal, pues cada título responde a unas características propias, convirtiendo la heterogeneidad de los contenidos en su razón de ser.

Anja Krakowski (Hagen, Alemania; vive y trabaja en Valencia desde 1986) es artista visual y docente interesada en los estudios culturales y postcoloniales, ámbitos de estudio que han definido su práctica artística y sus investigaciones académicas. Juan Luis Toboso (Alicante, 1980; reside en Porto) es comisario de exposiciones, docente y teórico que desarrolla su actividad entre Portugal y España. Sus proyectos profundizan en cuestiones sociales, artísticas y afectivas desde una perspectiva siempre contemporánea. Álvaro de los Ángeles (València, 1971) es editor, comisario de exposiciones y teórico del arte, imparte cursos y conferencias y ha sido subdirector de Actividades y Programas Culturales en el IVAM. Antonio Ballesteros (Madrid, 1969) es diseñador gráfico e ilustrador; desde 2012 cuenta con su estudio propio, FORMO, que está especializado en diseño editorial e identidad corporativa.

Raphaël Barontini en Espai Tactel

“Goya Voodoomania. Une parade royale sur Mars” de Raphaël Barontini
Del 26 de noviembre 2019 al 11 de enero de 2020
Galería ESPAI TACTEL
C/ Caballeros, 35, 2º piso, p.3, 46001 València (Spain)

El próximo martes 26 de noviembre se abrirá al público en la Galería ESPAI TACTEL (València) la exposición “GOYA VOODOOMANIA. Une Parade Royale Sur Mars” de Raphaël Barontini, artista francés de origen caribeño-italiano, recientemente destacado con su primer individual en el SCAD Museum of Art en Savannah, Estados Unidos.

Barontini vive y trabaja en Saint-Denis (París, Francia), se licenció en la escuela de Bellas Artes de París y ha presentado su trabajo en ciudades como París, Estambul, San Francisco, Nueva York y Los Ángeles, entre otras. Ha participado en ferias como UNTITLED ART FAIR (San Francisco, EEUU) o 1-54 ART FAIR (Nueva York, EEUU), y centros como el MoAD Museum of African Diasporas (San Francisco, EEUU) o la International Biennale of Casablanca (Casablanca, Marruecos) han expuesto su trabajo.

Para la comisaria y crítica de arte Johanna Caplliure “La vudumanía planteada por Barontini operaría en dos escalas y una serie de capas. La primera escala sería una reconstitución de la historia de dolor y violencia del colonizado a través de la resurrección de los muertos. La segunda escala haría referencia a la escritura de una contra-historia donde las figuras negras adquieren el papel principal en una historia de las imágenes. Estas dos escalas se exponen en términos de muerte-vida, resurrección de los cuerpos, restauración de los poderes,  sanación y exorcismo de los traumas -en su primera escala, y re-escritura de las historias de los otros -en la segunda. (…) Un continuo de capas se entrecruzan sobre estas estructuras en una trama sobre la historia de la representación del poder en el arte. Esta se nos ofrece capitaneada por estandartes, banderas o pinturas que figuran un acercamiento a estudios sobre el retrato de la monarquía o nobleza europea -principalmente francesa y española. A los personajes de la pintura de corte se suman, a manera de collage deconstructivo, imágenes de estatuas-fetiche, de personas y personajes de una negritud panafricana. Este gesto de hibridación en la imagen vudú se traduciría como una forma de créolité.”

Desde 2013, la actividad de la Galería ESPAI TACTEL se centra en la promoción del arte más audaz y contemporáneo en sus distintas expresiones y vertientes, prestando especial atención a las últimas tendencias, exhibiendo la obra de artistas como Carles Congost, Michael Roy, Christto & Andrew, Natacha Lesueur o Vicky Uslé y un buen número de creadores y creadoras siempre caracterizadas por el extremado riesgo en sus planteamientos estéticos y máxima calidad plástica en sus resultados artísticos.

+ info: https://espaitactel.com/es

La biografía ilustrada de Amy Winehouse

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019)

Jueves, 14 de noviembre 2019, 19 h. en Splendini C/ Segorbe, 10, Valencia

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019), la primera biografía ilustrada de la leyenda británica, escrita por la valenciana Susana Monteagudo e ilustrada por María Bueno (aka Pezones Revueltos).

