La Galería Estampa inaugura la Biblioteca Americana

La Biblioteca Americana
Galeria Estampa
C/Justiniano, 6. Madrid.
Del 12 de Julio hasta el 20 de Julio de 2018.

El Jueves 12 de Julio a las 8 de la tarde tendrá lugar la inauguración de la exposición ´La Biblioteca Americana´ en la Galería Estampa, Madrid. La exposición está compuesta por una serie de poemarios escritos por autores de iberoamérica. La exposición se mantendrá en la galería hasta el 20 de Julio.

‘La Biblioteca Americana’ es una colección literaria donde se unen íntimamente la poesía y la ilustración. Junto a los distintos autores iberoamericanos se les han unido ilustradores españoles que han dado forma y color a sus versos marcando el objetivo de unir la poesía americana con la ilustración española.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

La poesía es un arte que posee gran expresión, el sentido que ella guarda puede reinterpretarse en otras artes, tomando distintas formas que nos hagan sentir, ese es uno de los objetivos que quiere mostrar la exposición. Cada ilustrador ha sido elegido de forma deliberada para entender la obra de cada poeta adaptándose a los versos para crear así una obra final perfecta. La muestra de ello es el largo proceso que ha llevado este proyecto desde que lo iniciaran en 2009.

Los poemarios están compuestos por un total de 9 ilustraciones acompañadas por poemas enteros o por los versos de la obra que pasan por todas las ilustraciones, aspecto que le da una estética muy agradable a la vista y que e da uniformidad a la colección. Cada obra tiene como portada la bandera de su país. Como colofón en cada libro se encuentra una obra original.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Dentro de la exposición encontramos a un representante de cada país de iberoamérica junto a un ilustrador español, a continuación encontrarán la lista de obras:

– ‘Celebraciones’ (Bolivia) Eduardo Mitre y Luis Mayo

– ‘Baladas de la memoria’ (Chile) Pedro Lastra y Fernando Álamo

– ‘Gatos’ (Colombia) Darío Jaramillo y Ramiro F. Saus

– ‘Ballenas’ (México) Vicente Quirarte y González de la Calle

– ‘Nueve sonetos’ (Brasil) Ledo Ivo y Luis Feito

– ‘Los sueños de mi padre’ (Cuba) Orlando González y Elena Blasco

– ‘Emergencia’ (Argentina) Mariano Peyrou y Carlos Forns

– ‘La plegaria infinita’ (El Salvador) Jorge Galán y Sara Huete

– ‘El rostro que no se ve’ (Venezuela) Rafael Cadenas y Eduardo Arroyo

– ‘Area de comienzo’ (Uruguay) Ida Vitale y Jaime Aledo

– ‘Botella al ma’r (Puerto Rico) José Luis Vega y Óscar Lagunas

– ‘Sueños de floripondio’ (Guatemala) Humberto Ak’abal y Fernando X. González

– ‘Brevario’ (Honduras) León Leiva y Luis Canelo

– ‘Una flor amarilla’ (Perú) Micaela Chirif y Karina Beltrán

– ‘La Marilyn Monroe de Santo Domingo’ (República Dominicana) Frank Báez y Nono
Bandera

– ‘Ariadna’ (Paraguay) Jacobo Rauskin y Nuria Rodriguez

– ‘Jacarandas’ (Ecuador) Iván Carvajal y Alejandra Freymann
Aún faltan por publicar las obras de Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

José Antonio López

Trazo Urbano de México a Valencia

Trazo Urbano VLC
Sala de Exposiciones Josep Renau
Universitat Politècnica de València
Camí de Vera, s/n. Valencia
Hasta el 12 de julio, 2015

La ciudad conjuga lo antagónico humano. En tanto que producto de la necesidad, adquiere el carácter de objeto de la naturaleza. En tanto que sujeto de la cultura, condensa las aspiraciones y contradicciones de sus habitantes y de su historia.

