Revelaciones cinematográficas en CA2M

‘El cine rev[b]elado’, ciclo de performance audiovisual
CA2M (Centro de arte 2 de mayo)
Avenida de la Constitución 23, Móstoles (Madrid)
Domingo, 21 de febrero de 2016, a las 18.30h.

El domingo 21 de febrero se celebra la última sesión de El cine rev[b]elado, ciclo dedicado a la performance audiovisual y la interrelación del cine con otras disciplinas artísticas, que Playtime Audiovisuales comisaría para el CA2M (Centro de arte dos de mayo),  mediante una sesión doble, dedicada a la interrelación del cine con el media art, la arquitectura expandida, el arte generativo y la escultura lumínica. Para llevarla a cabo se contará con la participación de los artistas Jaime de los Ríos y Pablo Valbuena, quienes compartirán con el público, a través de sendas conferencias performativas, su particular forma de entender lo cinematográfico a partir de estas disciplinas.

Jaime de los Ríos – “Arte, vídeo y tecnología. Tan lejos, tan cerca”. Conferencia performativa, 45’.

Conferencia sobre cine expandido en la que Jaime de los Ríos narrará cómo sus obras audiovisuales, realizadas con nuevos medios digitales, se salieron del marco conservando ingredientes tradicionales del cine tales como el movimiento, la luz, lo mecánico, el color y la matemática y después volvieron a materializarse con la generatividad, interacción y los flujos digitales.

En su trabajo, Jaime defiende llevar la acción audiovisual más allá de la pantalla y el tiempo, explorar distintas formas de interactividad y cine expandido, inventando nuevas dimensiones y metaniveles narrativos.

Jaime de los Ríos es unos de los fundadores del laboratorio ARTEKLAB con sede en San Sebastián. Experto en software y hardware libre, encontramos en su trabajo, entornos inmersivos, así como obras dinámicas que relacionan el comportamiento natural con el computacional.

Su trabajo se ha visto en centros de arte y festivales como Koldo Mitxlena Donostia, Espacio Fundación Telefónica, Musac de León, Medialab Prado, Espace Mendes Francaise de Poitiers, Etopia Zaragoza, Art Futura y un largo etc.

'6 Columns", de Pablo Valbuena. Imagen cortesía de Playtime.

‘6 Columns», de Pablo Valbuena. Imagen cortesía de Playtime.

Pablo Valbuena – «Lo que fue, no fue, será y pudo haber sido». Conferencia performativa, 45’

En esta ocasión Pablo Valbuena compartirá sus procesos de trabajo y revelará esos otros trabajos que por circunstancias nunca salieron a la luz. Propuestas que hasta ahora nadie ha experimentado. Cada una de ellas, giran alrededor del tiempo y su relación con la luz y el espacio. Una experiencia abierta que activará nuestros sentidos a través de un encuentro en el que los participantes podrán cuestionarse conceptos como la arquitectura expandida o el paseo-cinemático.

Valbuena desarrolla proyectos de arte e investigación en torno al espacio, el tiempo y la percepción. Algunos elementos clave de esta exploración son la superposición de lo físico y lo virtual, la generación de espacios mentales para el espectador, la disolución de las fronteras entre lo real y lo que se percibida, los vínculos entre el espacio y el tiempo, la primacía de la experiencia subjetiva como herramienta para comunicarse y el uso de la luz como materia prima.

Ha expuesto en la Galería Max-Estrella de Madrid, el Centro de arte Laboral de Gijón, ARCO, el Koldo Mitxelena de Donostia o Matadero Madrid. Sus instalaciones lumínicas han formado parte de programas como La Noche en Blanco de Paris o el Festival Ars Electrónica de Viena.

Todo el programa del cine revelado disponible en: http://noticiasplaytime.blogspot.com.es/2015/12/el-cine-revbelado-02.html

'Tríptico en Tiempo, Silencio, Fuga y Realidad", de Jaime de los Ríos. Imagen cortesía de Playtime.

‘Tríptico en Tiempo, Silencio, Fuga y Realidad», de Jaime de los Ríos. Imagen cortesía de Playtime.

Plática tecnométrica con Solimán López

Entrevista con Solimán López, a propósito de
Taller Tecnometrías
Ciclo ‘El museo modos de uso’
IVAM
Guillem de Castro 118, Valencia
Del 29 al 31 de enero de 2016

Con motivo del inminente ciclo ‘El museo modos de uso’, que el IVAM implementa a lo largo de las postrimerías de enero y la segunda quincena de febrero, Makma entrevista a uno de sus adalides activos, el artista de origen burgalés, afincado en Valencia, Solimán López, un insólito espécimen de la intangibilidad, cuya trayectoria se encuentra bienvenidamente ahíta de un vigoroso discurso tecno-ontológico (permítaseme la hipérbole, mas su prédica lo merece), que llevará a cabo el taller performático ‘Tecnometrías’, del 29 al 31 de enero.

