El mensaje reivindicativo de ‘Edits’ de Laura Palau

‘EDITS’ de Laura Palau
El Corte Inglés Centro Comercial Pintor Sorolla – Colón
Calle de Colón, 27, Valencia
Hasta el 6 de Abril

El pasado día 27 de Febrero se inauguró la exposición ‘Edits’ de la artista Laura Palau, coordinada por el Corte Inglés y el Espai d’Art. La exposición estará hasta el 6 de abril en el Corte Inglés Pintor Sorolla – Colón.

‘Edits’ habla sobre la moda, sus campañas publicitarias y el uso de mensajes a través del  ‘lettering’ en las camisetas. El tema lo trata con un giro reivindicativo aportando a esos mensajes una segunda lectura desde la ironía y el cinismo. Esta tendencia del ‘lettering’ proviene de los grandes centros de moda dibujando una línea política e ideológica en sus productos, teniendo un mayor peso en el género femenino. La obra de Palau pretende hacer una crítica a ese movimiento con esta exposición.

Exposición 'Edits' de Laura Palau. Fotografía realizada por Marc Ferrer

Exposición ‘Edits’ de Laura Palau. Fotografía realizada por Marc Ferrer

Palau, con sus camisetas, crítica esas campañas reivindicativas de las grandes corporaciones y cómo esconden un interés totalmente comercial bajo reivindicaciones como el ecologismo, feminismo, el hambre en África, la lucha proletaria,… con eslóganes pegadizos, atractivos y positivistas pero que no son nada más que palabras vacías y falsas verdades.

La ironía y el cinismo juegan un papel importante, se pretende crear una reflexión al espectador sobre ese ‘falso espejo’ nutrido por las redes sociales, campañas publicitarias e ‘influencers’. Este aspecto es mostrado por una serie de fotografías de mujeres que se asemejan en los complementos, ropa y poses donde claramente una de ellas busca la imitación de la que podríamos considerar modelo.

Exposición 'Edits' de Laura Palau. Fotografía realizada por Marc Ferrer

Exposición ‘Edits’ de Laura Palau. Fotografía realizada por Marc Ferrer

La obra de Palau trae algo novedoso como es la ironía y el cinismo a un mercado de la moda voraz, sin embargo ese juego quizá hubiera sido más ‘divertido’ si el espectador pudiera comprar sus camisetas, invitándole a entrar en ese juego consumista con mensajes que verdaderamente reivindican y critican ese mundo. Aun así el mensaje queda claro con lo anteriormente mencionado en el texto. Sin duda es una exposición que merece la pena visitar y reflexionar sobre hacer un consumo responsable y sobre las luchas que están más a flor de piel en la actualidad.

Exposición 'Edits' de Laura Palau. Fotografia realizada por Marc Ferrer

Exposición ‘Edits’ de Laura Palau. Fotografía realizada por Marc Ferrer

 

Blázquez y la sinfonía inacabada de Shubert

D-759 in B minor. Manu Blázquez
Premio Nacional de dibujo DKV-MAKMA – IV edición
MuVIM
Guillem de Castro, 10 (Valencia)
Hasta el 3 de febrero de 2019

El Premio Nacional de Dibujo organizado por DKV seguros y MAKMA, revista de artes visuales y cultura contemporánea, en cuyas dos últimas ediciones ha participado el MuVIM, busca aproximar el arte contemporáneo al público en general y abrir espacios para el ocio cultural familiar, valiéndose de la potencia, atemporalidad, y valores inherentes a cuentos, relatos, e historias, realizando para ello una convocatoria anual de la cual sale un proyecto premiado.

En este caso, el acercamiento a la narración viene de la mano de Manu Blázquez (Valencia, 1978), con un proyecto conceptual que nos permite –al paso- abordar detalles de la biografía de Franz Schubert, ya que se centra en una lectura plástica sorprendente de su mítica 8ª sinfonía(1)

Vista nocturna del cubo del MuVIM con la propuesta de Manu Blázquez. Fotografía de Biel Aliño.

Vista nocturna del cubo del MuVIM con la propuesta de Manu Blázquez. Fotografía de Biel Aliño.

Hay muchas teorías que intentan explicar si Schubert llegó a finalizar o no su trabajo en la denominada sinfonía D-759: también conocida como “inconclusa”. Una de las hipótesis sobre la legendaria composición, parece indicar que abandonó la labor al conocer el diagnóstico de la grave enfermedad que había contraído. Otra conjetura afirma que la pieza está concluida tal como la concibió y quiso dejar tal cual, siendo muestra de la propia mente innovadora del compositor, pero entre una y otra teoría, se baraja también la posibilidad de que desistiera a proseguirla debido al desvanecimiento de un amor que le habría dado la inspiración para componerla, y que obligado por su enfermedad, se vio moralmente comprometido a renunciar a dicho amor. Esto último, tampoco está claro, pero diversas lecturas entre líneas de sus escritos tan románticos  llevan a considerar los motivos por los que a esta sinfonía “inconclusa” se la ha referido como “El apoteosis del amor”.

“Cuando cantaba mi amor, mi amor se convertía en dolor. Cuando cantaba mi dolor, mi dolor se convertía en amor. Mi dolor y mi amor se disputaban mi corazón”.

(Franz Schubert)

Vista parcial de la exposición desde el Hall del MuVIM. Fotografía de Biel Aliño.

Vista parcial de la exposición de el hall del MuVIM. Fotografía de Biel Aliño.

Lo que sí parece indiscutible, es que Schubert realiza el esquema de su octava en partitura para piano, finaliza y orquesta los dos primeros movimientos y empieza un scherzo(2) que no acaba, y tampoco deja ninguna información sobre el allegro final. Deja la obra en el mes de octubre de 1822, y el misterio empieza cuando le hace entrega de la misma (las dos partes terminadas, supuestamente la mitad), a su amigo Josef Hüttenbrenner de la Steiermärkischen Musikverein, sociedad Musical de Estiria en Graz, para dar gracias por su nombramiento como socio de honor,  (verano de 1823), de donde  finalmente llegaría a Johann Herbeck, que la interpretaría en Viena por primera vez pasadas cuatro décadas (1865).

Para Hüttenbrenner, -según carta de su propio puño y letra- la obra es un tesoro musical de nivel excepcional, pero seguramente no la hace interpretar por considerar que le faltan los dos movimientos finales de los cuatro habituales, reforzando para sí ésta hipótesis cuando se halla el borrador de Schubert con algunos compases del mencionado scherzo que podrían haber servido para un tercer movimiento, aunque este hecho no resuelve tampoco el misterio.

Para descifrar el enigma en profundidad, no podemos hacer más que invitar a analizar los cambios bruscos en el estado de ánimo del compositor, que presenta grandes contrastes, inocencia, compasión, encanto, jovialidad y buen humor, pero también resignación, severidad, melancolía e incluso dolor y desesperación.

