Cristina Ramírez, de la galería del Tossal al Botánico

Cristina Ramírez Bueno
Ganadora de la II edición del Premio de Dibujo DKV-MAKMA

Cristina Ramírez Bueno (Toledo, 1981) es licenciada en Historia del Arte (2005) por la Universidad Complutense de Madrid y Bellas Artes (2010) por la Universidad de Granada, ciudad esta última en la que reside actualmente. Conoció el premio DKV-MAKMA en la convocatoria del año anterior (2015), pero en dicha ocasión no pudo presentarse.

No es difícil de entender, puesto que la propia convocatoria puede que no encaje en determinados momentos de la trayectoria de un artista, e incluso en otros casos, las bases del premio actúen como filtro disuasorio para quien busca la suerte rápida en las artes. En sentido contrario, las mismas bases han resultado ser atractivas para otros artistas que muestran recursos de adaptabilidad y no escatiman tiempo, dedicación, talento, recursos técnicos, y atrevimiento suficiente para salir del encorsetado estigma de dibujar únicamente en condiciones de plena libertad temática.

Cristina Ramírez en el Barrio del Carmen (Valencia)

Cristina Ramírez en el Barrio del Carmen (Valencia).

Lo definiría Goya de manera muy personal: “La fantasía, aislada de la razón, sólo produce monstruos imposibles. Unida a ella, en cambio, es la madre del arte y fuente de sus deseos”.

Deseos que ya en los inicios de la expresión artística se funden con la acción de dibujar relatos y la de relatar con dibujos. Son las primeras pinturas rupestres, y en este sentido, además de Altamira, destacan otros ejemplos, como las barcas y figuras humanas sobre piedras de Bohuslän (Suecia) que representan algún mito, combate o danza de la Edad del Bronce.

El trabajo de Cristina Ramírez pone de manifiesto la idea de la atemporalidad, la reflexión de que ya hubo un “antes de”. Argumentos no le faltan, pues ya el pintor paleolítico exploró cada superficie y cada pigmento para que sus expresiones gráficas perduraran.  Para ello, utilizó varias técnicas, el rociado, el grabado, el estarcido, y por supuesto, el carboncillo. Inspeccionó cuevas y construyó andamios, y como testigo omnipresente, el fuego. Fuego para dar calor y lumbre, pero también para generar un clima que facilita la construcción de historias a su alrededor. Historias de tradición oral a las que el fuego  aporta el calor para que la creatividad popular fluya y sea plasmada gráficamente, pero también historias que piden paso cuando el fuego se apaga y tras ello se alimentan leyendas de tinieblas y dudas.

Apuntes para el proyecto "Negro Humo", de Cristina Ramírez que podrá verse a partir del 16 de diciembre en al Galería del Tossal (Valencia)

Apuntes para el proyecto “Negro Humo”, de Cristina Ramírez, que podrá verse a partir del 16 de diciembre en la Galería del Tossal (Valencia).

Es el punto de partida de ‘Negro Humo’, un proyecto que bucea en la génesis de la expresión gráfica, en lo que inspira la oscuridad y el miedo propiamente dichos como ingredientes notables para generar apólogos, gestas y todo tipo de fantasías populares. Un proyecto que ha supuesto a Cristina Ramírez llevarse el reconocimiento del jurado.

Además de visitar la Galería del Tossal (sala que acogerá su proyecto expositivo) y pasear por el Centro histórico, Cristina Ramírez aprovecha la visita a Valencia para disfrutar de uno de los espacios simbólicos de la ciudad: el Jardín Botánico.

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Cristina Ramírez en el Jardín Botánico (Valencia).

“El premio DKV-MAKMA es un certamen diferente”, confiesa Cristina. “La convocatoria tiene un grado plus de exigencia, está claro, pero para mí es muy abierto, da mucha libertad para trabajar y brinda la posibilidad de profundizar en la relación eterna entre lo gráfico y lo escrito, se le puede dar la vuelta. Personalmente, la propia exigencia temática me alentó a presentar proyecto. Es un premio hecho para un perfil amplio, aunque reconozco que mi trabajo artístico actual está relacionado con el vínculo entre el dibujo y la tradición literaria”.