Director del departamento de innovación y desarrollo en materia d arte y tecnología de ESAT -en el que evoluciona su investigación discursiva-, Solimán López nutre su devenir curricular con la consolidación de numerosos proyectos, que han reportado acento internacional a su teleológico proceso de examinación de las nuevas tecnologías -no en vano, su obra forma parte de ADA (Archive of Digital Art), uno de los espacios virtuales más notables del universo media art-.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de 'Tecnometrías'. Imagen cortesía del IVAM.

Una instantánea de Solimán López en plena acción performativa de ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del IVAM.

¿Cuál es el protocolo de actuación que llevarás a cabo en ‘Tecnometrías’?

El término ‘Tecnometrías’ es una apropiación lingüística que de alguna manera define la ejecución de medidas mediante uno objeto tecnológico. En este contexto, el objeto elegido para esta edición de la acción es el de un disco duro. El disco duro se configura como un contenedor de información y además funciona como objeto de medición.

El proceso de trabajo consiste en la documentación digital de los participantes al taller paralelo que Aitziber Urtasun desarrolla en torno a la acción y que contará con la presencia de 20 personas. Mediante un dispositivo de escaneado digital como es Kinect -cámara de video y fotografía- los miembros participantes serán incorporados de manera digital al disco duro para, a continuación, «con ellos dentro», desempeñar las mediciones del espacio físico. Estas mediciones se realizan en el suelo de los espacios transitables del museo, configurando una serie de retículas y metáforas visuales extraídas de la multiplicación e interpolación de información digital en relación con el espacio tangible.

¿Qué resultados proyectas obtener y de qué modo serán divulgados?

El resultado es la generación de una sensación de espacio a través de la visualización de lo digital artístico en un espacio en el que predomina la información visual plausible, como es un museo. Las equivalencias que el proyecto genera radican en volúmenes de información, en gigas de identidad digital que el participante y espectador vislumbra a través de mis conclusiones. Podremos estar representados virtualmente millones de veces en un museo.

La acción es muy exigente a nivel físico ya que se desarrolla durante toda la tarde del viernes 29, el sábado completo y el domingo por la mañana, tiempo necesario para poder hacer todas las mediciones.

Los resultados matemáticos y las equivalencias de información serán volcadas en www.solimanlopez.com como registro de la acción.

Un instante de la acción 'Tecnometrías', llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

Un instante de la acción ‘Tecnometrías’, llevada a cabo por Solimán López en el CAC de Málaga. Imagen cortesía del artista.

¿Aventuras consolidar alguna conclusión emparentada con acciones precedentes? En este sentido, ‘Tecnometrías’ ya ha sido implementada en el CAC de Málaga y en Matadero Madrid, durante la celebración de JustMad.

Cada acción performativa tiene una esencia diferente a la anterior. No me gusta repetir de manera autómata este tipo de acciones. La performance es una experiencia personal que enfrenta al sujeto con el espacio y otros individuos mediante un canal que es la idea artística y, en este sentido, el espacio y los participantes siempre son diferentes, por lo que los resultados siempre son cambiantes. Además la pieza está revisada. La incorporación a la misma de un público pro-activo mediante el taller de Aitziber le dota de un calor humano que en otras acciones era provocado por mí mismo sobre los visitantes del museo, acción que tampoco descarto.

En esta ocasión el objeto de mediciones varía (es un disco duro y no un smartphone), que tiene un poder de síntesis y almacenamiento mayor, además de otras connotaciones conceptuales. Sin duda la acción vendrá a reforzar el concepto inicial de la misma, que es evidenciar la relación entre el espacio físico y virtual (el espacio híbrido), un espacio todavía velado y que cada día que pasa cuenta con una capa más fina de intersección entre ambas esferas de realidad. La pieza consolidará un ejercicio mental que nos ayude a posicionarnos psicológicamente en ese espacio de nadie que nos multiplica e interrelaciona de manera exponencial y del que no solemos tener consciencia si no es a través de interfaces. Estas interfaces con la acción se rompen y se convierten en pura imagen mental.

¿De qué modo te han determinado las ‘Antropometrías’ de Yves Klein o los básicos arquitectónicos de «orden y mejora» de Ernst Neufert?

