La visión de la Generación Y

Generación Y, de Daniel Ortega y Ricardo Peris
Comisariada por Alba Manjón
Galería Una página en blanco
Inauguración:  3 de junio, a las 19.00h
Hasta el 17 de junio de 2016

La galería Una página en blanco junto con la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, presentan el próximo 3 de junio la exposición Generación Y, comisariada por Alba Manjón y que cuenta con la participación de los artistas Daniel Ortega y Ricardo Peris.

En este nuevo proyecto la comisaria tiene como objetivo poner en juego la percepción estereotipada del término generación, destacando que dicho concepto recoge algo más que la idea categorización temporal entre antecesores y descendientes.

‘Generación Y’ es un diálogo entre la obra de los artistas emergentes Daniel Ortega y Ricardo Peris. Ambos comparten herencia cultural, así pues, a raíz de acontecimientos como la democratización del acceso a la información, ser la primera generación tecnológicamente nativa o un difícil despertar económico; han podido adoptar una actitud semejante.

La galería será concebida como el espacio que aúne el trabajo de dos artistas de disciplinas dispares; por un lado, recoge la producción de Ricardo Peris, que mediante la fotografía lanza una crítica hacía las derivaciones que se están produciendo en torno al fenómeno de las redes sociales, dejando expuesto la verdadera torpeza de nuestra naturaleza humana a través de un formato actual haciéndose notar la ironía. Por otro lado, Daniel Ortega recurre a sus piezas elaboradas a partir de rocas naturales encapsuladas en resina de poliéster para dejar entrever el reflejo de una sociedad atrapada en la “Edad del polímero” desde una visión poética y algo irónica de la civilización moderna.

Lo que conduce a la comisaria a plantear dicha temática es el interés en ahondar en las manifestaciones de nuevos creadores, saber cuáles son sus preocupaciones y en qué medida se identifican y comprometen con ellas, y asimismo descubrir cuáles son los aspectos formales que mejor puedan representar a esta generación dentro del arte contemporáneo.

Pieza de Ricardo Peris Imagen cortesía Alba Manjón.

Pieza de Ricardo Peris. Imagen cortesía de Alba Manjón.

En relación a los artistas:

Daniel Ortega (Puertollano, 1986) es un artista plástico que reside y trabaja en Valencia. Inició su formación como Técnico Superior de Artes plásticas y diseño en Ilustración (2009- 2011), publicando para el Institut Alicantí de Cultura Joan Gil- Albert y para el diario Información de Alicante. En sus estudios de Grado en Bellas Artes por la facultad San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia, obtuvo una beca Promoe por el Banco Santander con destino en la Universidad Autónoma del Estado de México durante 2014-2015. Su trabajo plantea un enfoque multidisciplinario, a caballo entre lo pintura y escultórico. Trata conceptos como síntesis, contraste y equilibrio, que definen una temática basada en las dicotomías entre lo natural y lo artificial. Una visión poética e irónica de la cultura actual. Destacan sus exposiciones De 0 a 100 en la Fundación Frax de Alicante en 2012, Nombre propio en la Fundación Xam de Valencia en 2014, Universidad Autónoma del Estado de México en 2015 o Luminaria 02 en el Mercado de Usera, Madrid en 2016 y actualmente ha sido seleccionado para la 31st International Competition Fine Art Chelsea, de New York.

Sitio web: dortega.es

Ricardo Peris (Valencia, 1993). Su carrera artística comienza realizando Bellas Artes en la UPV abordando varios campos artísticos. Su interés se comienza centrándose en la ilustración y se ve reflejado por cursos que realiza con artistas como Paco Roca. En su tercer año obtiene la beca PROMOE y estudia en MICA (Maryland Institute College of Art) Pintura e Ilustración, introduciendo e interviniendo estas especialidades con diseño gráfico y nuevas tecnologías, su trabajo se centra mayormente en problemas o conflictos sociales que suele desarrollar con cierto toque irónico. Graduado por la UPV se encuentra actualmente trabajando en Australia como diseñador gráfico involucrado en eventos como la Bienal de Sídney. Ha vivido en ciudades como Londres, Valencia, Baltimore y desde principios de este año vive en Sídney.

Sitio web: www.ricardodperis.com

Pim, PAM!, fuego…

PAM!15
Mostra de Produccions Artístiques i Multimèdia
Facultad de Bellas Artes de Valencia
Del 21 al 24 de abril, 2015

Organizada por el Master Universitario en Gestión Cultural (UPV-UV) y por el Master Universitario en Producción Artística (UPV), PAM! es un proyecto multidisciplinar en el que están implicadas un centenar de personas, entre artistas, estudiantes, profesorado y profesionales del sector de la cultura.

PAM! se está consolidando como una muestra de referencia en la ciudad de Valencia, ya que, además de la exposición de obras de artistas noveles, también incluye un completo programa de actividades con conciertos, conferencias, mesas redondas, talleres y performances. En todas se cuenta con profesionales y expertos del ámbito cultural valenciano y nacional.

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

PAM! no es únicamente un festival de arte y multimedia para el goce y el disfrute de todos los asistentes, sino que es un festival didáctico en el que, para su organización y montaje, alumnos de varios másters se unen para poner en práctica todo lo aprendido, para tener un enfrentamiento directo con la realidad de sus especialidades. Es por eso que este festival apuesta por la cooperación, la eficacia y la profesionalidad.

Ante todo, PAM es un festival abierto a las nuevas e innovadoras formas de expresión, un festival desprovisto de elitismo. Esta plataforma queda habilitada para que alumnos de varias carreras expongan sus ideas, sus trabajos y su esfuerzo.

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Como apuntan sus organizadores, los valores de PAM son: la pasión por la creación y gestión artística contemporánea; la escucha activa de las inquietudes y propuestas de los artistas emergentes y su entorno, y la convicción de la acción transformadora social del arte y la necesidad de generar proximidad entre los jóvenes, la universidad y la sociedad.

PROGRAMA PAM!2015:

JUEVES 16

12:00 imagPAM!]aparte[. Presentación y pase de video-arte, Filmoteca Valenciana.

LUNES 20

12:00 PAM!]aparte[. Talleres del IVAM. Rogelio López Cuenca, no/w/here: Valencia. Aula A.3.7. Colaboración IVAM

Imagen del festival PAM! de su video promocional. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Imagen del festival PAM! de su video promocional. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

MARTES 21:

11:00 Presentación de PAM!15, Auditori Alfons Roig

11:00 MiniPAM, en colaboración con la Facultad de Magisterio

12:00 OHM DJ. Escenario exterior de BBAA

12:30 Performance “Horas Perdidas”, Odette Fajardo. Terraza cafetería BBAA

13:00 Danza. Salida del Auditori Alfons Roig, BBAA. Colaboración con CSDV

17:30 José Miguel G. Cortés, Auditori Alfons Roig

19:00 Danza. Espacios interiores de BBAA a cargo de Cristina M. Gómez

19:30 Thee Vertigos. Escenario exterior de BBAA

ShootPAM! Se realizará durante toda la jornada.