La páginas del libro van más allá del mito y la artiasta para dar a conocer a lector los entresijo de una vida compleja que ayudarán a descubrir a la persona detrás del personaje y la celebridad. Desde su más tierna infancia hasta su difícil adolescencia, los incios de su carrera, sus referentes, su estilo definido, su voz, sus éxitos y reveses, su discografía, sus esfuerzos y su exploración hedonista. Los claroscuros de la fama, el amor y el desamor, las noches interminables en los pubs de Candem, la insoportable soledad, el acoso de la prensa, sus peligrosas dependencias y excesos… Todos los capítulos de una leyenda que se fue forjando poco a poco a través de un largo y duro camino a pesar de su fallecimiento con tan solo 27 años.

Portada del libro

Tras la presentación oficial en Madrid el pasado 5 de noviembre, esta biografía publicada por Lunwerg se dará a conocer en Valencia a través de un coloquio en el que participará la autora del mismo, Susana Monteagudo (Valencia, 1975) junto a dos periodistas especializadas, Corina Preciado -en música y eventos- y Maite Sebastiá -en moda y estilo de vida-. Juntas ofrecerán su personal visión sobre el legado y trascendencia de la figura de Amy Winehouse.

El acto tendrá lugar el próximo 14 de noviembre a las 19h en Splendini (Segorbe,10) un lugar idóneo, en el que es habitual escuchar el mejor jazz y soul, estilos por los que la británica sentía predilección.

XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  • Convocante: Ajuntament d´Algemesí
  • Dotación: 6.000 euros
  • Modo de presentación: primera fase online
  • Plazo de admisión: hasta el 23 de noviembre de 2019

Bases XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  1. Se establece un premio de 6.000 euros que será indivisible y se podrá declarar desierto.
  2. El jurado se reserva el derecho a sugerir la adquisición de más obras, en calidad de accesitos. A este efecto, regirá la valoración económica de la obra, que presentará el autor junto a la documentación que se le solicita más abajo.
  3. Será condición indispensable que las obras presentadas sean únicas y originales y que no hayan sido premiadas con dotación económica en ningún otro concurso. El tema y la técnica serán totalmente libres y no se admitirán trabajos protegidos con vidrios o realizados con materiales cuyo transporte y manipulación presenten un riesgo para la integridad de la obra.
  4. Cada autor podrá presentar un máximo de dos obras, las medidas de las cuales no serán inferiores a 100 cm ni superiores a 200 cm por cada lado. Las obras no deben ir firmadas.
  5. La obra premiada pasará a ser propiedad exclusiva del Ayuntamiento de Algemesí, el cual, como propietario, podrá reproducirla siempre que lo considere necesario en cualquier tipo de apoyo o técnica (fotografía, litografía, grabado, etc.).
    Las obras se presentarán en el registro telemático que habilitará el Ayuntamiento a la página web: http://premipintura.algemesi.net. La resolución mínima será de 3 megapíxeles y el tamaño máximo del archivo de 5MB y en formato .jpg. Se indicarán los datos de la obra y del autor (del autor: nombre y apellidos, DNI, dirección y teléfono; de la obra: título, año, técnica y medidas). El plazo de admisión de las obras en formato digital será del 28 de octubre al 23 de noviembre de 2019 a las 13 horas. El jurado no conocerá el nombre de los autores de las obras hasta haber emitido su veredicto definitivo. Una vez analizadas las obras enviadas en este formato, el jurado realizará una primera selección de 30 obras y convocará a los seleccionados para que realicen el envío físico de las obras.
    Los concursantes seleccionados podrán entregar las obras personalmente, debidamente embaladas, o por agencia mediante portes pagados con embalaje de cartón o caja de madera a la dirección siguiente:
    Sala de Exposiciones Municipal
    Casino Lliberal
    C/ Muntanya, 24
    46680 Algemesí
    Gestor: Álex Villar – exposicions@algemesi.net
    Los concursantes seleccionados aportarán un currículum, una fotocopia del DNI o pasaporte, que entregarán cuando registren las obras; y un sobre acotado con el nombre del autor, el título de la obra y su valoración económica.
    El jurado, la composición del cual se dará a conocer en su momento, realizará una selección de las obras finalistas entre las que se determinará la ganadora. Además, se elaborará un catálogo con todas ellas y se organizará una exposición. Por ello, los participantes cederán el derecho de reproducción de las obras para el catálogo que editará el Ayuntamiento y prestarán la obra seleccionada para la exposición, que tendrá lugar entre los meses de enero a marzo de 2020. Además, se comprometen a no recogerla hasta el final de la muestra.
    Los listados de seleccionados, el veredicto y la fecha del acto oficial de entrega de los premios se harán públicos en la web municipal del Ayuntamiento de Algemesí www.algemesi.es.
    Las obras presentadas y no seleccionadas podrán ser retiradas a partir de los 15 días posteriores a la publicación del veredicto del jurado. Lo podrá hacer el autor o una persona autorizada, personalmente, entregando el justificante de registro sellado en el momento de entrega de la obra. Transcurridos 30 días desde la publicación del veredicto, si no se recoge se entenderá que el autor renuncia a su propiedad y quedará al poder del Ayuntamiento. La entidad organizadora devolverá las obras seleccionadas para la exposición por el mismo sistema de embalaje en que las recibió.
    El Ayuntamiento velará por la conservación de las obras inscritas, pero no se responsabiliza de los desperfectos y las pérdidas que se ocasionen por transporte, robo, incendio, etc. mientras estén en su poder.
    El Ayuntamiento se reserva el derecho a realizar las modificaciones pertinentes en estas bases siempre que considere que puede contribuir a un mejor desarrollo y al éxito del certamen.
    La participación en este premio supone la aceptación íntegra de estas bases.
    Las decisiones tomadas por el comité de admisión y por el jurado serán inapelables.

