“El espíritu de Valencia ha cambiado”

Desayunos Makma en Mar de Avellanas
Abierto Valencia
29 y 30 de septiembre de 2017
Con Rosa Santos y Amparela Benlliure
Entrevista realizada por Vicente Chambó y Salva Torres, equipo de dirección Makma

Rosa Santos, presidenta de LaVAC, y Amparela Benlliure, coordinadora de Abierto Valencia, nos desgranan la programación del evento que supone la puesta de largo de las galerías valencianas que, desde la celebración de su primera edición hace ya cinco años, ha ido creciendo en todos los sentidos. ¿La clave?  La suma de esfuerzos.

Rosa Santos (izda) y Amparela Benlliure en un momento de los Desayunos Makma realizado en el restaurante Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

Rosa Santos (izda) y Amparela Benlliure en un momento de los Desayunos Makma realizado en el restaurante Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

“Las galerías cierran filas para acercar al público su actividad”. Lo dice Rosa Santos, presidenta de LaVAC (Associació de Galeries d’Art Contemporani de la Comunitat Valenciana), que entiende Abierto Valencia como una iniciativa mediante la cual se abren las puertas “a esa gente que no se atreve a entrar en las galerías”. Y para que estén todas representadas, incluidas las que tienen su ubicación fuera de Valencia, se cuenta este año con una novedad.

Así, la Galería Aural de Alicante, por ejemplo, mostrará su propuesta  en un espacio cedido por el Ayuntamiento de Valencia, concretamente la Galería del Tossal (ubicado en la Plaza Bolsería) “con el que hay abierta una negociación para incrementar la colaboración en años futuros”, recalca Rosa Santos, quien añade: “Cada galería apuesta por una gran exposición, tal vez la mejor del año, para abierto Valencia”.

Rosa Santos en un momento de los Desayunos Makma en Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz

Rosa Santos en un momento de los Desayunos Makma en Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz

Pero los esfuerzos, además de esa apertura al público, se han dirigido también hacia otros objetivos, como la obtención de ayudas económicas destinadas a la concesión de premios en forma de adquisición de obras. La Consellería d’Educació, Cultura i Esport, por ejemplo, contribuye con 3.000 € para comprar una obra que pasa al fondo del Consorcio de Museos.

“Desde el aspecto educativo, es importante seguir evolucionando. En este sentido, pretendemos llevar a todas las empresas posibles el mensaje de que invertir en arte puede provocar un retorno”,  subraya Amparela Benlliure, coordinadora de Abierto Valencia. “Para ello, hemos propuesto encuentros con los responsables de las empresas con el fin de concienciarlas de que a través del arte pueden ganar visibilidad, a la vez que están generando tejido cultural y riqueza”, añade.

Amparela Benlliure en un momento de los Desayunos Makma en Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

Amparela Benlliure en un momento de los Desayunos Makma en Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

Para Rosa Santos, “el espíritu de la ciudad ha cambiado, hemos pasado por una dura crisis, y no me refiero solo a lo económico, sino que hemos sentido vergüenza e impotencia al ver lo que ocurría en instituciones como el IVAM, a la que tanto daño se le ha hecho con esa imagen proyectada a base de tantos escándalos; ha sido terrible”.

“Ahora, en cambio, vemos las cosas con esperanza. Valencia ya forma parte del panorama del arte contemporáneo internacional desde un aspecto positivo, no solo por las galerías, sino también por el resurgimiento del IVAM, la creación de un espacio tan especial como Bombas Gens, o la próxima apertura del espacio Caixa Forum en Valencia”, apunta Rosa Santos.

Programa de Abierto Valencia 2017. Foto: Fernando Ruiz.

Programa de Abierto Valencia 2017. Foto: Fernando Ruiz.

En cuanto a la pasión por la profesión de galerista, la máxima responsable de Abierto Valencia, lo tiene muy claro: “Los galeristas, en medio de la vorágine que supone la apertura conjunta de la temporada, somos muy habilidosos para poder atender a todo el mundo”. Con respecto a su reciente nombramiento como presidenta de LaVAC, sustituyendo en el cargo a Olga Adelantado, también se muestra igual de convencida de lo que hace, porque “si no me permitiera disfrutar no lo sería”, apostilla.

Acerca del futuro de Abierto Valencia, cuya fiesta de apertura ya suscita un interés similar al que se produce en Madrid o Barcelona, Rosa Santos dice: “No le veo final. Cada año que pasa y a base de lucha se va sumando más gente, más coleccionistas, más dinámica”.

Para Amparela Benlliure, Abierto Valencia está ya muy bien posicionado. “Llamas a coleccionistas y están interesados en venir. Este año vuelve a coincidir con la apertura de Barcelona, con la diferencia de que el año pasado llamabas y te decían que se iban a la de Barcelona y este año llamas y te dicen que vienen aquí”.

Rosa Santos (a la derecha) y Amparela Benlliure en los Desayunos Makma en el restaurante Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

Rosa Santos (a la derecha) y Amparela Benlliure en los Desayunos Makma en el restaurante Mar de Avellanas. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó

Insondables raíces

‘Un inmeso baniano’, de Máximo González
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Hasta 23 de septiembre de 2017

Máximo González se adentra en la Galería Aural dejando tras de si un rastro inconfundible de reflexión con el entorno, no en un sentido tan ecológico, como meditativo. El pretexto e hilo conductor de las dos instalaciones y el video presentados es, en este caso, casi un aplique literario, un símbolo: un inmenso baniano. El baniano, es un árbol ficus que llega a alcanzar grandes dimensiones y que en muchos lugares del mundo llega a tener un carácter sagrado. No es de extrañar, por tanto, que la hoja de sala de la exposición, empiece un fragmento de Salman Rushdie, sobre la vida de un pueblo, de las costumbres de sus gentes, entorno a un árbol como este. Todo un acierto que consigue predisponer al lector y observador ante la obra de Máximo González.

Tras este breve y necesaria lectura, nos hallamos ante la primera instalación que presenta el artista, participativa e ineludible. Se disponen tres grupos de mesas, con dos sillas cada una. Estas sillas y mesas están realizadas mediante patrones de una madera que suele usarse en la construcción sostenible. Estos moldes se pueden montar y desmontar, al igual que el puzzle sobre la mesa. Estas piezas no forman ninguna imagen, solo recuerdan acciones del ser humano, que construye nuevos entornos pero que, sobre todo, destruye y saquea a su paso.