Cartel anunciador de PAM!15. Cortesía de los organizadores.

Cartel anunciador de PAM!15. Cortesía de los organizadores.

MIÉRCOLES 22:

11:00 miniPAM!, ROBOTIX, Sala Azul.

11:00 SoundCool, Aula B.0.1. Colaboración Máster de Música

11:30 Mesa Redonda “Espacios Culturales”. T4

12:00 Visita guiada master restauración. Aula B4-16

12:30 Danza. Espacios interiores de BBAA. Colaboración con CSDV

13:00 Música. Julio Sosa. Terraza cafetería

16:00 Taller DIWO Circuit Bending. Aula B.0.3.

19:00 Visita guiada. Universidad Sénior, UPV

19:00 Mesa redonda “Publicaciones culturales”. Sala Azul.

JUEVES 23:

11:30 Taller arteterapia/ AVAPACE. Sala Azul

13:00 Danza. Espacios interiores de BBAA. Colaboración con CSDV

16:00 Taller DIWO tintas conductivas y papeles interactivos. Aula B.0.3

17:30 Música. Berklee College of Music. Escenario exterior

19:00 Música. Marc Moreno. Escenario exterior de BBAA

21:30 PAM!]aparte[. Presentación catálogo PAM!14. Mercado Tapinería

22:00 PAM!]aparte[. Concierto The Obleans. Mercado Tapinería

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

Imagen del video promocional del festival PAM!15. Facultad de Bellas Artes de Valencia.

VIERNES 24:

11:30 Taller. Colaboración arteterapia-AVAPACE. Sala Azul

12:00 visita guiada master restauración. Aula B4-16

13:00 Danza. Rellano frente Decanato en BBAA. Colaboración con CSDV

16:30 Mesa redonda. “Derechos laborales y producción artística”. Aula B.0.6

17:00 Visita guiada. AVALEM/Postgrado Educación Artística y Gestión de Museos, UV

19:00 Concierto MEVIC, Auditori Alfons Roig. Colaboración Máster de Música

PAM!]aparte[:

23, 23, 24 de abril de 10:00 a 14:00, Taller de Rogelio López Cuenca. Colaboración IVAM

21-24 de abril. Transport]ART[e. Intervenciones artísticas en autobuses y paradas. Colaboración con EMT Valencia.

22 de abril, Performance “Horas Perdidas”, Odette Fajardo. Facultad de Ciencias Sociales.

Exposición PAM!PAM!, Centre del Carme. Inauguración 6 de mayo. Hasta el 21 de junio. Colaboración Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

+info en: http://muestrapam.org/

Performance de Odette en PAM!15.

Performance de Odette Fajardo en PAM!15. Imagen cortesía de los organizadores.

Poliniza 2015, la inscripción se acaba

IX Certamen de Intervenciones de Pintura Mural
Poliniza 2015, del 11 al 15 de mayo de 2015
Universitat Politècnica de València
Plazo de inscripción: hasta el 23 de marzo de 2015

La Universitat Politècnica de València, a través de su Área de Actividades Culturales, presenta el IX Certamen de Intervenciones de Pintura Mural, cuyos ganadores participarán en Poliniza 2015, la décima edición del festival de arte urbano de la UPV, que este año tendrá lugar entre el 11 y el 15 de mayo de 2015.

Obra de Karasurbanas en el Poliniza de 2014. Imagen cortesía de Universitat Politècnica de València (UPV).

Obra de Karasurbanas en el Poliniza de 2014. Imagen cortesía de Universitat Politècnica de València (UPV).

Nacido en abril de 2006 con la intención de hacer confluir simbióticamente dos mundos inicialmente alejados como la universidad y el arte urbano, Poliniza se convirtió pronto en un referente debido a su originalidad, realismo (se interviene directamente, sin falsos muros que retirar una vez finalizado el evento, por lo que las obras permanecen hasta la siguiente edición del festival, respetando a su vez el carácter efímero del grafiti), internacionalidad (más de 350 artistas, 197 de ellos pictóricos, de 15 países diferentes – Italia, Alemania, México, Países Bajos, Francia, Colombia, Gran Bretaña, Cuba, Ucrania, Polonia, Chile, Bélgica, Argentina, Rusia y España –, han participado en las nueve ediciones precedentes) e impacto mediático.

Grafitti de La Mesa en el Poliniza de 2012. Imagen cortesía de la UPV.

Grafitti de La Mesa en el Poliniza de 2012. Imagen cortesía de la UPV.

Bases y plazos de presentación de Poliniza 2015

Partiendo de la consideración de la pintura mural como aquella pintura realizada sobre un soporte arquitectónico que interacciona con su entorno urbano, todos los artistas mayores de edad interesados en participar pueden hacerlo, ya sea de manera individual o bien por grupos (crews). Así pues, en Poliniza 2015 caben desde las propuestas más académicas hasta el grafiti hip hop o el urban art.

Obra de Deih en el Poliniza de 2013. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de Deih en el Poliniza de 2013. Imagen cortesía de la UPV.

El plazo de inscripción y presentación de solicitudes, ya abierto, finalizará el 23 de marzo de 2015. Para participar, los interesados deben rellenar la ficha de inscripción, a descargar en los próximos días a través de la página web oficial del festival (www.poliniza.es) y presentar en el Registro General de cualquiera de los tres campus de la UPV, junto a la misma, un CD/ DVD recopilatorio de imágenes con los principales trabajos murales de los interesados.

Los ganadores, además de participar en un festival de referencia internacional y del que disfrutan cada año más de 20.000 personas, recibirán un premio de 600 € por intervención concluida.

Obra de Viz Feel Free en el Poliniza de 2013. Cortesía de la Universitat Politècnica de València.

Obra de Vinz Feel Free en el Poliniza de 2013. Cortesía de la Universitat Politècnica de València.

González Requena, del texto y el abismo

El texto y el abismo. Diálogos con González Requena
Maite Gobantes Bilbao
Sans Soleil Ediciones
Con Maite Gobantes, Jesús González Requena, Jorge Urrutia y José Miguel Marinas
FNAC de Callao
C / Preciados, 28. Madrid
Lunes 26 de enero, a las 19.30h

“Los textos configuran los espacios humanos. No es ni menos texto una película, una novela, que una fábrica o un sistema productivo. De hecho, en tanto que cualquiera de esas cosas funciona, son textos y producen efectos”. He ahí uno de los puntos de partida del análisis textual que viene practicando desde hace más de 30 años Jesús González Requena, al que Maite Gobantes, autora del conjunto de diálogos reunidos en ‘El texto y el abismo’, califica de “lúcido y atípico pensador contemporáneo”.