Detalle de la pieza que muestra el proceso de trabajo de Manu Blázquez sobre la Sinfonía Inacabada. Anotaciones, lápiz y bolígrafo sobre papel. Fotografía Biel Aliño.

Detalle de la pieza que muestra el proceso de trabajo de Manu Blázquez sobre la Sinfonía Inacabada. Anotaciones, lápiz y bolígrafo sobre papel. Fotografía Biel Aliño.

En 1828, Schubert dio el único concierto de su carrera con sus propias obras, tuvo gran éxito, pero falleció tan solo ocho meses después.

Entre tanta incógnita, con un código de orden propio, inabordable para muchos y de acabado indiscutible para los demás, Blázquez manifiesta internarse en una serie de sucesiones numéricas establecidas siguiendo el orden progresivo de las notas musicales de la “inconclusa sinfonía” para generar las series de dibujos donde materializa gráficamente los valores de la misma.

“Mi única ambición es la creación de un mundo perfecto, un lugar donde no existe el caos, donde los números y las matemáticas me permitan refugiarme del ruido que nos rodea” 

(Elena Asisns)

La historia de una sinfonía de tan abundantes matices y conjeturas, mítica desde su génesis, y de inconquistable final, entra aquí -por inconsciencia o bravura artística-, en zona de geometría, línea, luz y sombra. Un área plástica, en la que se distinguen contornos de algunas huellas cuyas pisadas están identificadas  a lo largo del s. XX y hasta nuestros días, como las de Elena Asins, Antonio Calderara, Hanne Darboven, Hans Hartung, Giorgio Morandi, Sol LeWitt, o Eusebio Sempere.

Manu Blázquez ante el montaje del cubo en el MuVIM. 14 de diciembre de 2018. Fotografía de Biel Aliño.

Manu Blázquez ante el montaje del cubo en el MuVIM. 14 de diciembre de 2018. Fotografía de Biel Aliño.

Para Manu Blázquez, “No es conveniente dar más pistas acerca del juego, lo importante es guardar cierto misterio y que el espectador componga su propia sinfonía”

(1) Se le atribuye clásicamente el nº 8 pero en las renumeraciones actuales es la nº 7
(2) Nombre que se da a ciertas obras musicales o a algunos movimientos de una composición grande como una sonata o una sinfonía

Vicente Chambó

Cazadores. David de las Heras.

Cazadores. David de las Heras
Pepita Lumier
C/ Segorbe,7. Valencia
Hasta 20 de mayo de 2018

El nuevo trabajo de David de las Heras irrumpe en la Galería Pepita Lumier usando sus paredes como escenario para contar una nueva historia. Un mensaje violento y radical que golpea las consciencias de todo aquel que decide adentrarse en el mitológico mundo que De las Heras propone con sus óleos. Tan jugoso se presenta este proyecto, que a través de la propia galería Pepita Lumier, fue presentado a la Draw Room 2018, obteniendo una crítica que muchos artistas desearían.

En palabras de su autor, ” ‘Cazadores’ es una propuesta que indaga en las relaciones de poder, en cómo el ser humano se oculta tras una belleza impostada en busca de un trofeo, vacío, a causa del conflicto. Apolo el gran cazador, representa esa deidad, el poder ficticio, la necesidad del hombre de imponerse sobre todo, y a toda costa, con la violencia como herramienta para tal propósito. En contrapunto, Dafne, presa de esa violencia, y representante de lo terrenal, se convierte en el deseo de los egoístas. En la propuesta las piezas se comunican entre esos dos mundos, entre “disparos”, en ocasiones la belleza se construye como un artificio barroco, y que oculta la agresión, la violación de los instintos; pero en otras la belleza existe simplemente en la consecuencia del acto de crear.”

El resultado de este trabajo creativo, radica en una selección de óleos, pulidos y minuciosos debido a la gran calidad pictórica del artista y a su cuidada formación. La elección de la gama cromática, da pie a la creación de un ambiente enrarecido que invita a repetir como un mantra las palabras que dan la bienvenida a la exposición, y a retrotraerse al mito de Apolo y Dafne.

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Los personajes que acompañan en todo momento al espectador, hacen acto de presencia en la gran mayoría de las obras, utilizando un pesudónimo. Dafne se imagina entre las hojas y flores, en los elementos terrenales, rescatando esa violencia que menciona su autor. En contra posición, Apolo actúa como ente casi imperceptible, oculto pero delimitado y presente como el propio poder.

Esta capacidad analítica y transmisora que emanan las pinturas, forman parte indestructiblemente de la experiencia que posee el artista en el campo expositivo. Ya que sus trabajos han formado parte de proyectos tanto a nivel nacional (Barcelona, San Sebastian, Bilbao, Vitoria y La Casa Encendida de Madrid) como internacional ( Alemania y Portugal), lo cual aporta un bagaje indiscutible.

En el proyecto ‘Cazadores’ David de las Heras, pone en alza su destreza pictórica, sin embargo, no desprecia ningún procedimiento expresivo, por lo que adquirió una especialización en el campo de la ilustración haciéndole valedor de diferentes reconocimientos como Premio al Mejor Álbum Ilustrado en los Premios CCEI 2107 por “El Secreto de Enola” y el Premio Junceda a la Mejor Portada del 2014 por “Kaliman en Jerico”. También destaca internacionalmente, por haber realizado la portada de “Instrumental”, autobiografía del pianista James Rodhes; entre numerosas ilustraciones de libros. Además, realizó portadas para revistas como Volata y carteles para proyectos cinematográficos como, es el caso del film “Mala Sangre” del director Leos Carax (Avalon), para el Festival de Cine “La Guarimba” (Italia) sin olvidar el cartel destinado al “BBK Live 2014” (Bilbao).

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

A pesar del ámbito de la pintura y la ilustración, actualmente trabaja desde Madrid para prensa, en el diario El Español y la revista francesa L’Obs para la que ha realizado retratos como el de Mario Vargas Llosa, Footwear News de New York, un retrato del empresario Bob Campbell; o el actor Idris Elba.

Pero los méritos no se demuestran con palabras, si no con hechos, y la obra de David de las Heras, cumple las expectativas. Cuenta con un genio artístico que aúna mente y obra y como reza Miguel Ángel Buonarroti ”Si dipinge col cervello e non le mani ”(se crea con el cerebro y no con la mano).