González, en el coloquio previo a la inauguración comentaba que ‘El arte no tiene por qué cumplir una función (…) Es como el lenguaje, hacen falta dos y cabe tener en cuenta, que unos lo usan mejor que otros’. El instante comunicativo artístico deja paso al silencio, y a la concentración de construir una pieza de puzzle vacía de contenido, aunque no de significado.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

El Espacio 2 de la Galería Aural se ha transformado en un casual paisaje que, al igual que un árbol, enraiza con la tierra. Esta instalación fue concebida en 2015 durante la residencia del artista en el Centre de Cultures et de Ressources de Lizières (Francia), donde recopiló una serie de lienzos. Estas pinturas, no resultan aleatorias. Son paisajes elaborados por artistas decimonónicos poco conocidos, pero que representaron, como toda la corriente de la época, una serie de valores que oscilan entre representaciones pintorescas y otras, como las de Constable y Friedrich, sublimes. Ese interés por la naturaleza inundó el siglo XIX y Máximo González, casi en un viaje conceptual por el tiempo, pone en valor la naturaleza real con la pintada.

Un paisaje que se transforma bajo la acción humana continuamente y que no podemos ignorar, pues forma parte de nuestros orígenes y también de nuestro futuro. Puzzles, muebles, pinturas, objetos naturales encontrados y hasta una animación crean el discurso narrativo de Máximo González, su razón de crear, su baniano más personal.

María Ramis

Mujer o árbol: Clara Souto

Clara Souto. Mujer o Árbol
Art Mustang
C/Severo Ochoa, 36. Elche, Alicante
Inauguración: viernes 21 de julio, a las 13.30h
Hasta el 7 de octubre de 2017

Art Mustang de Eleche inaugura el viernes 21 de julio el proyecto de la VI becada puénting Carla Souto, la cual propone en la muestra una vuelta al sistema natural, explorando los afectos culturales y naturales que se producen entre el ser humano y las plantas.

Carla crea piezas de yeso a partir de moldes obtenidos de partes del cuerpo de modelos femeninos. Las huellas de estos cuerpos en negativo dialogan en el espacio con tierra y plantas generando una instalación titulada ‘Mujer o Árbol’.

Imagen: Cortesía Art Mustang Gallery. Montaje de la exposición.

Imagen: Cortesía Art Mustang. Montaje de la exposición.

Según Johanna Capvilla, “Carla Souto (A Coruña,1994) desea vincular el anthropos a una vuelta al sistema natural explorando los afectos culturales y naturales que se producen entre el cuerpo humano y las plantas. Su proyecto se determina por una clara intencionalidad de retorno a los orígenes cósmicos “fussionels”. El cuerpo es su protagonista. Este provoca una serie de aspiraciones que trascienden lo meramente físico y se ofrecen en la forma de partes abstraídas de mujeres. Partes que pierden su forma de “cosa” en virtud de una ocupación de la naturaleza. Estas se abstraen sin renunciar a sus formas sensuales, redondeadas y sinuosas como los paisajes”.

“Algunas de las piezas escultóricas -continúa Capvilla- remiten a llanos, otras a colinas; sin embargo, todas parecen permitir una reconciliación con las líneas de diseño primigenio: una ergonomía de la naturaleza. Puesto que el cuerpo es quien ahora se adapta a ella y no contrariamente. Y además, lo hace para que esta se sienta renacer en una nueva época -si no queremos denominarla ecológica, al menos deberíamos entenderla bajo una sensibilidad extendida a la totalidad de la existencia”.

El proyecto se ha gestado durante dos meses en las instalaciones y talleres de la facultad de bellas artes de Altea de la UMH que junto al espacio Art Mustang generan hace ya más de seis años esta beca de profesionalización para artistas noveles. En esta edición se sumó la facultad de Pontevedra que pertenece a la universidad de Vigo, haciendo posible la participación en la beca los alumnos de esta facultad, el ayuntamiento de Altea por su parte ha cedido el alojamiento para que la ganadora pudiera vivir estos dos meses en Altea.

Imagen: Cortesía Art Mustang Gallery

Imagen: Cortesía Art Mustang.

Por su parte, Art Mustang concede la cantidad económica de 2.000€ para la producción de la exposición y todos los gastos que esta conlleva. Durante la inauguración del día 21 se podrá disfrutar del sonido de ME DJ, parte fundamental del trio ME & THE REPTILES y que esta vez viene en solitario.

 

Marta Beltrán gana la III Edición DKV MAKMA

III Edición del Premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA
Valencia, julio de 2017

Marta Beltrán Ferrer (Granada, 1977) gana la tercera edición del Premio Nacional de Dibujo organizado por DKV seguros y MAKMA, revista de artes visuales y cultura contemporánea.

El certamen, cuya dotación económica ha aumentado respecto a las anteriores ediciones de 3.000 a 5.000 €, culminará con una exposición de la artista que se celebrará durante los días comprendidos entre el 14 de diciembre de 2017 y el 14 de enero de 2018 en el Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, MuVIM.

Marta Beltrán en su estudio. Fotografía: Marta Dávila

Marta Beltrán en su estudio. Fotografía: Marta Dávila.

Las bases de la III edición del premio de dibujo DKV-MAKMA premian el mejor proyecto de dibujo contemporáneo en relación a relatos o cuentos. La convocatoria se erige con vocación de sumar hacia el territorio artístico y es un referente para aproximar el arte contemporáneo al público en general y para poder ser una primera experiencia expositiva a descubrir en familia.

El trabajo presentado por Marta Beltrán, bajo el título La vendedora de fósforos, consiste en la construcción de un relato idéntico a otro, a través de un proceso de dibujo expandido, que, a su vez, deviene transformado en esta operación de mímesis. La narrativa original de la que parte es la producción fílmica La chica de la fábrica de cerillas, de Aki Kaurismaki (1990), la cual estaría cruzada, además, con otras ficciones pertenecientes a la filmografía de este autor dentro del período de los años 80 y 90, y que retratan el esfuerzo por sobrevivir de la clase trabajadora del norte de Europa durante ese período, resultando así una suerte de relato múltiple. La propuesta pretende, en última instancia, la alteración de este imaginario concreto, de forma que adquiera un carácter atemporal y pueda ser vehículo, en cierta medida, de la propia realidad presente y contextual.