Más información

Imagen de portada: «Museum Hall II (Purple)», 2017, de Pedro Peña Gil. Técnica mixta, serigrafí­a con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada, 180 x 180 cm, primer premio en la pasada edición

«Rocky Horror Show», primicia en Valencia

«Rocky Horror Show»

Sala Off

Calle Túria 47, Valencia

Hasta el domingo 10 de noviembre 2019

Parecía una noche normal cuando Brad y Janet, recién prometidos, se ven sorprendidos por una tormenta y deciden acercarse a un misterioso castillo a pedir ayuda. Allí conocerán a una serie de personas muy variopintas que celebran un gran avance científico: la capacidad para volver de la muerte, el secreto de la vida misma. ¡Todo empieza con un salto a la izquierda!

La Sala Off presenta un montaje de calidad en su contexto para un público adepto y admirador de la estética y la música de cada una de las escenas del film de culto «The Rocky Horror Picture Show», basado en el propio musical teatral de Richard O’Brien. La interpretación corre a cargo del alumnado del ciclo formativo de Teatro Musical de la Escuela Off de Artes Escénicas que muestra, en primicia en Valencia, un trabajo propio de cualquier escenario profesional.

En el espectáculo no faltan los «props» para la participación de un público dinámico que ha llenado el patio de butacas en cada función dispuesto a adentrarse en ese mundo de locura, canciones pegadizas, travestismo, coreografías, ciencia ficción, cabaret, perversión y mucha diversión que es «Rocky Horror Show», un tributo humorístico a las películas de terror y ciencia ficción Serie B desde los años cuarenta hasta los setenta, especialmente las de la compañía RKO.

El elenco está integrado por Emili Verdú (Rocky), Jairo Carrasco (Frank N´Furter), Violeta Moreno (Janet), Victoria Suominen (Magenta), Omar Ruiz (Riff Raff), Ana Dayo (Eddie y acomodadora), Pedro Ruiz (Brad), Carlos Tur (Dr. Scott), Raquel Amat (Columbia) y Jorge Bonora (narrador)

La Sala OFF, además de la Escuela de Artes Escénicas con dos décadas de experiencia, cuenta con una equipada sala de teatro, su propia compañía profesional de teatro y una productora audiovisual, elementos que convierten a la Sala Off en un centro consolidado y con un enfoque integral para cubrir las necesidades y realidades de todos los públicos.

XXII Mostra art públic / universitat pública

XXII Mostra art públic / universitat pública
del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2019
Campus de Burjassot

Organiza: Servei d’Informació d’Estudiants de la Universitat de València  
Colabora: Vicerrectorado de Cultura y Deportes de la UV
Comisariada por Alba Braza

Artistas:

Salva Serrano
Valentina Lapolla
M.I.D.A.S. (Iván Albalate i David Trujillo)
Raquel Planas Díaz de Ceiro
Anja Krakowski
Äther Studio (Audrey Lingstuyl i Michael Urrea)

Otro año más el campus de Burjassot de la UV vuelve a ser un lugar de experimentación y producción de arte contemporáneo. Desde su primera edición, Mostra art públic / universitat pública, ha querido mostrar cómo el espacio público puede generar nuevas capas de contenido a la obras una vez estas establecen un diálogo con el contexto. Se suma desde hace dos ediciones un nivel más de información en cada trabajo, una vinculación con la ciencia que no sólo potencie discursos abordados desde el campo de la crítica y teoría actual, sino que refuerce la calidad y coherencia entre el proceso de producción e imagen final de la obra.