Victoria Herrera

Geografía del tiempo. Bleda y Rosa

Geografía del tiempo
Bombas Gens Centre d’Art
Av. Burjassot, 54. Valencia.
Hasta  el 19 de noviembre 2017

La apertura del anunciadísimo espacio cultural ‘Bombas Gens’, a partir de la recuperación de la antigua fábrica que ha mantenido su nombre, parece mostrar un nuevo camino a los vecinos del valenciano barrio de Marchalenes. Sin duda, un camino hacia la cultura contemporánea pero también un paseo por la historia que supone el cambio de estado de un espacio en decadencia -desde que una fundación privada toma la decisión de actuar-, hasta su actual apertura y puesta en escena.

De alguna manera, el monumento arquitectónico presenta una unión indiscutible entre pasado y presente, entre lo cultural y la iniciativa privada, y debería hacer reflexionar hacia lo que supondría una ley de mecenazgo que facilitara este tipo de experiencias en las que el beneficiario es el ciudadano (del mundo, no solo los vecinos).

Como muestra de una de esas líneas imaginarias, en concreto, la que separa el ayer del hoy, la exposición ‘Geografía del tiempo’, recoge una selección excelsa del trabajo fotográfico de los artistas María Bleda (Castellón 1969) y Jose María Rosa (Albacete 1970), quienes gracias a su ojo experto presentan un nuevo recorrido visual sobre paisajes.

Imagen: Acceso al complejo de Bombas Gens. Cortesía Makma

Acceso al complejo de Bombas Gens. Imagen: cortesía Bombas Gens.

La temática paisajística, siempre ha ocupado un lugar relevante en los ideales artísticos, y tanto los imponentes monumentos arquitectónicos, como las grandes obras pictóricas, han otorgado un papel prioritario a los entornos y paisajes en los que se desarrollan. Incluso llegando a convertirse en el eje principal de la obra, como ocurre en las representaciones de Monet, y Friederich Caspar, entre otros, las cuales están cargadas de simbolismo a la par que de una belleza inconmensurable.

En el caso de Bleda y Rosa, han querido ir un paso más allá del obturador, y fusionar de manera consciente o no, esa idea ya mencionada sobre la vigencia del pasado en el presente. Para ello, muestran en sus registros fotográficos enfoques de gran calidad sobre los espacios geográficos escogidos, entre los cuales, su relevancia histórica, no se considera un pretexto, sino que ocupa de manera concluyente, un papel principal en la composición de cada pieza.

Imagen: Detalle de la obra de Bleda y Rosa. Grao de Castellón. Cortesía Bombas Gens

Detalle de la obra de Bleda y Rosa. Grao de Castellón. Imagen: cortesía Bombas Gens

La presencia de determinados acontecimientos históricos como La Batalla de Waterloo (1815) o La Batalla de Lepanto (1571), la unión entre acontecimiento y ubicación, genera una sutil y perspicaz representación artística, obligando al espectador a dedicarle a cada obra el tiempo que se merece. Esta experiencia, propone un nuevo prisma sobre el que mirar, entender y reflexionar, creando nuevos recuerdos sobre escenarios ya conocidos.

Victoria Herrera

Pioneras de la ciencia y la comunicación en SGAE

‘Pioneras’, ciclo de proyección de documentales
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, Valencia
Del 20 al 29 de junio de 2017

La Fundación SGAE celebrará en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia, entre el 20 y el 29 de junio, el ciclo de proyecciones ‘Pioneras’. La muestra incluye un total de cinco documentales dedicados a algunas de aquellas primeras mujeres que en España reivindicaron la igualdad entre géneros y lograron ocupar un puesto destacado en una sociedad que hasta entonces se lo había negado. ‘Pioneras’ desea ser un reconocimiento al papel de esas valientes mujeres que han luchado por conquistar sus propios derechos.

El ciclo comenzará esta semana con la proyección de sus tres primeros títulos. Así, el martes 20 de junio se podrá disfrutar la película ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’ de Julio Suárez. Le seguirá, el miércoles 21 de junio, ‘Los recuerdos de hielo’, documental sobre la bióloga Josefina Castellví firmado por Albert Solé. La muestra seguirá el jueves 22 de junio con ‘María Moliner. Tendiendo palabras’, de Vicky Calavia. Las proyecciones tendrán lugar en la valenciana Sala SGAE Centre Cultural (C/Blanquerías, 6), a las 19 horas, y la entrada es gratuita.

‘Pioneras’ se proyectó el pasado mes de marzo en la Sala Berlanga de Madrid y llega ahora a Valencia por iniciativa del Consejo Territorial de la SGAE de la Comunidad Valenciana, que ha incluido este ciclo en su programa de actividades culturales Tramesa 2017. El ciclo se completará con las proyecciones de las películas ‘Joana Biarnés. Una entre todos’, de Òscar Moreno y Jordi Rovira (miércoles 28 de junio), y ‘Las constituyentes’, de Oliva Acosta (jueves 29 de junio).

Pioneras. Makma

Martes 20 junio / ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’

Dirigido por Julio Suárez, quien también firma el guion junto a Lolo Rico, el documental ‘Lolo Rico: la mirada no inventada’ (2015) ganó el Premio al Mejor Documental del Festival Internacional de Cine y Cortometrajes Sant Andreu de la Barca 2016. La película ha sido seleccionada también en otros certámenes, como la 38ª Semana Internacional de Cine de Autor de Lugo o el 8º Picknic Film Festival santanderino. Definida como “un canto a la libertad” por la revista Séptimo Arte, la película ofrece una mirada a la vida y obra de Lolo Rico, una de las mejores directoras de programas infantiles. Suyos son, por ejemplo, ‘La bola de cristal’ o ‘La cometa blanca’. Pero, además, Rico ha defendido siempre su libertad como mujer y ha mantenido un pulso constante contra los diferentes sistemas con los que se ha ido encontrando durante su vida: el familiar, el político, el económico o el jerárquico empresarial.

Miércoles 21 / ‘Los recuerdos de hielo’

Ganador en 2014 del Premio Continuará de TVE como película más destacada del año y del Premio del Público al mejor documental en el Festival Memorimage, ‘Los recuerdos de hielo’ (2013) es un largometraje escrito y dirigido por Albert Solé en torno a la bióloga y oceanógrafa catalana Josefina Castellví. La suya es la historia de una epopeya vital como pionera, mujer y científica, pero también una historia llena de interrogantes sobre el futuro de la utopía antártica, además de ser la crónica de una despedida. Después de 25 años sin haber pisado su paraíso perdido, Castellví regresa a la Antártida para verla por última vez. La película recoge este viaje físico y emocional por uno de los paisajes más hermosos del mundo.

En 1986, cuatro científicos españoles llegaron a la Antártida y plantaron su tienda de campaña en la isla Livingston para estudiar un posible emplazamiento de lo que después fue la Base Antártica Juan Carlos I y, de paso, presionar al gobierno español para que se vinculase al Tratado Antártico. En 1988, el líder de la expedición, Antoni Ballester, sufrió un ictus y Josefina Castellví pasó a dirigir durante seis años la instalación. Fue la primera mujer jefa de una base en la historia de la investigación antártica internacional.