En poco más de 200 páginas, González Requena va dando muestras de esa lucidez explicando, o por utilizar un término más del gusto de su trabajo como analista, ‘deletreando’ los fértiles hallazgos de su larga trayectoria profesional. “La pregunta fundamental del análisis textual no es ¿qué significa este texto? La pregunta fundamental es ¿qué experiencia hago en este texto? ¿Cuál es mi manera subjetiva de vivir este texto? La experiencia es irrepetible y compromete al sujeto en su singularidad radical”.

Portada del libro 'El texto y el abismo. Diálogos con González Requena', de Maite Gobantes. Sans Soleil Ediciones.

Portada del libro ‘El texto y el abismo. Diálogos con González Requena’, de Maite Gobantes. Sans Soleil Ediciones.

Si el artista “es alguien que necesita desesperadamente crear formas para sobrevivir”, al igual que el lector o espectador lee o ve algo que “le puede afectar profundamente” y cuyas “formas simbólicas le ayudan a vivir”, González Requena se ‘limita’ a “elevar a la consciencia la experiencia que se ha tenido ya de ese texto”. Y añade: “No es que realmente el análisis aumente la emoción del texto, lo que aumenta es la consciencia de esa emoción”.

Los textos de los que se ha ocupado González Requena, tanto en sus clases como en el seminario que todos los viernes imparte en la Universidad Complutense de Madrid, al igual que en la revista Trama y Fondo, de cuya asociación es presidente, son de todo tipo: literarios, artísticos, televisivos y, sobre todo, cinematográficos. Análisis de esos textos alejados del “esquema marxista” que los entendía como ideología. “Entonces [años 80] creíamos que el arte era una cuestión ideológica y, por tanto, analizar un texto era cuestión de desvelar la ideología que contenía”.

Imagen de la serie televisiva 'Twin Peaks', analizada por Jesús González Requena y cuya referencia aparece en el libro 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Imagen de la serie televisiva ‘Twin Peaks’, analizada por Jesús González Requena y cuya referencia aparece en el libro ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

A González Requena, la palabra ‘ficción’ no le gusta a la hora de definir los textos artísticos. “Cuando se piensa así se está presuponiendo implícitamente que hay un mundo estable, seguro y razonable al margen de los textos, con respecto al cual los textos serías ficciones, ideologías”. Nada que ver con su formulación del texto en tanto ‘artificio’ que no es sinónimo de mentira: “Es sinónimo de construcción humana”. “Lo que se llama grandes ficciones de la literatura no son ficciones, son verdad”, subraya.

En ‘El texto y el abismo’, González Requena lo que hace es precisamente destacar esa relación entre los textos, en tanto construyen espacios y a los sujetos que habitan esos espacios, y el abismo, en tanto reconocimiento del mundo como caos. “La palabra, en tanto que surca lo real, crea el espacio de lo humano”, dice. Siempre y cuando creamos en la materialidad de esas palabras, en su solidez. “El prototipo de intelectual de la deconstrucción se instala permanentemente en la burla, en la parodia de algo que en el fondo considera garantizado”.

Fotograma de 'Psicosis', de Alfred Hitchcock, película analizada en el seminario de Jesús González Requena en la Universidad Complutense de Madrid, referida en 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Fotograma de ‘Psicosis’, de Alfred Hitchcock, película analizada en el seminario de Jesús González Requena en la Universidad Complutense de Madrid, referida en ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

De ahí que proliferen en la universidad discursos gastados. “La universidad se dedica ahora a obtener ayudas de investigación y a obtener puntuaciones fabricando artefactos que no lee nadie, que no discute nadie, que no interesan a nadie”. Por eso reivindica la autonomía de la universidad “como espacio del pensamiento lo más desideologizado posible. La afirmación del compromiso ideológico, al final, justifica todas las imposturas”, que relaciona con la “mascarada” del más burdo “compromiso con el poder”.

La filosofía, el psicoanálisis, la antropología y la semiótica son las herramientas con las que trabaja en su singular análisis textual. Materias que le permiten, una vez trabajadas en profundidad, emitir reflexiones de hondo calado acerca de la mal llamada violencia machista, del feminismo, de la universidad, de la caída de la función paterna y, en su lugar, la emergencia de una letal diosa arcaica, del marxismo, la deconstrucción o el cristianismo.

Fotograma de 'La taberna del irlandés', de John Ford, película que figura entre los futuribles análisis de González Requena, referida en 'El texto y el abismo', de Maite Gobantes.

Fotograma de ‘La taberna del irlandés’, de John Ford, película que figura entre los futuribles análisis de González Requena, referida en ‘El texto y el abismo’, de Maite Gobantes.

Para entender, por ejemplo, por qué en lugar de ‘violencia machista’ prefiere la expresión ‘crimen pasional’ se hace necesario penetrar en ‘El texto y el abismo’, de lo contrario vulneraríamos con dos frases su más hilvanada reflexión. Lo mismo cabe decir de sus críticas a la telebasura, el alicaído pensamiento universitario, cierto ecologismo, el nacionalismo furibundo o el denostado cristianismo frente a las idealizadas religiones orientales.

González Requena, pese a considerar que el mundo es puro caos, se considera un optimista. “¿Sabes lo que pasa? Ser optimista es creer que es posible hacer algo con el mundo”. Algo que tiene que ver con esos textos y esas palabras capaces de “surcar lo real”. Algo, no “todo”, que eso sí que es una “idea imaginaria”. Frente al todo o nada, algo. Algo tan productivo como los textos que él lleva analizando desde hace ya muchos años. “Yo sé que hay textos que me han tocado profundamente y por tanto sé que hay una verdad esencial en ellos y lo que hago es buscarla y hacerla aflorar. Ésa es mi manera de trabajar”.

Jesús González Requena.

Jesús González Requena, con quien Maite Gobantes dialoga en el libro ‘El texto y el abismo’, de Sans Soleil Ediciones.

Salva Torres

Hugo Martínez-Tormo. Arde, dispara, golpea

Hugo Martínez-Tormo. Interlinks
Sala de Exposiciones del edificio Rectorado y Consejo Social del campus de Elche de la Universidad Miguel Hernández (UMH)

La desesperación es una realidad que se ha instalado en nuestro entorno más cercano. No son ya cuestiones subjetivas las que argumentan ese estado, sino circunstancias reales que los gobernantes tratan de disolver ante la opinión pública, a través de la narración estadística y la argumentación macroeconómica. Durante demasiado tiempo la sociedad adoptó una actitud pasiva y finalmente las consecuencias corren a su cargo, recayendo el mayor peso sobre las ramas más débiles.