Para ello, la convocatoria invita a las artistas a producir mirando al entorno en el que se situará cada obra, dando un paso más desde lo físico y formal para abarcar las inquietudes y prácticas propias de las ciencias. Además, se ha puesto en marcha en esta nueva edición un curso dirigido a formar a un grupo de estudiantes reforzando una de las líneas de trabajo del SEDI, formar al estudiantado en otras materias más allá de las específicas de los estudios matriculados.

Salva Serrano, Herbes algorítmiques

En este edición se ubican dos obras en el espacio exterior, dos en el Museo de Historia Natural de la UV y otras dos en dependencias de la universidad, y se ofrece con ello un recorrido que abarca obras que van desde lo digital a lo natural.

En el jardín exterior del Centro de Investigación se sitúa Herbes algorítmiques, de Salva Serrano. Se trata de una instalación que busca homenajear la larga tradición científica y artística de inspiración en las plantas, a partir de la construcción de un jardín artificial formado por siete especies vegetales generadas computacionalmente mediante el empleo de algoritmos recursivos (L-Systems) y la aplicación de proporciones geométricas (Regla de Leonardo). El proyecto explora la arborescencia como lugar de encuentro entre arte y ciencia, desdibujando la frontera entre estos dos campos y cuestionando las caducas dicotomías natural/artificial, orgánico/digital y naturaleza/cultura. El nombre de la obra hace referencia a la Cátedra de Herbes de la Universitat de València, vinculada a la fundación del Jardí Botànic y una de las más antiguas de la institución.

Äther Studio, Oscuridad visible

También en la zona exterior del campus, Äther Studio propone Oscuridad visible, una instalación compuesta por una impresión en PVC y vinilo recortado. La obra parte de la idea de que el tratamiento mediático de la contribución de las mujeres en diversos campos científicos ha estado históricamente marcado por dos aproximaciones, la invisibilización y el sensacionalismo. Los méritos científicos de mujeres como Mileva Marić o Katharine Burr Blodgett son directamente ocultados u olvidados, mientras que la difusión de los de mujeres como Jane Goodall viene acompañada de adjetivos como “joven”, “bella”, “hermosa”, “rubia”, “cuello de cisne”… Ambas aproximaciones peligrosamente oscurecedoras.

Oscuridad visible propone explorar la invisibilización u ocultación de las científicas a lo largo de la historia poniendo en evidencia su contribución en el campo del procesamiento de imágenes astronómicas. Para ello las artistas han seleccionado una imagen capturada y procesada por el Observatorio Astronómico de la Universitat de València, la cual posteriormente se ha intervenido mediante procesadores de texto sustrayendo las letras de los nombres de las científicas que forman parte del Departamento de Astronomía y Astrofísica. Finalmente han  obtenido una nueva imagen defectuosa —con efecto glitch—. La obra ha sido producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Departamento de Astronomía y Astrofísica, del Observatorio Astronómico y del Laboratorio de Procesado de Imágenes LPL de la Universitat de València.

Valentina Lapolla, YPJ – Jineology

Dentro del Museo de Historia Natural se sitúa YPJ – Jineology de Valentina Lapolla, en la sala del Meteorito y Ety/ento –mology de Raquel Planas Díaz de Cerio, en un antiguo armario de madera que formaba parte del mobiliario original de la antigua facultad de químicas y que hoy forma parte del Museu de la Universitat de València de Historia Natural.

YPJ – Jineology es una una instalación lumínica que pone en cuestión el modo de narrar de las ciencias sociales occidentales a través de un caso real creado en el contexto de la Universidad de Rojava, Siria, denominado Jineología.
La Jineología es una “ciencia de las mujeres y la vida libre», una forma de pensamiento que parte de de las mujeres combatientes del norte de Siria. La palabra se originó a partir de los términos kurdos Jin (mujeres), Jian (vida) y logos, palabra de origen griego que significa conocimiento. Dicha disciplina considera a las mujeres como el primer sujeto colonizado, un punto de partida con el que hacen una relectura del mundo que señala cómo la ciencia y el conocimiento, junto con las estructuras políticas, económicas y sociales, están sesgados por la estructura de poder de dominación sobre las mujeres subyacentes.
Analizar la Jineología (en el sentido foucaultiano) de las relaciones de poder entre hombres y mujeres, y en continuidad con los esfuerzos, la lucha y los logros del feminismo occidental, significa dar un paso más al afirmar la necesidad de construir una alternativa a través de la práctica, y no simplemente haciendo demandas.
Situar la obra en la sala del Meteorito del museo, lugar donde se reúnen conceptos como son inicio del mundo, museo y universidad, enfatiza la invitación a reflexionar sobre colonialismos y otros feminismos a través del software desarrollado específicamente que pone luz a la instalación.