Jueves 22 / ‘María Moliner. Tendiendo palabras’

‘María Moliner. Tendiendo palabras’ (2017) es un documental escrito y dirigido por Vicky Calavia y que explica el proceso vital e intelectual que llevó a la filóloga y lexicógrafa zaragozana a escribir su ‘Diccionario de uso del español’, cuyo primer volumen se publicó en 1966. Moliner dedicó quince años a la elaboración del diccionario y, pese a la enorme trascendencia de su trabajo, jamás fue admitida en la Real Academia Española (RAE). A través de numerosas entrevistas a diferentes personalidades del mundo de la cultura, la literatura, la historia, la educación o el periodismo (entre ellas, Carme Riera, Manuel Cebrián, Pilar Benítez o Soledad Puértolas), la película retrata la apasionante vida de esta pionera enamorada del lenguaje como instrumento de comunicación y comprensión del otro, del mundo y de nosotros mismos. Una mujer por la que la cineasta Vicky Calavia afirma sentir una “profunda admiración, tanto por su obra como por su trayectoria vital”.

Imagen de la filóloga y lexicógrafa María Moliner. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la filóloga y lexicógrafa María Moliner. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

“Las dos películas son elementos de memoria histórica”

‘Las ahijadas’, de William James
Centro del Carmen
Museu 2, Valencia
Hasta el 22 de enero de 2017

El Centro del Carmen, en colaboración con Es Baluard Museu d’art Modern i Contemporani de Palma, acoge, hasta el próximo 22 de enero de 2017, la exposición ‘Las ahijadas’, de William James, una singularísima instalación audiovisual -cuya morfología se completa con la contribución fotográfica de Almudena Soullard y diversas instantáneas de archivo privado- que focaliza su atención en parte del devenir biográfico de dos figuras de diverso lustre y soterrada referencia: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

La primera, refulgente icono de los oropoles hollywoodienses de los años 20, bailarina y diseñadora de vestuario y decorados, segunda esposa de Rodolfo Valentino y con cuyo ulterior marido, el aristócrata español y comandante naval Álvaro de Urzaiz, se tralada a Mallorca, fijando su residencia en la isla desde 1931 hasta los albores de la Guerra Civil Española. La segunda, artista de cabaret transgénero y activista de referencia en el movimiento LGBT valenciano desde finales de los años 70, víctima carcelaria de la vergonzante Ley sobre Peligrosidad y Rehabilitación  Social y presente paradigma de la lucha sobre políticas de género y justicia social en la ciudad de Valencia.

Con el objetivo de desentrañar las veladas e intrínsecas consonancias que emparentan a ambas conspicuas, Makma entrevista al artista británico, avezado investigador documental sobre las imbricaciones existentes entre la construcción del género y el espacio urbano, quien rubrica en esta exposición un dilatado y perseverante proceso credencial sobre la subrepticia consaguinidad de ‘Las ahijadas’.

Vista general de la instalación audiovisual de 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Vista general de la instalación audiovisual de ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿En qué momento o de qué modo se solidifica el germen del proyecto?

Empezó realmente en un proyecto de educación sobre historia oral por parte de Es Baluard en Palma de Mallorca, en un barrio de Palma que se llama Gènova. Los niños del colegio tenían que preguntar a los vecinos mayores sobre el pasado del barrio. Una vecina (María Salomé Juaneda Pujol) les contó que era la ahijada de Natacha Rambova, que había vivido allí. Más tarde, hicieron otra cita y los niños se fueron a su casa para ver la fotografías personales que habían sido propiedad de Rambova -algunas están reproducidas en la exposición, cedidas por ella-.

Posteriormente, Sebastián Mascaró -docente del museo- había oído el nombre de Rambova en otra ocasión, hablando conmigo, por mi amistad con la Rampova valenciana, y él comenzó a preguntar acerca de qué significa el hecho de que compartan el mismo nombre, a pesar de la pequeña diferencia (Rambova/Rampova); entonces, yo le expliqué que, para Rampova, Natacha Rambova era su alias y que en la época de la Transición la gente activista y progresista solía tener nombres de guerra y, así, si tenían problemas con la policía, no podían denunciar a los demás porque nadie sabía realmente cómo se llamaban sus compañeros. Ella eligió Natacha Rampova, aunque al principio era Rambova. La gente la llamaba Rambo y cuando se estrenaron las películas de ‘Rambo’, de Silvester Stallone, lo cambió por Rampova, porque no quería asociarse con esas películas.

Entonces decidimos que era una coincidencia muy interesante. La Rampova valenciana no sabía que Rambova, su heroína, había vivido en España -una parte de su vida desconocida para ella-. Pensamos que esta coincidencia podía formar la base de un proyecto. Esta idea de coincidencia, de casualidad, se ha mantenido durante todo el proyecto por el hecho de que se ha presentado como dos canales de vídeo que no tienen una relación obvia entre ellos, dejándose al espectador el encuentro de los vínculos entre los dos. Y eso es lo que he hecho en el proyecto, dos historias -la de Rampova en Valencia y la de Natacha Rambova en Mallorca-, en las que surgen ciertas ironías, conexiones y temas.

Una cuestión en la que debe repararse es en el propio título de la exposición, ‘Las ahijadas’, cuya nominación puede sugerir diversas interpretaciones, amén de encontrarnos con la figura de la ahijada de Natacha Rambova y entendiendo a Rampova como libérrimamente consanguínea de la primera por emulación. Sin embargo, la figura de la ahijada real no puede equilibrarse con la de Rampova y parece revelarse más bien como una excusa inicial para profundizar en el resto del proyecto.

Sin ella no habría proyecto, porque todo empezó con la ahijada real. Pero, claro, la información que ella tiene sobre Natacha Rambova viene a través de sus padres. Su madre era la doncella y su padre era el chófer del matrimonio y vivían en su casa de Cala Fornells, a partir del año 1933 (incluso tenían que casarse para ir a vivir con ellos para instalarse, aunque ya estaban comprometidos). Toda la información que la ahijada tiene procede de anécdotas y, sobre todo, acerca de lo bien que vivían, sus fiestas, la gente que les visitaba, pero no hay ningún análisis.

Un instante de la instalación audiovisual de 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Un instante de la instalación audiovisual de ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Ambas películas documentales atesoran sentido en sí mismas, funcionan de un modo autónomo. Sin embargo, ¿proponerlas en comunión en esta instalación audiovisual posibilita o exige un espectador proactivo, es decir, que se sumerja en el raquis de cada uno de ellos y esto propicie un análisis acerca de cuáles son los elementos que los cohesionan?

