Ana Zomeño estrena «A las mías»

Estreno en concierto del videoclip “A las mías”, de Ana Zomeño
Domingo 23 de febrero a las 18:30 horas
Convent Carmen, Valencia

En vísperas del 8 de marzo, Día Internacional de las Mujeres, la artista valenciana Ana Zomeño presenta en concierto su nuevo vídeo, un trabajo visualmente poético y onírico, que encaja con el momento histórico actual de una fuerte y poderosa reivindicación femenina. Esta pieza audiovisual,  basada en el poema titulado “A las mías” de la escritora Rocío Llopis,  podrá verse el 23 de febrero a las 18:30 horas en Convent Carmen antes de su lanzamiento oficial, programado para el 6 de marzo.

El vídeo simboliza esta lucha interna sobre la emancipación femenina  y comienza en un bosque sin apenas luz, donde la protagonista lleva un peso a la espalda, que representa la carga emocional  y social de las mujeres en la actualidad. Grabado en El Olba (Teruel) y en la Cartuja Ara Christie de El Puig, y diridido por Marta Carmona de Kerala Audiovisual, la trama sigue a una mujer en su recorrido interior –simbolizado por un bosque- para despojarse de las cargas que implican la inequidad de género. La narrativa avanza a través de imágenes ensoñadoras, que sugieren un viaje interior que culmina cuando la artista encuentra la compañía  de un grupo de mujeres que con sororidad, la inspiran y apoyan.

Ana Zomeño, líder del proyecto, explica que este trabajo pone de manifiesto la existencia numerosos muros que las mujeres deben librar para exhibir su arte en una escena cultural marcada por la visión masculina de la sensibilidad creativa. “La canción comienza mostrando esta realidad (‘’me vi desde fuera y lo juzgué desde dentro’’) y rápidamente se convierte en un canto empoderador que hace sentirse acompañada a quien la escucha”, añade la cantautora.

Para presentar el vídeo de este single, Ana Zomeño actuará con la banda completa integrada  por Lucía y Paula Zambudio (guitarra y bajo respectivamente); Cate Giorgi en el piano y Pablo Soriano en la batería en un concierto donde la entrada es gratuita.

“A las mías” es un single que nace después de que en abril del año pasado la cantautora presentó el EP «Cinco Conocidas» , un grupo de seis canciones compuestas con guitarra y libreta en mano. “Ahora”, “Qué bonita”, “4 x 3”,  “Bienvenida María”, “Rumba Negrita” y “La Cantant” integraban el anterior EP, mientras que “A las mías” y un single, que se lanzará próximamente, compondrán un segundo EP, que llevará un título a juego: «Nuevas Conocidas»

Tanto «Cinco Conocidas» como «Nuevas Conocidas» conforman el universo sonoro de la cantautora valenciana, que apuesta por la fusión, creando un sonido único. 

‘La Quedada’ audiovisual cumple tres años

Jueves, 6 de febrero de 2020
Apertura de puertas a las 22h.
Mítico Cobalto Pub (Tetería Tisana)
c/Moret, 6. València

Desde hace tres años, un equipo diverso de amantes del séptimo arte se reúne en el mítico Bar Cobalto, la actual Tetería Tisana. Lo hacen, como viene siendo habitual, el primer jueves de cada mes, con el fin de realizar una pieza audiovisual y proyectar la filmada el mes anterior. Los promotores del proyecto señalan que “desde hace tres años existe un espacio en la ciudad de las flores, de la luz y del amor, donde se habla de cine, se ve cine y se hace auténtico cine de guerrilla” Denominan a su proyecto La Quedada de Cine Independiente, un lugar que aglutina a técnicos, actrices, directores y guionistas que unen sus conocimientos y virtudes para alcanzar el reto “de rodar algún corte de buen cine a quemarropa en una tarde”.

La precariedad de medios no supone un cortapisa para culminar con éxito sus rodajes, que se materializan en breves piezas ingeniosas, “rodadas con lo puesto y por instinto”. En ocasiones trabajan con guión, otras sin él, con más o menos pre o posproducción, a veces con una cámara réflex 4k, otras con el móvil…todo vale, no tienen excusas para no crear, para no filmar. En definitiva, La Quedada se consolida como un taller audiovisual participativo abierto a cualquier persona y público. Cada noche tiene lugar un nuevo encuentro creativo “donde el que una tarde fue director, al mes siguiente se encarga de la iluminación y con el tiempo acaba siendo el actor de moda”, en palabras de los organizadores.

El próximo jueves  se proyectará “364 días de fiesta” un cortometraje “con pocos planos”, que se suma los trabajos producidos con anterioridad, como “Jackman”, “El jeta”, “La taberna del cobalto”, “Ostias como penes”, «Macarril bici» o el videoclip de la banda londinense Mr. Sánchez titulado “Aventuras”.

