Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra «Degradé after S.T.W», y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por «Primera comunión»; José Luis Cremades por la obra «Todos los colores»; Rubén M. Riera por «De-venir»; Ángel Masip por «Meteorismo II».

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Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que «Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver».

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

Nacho Martín Silva: Más allá del arcoíris

Más allá del arcoíris de Nacho Martín Silva.
Galería Nuble.
Calle de Daoíz y Velarde, 26. Santander.
Hasta el 29 de marzo de 2014.

Esta es la segunda exposición individual de Nacho Martín Silva en Nuble, y se presenta con el título de Más allá del arcoíris, un trabajo en el que las imágenes de la realidad se modifican, y son el medio en el que el artista aborda las problemáticas pertenecientes a la propia representación pictórica y su capacidad transformadora.

Nacho Martín Silva construye su obra con constantes referencias, tanto al propio proceso creativo, como a las dinámicas de la historia del arte, obteniendo unos planteamientos personales y contemporáneos.

La exposición se compone de lienzos que se presentan con total autonomía ante el espectador, al mismo tiempo que se muestran como imágenes complejas, características por la tensión entre los contrarios, e interesantes al mismo tiempo, por las múltiples lecturas y matices.

Nacho Martín Silva, kid II, 2013, (óleo sobre lienzo, 41 x 33 cm). Imagen cortesía de la Galería nuble.

Nacho Martín Silva, kid II, 2013, (óleo sobre lienzo, 41 x 33 cm). Imagen cortesía de la Galería nuble.

Nacho Martín Silva, La primavera de Millet, 2013, (díptico, óleo sobre lienzo,  19 x 19 cm c/u). Imagen cortesía de la Galería Nuble.

Nacho Martín Silva, La primavera de Millet, 2013, (díptico, óleo sobre lienzo,
19 x 19 cm c/u). Imagen cortesía de la Galería Nuble.

Como explica Alexis Callado Estefanía en la introducción de la exposición, quizá no sea más que “una trama que se hace visible, un trayecto irregular que va de un extremo a otro inaugurando nuevas realidades. Así lo idílico como distorsión, y en contraposición con el sistema de visualidad afectiva burguesa, nos invita a una necesidad de recuperar la franqueza de las fragilidades diseccionadas por lugares precisos de algunas imágenes ineludibles en la historia del arte.”

Nacho Martín Silva vive y trabaja en Madrid. Entre sus proyectos actuales figuran el XII Bienal Martínez Guerricabeitia, Valencia y su participación en ARCO 2014 con Galería Nuble, ambos en febrero 2014. Actualmente puede verse su obra en la muestra indivdual Síntesis 1+1=1 en Louis 21, y en la exposición Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert de Artes Visuales 2013, ambas en Palma de Mallorca. Entre sus anteriores exposiciones destacan el solo project El Gran Estudio en Artesantander 2012 (Galería Nuble), la individual Esfuerzos y Reliquias (Galería Nuble, 2012); Storymakers, Galería Paula Alonso (Madrid, 2013), Colección Los Bragales Arte contemporáneo. Biblioteca Central y Archivo Histórico de Cantabria (Santander, 2013) e Iceberg #1. Matadero (Madrid, 2012). Ha sido incluido en el libro 2014/ Antes de irse. 40 ideas sobre pintura de David Barro y editado por Dardo.

Nacho Martín Silva, Dorothy from west, 2014, (óleo sobre lienzo, 46 x 41 cm). Imagen cortesía de la Galería Nuble.

Nacho Martín Silva, Dorothy from west, 2014, (óleo sobre lienzo, 46 x 41 cm). Imagen cortesía de la Galería Nuble.

La codicia humana no conoce límites

Bienal Martínez Guerricabeitia.
Sala Academia del Centro Cultural La Nau.
Calle de la Universidad, 2. Valencia.
Inauguración: 13 de febrero, a las 19 h.
Hasta el 30 de marzo de 2014.

Se inicia la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia, organizada por la Universitat de València, un referente del arte contemporáneo en la ciudad, que cuenta con veinticuatro años de historia. En esta ocasión se presenta bajo el lema “avaritia omniun malorum radix” o lo que es lo mismo, “el origen de todo lo malo es la codicia”.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universidad de Valencia.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universitat de València.

La Bienal coincide este año con la conmemoración del 25 aniversario de la Fundación del Patronato Martínez Guerricabeitia (1989 – 2014). Ha sido concebida como un “caleidoscopio” para conocer las últimas tendencias de la creación, entender el estado del arte actual e incitar a la reflexión del público.

De la misma manera, pretende estimular la creatividad de jóvenes artistas españoles, y al mismo tiempo, aumentar el patrimonio artístico de la Universitat de València a través de la selección de una veintena de obras de arte contemporáneo.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don't remember it very well,  2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universidad de Valencia.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don’t remember it very well, 2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universitat de València.

El comité de selección ha estado integrado por los críticos Sema De Acosta, Johanna Caplliure, Oriol Fontdevila, Alfonso de la Torre y Lorena Martínez de Corral, y las galerías de arte ADN (Barcelona), Paula Alonso (Madrid), Nuble (Santander), La Real (Palma de Mallorca) y Aural (Alicante). Los artistas seleccionados son Carlos Aires, Efrén Álvarez, Suso Basterrechea, Chubasco, Mavi Escamilla, Miguel Ángel García, Ruth Gómez, Núria Güell, Rubén Guerrero, Haritz Guisasola, Cristina Lama, Abigail Lazkoz, Miki Leal, Juan José Martín Andrés, Nacho Martín Silva, Adrian Melis, Fran Mohíno, Isaac Montoya, Daniela Ortiz y Manuel Ros.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.