Claro. Se deja al espectador la búsqueda de los vínculos entre las dos. Quería posibilitar una manera de enfrentarse a esta coincidencia o casualidad, porque todo el proyecto se basa en la casualidad, la coexistencia de estos dos personajes que mantienen una relación casi abstracta. También es importante la simetría histórica del antes y el después de la dictadura, por lo que, en ese sentido, se ha pensado para una audiencia española o con un conocimiento acerca de la Guerra Civil, de lo contrario es muy difícil de seguir.

¿De qué modo te documentaste acerca de la figura de Natacha Rambova?

Comencé a estudiar la vida de Natacha Rambova y descubrí que había escrito un ensayo de cuarenta páginas, en el otoño del 36, para convencer a la comunidad internacional para apoyar a Franco -luego nunca se publicó-. Quería leer ese artículo y escribí a su biógrafo, Michael Morris, profesor de Historia del Arte en California recientemente fallecido. Acabamos negociando e hicimos un intercambio de derechos de publicación sobre las fotos de la ahijada a cambio de una copia del texto. Eso ha sido una fuente muy importante, porque ahí cuenta en primera persona todo lo que vio en Mallorca y todas sus ideas sobre las políticas de la República, siendo un monólogo de derechas muy reaccionario. Había que contextualizarlo, entonces entrevisté a un historiador mallorquín, David Ginard i Féron, sin el que tampoco habría sido posible el documental. El cuerpo central del proyecto son extractos de ese texto y él los comenta y contextualiza, siendo muy crítico con su contenido.

¿Conocer y tener una conexión previa con Natacha Rampova te ha influido cuando has profundizado en el devenir de Natacha Rambova y en la búsqueda de parentescos entre ambas?

Yo diría que no. Cuando tienes una instalación que tiene elementos distintos el significado reside en la distancia entre ambos. Lo que sucede, también, es que Rampova tiene una política muy clara, de izquierdas, muy crítica social y políticamente, y luego resulta que Natacha Rambova se casó con Álvaro de Urzaiz, que era monárquico y de derechas y que apoyaba a Franco, por lo que ella apoyaba a los nacionalistas antirrepublicanos. Sin embargo, Rampova viene de una familia muy republicana.

¿Deben considerarse dos figuras antitéticas?

No exactamente, porque Rambova era también libertaria. Esa ironía es muy típica de los procesos de la historia. Cada uno interpretamos la historia como queremos y esto resulta que no es fiable ni objetivo.

Fotografías personales de Natacha Rambova cedidas por su ahijada María Salomé Juaneda Pujol. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Fotografías personales de Natacha Rambova cedidas por su ahijada María Salomé Juaneda Pujol. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿Qué cuestiones en común pueden servir de ejemplo de cómo el entorno, la atmósfera y el convulso devenir histórico de cada una de las dos figuras influye decisivamente sobre su actitud vital y política?

Un tema que comparten los vídeos es la reacción (en sí misma) contra la violencia. La diferencia es que Rampova fue víctima (durante las postrimerías del fraquismo) y Rambova era testigo (en plenos albores del Guerra Civil Española). Las reacciones son distintas y tampoco sabemos, más tarde, qué actitud tenía Rambova respecto de la dictadura. No hay ningún testimonio posterior, no sabemos qué pensaba. De todos modos, hay dos cosas muy significativas: una es que nada más llegar a Francia sufrió un infarto y su salud nunca se recuperó durante el resto de su vida; la otra cuestión es que rompió con su marido. Son hechos que sabemos y que están claros. Son hechos significativos, o así me gustaría pensarlo.

Un factor inquietante reside en el hecho de advertir a Natacha Rampova como apriorística émula de Rambova.

Sí. Emula la parte de Hollywood.

La del exotismo orientalista, pero ¿llevado al hiperbolismo para transgredirlo?

Bueno, hay otra ironía acerca de la que tampoco sabemos muy claramente el porqué. Para Rampova es muy importante que Rambova era muy libertaria y pansexual, y es muy difícil llegar a la verdad de la sexualidad de Rambova (yo creo que era heterosexual). Se ha hablado mucho acerca de que tenía una relación con Alla Nazimova, que era una actriz rusa conocida como lesbiana o bisexual y tenía muchos affaires con mujeres y actrices de Hollywood. También existe la idea de que Rodolfo Valentino (su primer marido) era gay, cuestión que yo no tengo nada clara. Insisto en que sobre estas cuestiones es muy difícil llegar a la verdad. La mitad de las mujeres de Estados Unidos estaban enamoradas de él y estamos hablando de una época en la que surge un fenómeno nuevo, que miles de mujeres de todas las clases sociales podían ver la misma imagen a la vez por la llegada del cine. Eso tuvo mucho impacto en la sociedad americana. Todas estas mujeres adoraban a Rodolfo Valentino y él no encajaba nada con la imagen del héroe americano; era extranjero, moreno, exótico y los papeles que le daban también eran así. No era fiable, honesto o abierto, sino una persona dudosa como personaje.

Un fenómeno sobre el que se han volcado las más diversas miradas, siendo especialmente turbia y fascinante aquélla de Kenneth Anger en ‘Hollywood Babilonia’, radiografiando el exceso y la posterior decadencia.

Está claro que los hombres de América le acusaban de maricón, entonces es muy difícil llegar a la verdad de su sexualidad, porque siempre está velada por esta acusación, aunque miles de personas estén convencidas de ello; sigue siendo una especie de icono gay. Parece que los que estaban cerca de Natacha Rambova y Rodolfo Valentino afirmaban que eran absolutamente heterosexuales, pero no lo sabremos nunca, realmente.

Retrato de Natacha Rampova realizado por Almudena Soullard. Fotografía cortesía de William James.

Retrato de Natacha Rampova realizado por Almudena Soullard. Fotografía cortesía de William James.

Sin embargo fue una década propicia para ciertas licencias cotidianas en contraposición a la época que Rampova hubo de padecer en España.

Rampova, hablando de la relación entre Rambova y Valentino, dijo que era un matrimonio para disimular su sexualidad y yo, en base a lo que he leído, no estoy tan seguro. Pero esa es la ironía, que para Rampova era muy importante que su musa fuera pansexual.

Todas esas complejidades o neblinosas dificultades para trabajar acerca de la figura y los archivos de Natacha Rambova no acontecen con Natacha Rampova, en tanto que, además de tu conocimiento próximo sobre su figura, existe una contemporaneidad muy facilitadora. Sin embargo, resulta singular descubrir algunos vídeos y pasajes poco conocidos, recibidos como una sorpresa o revelación para muchos espectadores de ‘Las ahijadas’, a pesar o fruto de su permanente presencia en el mapa del off-off valenciano.

Sí. Realmente creo que el vídeo de Rampova no es para nosotros, sino para la gente que no conoce a Rampo. Veo importante contar esa historia.