El proyecto ‘Negro Humo’ no se queda únicamente en el origen, en lo primitivo del fuego y la sustancia gris que le da título. Conforme entra en materia, va desgranando información de ciertas obras de arte míticas que relacionaron lo literario con lo plástico, obras que desvelan el poder de inspiración de artistas de todos los tiempos como es el caso de ‘La Cocina de las Brujas’ (1610) de Frans Francken el joven, y que fue interpretada también por Goya (1797-1798).

“Es imposible reflejar todas las referencias de la historia del arte que me iba encontrando en relación con el proyecto, había que escoger”, confiesa Cristina.

Cristina Ramírez muestra sus instrumentos de trabajo en el Jardín Botánico (Valencia)

Cristina Ramírez muestra sus instrumentos de trabajo en el Jardín Botánico (Valencia).

En lo que respecta al s. XX, “me interesan las alusiones que Ana Mendieta hace al fuego y a las madres primitivas receptoras y transmisoras del saber. Y, en cuanto a la oscuridad, es inevitable citar a Leopold Perutz”, comenta.

Sobre Perutz, Cristina Ramírez basa su argumento con una cita apetecible para guardar en la memoria, referencia extraída de El maestro del Juicio Final (Ediciones destino, Barcelona: 2004).

“El verdadero miedo, el auténtico miedo, es el miedo que siente el hombre primitivo cuando se aleja del resplandor de la hoguera para adentrarse en la oscuridad”.

La cita es como un dardo que da en la diana de ‘Negro Humo’, que claramente gira en torno a esa reflexión, apunta Cristina Ramírez; es una abstracción ante la situación de miedo a lo desconocido y a la provocación que este sentimiento puede ejercer para inspirar y generar historias, mitos o fábulas.

Esa sensación de miedo no existe en ella a la hora de plantear su futuro profesional, pues en la carrera artística, la estabilidad es comparable al día a día de las cavernas prehistóricas, aquellos tiempos en los que proveerse de alimentos era el objetivo primario y en los que la abundancia se festejaría con las primeras pinturas como gesto de alegría.

La misma alegría y soltura que pone de manifiesto en sus trazos de grafito, sea para expresarse en clave crítica, sea para plasmar paisaje u objeto.

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Cristina Ramírez ante una encina en el Jardín Botánico (Valencia).

En el corazón del Jardín Botánico, la calidad de la atmósfera se advierte al respirar. La artista observa la robusta estructura de una encina fabulosa. Da la sensación que la interioriza y almacena en su memoria para plasmarla en cualquier momento. “Es uno de mis árboles favoritos”, apunta.

- ¿Qué representa recibir un galardón como el Premio de Dibujo DKV-MAKMA?

- Cristina inspira, expira, y responde: “Representa una motivación extra, coger oxígeno en un paisaje profesional con muchos obstáculos que superar, es como una provisión de aire puro, aire como el que se respira en este lugar”.

Vicente Chambó

Fire And Forget. On Violence

KW Institute for Contemporary Art
KUNST-WERKE BERLIN e.V.
Auguststraße 69. Berlin
Hasta el 30 de agosto de 2015

“Fire and Forget” (dispara y olvida) es un término de uso común de la jerga militar para sistemas de armas que se disparan a una distancia segura del enemigo, y que llegan a su destino de manera independiente. La exposición colectiva FIRE AND FORGET. ON VIOLENCE toma el término militar como un punto de entrada a un discurso sobre las ideas actuales de la guerra y la violencia en el arte contemporáneo. La exposición está dividida en cuatro complejos temáticos: ‘fronteras, afecto, memoria y eventos/acaecimiento.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de unavión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de un avión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

Nuevas tecnologías de armas implican la pérdida del enfrentamiento corporal directo y con ello la pérdida del peligro o riesgo para la propia vida. Por eso se necesitan nuevas maneras de expresión de violencia sufrida, atestiguada o solamente temida. Uno de los lugares donde se busca estas maneras se encuentra en el arte. Aunque las armas en el ámbito artistico muchas veces ya estan connotadas como algo malo en si, sin dar referencia a posibles contextos sistematicos o historicos. La exposición se ve a si misma como el intento de mostrar que la complejidad de la violencia no puede ser justificada por sus cálculos lógicos o económicos ni siquiera simplemente por su afecto emocional y se enfrenta de manera autoreflexiva a las posibilidades y limites de lo que el arte puede ser capaz de contribuir hoy en día a esta discusión.