Más información:
Grupo de WhatsApp “La Quedada”, administrador Sr. Plátano: 637 663 169
YOUTUBE (Puedes ver todos los trabajos de la quedada en el canal de YouTube)

En portada: Fotograma de «Macarril Bici» (2019)

‘El viatge de l’esfinx’, inédito de Joan Verdú, sale a la luz

Presentación del libro ilustrado El viatge de l’esfinx, del artista Joan Verdú, editado por La documental edicions
Miércoles 18 de diciembre, a las 19:00 horas
Sala Gonzalo Montiel de La Nau Centre Cultural, de la Universitat de València

La documental edicions presenta el tercer título de la Colección Sr. Velasco, el libro ilustrado El viatge de l’esfinx, del artista Joan Verdú. El acto contará con la presencia del profesor de la Universitat de València y experto en cómics Álvaro Pons, que conversará con el editor, Álvaro de los Ángeles. El acto se inscribe dentro de las actividades de la Cátedra de Estudios del Cómic, de la Universitat de València.

El viatge de l’esfinx es un cuento escrito y dibujado por el artista Joan Verdú el año 1989, que nunca llegó a publicarse. Los dibujos originales están realizados sobre cartón y muestran una explosión de color que va desde los azules más agrisados, hasta los tonos tierra, ocres, amarillos, el turquesa o los azules intensos. Las diecisiete imágenes contienen la gama cromática característica del mar Mediterráneo, el real y el imaginado.

Imagen interior del libro El viatge de l’esfinx, de Joan Verdú

El inicio de la historia que cuenta El viatge de l’esfinx transcurre en un emplazamiento real en la ciudad de València. Muy cerca de las Torres de Serranos se encuentra el Pont de Fusta. La entrada a este puente o pasarela peatonal está escoltada por dos esfinges de piedra, una a cada lado. Están deterioradas por el tiempo y gran parte de sus rasgos ha desaparecido, pero allí permanecen, viendo pasar la gente y el tiempo.

En los años ochenta, recién estrenado el actual Estado de las Autonomías, el territorio que comprende las provincias de Castellón, València y Alicante convino en denominarse Comunitat Valenciana, un consenso tibio al que se llegó no sin acalorados debates ideológicos. Fueron años de gran movimiento social, cultural y político. Por entonces se asentaron la mayoría de las instituciones que aún hoy en día perduran y que generaron entonces un gran aluvión de creatividad y de posibilidades de cambio. Se asentaron las bases de Les Corts Valencianes, se recuperó la figura histórica del President de la Generalitat, y se fundaron instituciones culturales que aún perduran.

Por aquellos años, la Escuela valenciana de cómic arrasaba en las revistas y tebeos de media Europa, se hacían exposiciones de los autores y de sus personajes más relevantes y, en definitiva, se empleaba como buque insignia de una nueva manera de entender la territorialidad en España, a ritmo de línea clara y colores electrizantes. Miguel Calatayud, Sento, Daniel Torres, Ana Juan, Manel Gimeno, Mariscal, Mique Beltrán y el propio Joan Verdú renovaron el dibujo y la ilustración y, al hacerlo, generaron un nuevo imaginario. Esa época en que todo parecía posible se acomodó, como suele pasar, habiendo alcanzado logros y dejando por el camino las vías más utópicas. El viatge de l’esfinx nos hace recuperar la frescura de las cosas acabadas de hacer, de los mitos en fase de cambio, de las personas embargadas por los colores de un cielo intenso, del mar turquesa, o de sus ideas irrenunciables.

Imagen interior del libro El viatge de l’esfinx, de Joan Verdú

Joan Verdú (Alzira, 1959 – Alginet, 2017) fue dibujante y cartelista, pintor, escritor y articulista. Comenzó realizando carteles e ilustraciones que guardan una cierta familiaridad con obras de Manuel Boix o Miguel Calatayud, aunque su mayor referencia fue el arte pop y, en concreto, Andy Warhol (con el permiso de Pablo Picasso y Josehp Beuys). En la década de los años noventa decide centrarse en la pintura y renunciar a todo lo demás, realizando un número importante de exposiciones en galerías y centros de arte. Con frecuencia, estas exposiciones muestran series definidas por un tema y un estilo concretos, lo que potenció la coherencia en el desarrollo de «personajes simbólicos» propios, al tiempo que permitió una amplia variedad de recursos estilísticos.

Al mismo tiempo, en 1998, inicia una columna semanal de opinión en el suplemento cultural Posdata que seguirá escribiendo de manera puntual hasta su fallecimiento en 2107. Son textos frescos, incisivos, inteligentes y críticos con una sociedad y un mundo artístico que Verdú miraba desde fuera —aunque se sintiese parte integrante— y que consideraba limitado y algo mediocre. El viatge de l’esfinx muestra a la perfección tanto esas influencias primeras, derivadas del cartelismo, como refleja el momento histórico cuando se realizó, el año 1989.

“En el instante de una caricatura, debes estar bien”

#MAKMAEntrevistas | Ismael Rumbeu (caricaturista)
Diciembre de 2019
(Puedes encontrarlo en el centro de València, en las proximidades de la Plaza de la Reina o la calle del Miguelete)
(+34 674 816 854 | caricatur@gmail.com)

Caricaturista de profesión y amante de su oficio desde la perspectiva constante de la vieja escuela, las páginas de El Mundo, Metrópolis, Mondo Sonoro o Fancomic! se han nutrido de los dibujos de Ismael Rumbeu, quien ha colaborado con publicaciones especializadas como Ganadería Tashumante o el fanzine numerado Cataclystics. Actualmente, dispone de un permiso municipal para dibujar en la vía pública, concretamente en Ciutat Vella (València). Como artista, además, ha realizado acciones performativas: «En una ocasión dibujé obras de arte de la historia universal con los ojos cerrados, y al final se parecían».