Para quien ya conoce a Rampova refrenda algo consabido.

Si, porque es una historia muy interesante y todas sus ideas sobre género son absolutamente actuales, aunque se han formado hace más de treinta años.

Radiografía no sólo las circunstancias político-sociales del país, sino que también es un curiosísimo testimonio de la ciudad.

Es memoria histórica. Las dos películas son elementos de memoria histórica. Esa ha sido otra motivación para desarrollar el proyecto.

Atendiendo a los episodios históricos que vertebran ‘Las ahijadas’, ¿consideras que atravesamos una nueva época de políticas y pensamiento reaccionarios?

Sí. Lo dice Rampo claramente. En el vídeo ella habla de la transversalidad de las luchas políticas y cómo esa idea de transversalidad se ha perdido. Como ejemplo, considera que todas las luchas afectan a toda la comunidad LGBT y tenían que estar presentes en todas las acciones y manifestaciones.

William James durante un instante de la entrevista a propósito de su proyecto 'Las ahijadas'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

William James durante un instante de la entrevista a propósito de su proyecto ‘Las ahijadas’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

Presente de cultura valenciana para el Adviento

Tercera edición de la campaña ‘Esta Navidad, regala cultura valenciana’
Sala Russafa y Arden Producciones, con la participación de FULL (Fundació pel Llibre i la Lectura), el colectivo Va de Llibres y las artistas plásticas Lisa Gingles y Raquel Carrero
Plaza del Ayuntamiento de Valencia

Cuando las visitas a las tiendas se multiplican, Sala Russafa ha impulsado la celebración de la tercera edición de su campaña ‘Esta Navidad, regala cultura valenciana”. Una iniciativa en la que, por segundo año consecutivo, ha contado con la colaboración del consistorio de Valencia, que ha cedido un espacio en la Plaza del Ayuntamiento.

Durante la mañana, el teatro, las artes plásticas y la literatura han estado presentes en este enclave como recordatorio de que la cultura hecha y promovida en la ciudad puede ser una opción estas navidades, un obsequio para quien lo recibe pero también para los artistas, contribuyendo a que puedan continuar con su labor creativa, fundamental para las industrias culturales y para el desarrollo social.

Y las primeras en regalar cultura han sido Sala Russafa y Arden, que han obsequiado a quienes se han acercado a la plaza con extractos de su nuevo espectáculo, ‘Viaje a Nuncajamás’. Un adelanto exclusivo, ya que la pieza tendrá su estreno absoluto este jueves 22 en el centro cultural de Ruzafa.

Un instante de la actividad 'Esta Navidad regala cultura valenciana' en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la actividad ‘Esta Navidad regala cultura valenciana’ en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

Esta nueva obra completa la trilogía ‘Cuentos Políticos’, comedias para adultos y con música en directo que parten de clásicos de la literatura infantil para darles la vuelta, ofreciendo una ácida mirada a nuestra sociedad. Una serie escrita por Chema Cardeña que incluye a ‘Alicia en Wonderland’ y ‘Buscando al Mago de OZ (Oh, EurOZpa!)’ y que estas navidades se completa con la versión libre y gamberra de la historia creada por J.M. Barrie. El protagonista es un Peter Pan que tuvo que salir del país para poder crecer y desarrollarse profesionalmente. Ahora vuelve del exilio para encontrar un Nuncajamás dividido y paralizado. Tratará de revolucionarlo en una alocada radiografía de la democracia occidental con inesperadas versiones de los personajes clásicos (como una Campanilla activista, una Wendy periodista o un Capitán Garfio, Presidente sin carisma ni dotes, pero firmemente agarrado al cargo).

Iria Márquez, Darío Torrent, Jaime Vicedo, Juan Carlos Garés, Rosa López, Raquel Ortells, José Doménech, Juanjo Benavent y el propio Cardeña llevan a las tablas esta sátira, que podrá verse del 22 de diciembre al 15 de enero, incluyendo una función especial de Nochevieja. Un espectáculo que se desarrolla al ritmo de versiones de Amy Winehouse, Village People y hasta Madonna, que esta mañana han sonado en la Plaza del Ayuntamiento a cargo de los músicos David Campillos, Johnny BZero y José Montoro.

Y para los más pequeños, ha habido animación a cargo de Omar Sánchez y José R. Torres, protagonistas de ‘Lazarillo’, pieza que se incluye en la décima edición de CONTARIA, Festival de Teatro para Niños y Niñas, que desde el 18 de diciembre al 4 de enero programa 8 espectáculos musicales, de teatro y de títeres para espectadores a partir de 4 años.

“El teatro, y la cultura en general, es una fuente de experiencias, de aprendizaje, de disfrute, de enriquecimiento personal. En la sala tenemos bonos regalo y animamos a que la gente piense en ésta y otras opciones relacionadas con el arte, como las que forman parte de esta iniciativa, porque tienen tanto o más valor que una corbata, otro perfume o el enésimo muñequito”, apunta Juan Carlos Garés, director del centro cultural.

Un instante de la actividad 'Esta Navidad regala cultura valenciana' en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la actividad ‘Esta Navidad regala cultura valenciana’ en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

En esta tercera edición de la campaña ‘Esta Navidad, regala cultura valenciana’, Sala Russafa ha invitado a FULL, Fundació pel Llibre i la Lectura. Fundada en 2013 por la Associació d’Editors del País Valencià i el Gremi de Llibrers de València, incluye a seis decenas de editoriales (Anaya, Algar, Edicions del Bullent, Bromera, Edicions 96, Pre-Textos, Tres i  Quatre, Saó, Tandem o Tabarca, entre muchas otras) y a librerías de las tres provincias. Dedicada a la promoción del libro y la lectura, en su stand de la Plaza del Ayuntamiento los visitantes ha podido ver una selección de títulos de literatura infantil y juvenil en valenciano de reciente publicación, con volúmenes ilustrados, rondalles y novelas.

También ha sido invitado el colectivo Va de Llibres, formado por Balandra Edicions, Edicions del Bullent, Edicions 96, Onada Edicions, Perifèric Edicions y Vincle. Las seis editoriales tienen una producción conjunta cercana de los 100 títulos anuales en valenciano, con géneros como el ensayo, la poesía o la narrativa, junto a publicaciones de temáticas especializadas. A la campaña promovida por Sala Russafa han aportado una iniciativa propia, muy vinculada. Se trata de ‘Per nadal, regala llibres valencians’, una selección de 11 títulos que estas fechas están presentes en 65 librerías colaboradoras de la Comunitat y en la que se incluyen propuestas tan variadas como ‘Joan Fuster recitable’, ‘Les muixerangues valencianes’, ‘La retratista d’ànimes’ o ‘La cuina de l’Albufera i les Marjals’.

