23º Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel

Convocante: Fundación Mainel
Dotación: 3.000€
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 27 de mayo de 2020

Fundación Mainel convoca su 23º Premio Nacional de Pintura, un certamen
destinado a artistas menores de 35 años. La inscripción se realizará a través de internet hasta el 27 de mayo.

La Fundación Mainel ha convocado la vigesimotercera edición de su Premio Nacional de Pintura para artistas menores de 35 años, de cualquier nacionalidad. Cada concursante podrá presentar una obra, de tema, técnica y características plásticas libres. La inscripción y presentación de las obras se realizará a través del formulario disponible en su web (mainel.org) hasta el 27 de mayo de 2020 a las 12:00h.
Tras esta primera fase, el 1 de junio se comunicará la preselección de las propuestas que tendrán que ser enviadas físicamente a la sede de la Fundación Mainel hasta el viernes 12 de junio.
El jurado de esta edición estará compuesto por Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte, Universitat de València; Jorge López, director de Galería Punto; Manuel Martínez Torán, profesor de Diseño de la Universitat Politècnica de València; Mery Sales, artista visual; y Jorge Sebastián, profesor de Historia del Arte de la Universitat de València, que actuará como secretario. El fallo –que será inapelable– se hará público el viernes 19 de junio en la página web de la Fundación Mainel.
El premio tiene una dotación de 3.000 euros para la obra ganadora, y se otorgarán 10 menciones de honor que se expondrán junto con la premiada y aparecerán en el catálogo editado con motivo de la exposición. Además, en esta edición el Premio cuenta con la colaboración la Galería Punto, que
escogerá a algunos de los once artistas seleccionados para conformar una
exposición de carácter colectivo en su espacio expositivo de Valencia, dentro de su programación para 2021.

1// Pueden participar en el 23º Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel todos aquellos artistas nacidos después del 31 de diciembre de 1984, cualquiera que sea su nacionalidad.

2// Cada participante podrá presentar sólo una obra, con dimensiones no superiores a 150×150 cm. (incluido el marco) y 20 kg. de peso máximo. El tema será de libre elección, así como los soportes y materiales empleados. La obra podrá entregarse con o sin marco, pero siempre en bastidor (no se aceptará la tela por sí sola). Si la obra lo requiere, es mejor emplear metacrilato que cristal, en prevención de roturas.

3// La fecha límite de inscripción al 23º Premio es el miércoles 27 de mayo de 2020 hasta las 12:00h. La inscripción se realizará únicamente a través de la web de la Fundación Mainel, rellenando el formulario disponible en la URL https://mainel.org/agenda/inscripcion-23-premio-nacional-de-pintura-fundacion-mainel/ , al que se debe adjuntar la siguiente documentación:

a) Hasta tres fotografías de la obra, con un tamaño máximo de 5 MB cada una (formatos aceptados: jpg, jpeg, png, gif, pdf).

b) Un documento PDF en el que se incluya el currículum vitae del autor y un dossier de su trayectoria artística documentada, de 5 páginas y 5 MB como máximo.

c) Copia del DNI o pasaporte del autor (5MB máximo; jpg, jpeg, png, gif, pdf).

4// Se hará una primera preselección de hasta 20 de las propuestas que obtengan mayor puntuación, de la que se informará a los artistas seleccionados el lunes 1 de junio. A continuación, tendrán de plazo hasta el viernes 12 de junio para presentar la obra original en la sede de la Fundación Mainel (Plaza Porta de la Mar, 6, 2º, 8ª, 46004 Valencia), en horario de 10:00 a 13:30 h.

5// El jurado valorará las obras preseleccionadas y presentadas físicamente, otorgando a una de ellas un único premio de 3.000€. El premio estará sujeto a retención fiscal, de acuerdo con lo establecido por la ley. El artista premiado no podrá volver a concursar en futuras ediciones.

6// Asimismo, se otorgarán 10 menciones de honor que se expondrán junto con la obra ganadora, y aparecerán en el catálogo editado con motivo del Premio. El jurado se reserva la facultad de distinguir con accésits a cualquiera de las menciones de honor.

7// De los once artistas seleccionados, Galería Punto escogerá algunos para conformar una exposición de carácter colectivo en su espacio expositivo de Valencia, dentro de su programación para 2021.

8// El jurado de esta edición estará compuesto por Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte, Universitat de València; Jorge López, director de Galería Punto; Manuel Martínez Torán, profesor de Diseño de la Universitat Politècnica de València; Mery Sales, artista visual; y Jorge Sebastián, profesor de Historia del Arte de la Universitat de València, que actuará como secretario. El fallo –que será inapelable– se hará público el viernes 19 de junio en la página web de la Fundación Mainel.

9// La entrega del premio y las menciones de honor tendrá lugar el martes 30 de junio de 2020 a las 20 h., en acto público, en la sede de la Fundación Mainel. La no asistencia del artista ganador del premio supone la renuncia al mismo, quedando igualmente la obra premiada en propiedad de la Fundación Mainel.