Raquel Planas Díaz de Cerio, Ety/ento –mology

Ety/ento –mology es un ejercicio visual que traslada metodológicos del campo científico a la práctica artística. Así, el planteamiento de la obra parte de un acercamiento a la entomología y a la taxonomía para aplicarlo al lenguaje de la palabra escrita. Dicha traslación se formaliza en cinco cajas de coleccionista en las que se acumulan conceptos codificados y archivados que buscan evidenciar que estamos ante un discurso sujeto a una sociedad y a una historia concreta. 

Actualmente nombramos, definimos y clasificamos para intentar conocer y comprender el mundo a nuestro alrededor, un mundo que se ha diseccionado y parcelado en palabras para intentar abarcarlo. El lenguaje, entendido como discurso, se desarrolla dentro de las reglas culturales de la sociedad asimilando sus valores y juicios. Este mismo lenguaje nos proporciona el sistema de categorías con el que interpretamos la realidad, formando nuestra identidad individual y colectiva. Por esto, esta suerte de palimpsestos prueba a buscar estrategias de narración visual para situar al saber y al discurso como objeto de interrogación. (Producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Museo [UV] Historia Natural de la Universitat de València.)

Dentro de las dependencias de la universidad, se encuentra Artefacto (beyound us), de Anja Krakowski y My Identity Disclosed Art Space, de M.I.D.A.S. (Iván Albalate y David Trujillo).

Artefacto (beyound us) es una pieza escultórica reticular basada en los elementos estructurales de las ramificaciones radiculares del micelio. El proyecto se inspira en la La Teoría del Actor-Red (ANT), cuya importancia radica en que trata lo tecnológico en la explicación del mundo, de un modo equivalente a la manera en que se trata lo social, es decir considerando el conocimiento como una construcción en red en la que intervienen múltiples agentes y donde no se distingue entre humano y no-humano. La artista, en lugar de domesticar o de someter la fuerza orgánica, cede el protagonismo a los procesos y los tiempos de la naturaleza.

Anja Krakowski, Artefacto (beyound us)  

Se confronta una estructura geométrica estable con un procedimiento orgánico inestable: construyendo a partir del micelio se permite que el propio “agente” esté siendo representado, a la vez que interviene de un modo activo en su propia representación -más allá del control de la propia artista.

Artefacto (beyound us) podría funcionar como una metáfora que propone la superación de la noción de progreso como la línea temporal que define nuestra contemporaneidad y que en su lugar pone la atención en otras temporalidades coexistentes. Señalando a las “otras agencias” que intervienen en el proceso creativo, abogaríamos por el reconocimiento de lo que Donna Haraway llama  otredades significantes que son todas las agencias con todas sus formas de vida y sus diferentes temporalidades que en su coexistencia configuran el mundo tal y como es.

M.I.D.A.S, My Identity Disclosed Art Space

Finalmente, My Identity Disclosed Art Space es una obra interactiva que tiene como objeto evaluar cuál es la configuración psíquica del público mediante una experiencia que conecta con cuestiones que constituyen nuestra propia identidad.
Formalmente la obra rescata la estética de las máquinas Arcade popularizadas en los años ochenta reforzando el aspecto lúdico de la interacción. Su estructura de jugabilidad se basa en una ecuación matemática específica y una programación informática (lenguaje Python) que permiten al usuario/público quedar expuesto a una carga de información visual y auditiva de gran intensidad perdiendo como consecuencia la capacidad de respuesta racional y accediendo su inconsciente.
En ese lapso experiencial, cuya duración es de once minutos, se invita a responder a diferentes cuestiones ubicadas en una pantalla y, dependiendo de las respuestas elegidas, la ecuación matemática calcula las posibilidades de respuesta generando un lógica dentro del caos. El resultado obtenido ubica a dicho sujeto interactivo en un rango particular que puede ser traducido en términos peirceanos, ubicándose su estructura psíquica en un cuadrante del diagrama de Peirce. 

Para ello se parte del concepto de paradoja condicional, es decir, aquella paradoja que funciona si se hacen ciertas suposiciones, la más conocida es la de El huevo o la gallina: El antiguo dilema sobre qué fue primero, ¿el huevo o la gallina? Que en Arcade se transforma en ¿qué es antes, la estructura psíquica o las tomas de decisiones? 

Así, la obra integra cuatro cuestiones fundamentales en la relación arte y ciencia: el arte como interfaz para una comprensión del mundo más objetiva, la ciencia, y en concreto la matemática, como reguladora de eventos a priori caóticos, el entretenimiento como medio para el avance en el conocimiento humano y el autoconocimiento y el terreno académico como contexto transgresor de sus propios límites heredados.