Y por primera vez, las artes plásticas han estado presentes en esta campaña navideña. Sala Russafa ha contado con Lisa Gingles, artista irlandesa afincada en Valencia, que ha mostrado parte de su obra, expuesta en los últimos años en muestras individuales y colectivas en España, Reino Unido, Suecia, Irlanda e Irlanda del Norte. Gingles utiliza el collage, dibujo y pintura en piezas de pequeño formato, sobrias y con cierto punto siniestro, influidas por la mitología y la iconografía animal.

También ha participado Raquel Carrero, Licenciada en BBAA y profesora de arte para niños y adolescentes. En su obra, el grafito es la técnica principal de un dibujo en el que destaca la línea, complementada con otras técnicas. Un estilo sensible al que las notas de color transmiten alegría a un universo puramente femenino.

Durante la mañana, esta iniciativa ha permitido a estéticas, lecturas y lenguajes distintos tomar el espacio público, abriendo una ventana a la cultura en la Plaza del Ayuntamiento, dejándole aportar un toque humano y creativo al ambiente navideño que tiñe las calles estos días.

Un instante de la actividad 'Esta Navidad regala cultura valenciana' en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la actividad ‘Esta Navidad regala cultura valenciana’ en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Música para la educación

Art i Concerts al Carrer
Sedes: Malilla, Benimaclet y Algirós
Día 3 de diciembre de 2016
De 17 a 00.00h

Valencia se une al compromiso de la Red Estatal de Ciudades Educadoras, a la que ya se han asociado otras 480 ciudades de más de una treintena de países diferentes. El Ayuntamiento de Valencia, con motivo de la celebración del Día de la Ciudad Educadora, viene realizando desde el 30 de noviembre distintas actividades por toda la ciudad donde han participado diversos agentes y asociaciones.

El próximo 3 de diciembre, como culmen de todo este proceso, la música toma protagonismo inundando tres barrios de la ciudad con tres diferentes estilos. ‘Art i concerts al carrer’ ha sido  organizado por Valencia Ciudad Educadora y el Ayuntamiento de Valencia, y cuenta con la colaboración de la Concejalía de Juventud de Valencia. Espectáculos, monólogos, magia, batucadas, arte, foodtrucks, sorpresas, sorteos de bonos Joven de la EMT, talleres de las App de Valencia; y un largo etcétera de actividades cuya base serán los distintos estilos musicales que podrán disfrutarse según el barrio donde nos encontremos.

Cartel y programación de Art i Concerts al carrer. Imagen cortesía de la producción.

Cartel y programación de Art i Concerts al carrer. Imagen cortesía de la producción.

El barrio de Benimaclet se ha dedicado al jazz, swing, blues y al baile Lindy Hop. Por ello nos encontraremos con Percumon, Armando Arjona, Xavi y Elena, Revolution Recess Band, Spirit of Saint Louis, Big Hollers, Undermoon Swing Band, Dixie Jumble, Sexpeare y un taller de de Blues y Lindy Hop de 16:30 a 18:00. Algirós, por el contrario, se impregnará de claros tintes rockeros con la participación de la escuela Rock School València enseñándonos a apreciar los distintos estilos dentro del género rock. El barrio de Malilla se convertirá en un espacio mágico para los amantes de la música clásica con conciertos de maravillosas armonías y voces como las de María Fuster, Cellisimas, De soprano y Arpa, Sedajazz Junior “Kid Band”, Black and White Keys Duo y Premierè Chi Musique Trio Parisino.

La ciudad educadora debe tener personalidad e identidad propia. Debe relacionarse además con su entorno, y nada mejor que utilizar la música para ello. Con el objetivo de aprender, intercambiar y compartir, ‘Art i concerts al carrer’ enriquecerá y llenará de sonido las plazas de algunos de nuestros barrios valencianos más emblemáticos, enriqueciendo y ante todo, proyectando la importancia de la labor educativa en todos sus habitantes.

Los ángeles caídos de JARR

JARR. Fallen Angels
Galería Cuatro
C / La Nave, 25. Valencia
Hasta el 13 de diciembre de 2016

Hay que estar preparado para el gran milagro, la explosión que anuncia el fin de una era, el fin de la fe y la ciencia. Juntas sucumben ante la fuerza catódica del ojo de Horus. Es el Apocalipsis hipersónico que precede a la llegada del hombre cósmico. En medio del caos, algunos falsos profetas venden su aritmética de la salvación, una fusión del núcleo de la culpa sin remedio, inútil ante lo inexorable. El fin ya está aquí, y el arte es la única escapatoria.

Jarr ya daba muestras de un raro misticismo desde su niñez artística. Entre la premonición y el sarcasmo tenía por costumbre darnos un par de sopapos con el trazo hiriente de sus figuras en medio de un relato simbólico de la realidad; no era un pintor fácil. El gran público aplaudía sus Culonas, vibraba con oros y formulaciones pop al tiempo que algunos coleccionistas se quedaban paralizados cuando, de entre medio de una maraña de objetos, descubrían cuerpos entregados al pecado carnal. Era irreverente como una reacción inevitable ante una sociedad antropófaga, de corrupción insaciable y falsedad suprema.

El bello pintor maduraba su rabia contenida a través del collage, el assamblage, indagando en las pinturas combinadas de Rauschenberg. Era capaz de fijar horas la mirada en la cabeza de la cabra del Monograma, que ejercía sobre él una irradiación neodadaísta de inestimables consecuencias. Acción, reacción, pintura es igual a coser, pegar, taladrar, fundir, marchar, dibujar cincelar, gotear, escribir. Arte, construir una lógica delirante e inédita que hace totalmente consecuente la evolución de su obra a lo largo de más de dos décadas sin tregua.

Obra de JARR. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Bordados I, de JARR. Técnica mixta sobre lienzo, 33×20 cm. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Jarr siempre había estado envuelto en un aura profética y barroca: el pan de oro empapaba su obra de una esencia mística y su peculiar iconografía unía la fascinación del pop con el legado de la imagen devocional como trasfondo. Pero ahora todo explota en un fuego purificador donde los Ángeles Caídos de Rilke se convierten en auténticos Art Toys y juegan un papel vital en la creación de una nueva iconografía cristológica.

Estos seres negros, con alas doradas y ojos seráficos, idénticos en forma y variados en el mensaje, vinculan a Jarr con la tendencia actual del Costum Art que incita a la producción en serie de obras de arte con materiales alternativos. La transmutación de sus figuras es paralela a su nuevo lenguaje, una técnica mixta de figuras construidas y elaboradas manualmente por el artista donde la acción de coser/pintar tiene como fin capturar el tiempo dentro un objeto. De ahí la emoción profunda de sus obras, que hieren suavemente el corazón desde la desnudez, la sinceridad y la inocencia.