10// La exposición de las obras galardonadas estará abierta en la propia Fundación del 1 al 10 de julio, de lunes a viernes, en horario de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 19:30 horas.

11// La obra premiada quedará en propiedad de la Fundación Mainel, que será titular no exclusivo de todos los derechos alienables sobre la misma; entre otros, los de reproducción, distribución y comunicación pública.

12// La participación en el premio implica el permiso de los autores a la Fundación Mainel para reproducir, por cualquier medio y con duración indefinida, las imágenes de las obras presentadas a concurso, facilitando así su publicación y difusión.

13// Las obras preseleccionadas no premiadas deberán ser retiradas de la Fundación Mainel del lunes 11 de julio al viernes 31 de julio, en horario de 10:00 a 13:30 h. Expirado ese periodo, la Fundación Mainel entenderá que el autor renuncia a su recogida, y dispondrá de las obras del modo que estime conveniente.

14// La institución organizadora no se responsabilizará de los posibles desperfectos, pérdidas, etc., siendo por cuenta del autor de la obra los daños que por cualquier causa pudiera sufrir la misma durante el tiempo que permanezca en la sede de la Fundación Mainel, así como los gastos de embalajes y envío, tanto de ida como de vuelta.

15// En cumplimiento del RGPD, le informamos que los datos de carácter personal facilitados en el formulario de inscripción serán incorporados a un fichero de titularidad privada cuyo responsable y único destinatario es la Fundación Mainel, con el fin de enviarle información relativa a su participación en el Premio. Puede ejercitar los derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición en cualquier momento indicándolo por escrito a fundacion@mainel.org.

16// La participación en el 23º Premio Nacional de Pintura Fundación Mainel 2020 implica la plena aceptación de estas bases.

17// Para más información, pueden contactar con la Fundación Mainel en el correo fundacion@mainel.org o en el teléfono 96 392 41 76 en horario de 10:00 a 14:00h.

Más información

Concurso infantil Shiras Galería

Convocante: Shiras Galería
Dotación: vale de 500€
Plazo de admisión: hasta que finalice el estado de alarma
Modo de presentación: envío vía e-mail

En primer lugar, esperamos que todos estéis bien.
Debido a la situación actual y los acontecimientos que están teniendo lugar, la actividad de la galería se ha visto interrumpida desde el pasado día 14 de marzo.

No obstante, queremos aportar nuestro grano de arena para hacer vuestro confinamiento más ameno,
especialmente a aquellas familias que tienen  niños en casa, acercando así el arte y la creatividad a los más pequeños de la casa.

De este modo, os ofrecemos la posibilidad de participar en una especie de concurso dirigido a los peques de las casas,  y es que queremos ver cómo los niños perciben la situación actual que estamos viviendo a través de sus dibujos, ya sea dibujando lo que hacen en su día a día, las actividades que hacen con la familia, etc. 

Las bases  para participar:

  1. Edad máxima 12 años

2.   Tipo de trabajo: dibujo o pintura

        3.   Tema: libre. Se valorará que tenga que ver con la situación que estamos viviendo.

         4.   Tamaño: no superior a A4.

Cómo presentarlo:

1.     Enviar una fotografía o escaneado del trabajo a nuestro e-mail (info@shirasgaleria.com), junto con una autorización del tutor legal para publicar el trabajo en nuestras redes sociales.
2.    Se seleccionarán veinte trabajos finalistas, contactando con los seleccionados para que nos envíen los trabajos por correo ordinario. Para ello es importante que, al enviar los dibujos, adjuntéis vuestros datos y teléfono de contacto. 
3.     El jurado estará formado por dos artistas de la galería y la directora artística de la misma. 

FECHA LÍMITE: FINAL DEL CONFINAMIENTO

Los 20 trabajos seleccionados serán expuestos en uno de los espacios de la Galería una vez haya acabado el confinamiento, celebrando juntos la vuelta a la normalidad.
En el mismo evento se anunciará el premio del ganador o ganadora, entregándole un cheque regalo de Shiras por valor de 500 euros.   Enviadnos esas magníficas obras de arte a nuestro e-mail:  info@shirasgaleria.com o a través de nuestras redes sociales Facebook (Shiras Galería) o instragram (@shirasgaleria). 

Por último, los familiares tampoco os vais a librar. Nos podéis enviar  vídeos  o fotos de los pequeños artistas explicando las obras que han realizado.

XXIII Mostra art públic / universitat pública

Convocante:

  • Convocante: Universitat de València
  • Dotación: seis premios de 2.000 euros cada uno
  • Modo de presentación: online
  • Plazo de admisión: hasta las 14h. del 24 de abril de 2020

Hasta el próximo 24 de abril de 2020 estará abierto el plazo de la vigésimo tercera edición de la Mostra art públic / universitat pública, una iniciativa que trata de transformar el entorno universitario del campus de Burjassot en un lugar de intervención artística abierto a la sociedad. Para asesorar las personas interesadas a presentar sus propuestas, la comisaria de la Mostra, Alba Braza, ofrecerá una sesión informativa el miércoles 1 de abril.