Caricatura es una palabra que procede del italiano caricare (exagerar). 

Sí, a veces en la calle oigo a los niños decir: «¡Mira, papá!, está haciendo caricaturas, ¿qué es eso?», a lo que responde el padre: «Exagerar los rasgos». Yo, a veces, intento corregir y les digo que exagerarlos, sí, o, incluso, esconderlos, es decir, exagerar unos y esconder otros. Por ejemplo, si uno tiene las orejas grandes, pues en vez de agrandar las orejas le hago los ojitos pequeños, y ya parece que las tiene más grandes. A veces, me pasa que alguno me dice: «Pásate», y digo: «Me voy a pasar», y hago la nariz grande, los ojos grandes, la boca grande, y parece él, en grande. En realidad, la caricatura es, más bien, una exageración selectiva.

Ismael Rumbeu durante la creación de una de sus caricaturas en la calle. Fotografía cortesía del artista.

Hay personas que tienen móviles con buenas cámaras que permiten representar de manera fiel la realidad y, sin embargo, siguen abusando de los retoques. ¿Qué crees que diferencia a un caricaturista de un robot con inteligencia artificial?

Yo creo que, en realidad, esas personas no quieren reflejar la realidad, sino un estado de ánimo. Me imagino las generaciones venideras cuando vean las instantáneas de sus antepasados: «¡Mira, la abuela tenía orejas de gato!», algo que no sucede con el álbum de fotos de nuestros padres. Esos filtros fotográficos no hacen más que complacer la idea distorsionada que tienes de ti mismo. El caricaturista te analiza desde fuera y, por lo tanto, acierta más el momento que está captando. Es importante que tanto el que dibuja como el dibujado posean un estado de ánimo positivo, que haya alegría en ese momento. Pocas veces se dibuja bien a alguien con una depresión profunda –en ese instante tienes que estar bien–. Por eso los niños son un gran mercado, y también las parejas enamoradas.

Parte de la magia de la caricatura está en que no la puedes ver hasta que esté finalizada. 

Yo tardo cinco minutos en hacerla, lo que antiguamente se tardaba en revelar una foto, o menos. El otro día vino un niño que insistía en que la quería ver y su padre le explico que no podía hacerlo hasta que acabara de dibujar, que esperar también formaba parte del juego. Esa magia se pierde con las aplicaciones del móvil. Los niños hoy en día no están acostumbrados a esperar.

Asociamos al caricaturista, de manera un tanto precaria, con la calle. ¿Es ese su lugar natural, perdiendo todo su sentido al trasladarse a otro espacio (como suele pasar, para algunos, con el arte urbano o, específicamente, con el grafiti, que no se entiende sin la calle)?

La caricatura siempre fue algo de la calle. Cuando me dan una foto, aunque esté en la calle –si no tengo delante a nadie para decirle: «A ver, mira aquí, sonríe»–, me pregunto: «¿Pero qué estoy haciendo yo aquí, solo, mirando el móvil?». Por eso se pierde mucha conexión y mucha psicología. Me cuesta una barbaridad dibujar con unas caras estáticas, sale una cosa mucho más fría. Lo de la calle tiene frescura cuando hay relación entre el dibujante y el paciente, o víctima, o como quieras llamarle. Esa relación también puede ser de amistad; mucha gente te saluda: «Mira, me dibujaste el otro día».

Una pareja caricaturizada por Ismael Rumbeu. Fotografía cortesía del artista.

¿Alguna vez has conseguido enfadar a alguna persona caricaturizada?

Sí, una vez un señor se me puso a llorar. Le dije que le devolvía el dinero, que no entendía por qué seguía allí, llorando, y que la gente lo viera, me estaba quitando el buen karma. Le pedí, por favor, que se fuera. Le pregunté a su mujer qué es lo que pasaba, por qué lloraba su marido, y me dijo que porque le había hecho un melón, una barriga. Otra pareja adolescente me pidió un dibujo abrazaditos, una cosa así agarrados por detrás, sin que se viera nada, ¡y la que se montó en la calle! Era en el paseo marítimo, muchísima gente se quedaba mirando hasta que llegó la madre y me dijo que yo no podía hacer eso. A partir de ese momento hay cosas que ya no dibujo, nunca me había pasado. La madre me rompió la caricatura por motivos éticos, morales, no sé.

¿Alguien te lo ha puesto especialmente difícil por tener una cara demasiado perfecta como para ser caricaturizada?

Me pudo pasar un poco al principio, que alguna mujer era tan guapa, lo tenía todo tan bien en su sitio, que resultaba peliagudo. Optaba, entonces, por aproximarme a lo que sería una Nancy bien maquillada, y salía, pero nunca llegue a decir que no podía. A veces, haciendo la cabeza grande y el cuerpo pequeño ya está. Otras veces también hago a gente seria o cabreada, pero, generalmente, salen riendo. En una ocasión dibujé la caricatura de un difunto. Le dije a la viuda que yo era caricaturista, a lo que la mujer respondió: «Sí, házmelo». Insistí en advertirle que iba a dibujar a su marido sonriendo, y ella sentenció: «Sí, sí, hazlo», y me puse manos a la obra.