Hugo Martínez-Tormo reúne en Interlinks siete instalaciones audiovisuales en las que aborda, de diferentes modos, la destrucción y la autodestrucción como reflejo del abandono y la desesperanza de una parte creciente de la ciudadanía. Cada uno de los proyectos desarrollados por el artista llevan consigo un código autorreferencial que toma al autor como medida de representación de la masa, como eslabón de una cadena que se hunde y arrastra tras de sí al resto de eslabones. La reflexión se conduce hacia la singularidad del individuo, como proyección de una constante relación de causa-efecto, que proporciona a su vez un espejo en el que verse reflejado.

Hugo Martínez-Tormo. Broken bubble, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Broken bubble, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

El arte moderno ha llevado a cabo un proceso de transfiguración de lo banal, desacralizando la obra clásica, la escultura, el lienzo, con la incorporación de objetos y materiales más humildes que arranca del uso cotidiano para someterlos al extrañamiento en el territorio del arte. Martínez-Tormo huye de lo rico y lo pomposo, para elevar lo desechado a una categoría en la que corresponde al artista mostrarnos que lo cotidiano es cualquier cosa menos corriente. Cada una de las instalaciones audiovisuales que el artista presenta en esta muestra parte de experimentaciones realizadas en primera persona, a partir de acciones o elementos cercanos que tienen el objetivo simbólico de representar diferentes formas de llevar a cabo un suicidio.

Hugo Martínez-Tormo. Broken bubble, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Broken bubble, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Broken Bubble (2014) aborda la desesperación de millones de personas tras el estallido de la burbuja económica, causada en parte por la sobredimensión del sector inmobiliario y por las ansias de enriquecimiento veloz. El artista comienza por realizar una pintura mural sobre el lateral de una construcción semiderruida, creando la escena de un tren de alta velocidad que se aproxima mientras sobre las vías yace en espera el propio autor. Una vez finalizada la pintura, desde la parte interior de la construcción, el artista echa a bajo a mazazos los 230 x 230 cm. de pared que ocupa el mural. Todo el proceso de creación y destrucción, costoso en ambos casos, es registrado en vídeo y reproducido en la sala, junto a diez sacas de escombros con 250 k. de los restos del muro.

Hugo Martínez-Tormo. Just passing through, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Just passing through, 2014. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

El ser humano posee una gran capacidad para inventar y crear, a la vez que parece proyectar la misma energía en sentido inverso, siendo capaz de hacer saltar por los aires cualquier lógica que garantice el equilibrio. Con Just Passing Through (2014) el artista muestra cinco autorretratos de grafito sobre papel, en los que ejemplifica –literalmente- cinco manera de pegarse un tiro. Se plantea un símil del suicidio con la acción destructora de la especie humana sobre el planeta. Sucesivamente cada uno de los dibujos acaba roto en numerosos pedazos, dentro de cinco urnas de metacrilato, mientras una proyección de video nos hace testigos silenciosos del proceso. Testigos silenciosos de la tragedia, durante nuestro paso.

Partiendo de la Teoría del Todo, que unifica desde la ciencia todas las teorías hasta ahora formuladas, simplificando la complejidad de la naturaleza y sus leyes, Hugo Martínez-Tormo lleva a la práctica su investigación a través de un juego físico en torno a las dimensiones. Hace converger distintas disciplinas artísticas, que habitualmente se emplean por separado, para romper la artificialidad de unas fronteras que no existen. La cuarta dimensión aportada por el tiempo, a través de la acción, modifica las dos dimensiones del plano o las tres dimensiones del volumen. El diálogo entre disciplinas y dimensiones es una seña de identidad de esta serie de trabajos, que relaciona metafóricamente la forma en la que las tecnologías de la comunicación y la velocidad en los medios de transporte han fulminado las tradicionales barreras de tiempo y espacio, haciéndonos cargar con todo lo que la globalización lleva consigo.

Hugo Martínez-Tormo. Dimensional game, 2013. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Dimensional game, 2013. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

En Dimensional Game (2013) el artista se representa en una pintura sobre poliestireno expandido, tras ingerir una sobredosis de cápsulas. En el vídeo vemos como lleva a cabo la destrucción del material que sirve de soporte al autorretrato, hasta quedar desmigado, esparcido sobre una superficie en una disposición que recuerda a la imagen –ahora deshecha- de las cápsulas caídas alrededor del personaje. Una acción tan letal como los efectos que el uso indiscriminado de ciertos materiales tiene sobre el equilibrio ambiental.

Unos moldes de arcilla, colgados de la pared, han servido para reproducir los brazos del artista en ese débil material. Una fotografía sobre aluminio nos muestra la imagen de esos brazos cubiertos de cortes, en tentativa suicida. Dialogo & Materia (2012) se completa con una plataforma que sostiene el mazo con el que se ha llevado a cabo la destrucción y los restos de arcilla. La pieza When X cuts Y (2012) relata cuando X corta con Y. En este caso Hugo Martínez-Tormo opta por un arma blanca para mostrar una nueva manera de autodestrucción, cortando consigo mismo. Un cristal transparente pintado con su retrato, en el que se refleja él mismo mientras cae a pedazos tras una serie de golpes secos. La acción, reproducida a cámara lenta, tiene a sus pies los restos afilados del cristal. En cada uno de los casos, la intervención del artista tiene efectos en el estado dimensional de los materiales, así como en su función y la interpretación que nos brinda.

Hugo Martínez-Tormo. When X cuts Y, 2012. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. When X cuts Y, 2012. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

El artista, dibujado con un kimono sobre papel negro, lleva a cabo un harakiri como forma ceremonial de buscar la muerte. Global Sepukku (2012) se compone de ese mismo dibujo, tras sufrir los efectos de las cuchillas de una trituradora de papel, mientras la proyección documenta el proceso de fragmentación del dibujo. El tiempo, y su capacidad de triturar la vida, se confronta con el afán devorador del fuego en Trialogue (2010). Un individuo, siempre sintetizado en la figura del autor, aparece sentado ardiendo junto a una garrafa de combustible. La acción, el tiempo, se ocupa de hacer arder la propia pintura hasta dejar a la vista el esqueleto chamuscado del bastidor. Las cenizas, reunidas en una urna, reposan como testimonio.

Hugo Martínez-Tormo. Global Seppuku, 2012. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Global Seppuku, 2012. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo viene desarrollando desde 2005 esta serie de trabajos, de los que aquí se muestra una selección, en los que la fragilidad del individuo y la fugacidad de la vida se brindan a la determinación del ser humano por llevar a cabo aquello que se propone. El resultado de los trabajos rebosa serenidad, a pesar de la dureza de las narraciones. La capacidad transformadora que nos caracteriza como especie encuentra sus sombras en los extremos, en los polos que hacen tambalear nuestro equilibrio.