La convocatoria está dirigida a artistas visuales, de cualquier nacionalidad o lugar de residencia y sin límite de edad, que pueden participar de manera individual o colectiva con una obra site specific para el campus de Burjassot que tenga como propósito establecer un diálogo entre arte y ciencia, como ejercicio y reto de la cultura contemporánea.

El jurado de la Mostra seleccionará un máximo de seis proyectos que recibirán una dotación de 2.000 euros para su ejecución y formarán parte de la exposición que se inaugurará el próximo mes de octubre en el campus de Burjassot. Además, con las reproducciones fotográficas de las intervenciones expuestas, la Universitat editará un catálogo.

La XXIII Mostra está comisariada por Alba Braza, experta en proyectos culturales y mediación artística, que miembro del jurado que valorará los proyectos junto con Irene Ballester, crítica de arte y miembro del Consell Valencià de Cultura; Sergio Rubira, subdirector de colecciones y exposiciones del IVAM (Institut Valencià d’Art Modern), y Norberto Piqueras, responsable de exposiciones del Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València.

Para explicar con detalle y aclarar las dudas de las personas interesadas en participar en la convocatoria, Alba Braza realizará una sesión informativa el miércoles 1 de abril, a las 17 h. Además, también se pueden resolver dudas en el teléfono 96 386 46 98 o en artpublic@uv.es.

La Mostra art públic / universitat pública está organizada por el Servei d’Informació i Dinamització de la Universitat de València con la colaboración del Vicerectorat de Cultura i esport.

Presentación de propuestas: hasta las 14 h del 24 de abril de 2020 a través de Entreu (Entorno a tramitación electrónica de la Universitat de València).

Enlace a las bases

Imagen de portada: Anja Krakowski, Artefacto (beyond us). 2019

Ela Vin presenta su primer LP “Tlazohcamati”

Presentación de «Tlazohcamati» , el primer LP de Ela Vin
Sábado 29 de febrero 2020 a las 20:00 h.
Centro Excursionista de València (Calle Marqués de Zenete, 4)
Reserva de entradas: centroexcursionistabar@gmail.com

Ela Vin, el proyecto de la valenciana Esther Vinuesa, presenta su primer LP «Tlazohcamati» cuyo título proviene de la palabra de origen náhuatl, lengua indígena de México y abarca una multiplicidad de significados tan amplios y ricos como el abanico sonoro que explora este trabajo, que marca un nuevo camino atrevido y valiente desde el título hasta el último tema, que hace un viaje virtual por una relación amorosa a través de los diez temas orgánicos y desnudos que integran el LP.

“Tlazohcamati es una expresión de agradecimiento. Podría sintetizarse como gracias pero su significado es más profundo. Está formada por dos verbos: mati que sería “saber” y “tlazoa” que significa apreciar, amar… Por lo que sería saber apreciar, saber valorar al otro”, explica Esther.

“En alguna parte leí que el significado más trascendental sería ‘Tú y yo somos uno en el fuego del amor del universo’. Me resulta absolutamente maravilloso que una palabra pueda expresar tanto. Creo que al final estoy dando las gracias a las personas, a los lugares y a todas las experiencias que la vida me brindó y que me sirvieron de inspiración para estas canciones”.

Latinoamérica: sus olores, sus costumbres, su espíritu, su cosmovisión, su imaginario, sus maneras de entender el amor y el desamor con todas sus aristas y por supuesto sus tradiciones sonoras envuelven el disco como una nube tan etérea como la foto de la portada del disco.

“De un tiempo a esta parte escucho mucha música latinoamericana de diferentes épocas. Me conecta con algo que ni yo misma puedo explicar y que tal vez trascienda a mis viajes por esos países. Reconozco que los dos discos de «Musas» de Natalia Lafourcade me han marcado muchísimo. Recogen la tradición y la herencia del cancionero y de la música latinoamericana. El sonido exquisito de estos discos y la emoción tan pura que transmiten me conectó perdidamente y me abrió el camino que hoy quiero explorar”, detalla la cantautora.

“No estoy buscando crear un disco con una raíz latinoamericana. Pero es verdad que busco la cercanía a esa delicadeza y sensibilidad profunda que te llega, te marca y de algún modo te fractura. Conseguir eso a nivel artístico me parece muy difícil a la par que fundamental”.

Portada del disco Tlazohcamati de Ela Vin

El acordeón- instrumento que ha marcado la vida y carrera de Ela Vin desde su infancia- tiene un protagonismo tan intenso como lo ha tenido en toda su trayectoria y se asoma a lo largo de este LP, impregnado del mestizaje entre España y Latinoamérica, con letras tan llenas de saudade y suave melancolía, que se leen como una carta de despedida que cruza océanos.