"La vendedora de Fósforos". Marta Beltrán.

“La vendedora de fósforos”. Marta Beltrán.

Para Marta Beltrán, La vendedora de fósforos, por medio de este ejercicio reflejo, que no evita, sin embargo, la distorsión, tanto a nivel visual como de contenido, plantea una representación de la soledad de este personaje femenino y sus avatares, en su lucha por trascender las limitaciones de la realidad material que le ha sido dada. Extrayendo una serie de escenas en las que lo cotidiano adquiere la categoría de momento clave, se plantea la confección de un nuevo catálogo donde la figura femenina es protagonista del universo privado, y gracias a la trasposición de lenguajes que lleva a cabo el dibujo, otorga a estos instantes, en ocasiones, un sentido metafísico.

Dicho catálogo se estructura en cuatro colecciones: la figura de la mujer dentro del espacio interior; la figura de la mujer en compañía del otro; el bodegón o los objetos como elementos con los que estos personajes entran en contacto; y la imagen evasiva o el paisaje como salida dentro de ese espacio interior, ya sea un cuadro, un tapiz o el escenario de un concierto.

pezEn la redacción de su proyecto, la artista destaca la referencia evidente de La vendedora de fósforos, en el cuento de H.C. Andersen (1845), así como otras alusiones: el trasunto de la película Mouchette de Bresson (1967), y la novela originaria en la que está basada la película, Nueva Historia de Mouchette, de G. Bernanos (1937). Con todo ello refuerza el tema planteado: la exposición de la figura de la mujer como víctima y heroína de unas condiciones sociales que la colocan al límite y la pregunta sobre una salida que no devenga en una resolución destructiva, ni de ella misma ni de los personajes y el entorno que la rodea. Dentro de este planteamiento, es la imaginación la que ofrece una salida, no sólo como huida sino como lugar de encuentro y reconstrucción de uno mismo.

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En cuanto a la presentación y resolución técnica del proyecto, la artista propone principalmente dibujo expandido, tinta china, e incluso collage para animar la gama cromática de la inseparable escala de grises con el dibujo. Todo ello, en combinación con alguna sorpresa didáctica que se desvelará en fechas próximas a la exposición a celebrar en el MuVIM.

El jurado, formado por Inmaculada Corcho, directora del Museo ABC; Óscar Alonso Molina, crítico de arte y comisario; Antonio Alcaraz, director del Departamento de Dibujo de la Facultad de BBAA San Carlos; Alicia Ventura, comisaria y asesora de la Colección DKV; Juan B. Peiró, crítico de arte y asesor de la colección DKV, y Vicente Chambó, editor, crítico de arte y co-fundador de Makma, ha decidido conceder además dos menciones de honor (que un año más, no estaban previstas en las bases de la convocatoria) a Manu Blázquez Palacios, por Abundante. Altamente abundante. Compuesto; y a Laura F. Gibellini, por De donde vienen los colores, debido a la excelente calidad de los proyectos finalistas.

Ejemplo del proyecto de Manu Blázquez, mención especial del Jurado.

Ejemplo del proyecto de Manu Blázquez, mención especial del Jurado.

Ejemplo de imagen presentada en el proyecto de Laura F. Gibellini, mención especial del Jurado.

Ejemplo de imagen presentada en el proyecto de Laura F. Gibellini, mención especial del Jurado.

Hoy finaliza el plazo del Premio de Dibujo DKV-MAKMA

Convocante: DKV Seguros y MAKMA
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 23 de junio de 2017

BASES PREMIO DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA
BECA DE PRODUCCIÓN Y EXHIBICIÓN DE DIBUJO INÉDITO

Descripción
DKV Seguros y MAKMA convocan la III edición del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA con el objetivo de premiar la producción de un proyecto expositivo inédito inspirado en un relato para todos los públicos, utilizando el dibujo contemporáneo como técnica básica.

Espíritu de la convocatoria
El objetivo principal del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA es fomentar la producción y difusión del trabajo de artistas noveles a través de una convocatoria anual abierta a la participación de cualquier ciudadano de nacionalidad española que cumpla los requisitos especificados en el apartado condiciones de participación. Los participantes deben presentar una propuesta de proyecto expositivo que acredite su capacidad para llevar a cabo una exposición monográfica en el espacio expositivo del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, MUviM, en la ciudad de Valencia (véase documento adjunto).
El jurado seleccionará un proyecto ganador que será premiado con una dotación económica de 5.000 € y la realización de una exposición según la propia propuesta presentada por el autor de dicho proyecto. Este proyecto tiene entre sus objetivos servir de experiencia cultural incluso a público en familia, generando anualmente un contenido específico que facilite una aproximación didáctica al arte a personas de cualquier edad.
Los participantes presentarán contenidos inspirados en el universo del relato para todas las edades. Esta condición no obliga a la literalidad ni debe suponer cortapisa para el desarrollo creativo del proyecto. El objetivo de la convocatoria, es fomentar el dibujo contemporáneo y dar a conocer al autor del mejor proyecto reconocido por el jurado dentro de la citada temática.
Los contenidos pueden ser realizados con cualquier tipo de técnica y presentados en cualquier tipo de soporte siempre que su creación comprenda el empleo del dibujo en cualquiera de sus variantes.

Funcionamiento de la convocatoria.
Presentación de propuestas.
(10/04/2017 – 23/06/2017)
Las propuestas expositivas deben presentarse, de acuerdo a lo estipulado en el apartado “Condiciones para la participación”, entre las 8:00 h del 10 de abril de 2017 y las 24:00 h del 23 de junio de 2017.

Comunicación al ganador.
Un jurado formado por expertos elegido por las entidades organizadoras, seleccionará la propuesta premiada. El fallo será notificado individualmente a los ganadores así como a los medios de comunicación antes del día 30 de junio de 2017.