Hugo Martínez-Tormo. Trialogue, 2010. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Trialogue, 2010. Instalación audiovisual. Cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

Raíces rebeldes del rock

Young Americans. La cultura del rock 1951-1965, de Alejandro Lillo y Justo Serna
Punto de Vista Editores

Justo Serna y Alejandro Lillo pertenecen a distintas generaciones. Uno nació en 1959, el otro en 1977, ambos son licenciados en Historia Contemporánea de la Universitat de València, doctor y doctorando, respectivamente. Juntos han creado la plataforma Serna&Lillo Asociados y puesto en marcha el proyecto  CoolTure, cuyo objetivo es producir análisis culturales que permitan a la gente entender mejor el mundo en el que vivimos en un estilo ágil y ameno. Uno de los frutos de esta asociación es ‘Young Americans. La cultura del rock, 1951-1965′ (Punto de Vista Editores), un viaje a las raíces rebeldes de esta música,  nacida en la próspera América de Kennedy, la guerra fría y la carrera espacial.

“En este libro contamos una historia sobre los reclamos de una sociedad de consumo y la publicidad de un capitalismo doméstico”, dice Lillo. “Pero también de una rebeldía, la oposición de los jóvenes, el malestar de unos muchachos que hicieron del rock su afirmación. Analizamos una sociedad que hizo del derroche y de la juventud su gloria”.

Serna y Lillo se aproximan a ese mundo sin pretender exhumarlo. “No obramos como eruditos y dejamos, deliberadamente, cosas sin tratar. Mostramos y sugerimos, exponemos y revelamos. Lo que fue portada tapó a la vez la discriminación, la pobreza, lo feo, lo viejo. La televisión recreaba y multiplicaba las posibilidades de aquella sociedad. La música retenía y difundía.  El rock no sólo era sexo. Era deseo, expectativa, mezcla y porvenir. Los jóvenes lo querían todo y lo esperaban todo. Únicamente faltaba su cumplimiento”.

Portada del libro de Alejandro Lillo y Justo Serna, durante un acto de presentación. Fotografía: Gonzalo Moreno.

Portada del libro de Alejandro Lillo y Justo Serna, durante un acto de presentación. Fotografía: Gonzalo Moreno.

Conciencia generacional

El surgimiento de los jóvenes como grupo diferenciado de los adultos fue un proceso lento que tuvo su punto de inflexión en los Estados Unidos de los cincuenta a causa de distintos factores. “Por esa época los jóvenes se saben diferentes”, señala Lillo. “Comparten tiempo en el colegio y en la universidad, tienen dinero para gastar debido a la buena situación económica de sus padres, y lo demuestran. Principalmente, uniformándose, vistiéndose de manera similar -cazadoras de cuero, gorras, pantalones vaqueros, tupés-, diferenciándose del estilo de los adultos. Critican el mundo de sus mayores con descaro y rompen las reglas establecidas. La sociedad norteamericana de la época era muy conservadora, muy mojigata, muy reprimida. Los jóvenes no quieren formar parte de un mundo que perciben como hipócrita y falso. Necesitan liberarse, expresar lo que sienten, decidir sobre sus propias vidas”.

El rock´n´roll es la música que aglutina las aspiraciones y canaliza  el malestar y la insatisfacción de los jóvenes. Elvis Presley, Eddie Cochran, Chuck Berry, Little Richard y tantos otros ídolos expresan a través de sus canciones los anhelos de su generación. “Los chicos y chicas se identifican con su música”, apunta Lillo. “Por fin alguien les entiende, por fin alguien expresa lo que ellos sienten pero no son capaces de verbalizar. Pero ese es un éxito que sólo puede llegar con la sociedad del bienestar. Elvis vuelve locos a más de 70 millones de adolescentes sólo cuando en todos los hogares de Estados Unidos hay una televisión y todos pueden verlo cantando y moviendo las caderas. Para los adultos era una obscenidad; para los jóvenes, una liberación”.

Música comprometida

¿El rock de hoy día mantiene todavía su fibra rebelde? “Es una pregunta difícil de contestar”, responde Lillo. “Creo que la música siempre tendrá algo de revolucionaria, de rebelde e inconformista, con independencia de su estilo. Hay una cierta domesticación del rock, sí, pero también hay espacios de fricción, de conflicto. El sistema capitalista asimila con relativa facilidad los movimientos contestatarios. Sin embargo, en la música sigue existiendo, en algunos ámbitos, una fuerte resistencia a determinadas prácticas, a determinados comportamientos del mundo adulto que resultan criticables o inadmisibles. Lo que está pasando en España durante estos años de crisis es significativo. Los músicos se posicionan. Muchos de ellos también dan la cara. Como hicieron otros durante la transición. Eso es algo que necesitamos y que es muy de agradecer”.

Justo Serna y Alejandro Lillo se conocieron fuera del ámbito académico y poco a poco descubrieron que tenían muchos intereses comunes. “Compartíamos la pasión por el cine, por la literatura, por la música y por la historia, claro”, dice Lillo. “Descubrimos también que nuestros diagnósticos, que nuestras opiniones y pareceres también eran similares, que nuestra forma de entender el oficio de historiador y de abordar el estudio de la cultura eran coincidentes y enriquecedoras. Se nos hizo difícil desaprovechar la oportunidad de trabajar juntos”, concluye este joven historiador valenciano.

Justo Serna y Alejandro Lillo firmando ejemplares de su libro. Fotografía: Gonzalo Moreno.

Justo Serna y Alejandro Lillo firmando ejemplares de su libro. Fotografía: Gonzalo Moreno.

Bel Carrasco

Art públic 2014. Un paso tras otro

XVII Art públic / Universitat pública
Mostra d’art públic de joves creadors
Campus dels Tarongers, Universitat de València
Inauguración: 20 de octubre, 12.30 h.
Conferencia de Isidro López-Aparicio, 11 h.
Hasta el 24 de octubre de 2014

Art Públic / Universitat Pública es un proyecto que desde su inicio, hace diecisiete años, ha pretendido servir de cauce para propuestas artísticas efímeras capaces de visibilizar las preocupaciones críticas de la sociedad. En el transcurso del tiempo se muestra un ejercicio de coherencia en la mayor parte de las intervenciones que, aún en los tiempos de la economía sobreexcitada, no perdió de vista un horizonte crítico con los excesos del urbanismo, el deterioro del territorio y la calidad ambiental, los abusos del poder en la toma de decisiones, la precariedad laboral y las dificultades de los jóvenes para acceder al mercado de trabajo, entre otros temas.

Art públic / Universitat pública. Plano con ubicación de proyectos. Campus dels Tarongers, Universitat de València.

Art públic / Universitat pública. Plano con ubicación de proyectos. Campus dels Tarongers, Universitat de València, 2014.

En la edición que ahora se presenta, los artistas seleccionados siguen ahondando en preocupaciones compartidas con la sociedad, con el crecimiento de la precariedad y la necesidad de una mayor participación como ejes comunes.