Pues básicamente son las dos fuentes de inspiración más evidentes de la pieza. El término ‘Tecnometría’ está totalmente condicionado por el precedente de Klein en el que utilizaba el cuerpo como pincel y del que sacó un partido increíble y que le ha llevado a formar parte de nuestra historia del arte. Por su parte, Neufert aporta esa relación con la arquitectura y la incorporación del cuerpo como medida de todas las cosas. Con estos dos precedentes la pieza se cierra de manera conceptual de un modo muy sólido. Por una parte, el término de hacer arte con un objeto diverso al pincel (el cuerpo o un disco duro) y, en la otra, la utilización del cuerpo como herramienta de medición, que en este caso es sustituido por la tecnología como medida de todas las cosas. Son dos ejes de una misma moneda que tienen al cuerpo como protagonista y que son actualizados por la tecnología y la desmaterialización de aquél. Sin duda, una actualización de conceptos en la era de la «comunicación».

'Archivo 79513' perteneciente al proyecto 'More than 404'. Imagen cortesía del artista.

‘Archivo 79513’ perteneciente al proyecto ‘More than 404’. Imagen cortesía del artista.

Por otra parte, con ‘More than 404’ principias el curso artístico anual por una senda de corrupción digital que transciende y pervierte lo que la World Wide Web Consortium (W3C) definía, allá por 1992, como un protocolo o anatomía de un error http. ¿En qué consiste esta depravación digital?

Todo sistema tiene sus corrupciones. Los sistemas perfectos se basan en el caos y el ecosistema digital también tiene los suyos. La palabra error en general se asocia con lo negativo, incompleto o fallido, pero no hay más que mirar a la naturaleza repleta de supuestos errores de una belleza inalcanzable.

Este es el principio etimológico de ‘More than 404’. En este caso, un fallo fortuito de un disco duro personal que generó una descomposición de información que se tradujo en miles de archivos «glitch», que sin duda tienen una plasticidad y belleza evidentes. Estos archivos los he elevado a la categoría de recurso digital de libre uso, ya que al haber sido una autogeneración fortuita de un equipo informático me parecía que la autoría de la obra estaba difusa y que, por este motivo, debía ser compartida con su propia naturaleza digital. Es como haber encontrado un pajarillo único en su especie, una mutación maravillosa, que tras ser observada durante unas horas se libera y se deja de nuevo volar en libertad por su entorno vital.

La idea de referenciar el código 404 se traduce en una reivindicación al gusto por el error, la casualidad y la ruptura, en este caso digital, pero bienvenida en otros ámbitos.

La pieza sigue online en este enlace: http://solimanlopez.com/portfolio/more-than-404/

PIeza representativa del proyecto en curso 'Harddiskmuseum'. Imagen cortesía del artista.

PIeza representativa del proyecto en curso ‘Harddiskmuseum’. Imagen cortesía del artista.

Igualmente, ‘Harddiskmuseum’ prosigue su curso de intangibilidad con la incorporación de diversos artistas, nacionales e internacionales, que propician la dotación de contenido. ¿Qué novedades atesora el proyecto al respecto?

Es un proyecto que a nivel personal está siendo de lo más gratificante. Plantear una obra colectiva no siempre es fácil, pero realmente es el sentido de lo digital. Un museo en un disco duro no se consigue en dos días, por lo que es un proyecto que a diario va exigiendo sus resultados. Seguimos con un fuerte trabajo logístico con el proyecto, que ya se está materializando con la colaboración internacional en sedes como Argentina, Venezuela, a través de María Bilbao, Brasil, con Debora Aito o Italia, con Nicola Mariani, que han acogido el proyecto como suyo y están propiciando apariciones en sus países. En este sentido, viajaremos con el disco para junio, visitando Brasil, Argentina y Venezuela, en un gran esfuerzo de ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología), que apuesta por el proyecto desde sus inicios desde su departamento de innovación, que dirijo.

¿Con qué apoyos cuenta ‘Harddiskmuseum’, hasta el momento?

Se están negociando algunos patrocinios y colaboraciones institucionales para hacer de este original proyecto una idea sostenible y con más recursos disponibles para su movilidad y, por supuesto, artistas participantes, la piedra angular de todo este nuevo ecosistema museístico, creativo y cultural.

A nivel artístico, hay grandes nuevas incorporaciones como Enrique Radigales, Fabien Zocco o Rosana Antolí, que vienen a completar las ya magníficas aportaciones de Aram Bartholl, Bosch&Simons, Rubén Tortosa, Hugo Martínez-Tormo e Inma Femenía. Hay más incorporaciones, pero están en proceso de consolidación y envío de obra y no pueden ser desveladas todavía.