Producción de la exposición.
(01/07/2017 – 01/12/2017)
Desde el conocimiento del fallo del jurado, el premiado dispone de cinco meses para producir el proyecto expositivo propuesto. Durante todo este proceso, el premiado será asesorado y guiado por los profesionales de las entidades organizadoras. Para la producción de su obra, el premiado dispondrá de la dotación económica de los 5.000 € del premio con los que cubrirá sus honorarios y los gastos de producción. Asimismo, dispondrá de un equipo para el montaje de las obras y la instalación de los diferentes elementos de la exposición. El día 30 de noviembre de 2017 el galardonado debe tener la obra lista para la realización de la exposición. El premiado será el responsable del proceso de producción, y deberá aportar un proyecto completo de exposición, contando para el montaje, con la dirección, coordinación y organización de una persona acreditada por parte de los organizadores.

Exposición.
(14 de diciembre de 2017 a 14 de enero de 2018)
La organización hará pública la fecha concreta de inauguración de la exposición el día 29 de junio, junto con el fallo del jurado.

Condiciones para la participación
La organización solo tomará en consideración aquellas propuestas que cumplan estrictamente con todas y cada una de las condiciones siguientes:
- La convocatoria está abierta exclusivamente a la participación de artistas nacidos a partir del 1 de enero de 1977 y de nacionalidad española. En caso de colectivos, todos los miembros del mismo deberán cumplir los requisitos.
- El proyecto debe:
Ser original, inédito, específico y adaptado al espacio. No se admitirán en esta convocatoria aquellos trabajos que hayan sido editados, expuesto, publicados o premiados anteriormente, por tratarse de una producción específica.
Circunscribirse a la temática establecida en estas bases.
Emplear técnicas artísticas vinculadas al dibujo.
- El autor del proyecto ganador:
Cederá una selección de las obras presentadas en la exposición a la Colección DKV, sin que ello suponga una contraprestación económica adicional a la dotación del premio. La selección se realizará por parte del Comité asesor de la Colección DKV, de acuerdo a las características de la obra y valorando las sugerencias del propio autor. DKV Seguros tendrá prioridad en la adquisición de las obras incluidas en la exposición. Para concretar esta donación, el artista entregará las obras seleccionadas en el almacén de la Colección DKV y firmará con DKV Seguros los documentos pertinentes.
Cederá a MAKMA y DKV Seguros los derechos de comunicación pública de las obras del proyecto con fines promocionales, para la incorporación a la web, fines didácticos y de investigación.

Muchedumbre I, de Cristina Ramírez, galardonada en la pasada edición

Muchedumbre I, de Cristina Ramírez, galardonada en la pasada edición

Criterios de valoración
Los proyectos serán valorados por un jurado formado por personas relevantes del mundo del arte y la comunicación en función de los siguientes criterios:
- Calidad artística de los proyectos presentados.
- La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución en función de los plazos y el presupuesto.
- La originalidad en la aproximación del proyecto a la temática propuesta: “un relato para todas las edades”
- Se valorará el grado de innovación del proyecto en cuanto a la adaptación a posibles actividades relacionadas. Especialmente si son didácticas.
- La capacidad para combinar las técnicas tradicionales de dibujo con técnicas contemporáneas.

Jurado
La valoración y selección de la obra premiada corresponde a un Jurado compuesto por expertos en la materia y elegido por DKV Seguros y MAKMA. La composición del jurado de esta edición es la que sigue:
- Alicia Ventura, comisaria de exposiciones y asesora del Proyecto ARTERIA DKV.
- Vicente Chambó, Editor, fundador y director de El Caballero de la Blanca Luna y cofundador de MAKMA.
- Inmaculada Corcho, Directora del Museo ABC de dibujo e ilustración.
- Óscar Alonso Molina, comisario y crítico de arte.
- Juan Bautista Peiró, Asesor de la Colección DKV.
- Antonio Alcaraz, Director del Departamento de Dibujo de la FFBBAA San Carlos. (UPV)
- Rafael Company, Director del MUvIM
Las decisiones del jurado son inapelables.
Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

Exoneración de responsabilidad
DKV Seguros y MAKMA quedan exentos de toda responsabilidad que pudiera derivarse de los posibles errores existentes en los datos facilitados por los premiados, inexactitudes de los mismos o imposibilidad de identificación. Igualmente quedarán exentos de responsabilidad en caso de error en la entrega de cualquier premio siempre que éste se deba a causas fuera de su control o a la falta de diligencia del ganador.
Asimismo, los organizadores quedan exonerados de cualquier responsabilidad legal derivada del contenido de la obra presentada, haciéndose responsable el autor de la observación del marco legal relativo a los contenidos artísticos.

Aceptación de las bases
La simple participación en este proyecto supone la aceptación de estas bases en su totalidad. DKV Seguros y MAKMA se reservan el derecho de interpretar o modificar las condiciones del presente concurso en cualquier momento, e incluso de anularlo o dejarlo sin efecto, siempre que concurra causa justificada para ello. En todo caso, se comprometen a comunicar por esta misma vía las bases modificadas, o en su caso, la anulación del concurso en su conjunto, de forma que todos los participantes tengan acceso a dicha información.

Protección de datos
Se informa al solicitante que los datos personales recogidos serán incorporados a las bases de datos de MAKMA, responsable del fichero, con domicilio en Calle En Borràs, 16, Bajo. Derecha. Valencia, y serán tratados con la finalidad de atender y gestionar la solicitud de participación formulada. Los datos recabados han de cumplimentarse obligatoriamente, pues de otro modo no podría ser atendida la solicitud.En cualquier momento, el participante podrá ejercer sus derechos de acceso, rectificación, cancelación u oposición dirigiéndose al correo convocatorias@makma.net y concretando su solicitud.
El participante garantiza la autenticidad de todos aquellos datos que comunique, y se compromete a mantener actualizados los mismos durante el período de duración de la convocatoria, siendo responsable de todos los daños y perjuicios ocasionados por la aportación de datos incompletos, inexactos o falsos.

Presentación de propuestas
- Nombre, fotocopia DNI por ambas caras y datos de contacto (dirección completa, e-mail, teléfono).
- Currículum del artista (máximo 300 palabras)
- Dossier con la propuesta de proyecto expositivo debidamente desarrollado incluyendoal menos:
- Título del proyecto
- Memoria escrita: descripción del proyecto.
- Justificación de su aproximación a la temática propuesta.
- Documentación visual de las obras propuestas en PDF.
- Propuesta de adaptación del proyecto al espacio expositivo.
- El envío de todo ello se realizará obligatoriamente por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net.

En el asunto debe indicarse el nombre de la convocatoria y del participante.
Toda la información deberá presentarse obligatoriamente en un único PDF. Las imágenes de las obras pueden enviarse además en JPEG para una correcta valoración.