Colectivo Naranjayrojo. Todas las postales llegan a Roma. Cortesía de los artistas.

Colectivo Naranjayrojo. Todas las postales llegan a Roma. Cortesía de los artistas.

1. COLECTIVO NARANJAYROJO. Todas las postales llegan a Roma
La postal es el medio elegido para este proyecto por sus capacidades participativa y comunicativa. Una experiencia de mail art puesta a disposición de los estudiantes y del personal de la Universitat de València para hacer llegar a la Conselleria d’Educació de la Generalitat Valenciana las preocupaciones de la sociedad acerca de la educación pública.

Colectivo Cráter. Mapa de los deseos. Voces de la comunidad universitaria. Cortesía de los artistas.

Colectivo Cráter. Mapa de los deseos. Voces de la comunidad universitaria. Cortesía de los artistas.

2. COLECTIVO CRÁTER. Mapa de los deseos. Voces de la comunidad universitaria
A partir de una serie de entrevistas realizadas a miembros de la comunidad universitaria, se crea un recorrido por el Campus dels Tarongers a través de aquellos deseos liberados de las presiones de la eficacia y la eficiencia por las que nos vemos obligados en nuestra vida cotidiana. A través de códigos QR se dibuja un mapa de los deseos que nos permite escuchar cada una de las grabaciones.

Ramón Espacio / Rodrigo Lombardo. De cobayas y tormentas. Cortesía de los artistas.

Ramón Espacio / Rodrigo Lombardo. De cobayas y tormentas. Cortesía de los artistas.

3. RAMÓN ESPACIO/RODRIGO LOMBARDO. De cobayas y tormentas. Con la que está cayendo
Desde el inicio de la crisis los estudiantes están sufriendo una serie de mermas en sus derechos que afectan directamente a su futuro. Subidas de tasas, disminución de becas y ayudas, desaparición de asignaturas optativas y reducción de personal docente han sido la tónica impuesta por las medidas y los recortes presupuestarios que ha provocado la crisis. Todos estos factores se traducen en ataques a la igualdad de oportunidades y a la calidad de la enseñanza.

Ana Navarro. Precatur. Cortesía de la artista.

Ana Navarro. Precatur. Cortesía de la artista.

4. ANA NAVARRO TATAY. Precatur. Agencia de viajes
Precatur es una falsa agencia de viajes, convertida en herramienta que critica la actual situación de crisis social, económica y política del Estado español, con el propósito de distinguir entre los viajes de placer y la salida forzada del país a la que se ve abocada una parte creciente de la juventud. La frivolidad con la que se ha abordado la «movilidad exterior» y la precariedad es el eje alrededor del cual gira este proyecto. http://precatur.wordpress.com/

Alejandro Bonnet de León. Casas de papel (Urbanización post-burbuja inmobiliaria). Cortesía del artista.

Alejandro Bonnet de León. Casas de papel (Urbanización post-burbuja inmobiliaria). Cortesía del artista.

5. ALEJANDRO BONNET DE LEÓN. Casas de papel (Urbanización postburbuja inmobiliaria)
En las circunstancias actuales es todo un lujo tener una vivienda en propiedad. Aunque en la Constitución se reconoce el derecho a cada español a tener acceso a una vivienda digna, nuestra realidad es bien distinta. Los desahucios se han convertido en una noticia lamentablemente habitual, viviendas que después permanecen vacías por voluntad de un banco, mientras otros pasan a dormir bajo cartones.

Gemma Alpuente / Mª Isabel García. Be creative. Cortesía de las artistas.

Gemma Alpuente / Mª Isabel García. Be creative. Cortesía de las artistas.

6. GEMMA ALPUENTE ADAM / MARÍA ISABEL GARCÍA MUÑOZ. Be creative
Cualquiera que pasee por el Campus dels Tarongers advertirá que se trata de un espacio arquitectónico sobrio, con edificios que siguen una pauta cuadriculada, casi monocromos y de formas repetitivas. Be creative rompe la monotonía y busca recordarnos que la creatividad se desarrolla en todos los campos del pensamiento y en la vida cotidiana, como un soporte más en el que apoyarnos para revolucionar las posibilidades de lo real.

Zarva Barroso. Think TV. Cortesía del artista.

Zarva Barroso. Think TV. Cortesía del artista.

7. ZARVA BARROSO. Think TV
El cómic, entendido como arte secuencial en el que se alían la imagen y el contenido para contar una historia esperando una respuesta de quien lo lee, es empleado por el artista como un medio transformador con el que visibiliza realidades diversas y desigualdades sociales, conduciendo a la reflexión del espectador. Think TV se plantea como un dispositivo que cuestiona nuestra actitud pasiva ante la televisión.

 

La ciencia también es cosa de mujeres

Rompiendo barreras. Mujeres y ciencias
Comisariado: María Carmen San Julián y Natalia Torres
Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero
Palau de Cerveró de la Universitat de Valéncia
Plaça de Cisneros, 4. Valencia
Hasta el 9 de enero de 2015

Para que la corrección política no convierta este tipo de exposiciones en un afirmativo cabeceo de incredulidad (¿cómo es posible que tal cosa suceda?), habría que seguirle el rastro a Zygmunt Bauman cuando se puso a analizar el fenómeno del Holocausto. De manera que, como expresó el sociólogo, “el examen de las culpas” no disfrace la “investigación sobre las causas”. Que la sociedad patriarcal sea culpable de buena parte de la discriminación de la mujer resulta, a estas alturas, insuficiente a la hora de abordar tal fenómeno. Salvo que lo que pretendamos sea levantar una venda para poner otra.

Una de las citas recogidas en el 'túnel de tópicos sexistas' de la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró.

Una de las citas recogidas en el ‘túnel de tópicos sexistas’ de la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró.

Valga la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ como recordatorio de un hecho palmario: el silencio en torno a la gran contribución de las mujeres al progreso de las ciencias y la tecnología. Pero se hace ya necesario, cuando proliferan las muestras de desagravio, transformar el victimismo en análisis más profundos acerca de las múltiples causas que lo fundamentan. De no hacerlo así, caeremos en la complaciente empatía. Algo que mujeres como Marie Curie, Hannah Arendt, María Zambrano, Grace Murray Hopper, Barbara McClintock o Mary Wollstonecraft no perdonarían.

Y no digamos nada si hablamos de James Miranda Stuart Barry, cirujano del ejército británico, cuya autopsia reveló que en realidad era Margaret Ann Bulkley (1795-1865), que se hizo pasar por hombre para poder ingresar en la universidad, su gran sueño. Su lucha, como la de otras muchas mujeres que aparecen en la exposición del Palau de Cerveró, perdería fuerza si la rebajamos al complaciente recordatorio en lugar de, como hicieron ellas mismas, reivindicar la pasión por el conocimiento.