Ismael Rumbeu dibujando en el estudio de la ceramista Eugenia Boscá. Fotografía cortesía del artista.

Ismael T.

El perro de las tres y cuarto, de Anja Krakowski

Presentación de El perro de las tres y cuarto de Anja Krakowski
Editado por La documental edicions.
Viernes 29 de noviembre, 19:00 horas
CCCC Centre del Carme Cultura Contemporània
C/ Museu, 2. València

La documental edicions presenta el segundo título de la Colección Sr. Velasco El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski. El acto contará con la presencia de la artista, el comisario de exposiciones y docente Juan Luis Toboso, el diseñador de la colección Antonio Ballesteros, y el editor, Álvaro de los Ángeles.

Este libro toma como punto de partida el proyecto expositivo «Right now, right here, right there, right then? El perro de las tres y cuarto», de Anja Krakowski, para convertirlo en una publicación que experimenta con la distribución de los contenidos y las características de los materiales. La muestra se presentó entre los meses de febrero y marzo de 2019 en Espai Rambleta y estuvo comisariada por Juan Luis Toboso.

El perro de las tres y cuarto es una carpeta de archivos personales e históricos, de miradas frente al espejo y ante las pantallas que muestran los sucesos políticos. El libro es, asimismo, parte del tejido con el que Anja Krakowski construye su trabajo artístico. No es una conclusión, sino una puerta más que se abre. Aquí se dan cita Borges y Orwell, Bush y Sadam, Beuys y la liebre, las máquinas de escribir cartas y las de matar civiles, el caballo de Kafka y las estatuas que representan los mitos fundacionales, que acabarán siendo destruidas. Lejos de simplificar los problemas derivados de las sociedades actuales, hace patente sus complejidades. El libro incluye textos (todos en castellano e inglés) de Anja Krakowski, la comisaria y docente Johanna Caplliure y Juan Luis Toboso.

Imágenes del interior de la publicación El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski, cortesía de La documental edicions

La documental edicions es un proyecto editorial que analiza su contexto con el ánimo de plantear cuestiones incómodas y necesarias, y que aspira a reflejar el arte y lo artístico desde lo tangencial. Sr. Velasco es el título de esta colección de ideas compartidas, que se inspira y sirve de homenaje a una persona que sabía mucho de compartir, sin perder ni un poco de su individualidad. Es una anti-colección desde el punto de vista de lo formal, pues cada título responde a unas características propias, convirtiendo la heterogeneidad de los contenidos en su razón de ser.

Anja Krakowski (Hagen, Alemania; vive y trabaja en Valencia desde 1986) es artista visual y docente interesada en los estudios culturales y postcoloniales, ámbitos de estudio que han definido su práctica artística y sus investigaciones académicas. Juan Luis Toboso (Alicante, 1980; reside en Porto) es comisario de exposiciones, docente y teórico que desarrolla su actividad entre Portugal y España. Sus proyectos profundizan en cuestiones sociales, artísticas y afectivas desde una perspectiva siempre contemporánea. Álvaro de los Ángeles (València, 1971) es editor, comisario de exposiciones y teórico del arte, imparte cursos y conferencias y ha sido subdirector de Actividades y Programas Culturales en el IVAM. Antonio Ballesteros (Madrid, 1969) es diseñador gráfico e ilustrador; desde 2012 cuenta con su estudio propio, FORMO, que está especializado en diseño editorial e identidad corporativa.

Raphaël Barontini en Espai Tactel

“Goya Voodoomania. Une parade royale sur Mars” de Raphaël Barontini
Del 26 de noviembre 2019 al 11 de enero de 2020
Galería ESPAI TACTEL
C/ Caballeros, 35, 2º piso, p.3, 46001 València (Spain)

El próximo martes 26 de noviembre se abrirá al público en la Galería ESPAI TACTEL (València) la exposición “GOYA VOODOOMANIA. Une Parade Royale Sur Mars” de Raphaël Barontini, artista francés de origen caribeño-italiano, recientemente destacado con su primer individual en el SCAD Museum of Art en Savannah, Estados Unidos.

Barontini vive y trabaja en Saint-Denis (París, Francia), se licenció en la escuela de Bellas Artes de París y ha presentado su trabajo en ciudades como París, Estambul, San Francisco, Nueva York y Los Ángeles, entre otras. Ha participado en ferias como UNTITLED ART FAIR (San Francisco, EEUU) o 1-54 ART FAIR (Nueva York, EEUU), y centros como el MoAD Museum of African Diasporas (San Francisco, EEUU) o la International Biennale of Casablanca (Casablanca, Marruecos) han expuesto su trabajo.