Las obras podrán verse hasta el próximo 30 de octubre y se recogerá en una publicación que será presentada próximamente.


Créditos imágenes: Miguel Lorenzo
Más información

«África» en la subasta solidaria de One Day Yes

Exposición y subasta a beneficio de la ONG One Day Yes

15 de noviembre de 2019

Centro Cultural La Nau, Universitat de València

Carrer de la Universitat, 2, València

Un año más, One Day Yes celebra su subasta anual en Valencia con el objetivo de recaudar fondos para consolidar los proyectos que la ONG lleva a cabo en Lamu (Kenia)
Como novedad en esta edición, la One Day Yes y la asesoría de arte CLC Arte (Carla’s List Consulting Art), han decidido apostar por un discurso relacionado con el propio objetivo de la ONG, mejorar las condiciones de vida y ofrecer oportunidades a personas que habitan un continente tan cercano a nosotros como es “ÁFRICA”
Precisamente ese será el lema de un certamen cuyas obras seleccionadas integrarán una exposición que tendrá lugar en la Sala Oberta del Centre Cultural La Nau durante unos días antes de la celebración de la subasta solidaria, que tendrá lugar el viernes 15 de noviembre.


La exposición contará con varias secciones:
‐ VALÈNCIA/LAMU. Intervenciones creativas con peces reciclados que traídos desde Lamu y realizadas por destacados artesanos. Estos peces son tallados a partir de la madera de los dhows, barcos típicos de Lamu. La iniciativa pretende crear puentes entre artistas africanos y artistas valencianos o vinculados a València.
‐ ÁFRICA. Propuestas artísticas en formato 20×20 sobre ÁFRICA. Estas obras o piezas serán donaciones de los autores y autoras que participarán en una convocatoria a artistas solidarios. La temática es de esta convocatorias es lire, aunque deberá estar inspirada de algún modo en el continente africano o en «ese sueño que puede llegar a cumplirse», tal y como se entiende por One Day Yes.

‐ FREE. Donaciones realizadas por una nómina de artistas solidarios/as que han querido colaborar en esta iniciativa.

La exposición permanecerá abierta los días 13, 14 y 15 en la Sala Oberta de La Nau.

Recepción de obras: los trabajos se recepcionarán en el local habilitado para dicho fin, ubicado en la calle Nino Bravo 9 bajo izquierda 46013 València.
La fecha límite para la recepción de obra es el próximo 10 de noviembre de 2019.

Más información:

Coordina: Carla Alabau, consultora de arte y socia de CLC Arte (Carla’s List Consulting Art). Mail: hola@carlaslist.es. Teléfono: 667 64 21 84

XXII Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel 2019

Convocante: Fundación Mainel
Dotación: 3.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: 22 de mayo de 2019