Fotografía de Rita Levi-Montalcini, sonriente, en la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró.

Fotografía de Rita Levi-Montalcini, sonriente, en la exposición ‘Trencant barrees. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró.

La exposición ‘Rompiendo barreras. Mujeres y ciencias’, comisariada por Carmen San Julián y Natalia Torres, se hace eco de las numerosas mujeres que dejaron su huella en la ciencia. Y lo hace al modo de un paseo repleto de dificultades, las mismas que las propias mujeres debieron en su día sortear. Así, el espectador avanzará por entre una serie de barreras o instalaciones, para ir abriéndose camino de las oscuras frases pronunciadas contra las mujeres a la rotunda claridad de sus trayectorias profesionales. Fotografías y paneles que revelan el sobresaliente papel de esas mujeres en el terreno de la ciencia.

En el “túnel de tópicos sexistas”, según expresión de las comisarias, se pueden leer frases como ésta: “La mujer es, reconozcámoslo, un animal inepto y estúpido, aunque agradable y gracioso” (Erasmo de Rotterdam), o el más coloquial “Eso es cosa de mujeres”. Brigitte Bardot, quien sabe si espoleada por esos tópicos, contraatacó en su día de esta manera: “Cuanto más conozco a los hombres, más me gusta mi perro”.

Instalación con prendas y objetos patentados por mujeres, con video al fondo, en la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències', que acoge el Palau de Cerveró.

Instalación con prendas y objetos patentados por mujeres, con video al fondo, en la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’, que acoge el Palau de Cerveró.

Tras el túnel oscuro de los comentarios despreciables, la exposición se abre a un bosque de imágenes que cuelgan como frutos de esa ciencia desarrollada por mujeres. Entre las fotografías, destacan las de Rita Levi-Montalcini, Nobel de Medicina, Hedy Lamarr, reconocida como actriz pero menos conocida por su faceta como ingeniera, Hipathia de Alejandría, una de las primera matemáticas, o las citadas Barbara McClintock, que descubrió el primer mapa genético del maíz, Marie Curie, dos veces Premio Nobel por sus contribuciones en física y matemáticas, Hannah Arendt y Simone Weil, como destacadas filósofas.

En la instalación de objetos colgantes, el espectador descubrirá las sorprendentes patentes del sujetador moderno obra de Mary Phelps, del limpiaparabrisas, inventado por Mary Anderson, del pañal desechable de Marion Donovan o del corrector líquido Liquid Paper que patentó Bette Nesmith, por citar algunos de los hallazgos. ‘Rompiendo barreras’ se completa con un audiovisual y un taller didáctico que sirven para hacer memoria del largo y tortuoso camino recorrido. Una muestra impulsada por la Universitat de Valéncia y el CSIC, en la que supone la última colaboración entre ambas entidades en el Palau de Cerveró.

Hedy Lamarr, que además de actriz fue ingeniera, en la exposición 'Trencant barreres. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró de la Universitat de València.

Fotografía de Hedy Lamarr, que además de actriz fue ingeniera, en la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró de la Universitat de València.

Salva Torres

Donde habita el olvido

No es cierto que el poder corrompa. El poder, sencillamente, produce amnesia. Del mismo modo que la melancolía, hoy tipificada como depresión, fue una enfermedad corriente a  finales del siglo XIX, la no menos dañina amnesia política, o el olvido sistemático del que ciertos políticos hacen gala  será, con seguridad, una de las patologías características de finales del siglo XX y comienzos de éste. Un olvido selectivo y una falta de pigmentación sanguínea, que impide el rubor en situaciones vergonzantes, en las que un ciudadano normal parecería un crustáceo cocido, son los síntomas más evidentes de esta dolencia. Bajo esta óptica, por tanto, podemos comprender no solamente el sistemático incumplimiento de programas electorales por parte de los dos partidos que se alternan en el poder, sino las recientes declaraciones de Felipe Garín, director del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, el pasado 24 de junio en este mismo medio, las cuales son el motivo por el que se escribe este artículo.

Pero vayamos por partes. Sería terriblemente indecoroso señalar con un dedo acusatorio a cualquier persona cuyas acciones, palabras o sentimientos son producto de una enfermedad. Por no mencionar que olvidos, sean pequeños o grandes, tenemos todos: ¿quién no se ha visto nunca en la situación de apelar al donde dije digo, digo Diego? Sin embargo, lo que sí se puede hacer es argumentar y razonar, lo cual, si el sentido común imperara en las instituciones culturales  valencianas, tendría que ser la constante dentro del marco de una democracia plena y saludable, pero como ya se ha dicho en alguna otra ocasión recientemente, tenemos la cultura que tenemos (sic), y punto. Y si dicen las malas lenguas que falta comunicación entre las instituciones valencianas y los profesionales del sector del arte, habrá que hacer oídos sordos porque en realidad no hace falta, y es que ya hay una comisión científico-técnica que lo resuelve todo. Para mí, particularmente, el mero hecho de calificar de científica a una comisión encargada de dar el visto bueno a las exposiciones del Consorcio podría aparecer en una antología del dislate, pero nos estamos desviando del tema. El tema es que a estas alturas la comisión científico-técnica todavía no le ha explicado a don Felipe Garín cual es la diferencia entre pagar la producción de una pieza y ponerle un marco, y de que no hay argumento científico que sostenga que el único profesional que no debe cobrar por trabajar en un proyecto expositivo es el artista, como de hecho sucede, de modo que al parecer no sólo no hay comunicación entre el Consorcio y los profesionales del arte, sino que ni tan siquiera hay comunicación entre los propios integrantes de tan magna institución. A ver si un día de estos le explican que en la producción van incluidos todo tipo de gastos, honorarios del artista incluidos.

Porque el artista, y este es otro tema, no es exactamente un trabajador (sic). Al artista las obras le crecen en el estudio por generación espontánea. No son fruto de años de estudio y dedicación, las más de las veces pasando por la Universidad, y el alquiler del taller, los materiales frecuentemente costosos y las horas de trabajo físico y mental son pequeñas bagatelas que corren a cuenta de esa tía ricachona que cualquier artista que se precie tiene a la vuelta de la esquina, encantada de resucitar la antigua costumbre del mecenazgo. De modo que si cede para una exposición alguna de esas obrillas de poca monta que nada le han costado de realizar, pues que no se le suba el ego a la parra que todavía no ha llegado a la categoría de pintor normal. Los cuales habrá que suponer que son los que pintan las paredes de blanco, es decir, los auténticos profesionales.