Para la comisaria y crítica de arte Johanna Caplliure “La vudumanía planteada por Barontini operaría en dos escalas y una serie de capas. La primera escala sería una reconstitución de la historia de dolor y violencia del colonizado a través de la resurrección de los muertos. La segunda escala haría referencia a la escritura de una contra-historia donde las figuras negras adquieren el papel principal en una historia de las imágenes. Estas dos escalas se exponen en términos de muerte-vida, resurrección de los cuerpos, restauración de los poderes,  sanación y exorcismo de los traumas -en su primera escala, y re-escritura de las historias de los otros -en la segunda. (…) Un continuo de capas se entrecruzan sobre estas estructuras en una trama sobre la historia de la representación del poder en el arte. Esta se nos ofrece capitaneada por estandartes, banderas o pinturas que figuran un acercamiento a estudios sobre el retrato de la monarquía o nobleza europea -principalmente francesa y española. A los personajes de la pintura de corte se suman, a manera de collage deconstructivo, imágenes de estatuas-fetiche, de personas y personajes de una negritud panafricana. Este gesto de hibridación en la imagen vudú se traduciría como una forma de créolité.”

Desde 2013, la actividad de la Galería ESPAI TACTEL se centra en la promoción del arte más audaz y contemporáneo en sus distintas expresiones y vertientes, prestando especial atención a las últimas tendencias, exhibiendo la obra de artistas como Carles Congost, Michael Roy, Christto & Andrew, Natacha Lesueur o Vicky Uslé y un buen número de creadores y creadoras siempre caracterizadas por el extremado riesgo en sus planteamientos estéticos y máxima calidad plástica en sus resultados artísticos.

+ info: https://espaitactel.com/es

La biografía ilustrada de Amy Winehouse

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019)

Jueves, 14 de noviembre 2019, 19 h. en Splendini C/ Segorbe, 10, Valencia

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019), la primera biografía ilustrada de la leyenda británica, escrita por la valenciana Susana Monteagudo e ilustrada por María Bueno (aka Pezones Revueltos).

La páginas del libro van más allá del mito y la artiasta para dar a conocer a lector los entresijo de una vida compleja que ayudarán a descubrir a la persona detrás del personaje y la celebridad. Desde su más tierna infancia hasta su difícil adolescencia, los incios de su carrera, sus referentes, su estilo definido, su voz, sus éxitos y reveses, su discografía, sus esfuerzos y su exploración hedonista. Los claroscuros de la fama, el amor y el desamor, las noches interminables en los pubs de Candem, la insoportable soledad, el acoso de la prensa, sus peligrosas dependencias y excesos… Todos los capítulos de una leyenda que se fue forjando poco a poco a través de un largo y duro camino a pesar de su fallecimiento con tan solo 27 años.

Portada del libro

Tras la presentación oficial en Madrid el pasado 5 de noviembre, esta biografía publicada por Lunwerg se dará a conocer en Valencia a través de un coloquio en el que participará la autora del mismo, Susana Monteagudo (Valencia, 1975) junto a dos periodistas especializadas, Corina Preciado -en música y eventos- y Maite Sebastiá -en moda y estilo de vida-. Juntas ofrecerán su personal visión sobre el legado y trascendencia de la figura de Amy Winehouse.

El acto tendrá lugar el próximo 14 de noviembre a las 19h en Splendini (Segorbe,10) un lugar idóneo, en el que es habitual escuchar el mejor jazz y soul, estilos por los que la británica sentía predilección.

XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  • Convocante: Ajuntament d´Algemesí
  • Dotación: 6.000 euros
  • Modo de presentación: primera fase online
  • Plazo de admisión: hasta el 23 de noviembre de 2019

Bases XXV PREMIO DE PINTURA “CIUTAT D’ALGEMESÍ”