“Es un instrumento completísimo y con la suficiente personalidad para no necesitar mucho más. Tiene ese toque nostálgico de otro tiempo, ese lamento en su sonido que supongo conecta conmigo. La gente siente una gran simpatía, siempre le sabe a poco y a mí, por el contrario me da miedo saturar, siendo el instrumento que, por otro lado más domino. Y creo que aporta un toque distintivo y de originalidad en todo este entramado”, expresa Ela Vin.

El corazón del disco es una y todas las historias de amor y desamor. Es la melancolía desgarradora de una pasión no correspondida en»Danzantes»; la alusión a un sitio que permanece en la memoria en «San Ángel», un acordeón cobijando los intentos de reconciliación en «Las Horas» o el dulce recuerdo del inicio del enamoramiento en «Dèja Vu».

Xema Fuertes y Cayo Bellveser, del estudio Río Bravo, son piezas fundamentales de la nueva creación de la valenciana. Además de ser los productores de este material, participan como músicos y aportan certero arreglos al material, consiguiendo que éste sea el disco más maduro y trabajado de la cantautora.

El disco cuenta también con el trabajo de Txema Mendizabal -como ya viene siendo habitual en la formación de Ela Vin-con el pedal Steel y con Óscar Pena al clarinete.

Tlazohcamati cierra un ciclo y marca un hito que lo distingue de las producciones anteriores de la artista, no solo por ser su primer LP, después de dos exitosos EPs: “Solitoria” y “Danzantes”, también porque representa una metamorfosis respecto a sus trabajos anteriores.

“Este trabajo es mucho más orgánico. Se escucha la respiración en la voz, el crujido de la madera, pedales y fuelles de instrumentos. Esos sonidos no están ahí al azar. Es significativo porque también forman parte de la interpretación y se captaron en la grabación del disco de manera intencionada. Me hace sentirlo vivo, cercano y veraz. Y eso es algo que a quien lo aprecie, le permitirá conectar”

ESCÚCHALO EN SPOTIFY: https://spoti.fi/35ZrJat
EN BANDCAMP: https://elavin.bandcamp.com/


Ana Zomeño estrena «A las mías»

Estreno en concierto del videoclip “A las mías”, de Ana Zomeño
Domingo 23 de febrero a las 18:30 horas
Convent Carmen, Valencia

En vísperas del 8 de marzo, Día Internacional de las Mujeres, la artista valenciana Ana Zomeño presenta en concierto su nuevo vídeo, un trabajo visualmente poético y onírico, que encaja con el momento histórico actual de una fuerte y poderosa reivindicación femenina. Esta pieza audiovisual,  basada en el poema titulado “A las mías” de la escritora Rocío Llopis,  podrá verse el 23 de febrero a las 18:30 horas en Convent Carmen antes de su lanzamiento oficial, programado para el 6 de marzo.

El vídeo simboliza esta lucha interna sobre la emancipación femenina  y comienza en un bosque sin apenas luz, donde la protagonista lleva un peso a la espalda, que representa la carga emocional  y social de las mujeres en la actualidad. Grabado en El Olba (Teruel) y en la Cartuja Ara Christie de El Puig, y diridido por Marta Carmona de Kerala Audiovisual, la trama sigue a una mujer en su recorrido interior –simbolizado por un bosque- para despojarse de las cargas que implican la inequidad de género. La narrativa avanza a través de imágenes ensoñadoras, que sugieren un viaje interior que culmina cuando la artista encuentra la compañía  de un grupo de mujeres que con sororidad, la inspiran y apoyan.

Ana Zomeño, líder del proyecto, explica que este trabajo pone de manifiesto la existencia numerosos muros que las mujeres deben librar para exhibir su arte en una escena cultural marcada por la visión masculina de la sensibilidad creativa. “La canción comienza mostrando esta realidad (‘’me vi desde fuera y lo juzgué desde dentro’’) y rápidamente se convierte en un canto empoderador que hace sentirse acompañada a quien la escucha”, añade la cantautora.

Para presentar el vídeo de este single, Ana Zomeño actuará con la banda completa integrada  por Lucía y Paula Zambudio (guitarra y bajo respectivamente); Cate Giorgi en el piano y Pablo Soriano en la batería en un concierto donde la entrada es gratuita.

“A las mías” es un single que nace después de que en abril del año pasado la cantautora presentó el EP «Cinco Conocidas» , un grupo de seis canciones compuestas con guitarra y libreta en mano. “Ahora”, “Qué bonita”, “4 x 3”,  “Bienvenida María”, “Rumba Negrita” y “La Cantant” integraban el anterior EP, mientras que “A las mías” y un single, que se lanzará próximamente, compondrán un segundo EP, que llevará un título a juego: «Nuevas Conocidas»

Tanto «Cinco Conocidas» como «Nuevas Conocidas» conforman el universo sonoro de la cantautora valenciana, que apuesta por la fusión, creando un sonido único. 