Esto viene a cuento de que todavía recuerdo la alegría, no exenta de cierto escepticismo, con la que Nacho París, el anterior presidente de AVVAC, tras una reunión con Felipe Garín hará ya más de año y medio, nos transmitió a algunas personas la firme convicción que había mostrado el director del Consorcio respecto a la obvia obligación moral del pago a los artistas en las exposiciones, ejemplificando que a él mismo, tras dar una conferencia, le habían pagado con un libro, a lo que él se había preguntado dónde estaba el libro para pagar al electricista que fuera a su casa. Pero ya se sabe la epidemia que está asolando la política, haciendo estragos en los más inopinados recuerdos de nuestros dirigentes. Algunos de ellos olvidan incluso que su labor consiste en servir a la ciudadanía, y hay que recordarles que la tarea principal del Consorcio de Museos consiste en promover una política museística sostenible y de calidad, que para eso cuentan con un presupuesto de más de dos millones de euros, como se dijo en una rueda de prensa a principios de año. Por tanto, sostenible significa que apoyan y enriquecen el tejido cultural de la región, pagando a los profesionales por su trabajo y ofreciendo una programación expositiva de calidad, que es la única forma de que ese dinero público, de todos los ciudadanos, revierta en la sociedad.  Puesto que si priorizan la financiación privada de las exposiciones y no pagan a los artistas, la gran pregunta que a todos nos gustaría que nos respondieran es a qué pesebres van a parar tantos dineros, y en qué medida ese reparto beneficia a nuestra sociedad. Puesto que con unos presupuestos tan jugosos, y unos resultados tan magros, resulta como mínimo chocante la comparativa con el EACC de Castellón, el cual ha mantenido una política expositiva con unos estándares de calidad muy superiores a la del Consorcio, con una quinta parte de ese dinero y pagando a los artistas, por supuesto. Por no hablar de las maravillas que harían con ese mismo dinero al norte de los Pirineos.

Por otro lado, tengo que aclarar que jamás he puesto en duda la caballerosidad y gentileza, de la que puedo dar fe, de don Felipe Garín: con lo que tengo problemas es con su memoria. Es por eso que creo oportuno repetir, una vez más,  este tema hace tiempo superado, y es que el hecho de que los artistas cobren por su trabajo ya no es un tema de debate. Trabajar y no cobrar tiene un nombre, y es algo que, tras la Revolución francesa y la declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, se abolió, en Francia, en 1794, y no hay mucho más que decir al respecto. Quizás tan sólo haya que recordarlo.

Ernesto Casero es artista y miembro de la junta directiva de AVVAC

 

Visual Talent: se busca joven renacentista digital

Visual Talent, concurso organizado por ESAT
Escuela Superior de Arte y Tecnología
C / Viciana, 5. Valencia
Pruebas en Museo de Bellas de Artes, Las Naves, Estudios falleros
Cuatro fases, que concluyen en agosto

“Al arte le ha gustado admitir la crisis para avanzar”. Lo dijo Alberto Adsuara en calidad de Director de Producción de Visual Talent, un concurso internacional en formato de reality show “serio” que ha puesto en marcha la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia, para descubrir jóvenes artistas en la era digital. Admitida la crisis del arte en su actual formato de obra palpable, físicamente adscrita al espacio de galería o museo, parece que toca avanzar. ESAT lo hace promoviendo un concurso destinado a jóvenes de entre 16 y 25 años del bachillerato artístico que se imparte en los 227 colegios de España, a todos los cuales se ha dirigido la Escuela de Arte y Tecnología con el fin de que participen sus alumnos.

Carlos Romero, coordinador de Visual Talent, apuntó el perfil buscado: “Jóvenes que tengan una visión renacentista del arte ahora; un tipo de artista que maneje las diferentes técnicas digitales”. Un artista 360º capaz de dibujar con tableta, hacer fotografía o video con su teléfono móvil. Alguien, además, capaz de superar  diferentes pruebas, incluidas las de formato reality show pero “serio”, como se encargó de subrayar Adsuara. Porque una cosa es la espectacularidad del concurso, derivada del propio formato y de la inercia de los tiempos audiovisuales, y otra su frivolidad. “La espectacularidad es bienvenida, pero dentro del ámbito universitario; un reality serio”, agregó Adsuara.

Logotipo de Visual Talent. Imagen cortesía de ESAT.

Logotipo de Visual Talent. Imagen cortesía de ESAT.

Conviene recordar, para que el avance del arte en medio de la crisis no sea atropellado, que, por ejemplo, artistas como Canaletto o Vermeer utilizaron la cámara oscura propiciada por los avances técnicos del XVII y XVIII para lograr un mayor efecto de realismo en sus obras. Otros hicieron lo propio, demostrando que sólo aquellos artistas capaces de dominar el poder de la máquina, derrotándola mediante la creación de poderosas metáforas visuales, alumbraron el arte. El talento (Talent) implícito en la convocatoria lanzada por ESAT tiene mucho que ver, valga la redundancia Visual, con esa vuelta de tuerca de la creatividad en tiempos de maravillas técnicas.

En todo caso, Visual Talent, presentado en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia, pretende dos cosas fundamentales. La primera, sin duda obvia, es “identificar el talento creativo” de esos jóvenes artistas poseedores de “una completa formación”, según explicó Jaime Torres, director de ESAT. Para ello, el concurso contempla cuatro fases, la primera de ellas mediante convocatoria online que se cierra el 14 de junio, en la que se seleccionarán 50 aspirantes a partir de la inclusión de tres a cinco imágenes en el área de diseño y arte subidas a una plataforma privada.

Concurso 'Visual Talent'. Imagen cortesía de ESAT.

Concurso ‘Visual Talent’. Imagen cortesía de ESAT.

La segunda y tercera fase, ya en julio, permitirá reducir los aspirantes a 10, de los cuales saldrán en la cuarta fase los tres ganadores premiados con una beca de estudios para Diseño gráfico 2.0 y Bellas Artes en ESAT, valorada cada una en 20.000€. Charlas, talleres, clases magistrales y pruebas, “todavía secretas” (“hasta ahí puedo leer”, señaló con humor Jaime Torres), que se realizarán en el Museo de Bellas Artes, Las Naves y estudios de artistas falleros, permitirán evaluar las capacidades de los jóvenes participantes.

Pero Visual Talent también pretende, en medio del desierto de la crisis económica, regenerar el esquilmado tejido productivo. “Con un 57% de desempleo juvenil en España, es nuestra obligación enfocar el talento hacia el empleo”, destacó Jaime Torres, quien aseguró que en ESAT la “empleabilidad” de sus alumnos era “alta”. Se trata, terminó diciendo, de “inocular lo digital en los procesos productivos”. Y se puede añadir una tercera aportación de Visual Talent: aquella que tiene que ver con la propia interrogación acerca del arte en tiempos de crisis. Alberto Adsuara lo avanzó, al hilo de su cuestionamiento: “Queremos que el concurso nos dé ciertas claves acerca de lo que es el arte ahora”.

Visual Talent. Imagen cortesía de Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Visual Talent. Imagen cortesía de Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Salva Torres