A continuación se ofrecen algunos consejos para la presentación de propuestas:
a) Los participantes no están obligados a presentar el total de la obras a exponer. Es suficiente con aportar un número suficiente de piezas que permitan al jurado valorar la calidad del contenido y el significado del mismo. Es fundamental que las imágenes sean de gran calidad para poderse evaluar. La convocatoria prevé el plazo de producción de 5 meses indicado anteriormente para desarrollar el cuerpo expositivo.
b) El formato de la memoria es libre, pero debe atender a los criterios establecidos más arriba.
c) Siendo las técnicas de dibujo las protagonistas del proceso creativo, se valorará el uso libre del conjunto de la sala y el empleo de todo tipo de técnicas para la reproducción-exhibición de las obras.

BASES_PREMIO_DIBUJO_DKV-MAKMA_2017-8

Información y consultas
Para cualquier información adicional o consultas sobre la convocatoria se puede contactar con: convocatorias@makma.net o en el teléfono 963916678 – 670421982 Los resultados de esta convocatoria de carácter abierto serán anunciados en www.makma.net y mediante comunicado a los medios de comunicación y redes sociales. La participación de esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.

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Sobre lindes y otros colapsos

‘Atlas Mundial de Selecciones’, Juan José Martín Andrés
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Del 25 de mayo al 1 de julio de 2017

La naturaleza crea barreras casi imposibles de salvar que han condicionado, desde los orígenes de la humanidad, incluso los rasgos de las poblaciones y actuales asentamientos. A pesar de todo, el ser humano ha ido superando estos obstáculos naturales en su afán por conocer. Ya casi no existen fronteras naturales, por lo menos no las psicológicas, pero en cambio, se han ido creando otro tipo de límites. Sin duda alguna, guerras y conflictos son fuentes de creación de barreras artificiales.

Juan José Martín Andrés nos pone sobre la pista del origen de algunas de las pugnas actuales por el territorio en su nueva exposición ‘Atlas Mundial de Selecciones’ de manera sencilla pero muy eficaz. Actualmente residente en México, el artista presenta sus últimos trabajos gráficos, mapas originales intervenidos. Originales en el sentido de que muestran las divisiones de la época para la que fueron concebidos: el siglo XX, un siglo de profundas y cambiantes demarcaciones. Si el espectador se fija, no podrá reconocer muchos de ellos, no solo por el hecho de que el artista ha ocultado con opaca tinta vastas zonas con el objetivo de deshacer el concepto territorio-nación, sino por el gran cambio  sucedido (no en términos de calidad, sino en cantidad) en cuanto a la situación de las fronteras.

'Nations of the world' Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

‘Nations of the world’ Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

Imperios, repúblicas, constantes anexiones o separaciones de líneas rectas son elementos que Juan José Martín Andrés recalca a través del vacío. La ausencia de dibujo sirve aquí para hacer denotar el espacio. Los cambios de perspectiva y las distorsiones permiten al artista añadir reflexión y juego. Un juego que ya adelantaban en 1980 Guattari y Deleuze, cuando teorizaron sobre la máquina de guerra y el Estado. Mientras que el primero combate por una apertura espacial, el segundo controla y marca los límites de dicho espacio. Las maniobras resultantes quedan reflejadas en el presente, en ese tablero en el que fuerzas políticas y económicas ‘juegan’, como si no estuvieran en el mundo real.

Martín Andrés proyecta una distancia que resulta complicada de pronosticar para el día a día del ciudadano, y consigue, aunque sea de forma imperceptible, que se admire el panorama desde un punto de vista de global. En un mundo donde el cerebro humano está constantemente recibiendo datos, pero que solo retiene un escaso tanto por ciento, se hace necesario y agradable el reposo y el detalle. Aún teniendo en cuenta este consejo, se advierte que, con un rápido vistazo a ’Atlas Mundial de Selecciones’, una abrumadora sensación de velocidad histórica puede recaer sobre la conciencia, provocando, casi sin remedio, una exteriorización facial de incredulidad.

María Ramis

Dulces, corruptos y arrepentidos

Pecados Capitales, de Manu Blázquez, Vicente Aguado y Silvia Martí Marí
Proyecto 3-CMCV, Consorcio de Museos
Lonja del Pescado
Almirante Julio Guillem Tato, 118. Alicante
Hasta el 14 de mayo de 2017

Tomás de Aquino ya advertía que “los pecados capitales son aquellos a los que la naturaleza humana está principalmente inclinada”. Los pecados capitales son casi una obsesión de nuestra sociedad actual. Una continua y repetitiva iconografía que se ha ido desarrollando paralelamente a su significado primigenio. Desde El Bosco, pasando por Pieter Brueghel el Viejo, hasta las redes sociales actuales, aparecen y desaparecen pasando desapercibidos pero siempre presentes. Los pecados capitales cambian de contenido, de motivos, e incluso de rostros, pero se mantienen inamovibles en su esencia condenatoria. Como evidencias de nuestra colectividad occidental se han venido manifestando en el arte, incluso en el más actual. De esto trata precisamente ‘Pecados capitales’, una exposición de Manu Blázquez, Vicente Aguado y Silvia Martí Marí en la Sala de la Lonja del Pescado de Alicante donde se reinterpretan estas certezas pecaminosas apostando por diferentes enfoques.

Durante el 2016 nos han bombardeado con las imágenes de la exposición del Bosco que tuvo lugar en el Museo del Prado. Todo un acontecimiento ya que en unas pocas paredes podía observar muchas de las obras del repertorio del genial artista del medievo. Pero probablemente las interpretaciones actuales se parezcan más a las de Pieter Brueghel el Viejo. En sus primeros grabados, casi homenajes a los del Bosco, ha desaparecido ese terror devoto, algo que concuerda con ‘Pecados capitales’. Tres proyectos configuran la muestra y articulan un discurso diferenciado entre los lenguajes estéticos asociados a cada artista. Comienza el recorrido con ‘Dei canti lamentosi’ de Manu Blázquez. Un gran pieza, escultórica en su mayoría, pero que camina hacia lo pictórico  dejando entrever espacios geométricos. Estas breves interrupciones del blanco sepulcral del papel persiguen el fin místico de la reflexión tras el acto perverso. Una especie de rosario cuyas cuentas geométricas exoneran nuestros pecados.