‘La Quedada’ audiovisual cumple tres años

Jueves, 6 de febrero de 2020
Apertura de puertas a las 22h.
Mítico Cobalto Pub (Tetería Tisana)
c/Moret, 6. València

Desde hace tres años, un equipo diverso de amantes del séptimo arte se reúne en el mítico Bar Cobalto, la actual Tetería Tisana. Lo hacen, como viene siendo habitual, el primer jueves de cada mes, con el fin de realizar una pieza audiovisual y proyectar la filmada el mes anterior. Los promotores del proyecto señalan que “desde hace tres años existe un espacio en la ciudad de las flores, de la luz y del amor, donde se habla de cine, se ve cine y se hace auténtico cine de guerrilla” Denominan a su proyecto La Quedada de Cine Independiente, un lugar que aglutina a técnicos, actrices, directores y guionistas que unen sus conocimientos y virtudes para alcanzar el reto “de rodar algún corte de buen cine a quemarropa en una tarde”.

La precariedad de medios no supone un cortapisa para culminar con éxito sus rodajes, que se materializan en breves piezas ingeniosas, “rodadas con lo puesto y por instinto”. En ocasiones trabajan con guión, otras sin él, con más o menos pre o posproducción, a veces con una cámara réflex 4k, otras con el móvil…todo vale, no tienen excusas para no crear, para no filmar. En definitiva, La Quedada se consolida como un taller audiovisual participativo abierto a cualquier persona y público. Cada noche tiene lugar un nuevo encuentro creativo “donde el que una tarde fue director, al mes siguiente se encarga de la iluminación y con el tiempo acaba siendo el actor de moda”, en palabras de los organizadores.

El próximo jueves  se proyectará “364 días de fiesta” un cortometraje “con pocos planos”, que se suma los trabajos producidos con anterioridad, como “Jackman”, “El jeta”, “La taberna del cobalto”, “Ostias como penes”, «Macarril bici» o el videoclip de la banda londinense Mr. Sánchez titulado “Aventuras”.

Más información:
Grupo de WhatsApp “La Quedada”, administrador Sr. Plátano: 637 663 169
YOUTUBE (Puedes ver todos los trabajos de la quedada en el canal de YouTube)

En portada: Fotograma de «Macarril Bici» (2019)

‘El viatge de l’esfinx’, inédito de Joan Verdú, sale a la luz

Presentación del libro ilustrado El viatge de l’esfinx, del artista Joan Verdú, editado por La documental edicions
Miércoles 18 de diciembre, a las 19:00 horas
Sala Gonzalo Montiel de La Nau Centre Cultural, de la Universitat de València

La documental edicions presenta el tercer título de la Colección Sr. Velasco, el libro ilustrado El viatge de l’esfinx, del artista Joan Verdú. El acto contará con la presencia del profesor de la Universitat de València y experto en cómics Álvaro Pons, que conversará con el editor, Álvaro de los Ángeles. El acto se inscribe dentro de las actividades de la Cátedra de Estudios del Cómic, de la Universitat de València.

El viatge de l’esfinx es un cuento escrito y dibujado por el artista Joan Verdú el año 1989, que nunca llegó a publicarse. Los dibujos originales están realizados sobre cartón y muestran una explosión de color que va desde los azules más agrisados, hasta los tonos tierra, ocres, amarillos, el turquesa o los azules intensos. Las diecisiete imágenes contienen la gama cromática característica del mar Mediterráneo, el real y el imaginado.

Imagen interior del libro El viatge de l’esfinx, de Joan Verdú

El inicio de la historia que cuenta El viatge de l’esfinx transcurre en un emplazamiento real en la ciudad de València. Muy cerca de las Torres de Serranos se encuentra el Pont de Fusta. La entrada a este puente o pasarela peatonal está escoltada por dos esfinges de piedra, una a cada lado. Están deterioradas por el tiempo y gran parte de sus rasgos ha desaparecido, pero allí permanecen, viendo pasar la gente y el tiempo.

En los años ochenta, recién estrenado el actual Estado de las Autonomías, el territorio que comprende las provincias de Castellón, València y Alicante convino en denominarse Comunitat Valenciana, un consenso tibio al que se llegó no sin acalorados debates ideológicos. Fueron años de gran movimiento social, cultural y político. Por entonces se asentaron la mayoría de las instituciones que aún hoy en día perduran y que generaron entonces un gran aluvión de creatividad y de posibilidades de cambio. Se asentaron las bases de Les Corts Valencianes, se recuperó la figura histórica del President de la Generalitat, y se fundaron instituciones culturales que aún perduran.