El proyecto Trazo Urbano se presentó por primera vez en el Museo de la Ciudad (México DF) en noviembre de 2013 con una clara vocación de conjugar la dimensión gráfica de la ciudad y la potencia transformadora de lo urbano. Diversas ciudades y artistas de Colombia, EEUU y España han ido acogiendo sucesivas concreciones de nuevas propuestas gráficas que tienen como eje rector nuestra irrenunciable naturaleza urbana.

Imagen del cartel de la exposición Trazo Urbano VLC. Cortesía de la UPV.

Imagen del cartel de la exposición Trazo Urbano VLC. Cortesía de la UPV.

Trazo Urbano VLC mantiene un doble común denominador: por una parte, dos carpetas compuestas por 21 estampas de 40x40cm de artistas de México y de Valencia, por otra, una selección de artistas cuyo trabajo supone una aproximación personal (individual o colectiva), una visión comprometida con el espacio urbano desde sus respectivas posiciones que terminan por plasmarse en sendas propuestas que podemos circunscribir en un amplio territorio visual de innegable cualidad gráfica.

Vista general de la exposición Trazo Urbano VLC. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Vista general de la exposición Trazo Urbano VLC. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Desde México

No hay proyecto sin que esté atado a un objeto y no hay atadura sin responsabilidad. Trazo urbano, gráfica contemporánea desde México, responde a los problemas y posibilidades que presenta hoy en día la disciplina desde un estado de emergencia, de autoorganización, de un pluralismo lógico, de una no-linealidad, de turbulencias, pero principalmente a la incertidumbre y al aprendizaje.

Desde Valencia

La ciudad de Valencia ha servido como base de operaciones recurrente y constante en todos los participantes. Desde registros fotográficos elaborados durante décadas, hasta procesos definidos espacial y temporalmente, pasando por acciones colectivas, participativas y reivindicativas, o por propuestas introspectivas en las que la memoria, la historia e incluso las emociones terminan por encontrar el modo de hacerse visibles y presentes.

Exposición 'Trazos Urbanos'. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Exposición ‘Trazos Urbanos’. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Movimientos complejos en lugares híbridos

BIAM 2014
Premi 13ena Biennal d’Art Ciutat d’Amposta
Centre d’Art Lo Pati
Hasta el 30 de agosto de 2014

Una característica ya previsible del arte contemporáneo es la contaminación entre prácticas en su búsqueda, siquiera formalmente, de la novedad y como material necesario para adecuarse a la sociedad cambiante. Como dice una frase célebre que tiene algo de mágica, “la novedad es vieja como el mundo”, y aún así, en el presente debe prevalecer la opción de permitirnos caer de nuevo en la trampa más dulce: responder con frases ya dichas a las preguntas tantas veces planteadas. Una mirada mínimamente distinta al motivo de análisis puede conseguir un cambio notable en el modo como enfrentamos nuestros grandes temas y deseos, y ese pequeño gesto vale su peso en oro dentro del sistema artístico, ávido y necesitado de estímulos constantes.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

La emergencia es consustancial al arte contemporáneo. Es un recurso que ha aceptado con resignación o incluso promovido con naturalidad, reflejo de un mundo cambiante, pero seguramente también de un ámbito profesional dado a la inestabilidad y la búsqueda sin tregua de lo novedoso. La última entrada de la magna obra Arte desde 1900 (Akal, 2006) orquestada por H. Foster, R. Krauss, Y-A. Bois y B. Buchloh corresponde al año 2003 y en ella se nombra la exposición Zona de emergencia, comisariada por Francesco Bonami para la 50ª Bienal de Venecia, como ejemplo de la “naturaleza informal y discursiva de gran parte del arte y el comisariado recientes”. Los teóricos de October resumen eficazmente una serie de prácticas que pare ellos “se inspiran en una amplia lista de precedentes como los objetos preformativos de Fluxus, los materiales humildes del Arte Povera y las estrategias específicas para el sitio de artistas críticos con las instituciones”. Estas tres características, a las que se suman los procedimientos archivísticos de índole y condición muy variadas, marcan la mayoría de los proyectos que se han realizado en el ámbito del arte contemporáneo de las últimas décadas. Y todo indica que sigue siendo así.