  1. Se establece un premio de 6.000 euros que será indivisible y se podrá declarar desierto.
  2. El jurado se reserva el derecho a sugerir la adquisición de más obras, en calidad de accesitos. A este efecto, regirá la valoración económica de la obra, que presentará el autor junto a la documentación que se le solicita más abajo.
  3. Será condición indispensable que las obras presentadas sean únicas y originales y que no hayan sido premiadas con dotación económica en ningún otro concurso. El tema y la técnica serán totalmente libres y no se admitirán trabajos protegidos con vidrios o realizados con materiales cuyo transporte y manipulación presenten un riesgo para la integridad de la obra.
  4. Cada autor podrá presentar un máximo de dos obras, las medidas de las cuales no serán inferiores a 100 cm ni superiores a 200 cm por cada lado. Las obras no deben ir firmadas.
  5. La obra premiada pasará a ser propiedad exclusiva del Ayuntamiento de Algemesí, el cual, como propietario, podrá reproducirla siempre que lo considere necesario en cualquier tipo de apoyo o técnica (fotografía, litografía, grabado, etc.).
    Las obras se presentarán en el registro telemático que habilitará el Ayuntamiento a la página web: http://premipintura.algemesi.net. La resolución mínima será de 3 megapíxeles y el tamaño máximo del archivo de 5MB y en formato .jpg. Se indicarán los datos de la obra y del autor (del autor: nombre y apellidos, DNI, dirección y teléfono; de la obra: título, año, técnica y medidas). El plazo de admisión de las obras en formato digital será del 28 de octubre al 23 de noviembre de 2019 a las 13 horas. El jurado no conocerá el nombre de los autores de las obras hasta haber emitido su veredicto definitivo. Una vez analizadas las obras enviadas en este formato, el jurado realizará una primera selección de 30 obras y convocará a los seleccionados para que realicen el envío físico de las obras.
    Los concursantes seleccionados podrán entregar las obras personalmente, debidamente embaladas, o por agencia mediante portes pagados con embalaje de cartón o caja de madera a la dirección siguiente:
    Sala de Exposiciones Municipal
    Casino Lliberal
    C/ Muntanya, 24
    46680 Algemesí
    Gestor: Álex Villar – exposicions@algemesi.net
    Los concursantes seleccionados aportarán un currículum, una fotocopia del DNI o pasaporte, que entregarán cuando registren las obras; y un sobre acotado con el nombre del autor, el título de la obra y su valoración económica.
    El jurado, la composición del cual se dará a conocer en su momento, realizará una selección de las obras finalistas entre las que se determinará la ganadora. Además, se elaborará un catálogo con todas ellas y se organizará una exposición. Por ello, los participantes cederán el derecho de reproducción de las obras para el catálogo que editará el Ayuntamiento y prestarán la obra seleccionada para la exposición, que tendrá lugar entre los meses de enero a marzo de 2020. Además, se comprometen a no recogerla hasta el final de la muestra.
    Los listados de seleccionados, el veredicto y la fecha del acto oficial de entrega de los premios se harán públicos en la web municipal del Ayuntamiento de Algemesí www.algemesi.es.
    Las obras presentadas y no seleccionadas podrán ser retiradas a partir de los 15 días posteriores a la publicación del veredicto del jurado. Lo podrá hacer el autor o una persona autorizada, personalmente, entregando el justificante de registro sellado en el momento de entrega de la obra. Transcurridos 30 días desde la publicación del veredicto, si no se recoge se entenderá que el autor renuncia a su propiedad y quedará al poder del Ayuntamiento. La entidad organizadora devolverá las obras seleccionadas para la exposición por el mismo sistema de embalaje en que las recibió.
    El Ayuntamiento velará por la conservación de las obras inscritas, pero no se responsabiliza de los desperfectos y las pérdidas que se ocasionen por transporte, robo, incendio, etc. mientras estén en su poder.
    El Ayuntamiento se reserva el derecho a realizar las modificaciones pertinentes en estas bases siempre que considere que puede contribuir a un mejor desarrollo y al éxito del certamen.
    La participación en este premio supone la aceptación íntegra de estas bases.
    Las decisiones tomadas por el comité de admisión y por el jurado serán inapelables.

Más información

Imagen de portada: «Museum Hall II (Purple)», 2017, de Pedro Peña Gil. Técnica mixta, serigrafí­a con tintas UVI y resina epoxi pigmentada sobre madera lacada, 180 x 180 cm, primer premio en la pasada edición

«Rocky Horror Show», primicia en Valencia

«Rocky Horror Show»

Sala Off

Calle Túria 47, Valencia

Hasta el domingo 10 de noviembre 2019

Parecía una noche normal cuando Brad y Janet, recién prometidos, se ven sorprendidos por una tormenta y deciden acercarse a un misterioso castillo a pedir ayuda. Allí conocerán a una serie de personas muy variopintas que celebran un gran avance científico: la capacidad para volver de la muerte, el secreto de la vida misma. ¡Todo empieza con un salto a la izquierda!

La Sala Off presenta un montaje de calidad en su contexto para un público adepto y admirador de la estética y la música de cada una de las escenas del film de culto «The Rocky Horror Picture Show», basado en el propio musical teatral de Richard O’Brien. La interpretación corre a cargo del alumnado del ciclo formativo de Teatro Musical de la Escuela Off de Artes Escénicas que muestra, en primicia en Valencia, un trabajo propio de cualquier escenario profesional.

En el espectáculo no faltan los «props» para la participación de un público dinámico que ha llenado el patio de butacas en cada función dispuesto a adentrarse en ese mundo de locura, canciones pegadizas, travestismo, coreografías, ciencia ficción, cabaret, perversión y mucha diversión que es «Rocky Horror Show», un tributo humorístico a las películas de terror y ciencia ficción Serie B desde los años cuarenta hasta los setenta, especialmente las de la compañía RKO.

El elenco está integrado por Emili Verdú (Rocky), Jairo Carrasco (Frank N´Furter), Violeta Moreno (Janet), Victoria Suominen (Magenta), Omar Ruiz (Riff Raff), Ana Dayo (Eddie y acomodadora), Pedro Ruiz (Brad), Carlos Tur (Dr. Scott), Raquel Amat (Columbia) y Jorge Bonora (narrador)

La Sala OFF, además de la Escuela de Artes Escénicas con dos décadas de experiencia, cuenta con una equipada sala de teatro, su propia compañía profesional de teatro y una productora audiovisual, elementos que convierten a la Sala Off en un centro consolidado y con un enfoque integral para cubrir las necesidades y realidades de todos los públicos.