Por aquellos años, la Escuela valenciana de cómic arrasaba en las revistas y tebeos de media Europa, se hacían exposiciones de los autores y de sus personajes más relevantes y, en definitiva, se empleaba como buque insignia de una nueva manera de entender la territorialidad en España, a ritmo de línea clara y colores electrizantes. Miguel Calatayud, Sento, Daniel Torres, Ana Juan, Manel Gimeno, Mariscal, Mique Beltrán y el propio Joan Verdú renovaron el dibujo y la ilustración y, al hacerlo, generaron un nuevo imaginario. Esa época en que todo parecía posible se acomodó, como suele pasar, habiendo alcanzado logros y dejando por el camino las vías más utópicas. El viatge de l’esfinx nos hace recuperar la frescura de las cosas acabadas de hacer, de los mitos en fase de cambio, de las personas embargadas por los colores de un cielo intenso, del mar turquesa, o de sus ideas irrenunciables.

Imagen interior del libro El viatge de l’esfinx, de Joan Verdú

Joan Verdú (Alzira, 1959 – Alginet, 2017) fue dibujante y cartelista, pintor, escritor y articulista. Comenzó realizando carteles e ilustraciones que guardan una cierta familiaridad con obras de Manuel Boix o Miguel Calatayud, aunque su mayor referencia fue el arte pop y, en concreto, Andy Warhol (con el permiso de Pablo Picasso y Josehp Beuys). En la década de los años noventa decide centrarse en la pintura y renunciar a todo lo demás, realizando un número importante de exposiciones en galerías y centros de arte. Con frecuencia, estas exposiciones muestran series definidas por un tema y un estilo concretos, lo que potenció la coherencia en el desarrollo de «personajes simbólicos» propios, al tiempo que permitió una amplia variedad de recursos estilísticos.

Al mismo tiempo, en 1998, inicia una columna semanal de opinión en el suplemento cultural Posdata que seguirá escribiendo de manera puntual hasta su fallecimiento en 2107. Son textos frescos, incisivos, inteligentes y críticos con una sociedad y un mundo artístico que Verdú miraba desde fuera —aunque se sintiese parte integrante— y que consideraba limitado y algo mediocre. El viatge de l’esfinx muestra a la perfección tanto esas influencias primeras, derivadas del cartelismo, como refleja el momento histórico cuando se realizó, el año 1989.

“En el instante de una caricatura, debes estar bien”

#MAKMAEntrevistas | Ismael Rumbeu (caricaturista)
Diciembre de 2019
(Puedes encontrarlo en el centro de València, en las proximidades de la Plaza de la Reina o la calle del Miguelete)
(+34 674 816 854 | caricatur@gmail.com)

Caricaturista de profesión y amante de su oficio desde la perspectiva constante de la vieja escuela, las páginas de El Mundo, Metrópolis, Mondo Sonoro o Fancomic! se han nutrido de los dibujos de Ismael Rumbeu, quien ha colaborado con publicaciones especializadas como Ganadería Tashumante o el fanzine numerado Cataclystics. Actualmente, dispone de un permiso municipal para dibujar en la vía pública, concretamente en Ciutat Vella (València). Como artista, además, ha realizado acciones performativas: «En una ocasión dibujé obras de arte de la historia universal con los ojos cerrados, y al final se parecían».

Caricatura es una palabra que procede del italiano caricare (exagerar). 

Sí, a veces en la calle oigo a los niños decir: «¡Mira, papá!, está haciendo caricaturas, ¿qué es eso?», a lo que responde el padre: «Exagerar los rasgos». Yo, a veces, intento corregir y les digo que exagerarlos, sí, o, incluso, esconderlos, es decir, exagerar unos y esconder otros. Por ejemplo, si uno tiene las orejas grandes, pues en vez de agrandar las orejas le hago los ojitos pequeños, y ya parece que las tiene más grandes. A veces, me pasa que alguno me dice: «Pásate», y digo: «Me voy a pasar», y hago la nariz grande, los ojos grandes, la boca grande, y parece él, en grande. En realidad, la caricatura es, más bien, una exageración selectiva.

Ismael Rumbeu durante la creación de una de sus caricaturas en la calle. Fotografía cortesía del artista.

Hay personas que tienen móviles con buenas cámaras que permiten representar de manera fiel la realidad y, sin embargo, siguen abusando de los retoques. ¿Qué crees que diferencia a un caricaturista de un robot con inteligencia artificial?

Yo creo que, en realidad, esas personas no quieren reflejar la realidad, sino un estado de ánimo. Me imagino las generaciones venideras cuando vean las instantáneas de sus antepasados: «¡Mira, la abuela tenía orejas de gato!», algo que no sucede con el álbum de fotos de nuestros padres. Esos filtros fotográficos no hacen más que complacer la idea distorsionada que tienes de ti mismo. El caricaturista te analiza desde fuera y, por lo tanto, acierta más el momento que está captando. Es importante que tanto el que dibuja como el dibujado posean un estado de ánimo positivo, que haya alegría en ese momento. Pocas veces se dibuja bien a alguien con una depresión profunda –en ese instante tienes que estar bien–. Por eso los niños son un gran mercado, y también las parejas enamoradas.