Julius von Bismarck. "POLIZEI", instalación, 2015.

Julius von Bismarck. “POLIZEI”, instalación, 2015. Cortesía del artista.

Se presentan obras de Marina Abramovic y Ulay; Ron Amir; Julius von Bismarck; Roy Marca, Ori Scialom, y Keren Yeala Golán; James Bridle; Luis Camnitzer; Mircea Cantor; Jota Castro; Chto Delat; Marcelo Cidade; Jem Cohen; Martin Dammann; Öyvind Fahlström; Harun Farocki; Daniil Galkin; Rudolf Herz; Damien Hirst; Clara Ianni; Emily Jacir; Hunter Jonakin; Joachim Koester; Korpys / Löffler; Barbara Kruger; Armin Linke; Robert Longo; Jazmín López; Kris Martin; Ana Mendieta; Michael Müller; Timo Nasseri; NEOZOON; Katja Novitskova; Jon Rafman; Pipilotti Rist; Robbert & Frank Frank & Robbert; André Robillard; Julian Röder; Henning Rogge; Martha Rosler; Hrair Sarkissian; Santiago Sierra; Timur Si-Qin; Tal R; Javier Téllez; Sharif Waked; Gillian Wearing; Él Xiangyu; Amir Yatziv; Ala Younis.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Además fotografías de la colección de Martin Dammann /Archive of Modern Conflict in London (Archivo de Conflicto Modern de Londres) se extienden por toda la exposición como un motivo que la acompaña. Este elemento documental, junto con los enfoques artísticos, es una invitación a reflexionar sobre lo que imágenes artísticas en comparación a imágenes documentales son capaces de retratar – o no. La publicación que acompaña la exposición, así como su programa público y educativo iluminan el tema desde otras perspectivas: El libro FRIENDLY FIRE & FORGET (Matthes y Seitz Berlin) recoge textos literarios producidos para esta ocasión por autores alemanes e internacionales, entre ellos Schorsch Kamerun, Wladimir Kaminer y Kathrin Passig. En las fechas seleccionadas, algunos invitados que han sido afectados personalmente por la violencia guían a los visitantes por la exposición, o invitan para discutir posibles formas de tratar con el tema desde un punto de vista cinematografico, teatral o musical.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

MUSAC presenta su nueva temporada expositiva

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

- Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]: 16 de mayo – 13 de septiembre, 2015
- Sector primario: 16 de mayo, 2015 – 10 de enero, 2016
- Visita guiada: artista, museo, espectador[Fondos de la Colección MUSAC]: 16 de mayo – 20 de septiembre, 2015

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presenta tres exposiciones colectivas. Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]  explora el fenómeno del autorretrato fotográfico a partir de una selección de 80 obras de 34 artistas nacionales e internacionales, tomando como punto de partida la Colección Federal de Fotografía de Austria, en diálogo con obras de artistas nacionales e internacionales y obras de la Colección MUSAC. Sector primario es una muestra producida por MUSAC que  atiende a la relevancia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León, a través del trabajo de los artistas Paco Algaba, Alfonso Borragán, Álvaro Laiz, Asunción Molinos Gordo, Javier Riera, y Antje Schiffers. Visita guiada: artista, museo, espectador es una exposición realizada en exclusiva con fondos de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte.

Self-timer Stories

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Federal de Fotografía de Austria –en depósito permanente en el Museum der Moderne Salzburgo—en diálogo con artistas internacionales y obras de la fotografía expandida.