Así vemos un palpitante Sagrado Corazón, un Calvario culminado por figuritas de soldados en batalla o una Torre de Babel que se va descomponiendo constantemente a través de la acción de las llamas de las candelas. Sus míticos cubos incorporan ahora el número, que indaga en la herencia pitagórica en el cristianismo, y una delirante interpretación del símbolo animal que une a Plinio, los bestiarios con el repertorio icónico del Pop.

Pitágoras, serie Ángeles caídos, de JARR. Figura manual en lienzo. 42 x 26 cm.

Pitágoras, serie Ángeles caídos, de JARR. Figura manual en lienzo. 42 x 26 cm. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Pero además de esa lectura cósmica Jarr no olvida la base social de su arte, su compromiso con la realidad, por esos sus crucificados llevan las coronas de alambre, en una clara alusión a la masacre diaria de la inmigración.Es la repuesta de este inquietante artista, que siempre juega con el símbolo y la expresión, con el significado y la emoción, ante la injusticia, la desfachatez política, la corrupción, todas las formas de terrorismo y la deshumanización del mundo. El arte como compromiso es el motor de toda su obra, a veces sacrificando el aplauso y con una virulencia estética no siempre entendida.

Me pude dar cuenta que estaba presenciando su propio Big Bang, el punto de inflexión, de regeneración cósmica, tomando como base el mundo simbólico desde los inicios de nuestra civilización: los dioses egipcios, la sabiduría griega, el arte paleocristiano y la imagen devocional.

A pesar de la profundidad de su mensaje, Jarr apuesta por el guiño inocente y lúdico que siempre acompaña a sus obras y empapado de originalidad y una refrescante magia nos promete una nueva era presidida por el arte y la ilusión. Fue así cómo, sin apenas darme cuenta, me sumé al lema #soloelartemesalva.

Alejandro Villar

 

Tres artistas convergen en Adelantado

‘Modalidades de lo visible’, ‘Un Dos One Two’ y ‘Anganxada’ de Irma Álvarez-Laviada, Camila Oliveira Fairclough y Clarence Guéna
Galería Luis Adelantado y Boiler Room
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: jueves 24 de noviembre a las 20h

Noviembre finaliza con mucha fuerza en la galería Luis Adelantado donde vamos a poder disfrutar de la obra de tres artistas que inaugurarán al mismo tiempo y por primera vez en un mismo espacio.

Irma Álvarez-Laviada (Gijón, 1978) presenta ‘Modalidades de lo visible’, su primera exposición en la galería Luis Adelantado. La artista gallega desarrolla su tesis en la Universidad de Vigo, bajo el siguiente título; El vacío como despliegue autorreflexivo de la propia obra. Sin duda, este trabajo de investigación dota de un carácter teórico a su obra y esto, se aprecia en la solvencia formal de las mismas. También supone toda una declaración de intenciones en torno a su trabajo plástico en el que la pintura traspasa los propios límites de la materia, acercándose a los modos de hacer y pensar, propios de la escultura y la instalación. Dentro de esta idea, cabe destacar el interés de Irma por la noción de vacío, que es punto de partida de algunas de sus obras más representativas.

En ‘Modalidades de lo visible’, podemos encontrar una serie de piezas que nos interpelan sobre los propios límites de la percepción. Un guiño que alude al intelectual John Berger y su Modos de ver. La mirada, no es inocente, siempre emana conciencia y decide aquello que es visible. La elección es también, por lo tanto, un modo de lo visible.

Las obras de Irma, muestran vacíos susceptibles de ser completados por la mirada. Otros trabajos, nos hablan de lo cotidiano reconvertido en obra gracias a una mirada que les dota de sentido a través de la transitoriedad del presente.

En segundo lugar, ‘Un Dos One Two’ de la artista Camila Oliveira Fairclough. Camila trabaja en torno a la idea de pintura, entendida de un modo amplio. Reflexiona a través de sus lienzos —más de quince telas, todos ellas de diverso formato— en los que plasma superficies de color envolventes, con frases que emanan de su día a día, sus vivencias, sus intereses y su experiencia. La artista entiende el lenguaje como forma, como algo objetual que trasciende las dos dimensiones que le otorga el lienzo. Le interesa mucho la relación entre las palabras como objeto, y el contenido que encierran.

Obra de Camila Oliveira Fairclough. Imagen cortesía Luis Adelantado.

Obra de Camila Oliveira Fairclough. Imagen cortesía Luis Adelantado.

Para la exposición ‘Un Dos One Two’ la artista posa su atención sobre una serie de frases que hacen relación al cuerpo en movimiento. Estas frases evocan movimiento, un imaginario etéreo en el que la danza tiene una presencia latente. Las palabras se convierten por lo tanto en una especie de imágenes con autonomía propia, y que como destaca la artista están relacionadas entre sí. De hecho, le interesa mucho el diálogo que se crea entre ellas, tanto a nivel de contenido como formal.

Citando palabras de la propia artista «Mi acercamiento a la abstracción,
está muy ligada al movimiento neoconcreto brasileño. Con artistas como Hélio Oiticica y Lygia Clark, que parten de la geometría y el color, como camino natural hacia la concepción espacial, el objeto y la performance. Ellos absorbieron las vanguardias de un modo muy intuitivo. Me siento próxima a esta actitud no-dogmática, más experimental».

Por último, ‘Anganxada’ de Clarence Guéna se alimenta de un imaginario que modifica a modo de palimpsesto o grabado de nuevo. A través de diferentes técnicas como el escariado industrial, el punto de cruz o la pintura como medio que trasciende entre lo clásico y lo contemporáneo. Su práctica se visibiliza como un juego entre el know-how y la ejecución mecánica y fabril.

Obra de Clarence Guéna. Imagen cortesía de Luis Adelantado.

Obra de Clarence Guéna. Imagen cortesía de Luis Adelantado.

Se puede afirmar pues que, estas pinturas se componen de sucesivas cubiertas. El milhojas resultante de este proceso, se graba y superpone con representaciones arquetípicas, desvelando en su propia sutileza una abstracción latente.

El proyecto que se muestra en Boiler Room, pone en relación sus trabajos, híbridos entre pintura, grabado y capas superpuestas con el propio espacio de la galería, que se convertirá en un lienzo más sobre el que exponer sus ideas. De hecho, dos de los muros estarán cubiertos con papel pintado que, siguiendo la retórica de las piezas de Guéna, dejará entrever su interior a través de capas sucesivas.

Llegado este punto, las múltiples capas emergentes de la propia exposición, se convertirán en algo único. Haciéndose eco del gesto de la pintura, en un diálogo entre el gesto propio de lo ornamental, en contraste con la crudeza del gesto.