Parte de la magia de la caricatura está en que no la puedes ver hasta que esté finalizada. 

Yo tardo cinco minutos en hacerla, lo que antiguamente se tardaba en revelar una foto, o menos. El otro día vino un niño que insistía en que la quería ver y su padre le explico que no podía hacerlo hasta que acabara de dibujar, que esperar también formaba parte del juego. Esa magia se pierde con las aplicaciones del móvil. Los niños hoy en día no están acostumbrados a esperar.

Asociamos al caricaturista, de manera un tanto precaria, con la calle. ¿Es ese su lugar natural, perdiendo todo su sentido al trasladarse a otro espacio (como suele pasar, para algunos, con el arte urbano o, específicamente, con el grafiti, que no se entiende sin la calle)?

La caricatura siempre fue algo de la calle. Cuando me dan una foto, aunque esté en la calle –si no tengo delante a nadie para decirle: «A ver, mira aquí, sonríe»–, me pregunto: «¿Pero qué estoy haciendo yo aquí, solo, mirando el móvil?». Por eso se pierde mucha conexión y mucha psicología. Me cuesta una barbaridad dibujar con unas caras estáticas, sale una cosa mucho más fría. Lo de la calle tiene frescura cuando hay relación entre el dibujante y el paciente, o víctima, o como quieras llamarle. Esa relación también puede ser de amistad; mucha gente te saluda: «Mira, me dibujaste el otro día».

Una pareja caricaturizada por Ismael Rumbeu. Fotografía cortesía del artista.

¿Alguna vez has conseguido enfadar a alguna persona caricaturizada?

Sí, una vez un señor se me puso a llorar. Le dije que le devolvía el dinero, que no entendía por qué seguía allí, llorando, y que la gente lo viera, me estaba quitando el buen karma. Le pedí, por favor, que se fuera. Le pregunté a su mujer qué es lo que pasaba, por qué lloraba su marido, y me dijo que porque le había hecho un melón, una barriga. Otra pareja adolescente me pidió un dibujo abrazaditos, una cosa así agarrados por detrás, sin que se viera nada, ¡y la que se montó en la calle! Era en el paseo marítimo, muchísima gente se quedaba mirando hasta que llegó la madre y me dijo que yo no podía hacer eso. A partir de ese momento hay cosas que ya no dibujo, nunca me había pasado. La madre me rompió la caricatura por motivos éticos, morales, no sé.

¿Alguien te lo ha puesto especialmente difícil por tener una cara demasiado perfecta como para ser caricaturizada?

Me pudo pasar un poco al principio, que alguna mujer era tan guapa, lo tenía todo tan bien en su sitio, que resultaba peliagudo. Optaba, entonces, por aproximarme a lo que sería una Nancy bien maquillada, y salía, pero nunca llegue a decir que no podía. A veces, haciendo la cabeza grande y el cuerpo pequeño ya está. Otras veces también hago a gente seria o cabreada, pero, generalmente, salen riendo. En una ocasión dibujé la caricatura de un difunto. Le dije a la viuda que yo era caricaturista, a lo que la mujer respondió: «Sí, házmelo». Insistí en advertirle que iba a dibujar a su marido sonriendo, y ella sentenció: «Sí, sí, hazlo», y me puse manos a la obra.

Ismael Rumbeu dibujando en el estudio de la ceramista Eugenia Boscá. Fotografía cortesía del artista.

Ismael T.

El perro de las tres y cuarto, de Anja Krakowski

Presentación de El perro de las tres y cuarto de Anja Krakowski
Editado por La documental edicions.
Viernes 29 de noviembre, 19:00 horas
CCCC Centre del Carme Cultura Contemporània
C/ Museu, 2. València

La documental edicions presenta el segundo título de la Colección Sr. Velasco El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski. El acto contará con la presencia de la artista, el comisario de exposiciones y docente Juan Luis Toboso, el diseñador de la colección Antonio Ballesteros, y el editor, Álvaro de los Ángeles.

Este libro toma como punto de partida el proyecto expositivo «Right now, right here, right there, right then? El perro de las tres y cuarto», de Anja Krakowski, para convertirlo en una publicación que experimenta con la distribución de los contenidos y las características de los materiales. La muestra se presentó entre los meses de febrero y marzo de 2019 en Espai Rambleta y estuvo comisariada por Juan Luis Toboso.