Pueden participar en el 22º Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel todos aquellos artistas nacidos después del 31 de diciembre de 1983, cualquiera que sea su nacionalidad.
Cada participante podrá presentar sólo una obra, con dimensiones no superiores a 150×150 cm. (incluido el marco) y 20 kg. de peso máximo. El tema será de libre elección, así como los soportes y materiales empleados. La obra podrá entregarse con o sin marco, pero siempre en bastidor (no se aceptará la tela por sí sola). Si la obra lo requiere, es mejor emplear metacrilato que cristal, en prevención de roturas.
La fecha límite de inscripción al 22º Premio es el 22 de mayo de 2019. La inscripción ya está abierta, y se realiza únicamente a través de la web de la Fundación Mainel, rellenando el formulario disponible en la URL: https://mainel.org/agenda/inscripcion-xxii-premio-nacional-de-pintura-fundacion-mainel/, al que se debe adjuntar la siguiente documentación:
Hasta tres fotografías de la obra, con un tamaño máximo de 10 MB.
Un documento PDF en el que se incluya el currículum vitae del autor y un dossier de su trayectoria artística documentada, de 5 páginas y 5 MB como máximo.
Copia del DNI o pasaporte del autor.
Se hará una primera preselección de hasta 20 de las propuestas que obtengan mayor puntuación, de la que se informará a los artistas seleccionados el lunes 27 de mayo. A continuación, tendrán de plazo hasta el viernes 7 de junio para presentar la obra original en la sede de la Fundación Mainel (Plaza Porta de la Mar, 6, 2º, 8ª, 46004 Valencia), en horario de 10 a 13:30 h.
El jurado valorará las obras preseleccionadas y presentadas físicamente, otorgando a una de ellas un único premio de 3.000€. El premio estará sujeto a retención fiscal, de acuerdo con lo establecido por la ley. El artista premiado no podrá volver a concursar en futuras ediciones.
Asimismo, se otorgarán 10 menciones de honor que se expondrán junto con la obra ganadora, y aparecerán en el catálogo editado con tal motivo. El jurado se reserva la facultad de distinguir con accésits a cualquiera de las menciones de honor.
El jurado de esta edición estará compuesto por Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte, Universitat de València; Manuel Martínez Torán, profesor de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia; Paula Pastor, codirectora de Galería9; Nuria Rodríguez, artista y docente; y Jorge Sebastián, profesor de Historia del Arte de la Universitat de València, que actuará como secretario. El fallo –que será inapelable– se hará público el viernes 14 de junio en la página web de la Fundación Mainel.
La entrega del premio y las menciones de honor tendrá lugar el martes 25 de junio a las 20 h., en acto público, en la sede de la Fundación Mainel. La no asistencia del artista ganador del premio supone la renuncia al mismo, quedando igualmente la obra premiada en propiedad de la Fundación Mainel.
La exposición de las obras galardonadas estará abierta en la propia Fundación del 26 de junio al 5 de julio, de lunes a viernes, en horario de 10 a 14 y de 16.30 a 20 horas.
La obra premiada quedará en propiedad de la Fundación Mainel, que será titular no exclusivo de todos los derechos alienables sobre la misma; entre otros, los de reproducción, distribución y comunicación pública.
La participación en el premio implica el permiso de los autores a la Fundación Mainel para reproducir, por cualesquiera medios y con duración indefinida, las imágenes de las obras presentadas a concurso, facilitando así su publicación y difusión.
Las obras preseleccionadas no premiadas deberán ser retiradas de la Fundación Mainel del lunes 17 de junio al viernes 5 de julio, dentro del mismo horario señalado para la entrega. Expirado ese periodo, la Fundación Mainel entenderá que el autor renuncia a su recogida, y dispondrá de las obras del modo que estime conveniente.
La institución organizadora no se responsabilizará de los posibles desperfectos, pérdidas, etc., siendo por cuenta del autor de la obra los daños que por cualquier causa pudiera sufrir la misma durante el tiempo que permanezca en la sede de la Fundación Mainel, así como los gastos de embalajes y envío, tanto de ida como de vuelta.
En cumplimiento del RGPD, le informamos que los datos de carácter personal facilitados en el formulario de inscripción serán incorporados a un fichero de titularidad privada cuyo responsable y único destinatario es la Fundación Mainel, con el fin de enviarle información relativa a su participación en el Premio. Puede ejercitar los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición en cualquier momento indicándolo por escrito a fundacion@mainel.org.
La participación en el XXII Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel 2019 implica la plena aceptación de estas bases.

Para más información, Fundación Mainel.

Mallorca Talents Lab – ATLÀNTIDA FILM FEST 2019

Atlàntida Film Fest vuelve a apostar por los jóvenes talentos en su 9ª edición. Junto con la colaboración de Media y Europa Creativa Catalunya, se pone en marcha la segunda convocatoria de Mallorca Talents Lab, un espacio que permitirá desarrollar proyectos de largometraje bajo la lupa de los mejores expertos del sector cinematográfico. El programa tiene por objetivo estrechar lazos entre jóvenes creadores y profesionales consolidados, los cuales tutorizarán y asesorarán los proyectos seleccionados, preparándolos para los convocatorias internacionales y su paso por festivales.

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Mallorca Talents Lab va dirigido a profesionales menores de 35 años que tengan un guión cinematográfico y/o proyecto audiovisual esperando a ser puesto a punto.

CÓMO
Los interesados deberán rellenar debidamente el formulario con sus datos personales, un vídeo de presentación, el guión y todos los materiales adicionales. Es fundamentarl leer y respetar todas las condiciones y recomendaciones mencionadas en las bases del II Mallorca Talents Lab.
En los tres días posteriore a la inscripción, los participantes recibirán un correo de confirmación.
En total se seleccionarán 6 proyectos.

QUÉ
Los proyectos deben ser largometrajes de ficción que se encuentren en fase de desarrollo. Deben ser proyectors que no hayan comenzado su rodaje.
Pueden estar pensados para ser rodados total o parcialmente en cualquiera de las lenguas cooficiales de España, pero la versión presentada en el Lab deberá ser íntegramente en castellano para facilitar el trabajo de los profesores.