XXII Mostra art públic / universitat pública

XXII Mostra art públic / universitat pública
del 30 de septiembre al 31 de octubre de 2019
Campus de Burjassot

Organiza: Servei d’Informació d’Estudiants de la Universitat de València  
Colabora: Vicerrectorado de Cultura y Deportes de la UV
Comisariada por Alba Braza

Artistas:

Salva Serrano
Valentina Lapolla
M.I.D.A.S. (Iván Albalate i David Trujillo)
Raquel Planas Díaz de Ceiro
Anja Krakowski
Äther Studio (Audrey Lingstuyl i Michael Urrea)

Otro año más el campus de Burjassot de la UV vuelve a ser un lugar de experimentación y producción de arte contemporáneo. Desde su primera edición, Mostra art públic / universitat pública, ha querido mostrar cómo el espacio público puede generar nuevas capas de contenido a la obras una vez estas establecen un diálogo con el contexto. Se suma desde hace dos ediciones un nivel más de información en cada trabajo, una vinculación con la ciencia que no sólo potencie discursos abordados desde el campo de la crítica y teoría actual, sino que refuerce la calidad y coherencia entre el proceso de producción e imagen final de la obra.

Para ello, la convocatoria invita a las artistas a producir mirando al entorno en el que se situará cada obra, dando un paso más desde lo físico y formal para abarcar las inquietudes y prácticas propias de las ciencias. Además, se ha puesto en marcha en esta nueva edición un curso dirigido a formar a un grupo de estudiantes reforzando una de las líneas de trabajo del SEDI, formar al estudiantado en otras materias más allá de las específicas de los estudios matriculados.

Salva Serrano, Herbes algorítmiques

En este edición se ubican dos obras en el espacio exterior, dos en el Museo de Historia Natural de la UV y otras dos en dependencias de la universidad, y se ofrece con ello un recorrido que abarca obras que van desde lo digital a lo natural.

En el jardín exterior del Centro de Investigación se sitúa Herbes algorítmiques, de Salva Serrano. Se trata de una instalación que busca homenajear la larga tradición científica y artística de inspiración en las plantas, a partir de la construcción de un jardín artificial formado por siete especies vegetales generadas computacionalmente mediante el empleo de algoritmos recursivos (L-Systems) y la aplicación de proporciones geométricas (Regla de Leonardo). El proyecto explora la arborescencia como lugar de encuentro entre arte y ciencia, desdibujando la frontera entre estos dos campos y cuestionando las caducas dicotomías natural/artificial, orgánico/digital y naturaleza/cultura. El nombre de la obra hace referencia a la Cátedra de Herbes de la Universitat de València, vinculada a la fundación del Jardí Botànic y una de las más antiguas de la institución.

Äther Studio, Oscuridad visible

También en la zona exterior del campus, Äther Studio propone Oscuridad visible, una instalación compuesta por una impresión en PVC y vinilo recortado. La obra parte de la idea de que el tratamiento mediático de la contribución de las mujeres en diversos campos científicos ha estado históricamente marcado por dos aproximaciones, la invisibilización y el sensacionalismo. Los méritos científicos de mujeres como Mileva Marić o Katharine Burr Blodgett son directamente ocultados u olvidados, mientras que la difusión de los de mujeres como Jane Goodall viene acompañada de adjetivos como “joven”, “bella”, “hermosa”, “rubia”, “cuello de cisne”… Ambas aproximaciones peligrosamente oscurecedoras.

Oscuridad visible propone explorar la invisibilización u ocultación de las científicas a lo largo de la historia poniendo en evidencia su contribución en el campo del procesamiento de imágenes astronómicas. Para ello las artistas han seleccionado una imagen capturada y procesada por el Observatorio Astronómico de la Universitat de València, la cual posteriormente se ha intervenido mediante procesadores de texto sustrayendo las letras de los nombres de las científicas que forman parte del Departamento de Astronomía y Astrofísica. Finalmente han  obtenido una nueva imagen defectuosa —con efecto glitch—. La obra ha sido producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Departamento de Astronomía y Astrofísica, del Observatorio Astronómico y del Laboratorio de Procesado de Imágenes LPL de la Universitat de València.

Valentina Lapolla, YPJ – Jineology

Dentro del Museo de Historia Natural se sitúa YPJ – Jineology de Valentina Lapolla, en la sala del Meteorito y Ety/ento –mology de Raquel Planas Díaz de Cerio, en un antiguo armario de madera que formaba parte del mobiliario original de la antigua facultad de químicas y que hoy forma parte del Museu de la Universitat de València de Historia Natural.

YPJ – Jineology es una una instalación lumínica que pone en cuestión el modo de narrar de las ciencias sociales occidentales a través de un caso real creado en el contexto de la Universidad de Rojava, Siria, denominado Jineología.
La Jineología es una “ciencia de las mujeres y la vida libre», una forma de pensamiento que parte de de las mujeres combatientes del norte de Siria. La palabra se originó a partir de los términos kurdos Jin (mujeres), Jian (vida) y logos, palabra de origen griego que significa conocimiento. Dicha disciplina considera a las mujeres como el primer sujeto colonizado, un punto de partida con el que hacen una relectura del mundo que señala cómo la ciencia y el conocimiento, junto con las estructuras políticas, económicas y sociales, están sesgados por la estructura de poder de dominación sobre las mujeres subyacentes.
Analizar la Jineología (en el sentido foucaultiano) de las relaciones de poder entre hombres y mujeres, y en continuidad con los esfuerzos, la lucha y los logros del feminismo occidental, significa dar un paso más al afirmar la necesidad de construir una alternativa a través de la práctica, y no simplemente haciendo demandas.
Situar la obra en la sala del Meteorito del museo, lugar donde se reúnen conceptos como son inicio del mundo, museo y universidad, enfatiza la invitación a reflexionar sobre colonialismos y otros feminismos a través del software desarrollado específicamente que pone luz a la instalación.