El leitmotif de esta exposición es la creación del autorretrato a través de un disparador automático. Esta práctica, popular tanto en la vida cotidiana como en el arte, mueve alternativamente con los avances técnicos y se manifiesta en los cables de liberación que aparecen en las composiciones, la liberación de control remoto digital, o la mano extendida. En el momento del “clic” de la cámara (que está reproducida de modo artificial en la fotografía digital) el “yo como autodisparador” se vuelve prevalente y así marca la relación del sujeto con el mundo, que ha sido siempre inseparablemente vinculado con los medios de comunicación.

Así, la exposición presenta el tema omnipresente de la auto-representación fotográfica a lo largo de varias generaciones en el contexto de una historia del arte-crítico de los medios y continúa hasta nuestros días como una historia de auto-temporizador fotografía como emancipador “clic”; un juego de mostrar y ocultar, de público y privado.

La exposición Self-Timer Stories cuenta con artistas fotográficos de la talla de VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Sharon Hayes, Matthias Herrmann, Juan Hidalgo, AA Bronson & Matthias Herrmann, Birgit Jürgenssen, Barbara Kapusta, Roberta Lima, Anja Manfredi, Ana Mendieta, Lilo Nein, Cristina Núñez, Carlos Pazos, Carolee Schneemann, Peter Weibel, Martha Wilson, o Francesca Woodman.

Self-timer Stories. Valie Export

Retrato fotográfico de Valie Export. Imagen cortesía de MUSAC.

Sector Primario

Sector primario es una exposición colectiva que pretende atender a la importancia y presencia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en esta comunidad a través del trabajo de algunos artistas contemporáneos. Por una parte se “documenta” el cambio de paradigma económico que hace “inviables” algunas áreas del sector primario, pero por otra se pone en valor alguna de esas actividades porque tienen precisamente un valor innegable y primordial. Los sectores de la vida rural y la ganadería serán objeto de investigación y trabajo de Antje Schiffers; Asunción Molinos Gordo se centrará en la agricultura y la alimentación; la languideciente actividad minera que fue tan identitaria en León es tratada en el proyecto de Álvaro Laíz que lleva el ilustrativo título de Fósil; Alfonso Borragán trabajará con el agua, los ríos, los embalses y todo los aspectos lúdicos y míticos a ellos asociados; en la tierra se centra la producción de Paco Algaba; y Javier Riera explorará la presencia y la dimensión del paisaje, la naturaleza y los animales salvajes.

Borragán 2

Fotografía paisajista de Alfonso Borragán. Imagen cortesía de MUSAC.

Visita guiada: artista, museo, espectador [Fondos de la Colección MUSAC]

‘Visita guiada: artista, museo, espectador’ es una exposición colectiva de obras de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte. Mientras que la primera parte del título alude a esa inevitable paradoja que acompaña al museo desde su gestación —entre el (exceso de) didactismo y la necesidad de mediación— así como al rol del comisario-intermediador en ella; la segunda parte hace referencia a las complejas y ciertamente asimétricas relaciones entre el artista, el museo y el espectador.

Divida en tres bloques temáticos —artista, museo, espectador—, la exposición reúne entre otros obras de Pipilotti Rist, Antonio Abad, Matthew Barney, Pierre Huyghe, Cristina Lucas, Christian Jankowski, Ruth Gómez, Isaac Julien, Sandra Gamarra, Candida Höfer, Dora García, Zhang Huan, Cerith Wyn Evans, David Iturregui, Anne Collier & Matthew Higgs, Ana Laura Aláez, Daniele Buetti, Joan Morey, Juan López o Lina Bertucci. En este sentido, la obra ‘I married an artist’ de Anne Collier y Matthew Higgs bien podría funcionar como leitmotiv de las diferentes e interconectadas narrativas que ‘Visita guiada: artista, museo, espectador” desea abordar en un ejercicio no exento de ironía ni de auto-crítica.

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Impresión digital de Anne Collier y Matthew Higgs. Imagen cortesía de MUSAC.