La posible confusión entre las nomenclaturas arte contemporáneo o arte actual (un modo de ir más allá de la historia en un momento en que el presente parece estirarse sin fin) la resuelve Giorgio Agamben sin hablar de arte, pero sí de un genérico lo contemporáneo que fácilmente puede asumirlo dentro de su definición. Regresa a Nietzsche para indicar que éste “sitúa su pretensión de ‘actualidad’, su ‘contemporaneidad’ respecto del presente, en una desconexión y en un desfase”. Y continúa explicando Agamben que “pertenece en verdad a su tiempo, es en verdad contemporáneo, aquel que no coincide a la perfección con éste ni se adecua a sus pretensiones, y entonces, en este sentido, es inactual; pero, justamente por esto, a partir de ese alejamiento y ese anacronismo, es más capaz que los otros de percibir y aferrar su tiempo.”[1]

El alejamiento es también la distancia crítica óptima para realizar un análisis ajustado de una situación concreta; y el anacronismo no es tanto la voluntad expresa de vivir en otras épocas pasadas, como la necesidad de no aceptar todo lo que el presente ofrece y con lo que apabulla y aturde. Es en esos matices donde sí parece posible encontrar vías de definición de lo contemporáneo en contraste con las propias de lo actual. Aferrarse a su tiempo, entendido éste con una cierta perspectiva histórica y complejidad, es lo que la actualidad no puede hacer, pues precisamente por su carácter actual, debe ir adecuándose a las variaciones ad infinitum que las tendencias marcan.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Los movimientos complejos en espacios híbridos bien podría entenderse asimismo como movimientos híbridos en espacios complejos. Entendiendo por movimiento una acción al respecto de un deseo social, personal o político que acontece en un espacio no tanto real, aunque también, como imaginado. La hibridación implica complejidad, y ésta a su vez no puede siquiera definirse sin la mezcolanza y la transversalidad de varios agentes que actúan inequívocamente sobre una cuestión precisa. Las prácticas artísticas lo son especialmente por el contexto donde se ofrecen y por la actitud de quien lo lleva a término.

Al hablar de la fotografía dentro del ámbito del arte contemporáneo, Peter Osborne indica que ésta “pasó a formar parte del ‘arte’ en el momento en que el ‘arte’ pasó a ser post-conceptual. (…) Podría decirse (…) que la fotografía es arte en la medida en que es una práctica post-conceptual.”[2] Del mismo modo, determinadas prácticas y dispositivos, no vinculados directamente al arte, lo son en la medida en que representan una práctica post-conceptual. La 12ª edición de BIAM tiene la cualidad, tal vez única en su historia, de aunar el trabajo emergente de artistas jóvenes o muy jóvenes que presentan obras llamadas a inscribirse en el panorama de la contemporaneidad artística, junto con el trabajo de artistas pertenecientes a una generación consolidada, incluso podría decirse de media carrera, que tal vez participen de esa señal de emergencia que sigue emitiendo el sistema artístico dentro del Estado español, inoperante para establecer unos mínimos que permitan extender la profesionalización artística. Es también esta particularidad híbrida, intergeneracional, polivalente en los trabajos y compleja en los dispositivos y los temas tratados una característica del momento presente, donde el medio artístico es cuestionado bien desde la técnica, bien desde la credibilidad de su alcance real; tanto desde su autonomía tendente al ensimismamiento como desde la funcionalidad social y política de sus planteamientos. Unas cuestiones aferradas a su tiempo, y que aquí emergen para definirlo.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Álvaro de los Ángeles


[1] Giorgio Agambem, “¿Qué es lo contemporáneo?”, en Desnudez, Anagrama, Barcelona, 2011, p. 18.
[2] Peter Osborne, “Filosofía y fotografía: La ontología social de la imagen”, en Instantáneas de la fotografía, Arola Editors, SCAN 2009, Tarragona, p. 119.