Vista de Loterías y pecados del Estado. Vicente Aguado. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vista de Loterías y pecados del Estado. Vicente Aguado. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vicente Aguado presenta ‘Loterías y pecados del Estado’, pieza que continúa con la línea crítica del artista que hemos visto en acciones anteriores. Corrupción de todo tipo de la que, por supuesto, ni siquiera el ciudadano puede librarse. Estas 926 papeletas y sus correspondientes tickets de pago depositados en una papelera, demuestra el doble juego (triple si consideramos la acción como un trance placentero) al que estamos sometidos; por un lado, la estimulación constante a gastar dinero, y por otro, el castigo y escarmentación tras el acto inducido. Esta obra es solo la primera parte de un proyecto de un total de tres acciones.

Finalmente, Silvia Martí Marí propone ‘Dulcificar pecados’, una obra abierta y en desarrollo en la que el espectador formará parte de una acción para purgar sus propios pecados. Actualizados más que nunca, los siete pecados capitales, o por lo menos su versión gráfica, descansan, encerrados, sobre una mesa. La artista anima al público a que cojan ese pecado y contacten con ella explicando por qué lo han elegido o qué han hecho con él. Mientras tanto, una serie de fotografías nos ilustran sobre distintas formas de despojarse de esos pecados, cocinándolos, rompiéndolos… En resumen, librarse de ese halo de perpetuidad que normalmente rodea nuestra culpa. Es así que, ‘Pecados capitales’ no solo se configura como la última convocatoria del proyecto 3-CMCV que dará paso a la esperada ‘Escletxes’, sino como la excusa perfecta para recelar, mirar de reojo y sonreír en un viaje al recuerdo. Después de todo, y de nuevo referenciando a Tomás de Aquino, “un vicio capital es aquel que tiene un fin excesivamente deseable” y no existe mayor deseo que observar los pecados de frente para ver que la expiación, en realidad, no queda tan lejos.

Vista de Dulcificar pecados. Silvia Martí Marí. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vista de Dulcificar pecados. Silvia Martí Marí. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

María Ramis

El legado de Emilio Sdun

Memorial Emilio Sdun
Universidad Politécnica de Valencia
Hasta mediados de marzo de 2017

Para todos aquellos que entienden el libro como una obra de arte, Emilio Sdun es ya un referente ineludible. ¿Que quién es Emilio Sdun? Pues alguien que “destilaba imprenta por los poros de su piel y, tras unos minutos a su lado, uno acababa amando la tipografía”. Así lo define Paco Vela en la exposición organizada por el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Valencia y Librodeartista.info Ediciones de Jaén como homenaje al artista desaparecido hace dos años.

Antonio Alcaraz, comisario de la muestra junto a Antonio Damián, recuerda la impronta que dejó en Valencia en los dos talleres que impartió en la Universidad Politécnica. “Formó a un montón de gente, entre ellos a Marta Pina y Eva Mengual, a quien llegó a regalar gran parte de lo que ahora tiene”. Mengual, responsable de la Seiscuatro, participa de hecho en la exposición con un magnífico desplegable libro de artista. Junto a ella, otros 25 ejemplares integran la exposición Memorial Emilio Sdun. Un homenaje a su figura en el que han terminado participando artistas de diferentes países, a través de la convocatoria abierta para tal fin.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

El tipógrafo Emilio Sdun. Imagen cortesía de la UPV.

“Muchos han conocido en Valencia la letra gracias a Emilio Sdun”

Como Emilio Sdun, en el momento de su fallecimiento en enero de 2015, se hallaba trabajando en torno al dadaísmo, este ha sido el motivo elegido a la hora de convocar los trabajos para el Memorial. “Sus gafas de componer, la jeringuilla utilizada a causa de su enfermedad, la pajarita; todas esas cosas las tenía en una cajita a modo de acto dadaísta”, señala Alcaraz, que recuerda igualmente la singular manera que tenía de trabajar: “Muchos han conocido aquí la letra por él; letras que trabajaba de forma poco ortodoxa”.

Dieter Emil Sdun nació en Leubnitz (Sajonia), se formó en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín y fundó en Frankfurt, junto con su mujer Doris, el taller Prensa Cicuta, nombre tomado de una planta tóxica que crecía en el exterior del edificio donde ubicó su imprenta. Un viaje a España por Granada, dada su pasión por Lorca, le hizo abandonar su Alemania natal y adoptar pronto el nombre más castellano de Emilio Sdun. Alcaraz lo conoció en Frankfurt y una vez instalado en nuestro país no dejó de acercar su trabajo a los alumnos de la UPV, en cuya colección hay buena parte de su obra.

Obra de Familia Plómez. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de Familia Plómez en la UPV.

“Era hombre de pocas palabras, lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”

“Se implicó mucho aquí, dando talleres a gente joven y enseñando con generosidad cuanto sabía, que era mucho”. En la exposición ubicada en el ‘Espai (en vitrina)’ del Decanato y la Biblioteca de Bellas Artes, que permanecerá hasta el 28 de febrero, hay un trabajo realizado conjuntamente por Emilio Sdun y el propio Alcaraz, tomando como referente un texto de Paul Renner (“diseñador de la letra futura”), al que interpretan en el libro Die Kunst der Typographie (El arte de la tipografía). “Era hombre de pocas palabras, que lo decía todo mediante su sorprendente trabajo”, subraya el comisario de la exposición.

“Soy un amante de la poesía y de los libros en general”, apuntaba el propio Sdun en la última entrevista concedida a medios, realizada por el editor Vicente Chambó, quien destaca el predominio en su obra del “texto en armonía con el espacio”. “Los jóvenes hoy en día trabajan con ordenadores, impresión digital y nuevas tecnologías”, decía en esa entrevista, para agregar: “Con la irrupción de lo digital, creo que el libro de calidad y de creación manual tiene un valor añadido”. Valor añadido que se puede ver en la exposición que sirve de homenaje a su figura.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

Obra de Librodeartista.info en la UPV.

“Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”

Los libros de Sdun, como recuerdan los comisarios, se encuentran hoy en importantes museos y galerías de arte de todo el mundo, como la Tate Modern de Londres, el Museo Gutenberg de Maguncia o el Art Center Collage of Design de Pasadena en Estados Unidos. “Fue un completísimo artista, precursor en España del uso de la tipografía con fines artísticos”, explica Vela, quien destaca, además del trabajo realizado con Antonio Alcaraz, “la inclasificable obra Mi idolatrada felatriz, de Fernando Arrabal”. Alcaraz apunta que Sdun “chupa mucho de las vanguardias alemanas clásicas, de los constructivistas rusos y de la literatura iberoamericana”.

El Memorial Emilio Sdun, nacido como homenaje y que ha dado pie a la convocatoria con casi 100 trabajos presentados, de los que se han seleccionado los 25 que integran finalmente la exposición, pudiera tener continuidad. “No lo habíamos pensado, pero dado el éxito quién sabe”, barrunta el comisario. Las obras, presentadas en vitrinas y en el interior de singulares palés (“los trajimos de Fuente del Jarro”) montados sobre libros de viejo, giran en torno al dadaísmo, movimiento artístico surgido en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zurich, a instancias de Hugo Ball. Dadaísmo que fue a su vez última fuente de inspiración del propio Sdun, pivotando sobre ambos la muestra.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Obra de alumnos de la Escuela de Arte José Nogué. Imagen cortesía de la UPV.

Hay obras de Argentina, Colombia, Brasil, Alemania, Francia y de algunas universidades españolas que trabajan el libro de artista, como la de Bellas Artes de Altea, la Complutense de Madrid, las de Salamanca y Granada, o la propia Universidad Politécnica de Valencia. También de las Escuelas de Arte y Diseño de Jaén y Barcelona. Obras de una gran calidad y originalidad que, siguiendo los dictados Dadá, juegan con las palabras y las imágenes para recrear universos donde la lógica da pie a los más variados despropósitos.

Los carteles de la Familia Plómez, apelando a la larga vida del papel (Paper is not dead), el propio montaje de Librodeartista.info Ediciones interpretando al poeta visual Antonio Gómez, o las ‘Parafasias sin re me dios’ de Consuelo Vallejo, jugando con los nombres de algunos medicamentos (Ytuponfreno, Antidiótico, Siponfín o Espararato), son algunos de esos trabajos dadaístas en honor a Emilio Sdun, que como recuerda Alcaraz poseía igualmente un socarrón sentido del humor. El Memorial que viene a restañar la herida de su muerte comenzó en el Museo de Jaén, se prolonga ahora en la UPV y concluirá ampliado en octubre en el marco del festival del libro SINDOKMA’17 en Valencia. Aunque, como desliza Alcaraz, quién sabe si no tendrá más larga continuidad.

Emilio Sdun.

Emilio Sdun en el cartel de la exposición que le dedica la UPV.

Salva Torres

Las galerías valencianas se vuelcan en ARCO’17

Feria ARCO Madrid 2017
Galería Luis Adelantado, Galería Rosa Santos, Espai Tactel, Galería Aural y Espai Visor.
Del 22 al 26 de febrero de 2017

Otro año más, la gran cita del arte contemporáneo español regresa a Madrid con un sinfín de propuestas que probablemente nos sorprenderán. Seguramente los grandes medios se harán eco de esa “obra” controvertida alejada de lo que es el arte contemporáneo español real. Al ver, leer o escuchar estas noticias quizás muchos se pregunten cuál es realmente el peso del galerismo valenciano en esta importante cita. Nos complace afirmar que, a pesar de la crisis económica y de las pocas facilidades existentes en nuestro país para el fomento del coleccionismo, la Comunidad Valenciana se mantiene a flote como puede y se caracteriza por exhibir obras de artistas de calidad.

Es por ello quizá que la ya veterana en la feria y referente de la ciudad de Valencia, la galería Luis Adelantado, dice querer explorar con la representación elegida la magnitud del arte contemporáneo. Todo un reto que solventa con una amplia exposición de un total de trece artistas. Por tanto, en la puesta en escena lucirán sus ya clásicos Luis Gordillo, Rubén Guerrero, una nueva escultura de Mathieu Mercier titulada ‘The King, his Lovers and their Bastard’, y por supuesto, el gran contrafuerte de la temporada pasada que fue Darío Villalba. De él, en una suerte de ejercicio histórico, se expondrán sus conocidos ‘Encapsulados’ y algunos de los ‘Documentos básicos’ de los 70.

La presencia extranjera acontecerá a través de las piezas escultóricas de Marius Engh, Gonçalo Barreiros y Yann Sérandour; las pinturas elegidas serán las de Camila Oliveira Fairclouhg y también podrán verse obras de las exposiciones actuales de Ting-Ting Cheng y Folkert de Jong. La apuesta española reside en el arte de Irma Álvarez-Laviada, en los jóvenes andaluces Fuentesal & Arenillas y en el pintor valenciano Álex Marco cuya obra ‘La hora loca de los gatos’ pudimos disfrutar en la creativa Boiler Room el pasado año 2015.

Obra de Mathieu Mercier titulada 'The King His Lover and Their Bastard'. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Obra de Mathieu Mercier titulada ‘The King, His Lover and Their Bastard’. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Más artistas españoles y sobre todo una mayor presencia femenina podrán disfrutarse en el stand 9E13, el correspondiente a la también habitual galería Rosa Santos. Obra de la reconocible Greta Alfaro, la característica teatralidad de Mira Bernabéu, las imágenes entrecruzadas de memoria histórica de la investigadora María Ruido o las esculturas de Elena Aitzkoa son parte del recorrido planteado por la galería. La obra visual de la premiada Andrea Canepa y el discurso contracultural y feminista de la italiana Chiara Fumai completan el elenco de mujeres artistas. El fundamental duotono de Chema López, los dibujos del barcelonés Xisco Mensua y las reflexiones entre espacio y poder de Xavier Arenós cierran el seguro exitoso muestrario de Rosa Santos.