Raquel Planas Díaz de Cerio, Ety/ento –mology

Ety/ento –mology es un ejercicio visual que traslada metodológicos del campo científico a la práctica artística. Así, el planteamiento de la obra parte de un acercamiento a la entomología y a la taxonomía para aplicarlo al lenguaje de la palabra escrita. Dicha traslación se formaliza en cinco cajas de coleccionista en las que se acumulan conceptos codificados y archivados que buscan evidenciar que estamos ante un discurso sujeto a una sociedad y a una historia concreta. 

Actualmente nombramos, definimos y clasificamos para intentar conocer y comprender el mundo a nuestro alrededor, un mundo que se ha diseccionado y parcelado en palabras para intentar abarcarlo. El lenguaje, entendido como discurso, se desarrolla dentro de las reglas culturales de la sociedad asimilando sus valores y juicios. Este mismo lenguaje nos proporciona el sistema de categorías con el que interpretamos la realidad, formando nuestra identidad individual y colectiva. Por esto, esta suerte de palimpsestos prueba a buscar estrategias de narración visual para situar al saber y al discurso como objeto de interrogación. (Producida con la colaboración y el asesoramiento del personal del Museo [UV] Historia Natural de la Universitat de València.)

Dentro de las dependencias de la universidad, se encuentra Artefacto (beyound us), de Anja Krakowski y My Identity Disclosed Art Space, de M.I.D.A.S. (Iván Albalate y David Trujillo).

Artefacto (beyound us) es una pieza escultórica reticular basada en los elementos estructurales de las ramificaciones radiculares del micelio. El proyecto se inspira en la La Teoría del Actor-Red (ANT), cuya importancia radica en que trata lo tecnológico en la explicación del mundo, de un modo equivalente a la manera en que se trata lo social, es decir considerando el conocimiento como una construcción en red en la que intervienen múltiples agentes y donde no se distingue entre humano y no-humano. La artista, en lugar de domesticar o de someter la fuerza orgánica, cede el protagonismo a los procesos y los tiempos de la naturaleza.

Anja Krakowski, Artefacto (beyound us)  

Se confronta una estructura geométrica estable con un procedimiento orgánico inestable: construyendo a partir del micelio se permite que el propio “agente” esté siendo representado, a la vez que interviene de un modo activo en su propia representación -más allá del control de la propia artista.

Artefacto (beyound us) podría funcionar como una metáfora que propone la superación de la noción de progreso como la línea temporal que define nuestra contemporaneidad y que en su lugar pone la atención en otras temporalidades coexistentes. Señalando a las “otras agencias” que intervienen en el proceso creativo, abogaríamos por el reconocimiento de lo que Donna Haraway llama  otredades significantes que son todas las agencias con todas sus formas de vida y sus diferentes temporalidades que en su coexistencia configuran el mundo tal y como es.

M.I.D.A.S, My Identity Disclosed Art Space

Finalmente, My Identity Disclosed Art Space es una obra interactiva que tiene como objeto evaluar cuál es la configuración psíquica del público mediante una experiencia que conecta con cuestiones que constituyen nuestra propia identidad.
Formalmente la obra rescata la estética de las máquinas Arcade popularizadas en los años ochenta reforzando el aspecto lúdico de la interacción. Su estructura de jugabilidad se basa en una ecuación matemática específica y una programación informática (lenguaje Python) que permiten al usuario/público quedar expuesto a una carga de información visual y auditiva de gran intensidad perdiendo como consecuencia la capacidad de respuesta racional y accediendo su inconsciente.
En ese lapso experiencial, cuya duración es de once minutos, se invita a responder a diferentes cuestiones ubicadas en una pantalla y, dependiendo de las respuestas elegidas, la ecuación matemática calcula las posibilidades de respuesta generando un lógica dentro del caos. El resultado obtenido ubica a dicho sujeto interactivo en un rango particular que puede ser traducido en términos peirceanos, ubicándose su estructura psíquica en un cuadrante del diagrama de Peirce. 

Para ello se parte del concepto de paradoja condicional, es decir, aquella paradoja que funciona si se hacen ciertas suposiciones, la más conocida es la de El huevo o la gallina: El antiguo dilema sobre qué fue primero, ¿el huevo o la gallina? Que en Arcade se transforma en ¿qué es antes, la estructura psíquica o las tomas de decisiones? 

Así, la obra integra cuatro cuestiones fundamentales en la relación arte y ciencia: el arte como interfaz para una comprensión del mundo más objetiva, la ciencia, y en concreto la matemática, como reguladora de eventos a priori caóticos, el entretenimiento como medio para el avance en el conocimiento humano y el autoconocimiento y el terreno académico como contexto transgresor de sus propios límites heredados.

Las obras podrán verse hasta el próximo 30 de octubre y se recogerá en una publicación que será presentada próximamente.


Créditos imágenes: Miguel Lorenzo
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