El perro de las tres y cuarto es una carpeta de archivos personales e históricos, de miradas frente al espejo y ante las pantallas que muestran los sucesos políticos. El libro es, asimismo, parte del tejido con el que Anja Krakowski construye su trabajo artístico. No es una conclusión, sino una puerta más que se abre. Aquí se dan cita Borges y Orwell, Bush y Sadam, Beuys y la liebre, las máquinas de escribir cartas y las de matar civiles, el caballo de Kafka y las estatuas que representan los mitos fundacionales, que acabarán siendo destruidas. Lejos de simplificar los problemas derivados de las sociedades actuales, hace patente sus complejidades. El libro incluye textos (todos en castellano e inglés) de Anja Krakowski, la comisaria y docente Johanna Caplliure y Juan Luis Toboso.

Imágenes del interior de la publicación El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski, cortesía de La documental edicions

La documental edicions es un proyecto editorial que analiza su contexto con el ánimo de plantear cuestiones incómodas y necesarias, y que aspira a reflejar el arte y lo artístico desde lo tangencial. Sr. Velasco es el título de esta colección de ideas compartidas, que se inspira y sirve de homenaje a una persona que sabía mucho de compartir, sin perder ni un poco de su individualidad. Es una anti-colección desde el punto de vista de lo formal, pues cada título responde a unas características propias, convirtiendo la heterogeneidad de los contenidos en su razón de ser.

Anja Krakowski (Hagen, Alemania; vive y trabaja en Valencia desde 1986) es artista visual y docente interesada en los estudios culturales y postcoloniales, ámbitos de estudio que han definido su práctica artística y sus investigaciones académicas. Juan Luis Toboso (Alicante, 1980; reside en Porto) es comisario de exposiciones, docente y teórico que desarrolla su actividad entre Portugal y España. Sus proyectos profundizan en cuestiones sociales, artísticas y afectivas desde una perspectiva siempre contemporánea. Álvaro de los Ángeles (València, 1971) es editor, comisario de exposiciones y teórico del arte, imparte cursos y conferencias y ha sido subdirector de Actividades y Programas Culturales en el IVAM. Antonio Ballesteros (Madrid, 1969) es diseñador gráfico e ilustrador; desde 2012 cuenta con su estudio propio, FORMO, que está especializado en diseño editorial e identidad corporativa.

Raphaël Barontini en Espai Tactel

“Goya Voodoomania. Une parade royale sur Mars” de Raphaël Barontini
Del 26 de noviembre 2019 al 11 de enero de 2020
Galería ESPAI TACTEL
C/ Caballeros, 35, 2º piso, p.3, 46001 València (Spain)

El próximo martes 26 de noviembre se abrirá al público en la Galería ESPAI TACTEL (València) la exposición “GOYA VOODOOMANIA. Une Parade Royale Sur Mars” de Raphaël Barontini, artista francés de origen caribeño-italiano, recientemente destacado con su primer individual en el SCAD Museum of Art en Savannah, Estados Unidos.

Barontini vive y trabaja en Saint-Denis (París, Francia), se licenció en la escuela de Bellas Artes de París y ha presentado su trabajo en ciudades como París, Estambul, San Francisco, Nueva York y Los Ángeles, entre otras. Ha participado en ferias como UNTITLED ART FAIR (San Francisco, EEUU) o 1-54 ART FAIR (Nueva York, EEUU), y centros como el MoAD Museum of African Diasporas (San Francisco, EEUU) o la International Biennale of Casablanca (Casablanca, Marruecos) han expuesto su trabajo.

Para la comisaria y crítica de arte Johanna Caplliure “La vudumanía planteada por Barontini operaría en dos escalas y una serie de capas. La primera escala sería una reconstitución de la historia de dolor y violencia del colonizado a través de la resurrección de los muertos. La segunda escala haría referencia a la escritura de una contra-historia donde las figuras negras adquieren el papel principal en una historia de las imágenes. Estas dos escalas se exponen en términos de muerte-vida, resurrección de los cuerpos, restauración de los poderes,  sanación y exorcismo de los traumas -en su primera escala, y re-escritura de las historias de los otros -en la segunda. (…) Un continuo de capas se entrecruzan sobre estas estructuras en una trama sobre la historia de la representación del poder en el arte. Esta se nos ofrece capitaneada por estandartes, banderas o pinturas que figuran un acercamiento a estudios sobre el retrato de la monarquía o nobleza europea -principalmente francesa y española. A los personajes de la pintura de corte se suman, a manera de collage deconstructivo, imágenes de estatuas-fetiche, de personas y personajes de una negritud panafricana. Este gesto de hibridación en la imagen vudú se traduciría como una forma de créolité.”

Desde 2013, la actividad de la Galería ESPAI TACTEL se centra en la promoción del arte más audaz y contemporáneo en sus distintas expresiones y vertientes, prestando especial atención a las últimas tendencias, exhibiendo la obra de artistas como Carles Congost, Michael Roy, Christto & Andrew, Natacha Lesueur o Vicky Uslé y un buen número de creadores y creadoras siempre caracterizadas por el extremado riesgo en sus planteamientos estéticos y máxima calidad plástica en sus resultados artísticos.

+ info: https://espaitactel.com/es