El proyecto se ha reconfigurado a sí mismo en un formato de sesiones en vivo de las que ya podemos anunciar la primera en Valencia para abril de este año, acciones en las que, con una aforo reducido, el público podrá disfrutar del contenido del disco en directo de una manera única. También se prevé su emisión en streaming. En www.harddiskmusuem.com pueden estar al día del proyecto.

Cabe indicar que te encuentras en pleno proceso de preparación de obra para la presente edición de JustMad, que tendrá lugar en el COAM, del 23 al 28 de febrero. A este respecto, ¿qué tipo de piezas podrán contemplar los visitantes y en qué otros emplazamientos estará presente tu trabajo durante los próximos meses?

A través de Galería Punto presento varias piezas en línea con los últimos trabajos que vengo desarrollando y que aluden a la historia del arte y la actualización de conceptos en el contexto de lo digital. ‘Framed Memory Card’ se presenta en Madrid con sus 50 kg de aluminio macizo, que guardan en su interior una tarjeta de memoria de 8GB de la que sólo el comprador esta legitimado a conocer su contenido. A esta pieza se suman, como novedad y presentación en exclusiva, un par de obras más que siguen estableciendo vínculos con el pasado artístico, pero desde el enfoque de lo digital, como es el caso del proyecto ‘Pixel Blue’, en el que, a través de la apropiación del tono RGB del azul Klein mediante Licencia Creative Commons, desarrollo todo un montaje audiovisual y plástico, del que agradezco su colaboración a Toni Vaca. Sin duda tengo muchas ganas de ver estas piezas «funcionando». Además, estará presente en Technarte Bilbao 2016 y formaré parte de varias exposiciones colectivas durante los meses de marzo y abril.

El artista Solimán López durante su acción Tecnometrías. Imagen cortesía del artista.

El artista Solimán López durante su acción ‘Tecnometrías’. Imagen cortesía del artista.

Jose Ramón Alarcón

 

José Ramón Alcalá y la nueva cultura digital

José Ramón Alcalá
Media Art: Nuevos paradigmas, nuevos procesos, nuevas estrategias para la construcción
de la Cultura Digital actual
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
Aulario Miguel Silva
C / Pintor López, 12. Valencia
Lunes 18 de mayo, de 11.00 a 13.00h

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia ha organizado una conferencia impartida por José Ramón Alcalá en torno al ‘Media Art: Nuevos paradigmas, nuevos procesos, nuevas estrategias para la construcción de la Cultura Digital actual». Tendrá Lugar el próximo lunes 18 de mayo en la sede Aulario Miguel Silva de ESAT. Está abierta al público, hasta completar aforo.

José Ramón Alcalá (Valencia, 1960) es Catedrático de Procedimientos Gráficos de Expresión y Tecnologías de la Imagen en la Universidad de Castilla-La Mancha.  Es asimismo Director del Museo Internacional de Electrografía (MIDECIANT) de Cuenca, desde su creación (1989), y responsable de las ‘Colecciones y Archivos de Arte Contemporáneo’ (CAAC) de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y del grupo de investigación ‘Interfaces Culturales; Arte y Nuevos Medios’ de la Universidad de Castilla La Mancha.

Portada del libro 'La piel de la imagen', de José Ramón Alcalá. Editorial Sendemá.

Portada del libro ‘La piel de la imagen’, de José Ramón Alcalá. Editorial Sendemá.

Alcalá ha sido Premio Nacional de la Calcografía (al MIDE) “por las innovaciones aportadas al arte gráfico” (Madrid, 1999). También es Investigador Principal de proyectos I+D+i de Excelencia nacionales y europeos sobre aplicaciones de las nuevas tecnologías en la creación artística y la museografía virtual.

Autor de libros como ‘La piel de la Imagen’ (Valencia, 2011); ‘Ser Digital; Manual para conversos a la cultura electrónica’ (Santiago de Chile, 2011); ‘¿Cómo se cuelga un cuadro Virtual?’ (Gijón, 2009); ‘Monstruos, fantasmas y alienígenas. Poéticas de la representación en la cibersociedad’ (Madrid, 2004); o ‘Ars & Machina. Electrografía Artística en la colección MIDE’ (Santander, 2004).

Director y comisario de bienales y Premios, como el Observatorio Internacional de Artes Electrónicas de Gijón (OOH) http://www.jornadasooh.net, Digital Art Awards LÚMEN_EX (Universidad de Extremadura)  http://www.lumenex.net, o Festival de Artes Electrónicas de Valencia Digital Media 1.0  http://www.digitalmediavalencia.es

José Ramón Alcalá. Cortesía de ESAT.

José Ramón Alcalá. Cortesía de ESAT.