Cristina Garrido y Nacho Martín en Louis 21

For immediate release de Cristina Garrido

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva

Louis 21 “The Gallery”
C/ San Martí 1, Palma de Mallorca

For immediate release de Cristina Garrido
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 11 de febrero 2014

Para esta exposición, Garrido ha producido una nueva obra que cuestiona la posición del arte en el mundo contemporáneo, su recepción, distribución y valor. Esta muestra busca explorar el significado alternativo otorgado a los objetos a través de su colocación en el espacio de la galería y hace uso de una imagen de paredes blancas y cartelas, notas de prensa y asistentes de galería, una infraestructura que es un tanto sinónimo de la crítica institucional. Garrido utiliza los materiales de forma que eleva detalles típicamente pasados por alto en la vida cotidiana. Su acumulación obsesiva de objetos corrientes ´encontrados´ y ready-mades que convierte en materiales para su arte adopta un rigor formal y estético en la forma en que colecciona, ordena y ensambla, evidente en esta exposición.

Los objetos encontrados o ´readymade´ renuncian a su significado previo y asumen una identidad cambiante cuando son recontextualizados; dejan de ser una cosa para convertirse en otra. Con una aproximación casi arqueológica hacia el medio y la materia, la artista investiga cómo la tecnología ha alterado la producción artística y explora cuestiones de autoría y propiedad.

El punto de partida es la tipografía, utilizando la forma original como guía. Los dibujos progresan sin la exposición. La artista evoca los procesos de impresión mecánica, reproduciendo eficazmente cartas obsoletas de exposiciones readymade. Interesada en la relación entre el hacer marcas pintadas a mano o de forma digital, el proceso es visible y la mano se puede detectar en la fotocopia manufacturada que sería, de otro modo, desechada como detritus. Impresa sobre cada página, una frase que denota el paso del tiempo; una lucha contra el medio de producción en masa. Descontextualizando estas imágenes de sus presentaciones convencionales, la artista desarrolla nuevas relaciones para producir lecturas desconocidas.

Las obras parecen ser idénticas en su lenguaje visual minimalista y parecen contener una colección arbitraria. La artista insiste en la repetición obstinada en la que se ha convertido en el método curatorial. Trata de investigar la originalidad de las cosas y de preguntar ¿qué es original? ¿qué es repetición? ¿Por qué todavía necesitamos el arte, y qué esperamos del arte hoy? ¿Cuál es su promesa y qué prometemos a cambio? Sin embargo, las obras son fundamentalmente una exploración de la belleza.

Cristina Garrido. For Immediate Release.

Cristina Garrido. Fragmento de For Immediate Release. Cortesía de la galería

Synthesis: 1 + 1 = 1 de Nacho Martín Silva
Inauguración: el 9 de enero 2014
Hasta el 25 de marzo 2014

En el campo de la Química se define “síntesis” al proceso de obtención de un compuesto complejo a partir de sustancias más sencillas. El proyecto Synthesis de Nacho Martín Silva (Madrid, 1977) pretende seguir esta definición de manera literal, aunque irónica, para realizar una pintura a través del dibujo.

La vídeo-instalación que Nacho Martín Silva ha concebido para el espacio The Envelope de la galería Louis21 está formada por un vídeo y un lienzo pintado con ceniza en el que aparece representado el último frame del vídeo que lo acompaña. El vídeo muestra una sucesión de dibujos y anotaciones pertenecientes al cuaderno de notas del artista.

Observamos las hojas quemándose y cómo sus cenizas se acumulan paulatinamente en un plato. Los restos grises de estas páginas serán posteriormente molidos y utilizados como pigmento para pintar el cuadro. La ceniza funciona entonces como la huella del ser que ha concebido aquellos elementos heterogéneos (frases, croquis y apuntes presurosos) que el artista ha ido luego anotando en su libreta a la espera de hacer algo con ellos. Más allá de la imagen que el pequeño lienzo representa, la instalación contiene toda la historia que lo concibió, siendo el cuadro únicamente el desenlace de un relato que incluye un determinado periodo de aprendizaje y de búsqueda del pintor madrileño. La instalación hace referencia al aprendizaje incesante del artista y al largo procedimiento que se gesta entre la idea de una obra y su realización. Si la obra contiene siempre todo el proceso que la ha generado, el proceso no contiene una sola obra, la que se enseña, sino muchas otras posibles.

El proceso puede llegar hasta la culminación de la pieza o simplemente quedarse en el estadio de proyecto para el futuro. Nacho Martín Silva rescata este momento previo a la realización, un aprendizaje convulso y un recorrido a tientas entre lo posible y lo real. Desplaza hacia el primer plano las huellas del proceso, devuelve a las cenizas el calor del fuego y ofrece de este modo al espectador la multiplicidad no reducible del gesto artístico.

Nacho Martín Silva

Nacho Martín Silva. Synthesis: 1 + 1 = 1. Cortesía de la galería