La lista de artistas por la que apuesta Espai Visor es también muy amplia y combina los esfuerzos de contraposición entre la escena artística española y el arte de otros países europeos en la línea en la que la galería ha estado trabajando en los últimos años. Así, podrán adquirirse piezas de Ángeles Marco, Bleda y Rosa, Braco Dimitrijevic, Esther Ferrer, Françoise Janicot, Lea Lublin o el mural ‘Archivo Casa Ena’ de Patricia Gómez y María Jesús González, pieza que rescata la memoria a través de partes del susodicho hogar. Destacan los ‘Proyectos Especiales’ de Katalin Ladik, Endre Tót y Tamás Szentjóby. ‘Proyectos Especiales’ es el término que se refiere a obras de gran formato, de corte museístico que hacía mucho que no se veían por la feria. De hecho, Carlos Urroz califica a estas decena de piezas seleccionadas de “ambiciosas y arriesgadas” y que simbolizan un nivel de recuperación de la feria.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

La alicantina galería Aural amplía su stand hasta casi el doble que en otras ediciones presentando a ocho artistas a través de los cuáles han querido crear un proyecto en el cuál se incida en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. El hilo conductor de su stand se sostiene en grandes figuras de la escena contemporánea, como la galardonada y Premio Nacional de Artes Plásticas, Concha Jérez, y también en las obras tipo libro de la reconocida Anna Bella Geiger, que desde luego exploran los discursos de esta gran artista cuya andadura comenzó en la Brasil de los años 70. También en representación del panorama latinoamericano, y enlazando con el país invitado de esta edición de ARCO, podrá escucharse y verse ‘Los invisibles’ de Ingrid Wildi Merino, una pieza audiovisual que pone su atención sobre la actual problemática de los inmigrantes y el territorio, así mismo la sonora instalación de Máximo González versa sobre el acto cotidiano de pasear y no dejará impasible a aquel la experimente.

‘La isla parlante’ de Isaac Montoya es otra de las obras con una clara intención política en las que se incide, la fotografía de Javier Vallhonrat, la reflexión sobre la imposibilidad de la imagen estética de José Maldonado o el trabajo conceptual y postminimal, aunque imposible de serializar, del zaragozano Fernando Sinaga que indaga y resalta la filosofía de Voltaire, clausuran el amplio coloquio visual (y sonoro) de la galería Aural.

Obra de Máximo González titulada 'Partitura'. Imagen cortesía Galería Aural.

Obra de Máximo González titulada ‘Partitura’. Imagen cortesía Galería Aural.

Por último, Espai Tactel se estrena en este ARCO 2017 con dos jóvenes promesas cuyos nombres no dejan de escucharse en los últimos meses. La alcoyana Rosana Antolí crea auténticas coreografías con sus geometrías, mientras que Fito Conesa experimenta con la comunicación, la música y el video.

Tras este exhaustivo análisis podemos afirmar que las galerías valencianas resaltan con sus propuestas el valor del video, de la escultura y también la confianza en la capacidad de las jóvenes promesas. Debemos valorar el impetuoso esfuerzo que hacen las galerías de la Comunidad Valenciana por no fallar, año tras año, a una feria que cada edición parece centrarse más en el mercado internacional, descuidando el nacional. Tampoco se puede ignorar los retos que han de afrontar para mostrar, en un breve espacio en forma de escaparate, todo el trabajo que temporada tras temporada exige tiempo, rivalidades y sobre todo muchísimo amor por la profesión.

María Ramis

El reflejo acuoso de Mª Dolores Mulá

‘Tierra inundada’, Mª Dolores Mulá
Comisarios: Pepe Calvo y Juan Antonio Roche
Sala Juana Francés, Sede Universitaria Ciudad Alicante
Avd. Ramón y Cajal 4, Alicante.
Hasta el 2 de marzo de 2017

Una breve pero intensa porción del imaginario de la fotógrafa catalana Mª Dolores Mulá puede verse estos días en la Sala Juana Francés de la Sede Ciudad de Alicante perteneciente a la Universidad de Alicante. Esta artista, asentada en Elche desde hace tiempo, destaca por una larga trayectoria en el panorama artístico valenciano gracias, sobre todo, a sus pinturas y grabados los cuáles, por cierto, han tenido un merecido hueco en el Repertorio bibliográfico de artistas valencianos contemporáneos: 1950-2000, proyecto de investigación dirigido por el académico Román de la Calle. Es precisamente de la Calle el que regala la clave principal para entender la obra de Mulá:

“la mayoría de imágenes generadas por María Dolores Mulá en sus numerosas pinturas y grabados pueden ser asociadas – como efectos descriptivos de su recepción- a determinados términos lingüísticos, que conllevan quizás fuertes connotaciones poéticas. ¿Cómo no relacionar las imágenes con los términos expresivos que ellas mismas motivan? ¿Cómo no vincular las obras, de alguna manera, con los efectos de su recepción?”

A pesar de que Tierra inundada’ son fotografías, técnica no acostumbrada a exhibirse en la obra de la artista, las imágenes sirven de puente para observar claramente el regreso a esa motivación y recepción poéticas de las que nos habla Román de la Calle.

Sin título (2013). Una de las piezas que puede verse en la muestra. Imagen cortesía Sede Universitaria Alicante.

Sin título (2013). Una de las piezas que puede verse en la muestra. Imagen cortesía Sede Universitaria Alicante.

Agua, naturaleza, tierra y memoria. Mulá fue desterrada, despojada consecuentemente, de su lugar natal. El pequeño valle donde nació quedó sumergido por las reposadas y grises aguas de un pantano. Ese tono grisáceo parece dirigir todo el recorrido puesto que va saltando del agua, a la tierra y por último al cielo. La muestra se encuentra dividida en cuatro apartados Agua desbordada’, ‘Agua retenida’, ‘Agua rota’ y ‘El misterio del origen’. En ellos crea un nuevo ciclo imaginado: primero el agua desborda, no contiene su fuerza y fluye sin que la nimiedad del ser humano pueda hacer nada; luego, descansa y se detiene en charcas, lagunas e incluso cráteres de volcanes, para más tarde caer y romperse, con gran estruendo, no quiere pasar desapercibida por aquellos caminos que la naturaleza a dispuesto; por último, reaparece y germina de nuevo, sosegada, apacible…

Si la fotografía trata de captar el instante, el conjunto presentado en la semicircular Sala Juana Francés relata un continuum que conecta el agua y la tierra, la historia con los sucesos y un entorno que se mantiene cambiante pero impasible. Mª Dolores Mulá, y también los comisarios ideadores, han logrado mantener al espectador en vilo hasta el último momento, casi sin atender a la respiración como si nos estuviéramos ahogando inconscientemente, sumergiéndonos en tierras fangosas y aguas grisáceas.

María Ramis