CUÁNDO
El plazo de recepción de proyectos estará abierto del 3 de abril al 3 de mayo a las 23:59h.
La publicación de resultados se realizará el 20 de mayo de 2019 a través de la web oficial del Festival así como a través de los canales de RRSS de Atlàntida Film Fest y Filmin.
El Festival invitará al Lab a los creadores de los proyectos seleccionados, 2 personas máximo por cada proyecto.

DÓNDE
El taller se realizará simultáneamente a la celebración del festival en Mallorca, del 1 al 4 de julio de 2019 en Can Balaguer (Calle de la Unió, 3. Palma, Mallorca).

CON QUIÉN
Análisis grupales de guión, tutorías individuales, clases de pitching, clases sobre financiación y cara a cara personalizado. Miguel Machalski, analista de los guiones de «Billy Elliot», «Million Dollar Baby» o «Mar Adentro», Àlex Navarro, coordinador de Europa Creativa Media Catalunya, Peter Andermatt, director de Media Desk España, Brigitte Suárez, directora de ventas y distribución, Álex Lafuente, productor y distribudior en BTeam, Adrià Monés, productor de Fasten Films, Enrique López Lavigne, productor y socio de Apaches Entertainment y Naomí Denamur, consultora de adquisiciones para distribuidoras internacionales, estarán presentes en la segunda edición del Mallorca Talents Lab.

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Atlàntida Film Fest cuenta con el apoyo del Institut d’Estudis Balearics del Govern de les Illes Baleras, Ajuntament de Palma, Fundación Mallorca Turisme, Departamento de Cultura del Consell de Mallorca, Creative Europe del Programa Media, ICAA Ministerio de Cultura, ICEC Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y el Centre Balears Europa.

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Aggtelek y Llobet i Pons, ‘Dobles’ en Espai Tactel Toormix

Dobles
Espai Tactel Toormix
Ca l’Alegre de Dalt, 55. Baixos C. Barcelona
Inauguración: viernes 5 de abril de 2019, a las 19.00 h
Visitas: martes y miércoles de 15.00h a 19.00h; jueves de 10.00 a 14.00 h.
www.espaitacteltoormix.com

En su tercera exposición, Espai Tactel Toormix muestra la obra de dos parejas creativas y sentimentales del contexto barcelonés, Llobet y Pons y Aggetelek, que además habían compartido taller en Hangar durante una larga temporada. Esta exposición, de título ‘Dobles’, reflexiona sobre la creación, ejecución y planteamiento en los dúos, una temática que en el contexto de Espai Tactel Toormix, con dos dúos creativos, toma una relevancia especial.

Aggtelek propone una peculiar historia del arte que pasa por la ilustración de los genitales de los grandes creadores y creadoras así como comisarias/os que han pasado o están pasando a la historia del arte. Esta obra se expondrá en una estructura laberíntica que permitirá al visitante observar cada dibujo por separado y a su vez el conjunto final. Aggtelek es el proyecto artístico de Xandro Vallès (Barcelona 1978) y Gema Perales (Barcelona 1982). Viven y trabajan entre Barcelona y Bruselas. El interés principal en su trabajo radica en procesos creativos altamente centrados en la investigación de un desarrollo teórico de la producción artística. Estos procesos audaces, hiperproductivos y desconectados se consideran una forma de mostrar pensamientos, ideas o diálogos diarios continuos que han abierto el camino para nuevas obras que interactúan en una diversidad de disciplinas, como representaciones, esculturas, videos, textos o instalaciones.

AggtelekPicasso

Este dúo se siente profundamente comprometido con las ideas de su tiempo. Para ellos, el arte está relacionado con la vida, expresado por una vitalidad vigorosa y enérgica dentro de la obra. Esta vivacidad es muchas veces provocada por un desafío de los límites de lo políticamente correcto a menudo a través de una crítica humorística de la condición humana.

Jasmina Llobet (Barcelona, 1978) y Luis Fernández Pons (Madrid, 1979), desarrollan su labor artística conjuntamente desde 2002 en el campo de la instalación, escultura y arte en el espacio público. Llobet & Pons presentaran varias obras escultóricas que subvierten la experiencia de nuestro día a día, y que toman como punto de partida para crear una reflexión sobre lo cotidiano. Entre sus exposiciones más recientes destacan Madou Sugar Industry Art Triennial, Madou, Taiwan (2019); Bundeskunsthalle, Bonn, Alemania (2018); Taehwa River Eco Art Festival, Ulsan, Corea del Sur (2018). Entre sus próximos proyectos está la realización de una pieza permanente para el Kunstverein Springhornhof. Neuenkirchen, Alemania.

piscina

Más info
Patricia Carrasco // 635388311 // patricia@espaitacteltoormix.com
Visitas concertadas: info@espaitacteltoormix.com