“El humor debe disparar siempre hacia arriba”

Refugi Il.lustrat. Entre el taüt i la maleta
Organizada por la Asociación Profesional de Ilustradores de València (APIV)
Col.legi Major Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 4. València
Hasta el 25 de marzo de 2018

Hay datos escalofriantes. Según el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), el número de personas desplazadas en el interior de un país, pendientes de resolución tras haber solicitado protección internacional y refugiadas, supera los 68 millones. Ante semejante drama, la Asociación Profesional de Ilustradores de València (APIV) ha querido llamar nuestra atención con la muestra Refugi Il.lustrat. Entre el taüt i la maleta, que reúne en el Col.legi Major Rector Peset 150 ilustraciones alusivas al tema migratorio.

Ilustradores que, como bien apunta Manuel Garrido, comisario de la exposición que se puede visitar hasta el 25 de marzo, utilizan en unos casos el humor y en otros la crudeza, dependiendo del talante de cada autor que es luego extrapolable a la sensibilidad del receptor. Garrido apela al arte y a las demás manifestaciones culturales para dar visibilidad a una situación tan lacerante, que exige a su juicio la misma altura de miras de nuestros gobernantes. Éstas son algunas de sus reflexiones.

Ilustración de Materia Dispersa. Imagen cortesía de APIV.

Ilustración de Materia Dispersa. Imagen cortesía de APIV.

Refugi Il.lustrat, ¿el mejor refugio para combatir el drama de los refugiados es la ilustración, en el doble sentido de más pensamiento ilustrado y más arte?

Efectivamente, sería necesario regresar al pensamiento ilustrado, a la confianza en el conocimiento humano como herramienta para mejorar el mundo, pero de poco sirve la filosofía o la ética si no va acompañada de una férrea voluntad política y de una sociedad que la reclame. El arte, la ilustración y las demás manifestaciones culturales pueden contribuir a que la sociedad conozca y se cuestione la situación actual y, consecuentemente, exija a nuestros gobernantes que estén a la altura.

Al refugiado, si quiere sobrevivir, y visto lo que sugiere el título de la exposición, ¿en estos momentos no le cabe otra que coger la maleta y largarse?

Esa disyuntiva que plantea el título de la exposición se basa en una cita de la Comisión Española de Ayuda al Refugiado – CEAR y no quiere decir otra cosa que la situación de las personas que huyen de una guerra o de la persecución por razones políticas, de etnia, de orientación sexual, etcétera, no lo hacen de una manera caprichosa sino porque, literalmente, se juegan la vida si se quedan.

Ilustración de Noemi Seguí. Imagen cortesía de APIV.

Ilustración de Noemi Seguí. Imagen cortesía de APIV.

Más de 68 millones de personas lo hacen, desde países como Afganistán, Irak, Nigeria, Sudán o Siria. Ahora que cierto discurso anticapitalista prolifera, alguna bondad tendrá ese capitalismo para que sea destino de quienes huyen de la guerra y la pobreza, ¿no?

Es fácil imaginar que los países de acogida de estas personas pueden resultar menos peligrosos que sus países de origen, pero no creo que haya ninguna bondad en el sistema capitalista que se perpetúa precisamente gracias a mantener los privilegios de unos pocos y en el binomio opresor/oprimido. No hay más que ver el insignificante número de personas a las que España ha otorgado el estatus de refugiadas a pesar de las cifras a las que se había comprometido. Eso, por no hablar de que el capitalismo es la razón última de algunas de esas guerras y regímenes corruptos de esos países a los que aludes.

Anotada esa cara más o menos amable de los países enmarcados en la denominada sociedad del bienestar, ¿tanto supuesto bienestar acolcha nuestra mirada ante el drama que nos asola y preferimos no querer ver?

Ese supuesto bienestar hace que, efectivamente, miremos hacia otro lado para que nadie nos pinche la burbuja o que no nos impresionen las tremendas cifras de muertos y desparecidos de distantes territorios. Que nos sobrecoja amargamente cuando algo parecido ocurre en nuestros países aunque sea a escala reducida, pero no tanto si se trata, como decía el poeta Ángel González, «de crímenes lejanos, de huérfanos pequeños».

Ilustración de Guridi. Imagen cortesía de APIV.

Ilustración de Guridi. Imagen cortesía de APIV.

La exposición pretende remover conciencias. ¿Cómo se remueven mejor con ilustraciones descarnadas, dramáticas, ásperas o mediante el sentido del humor?

En eso hay tantas sensibilidades distintas en los receptores como en los emisores: quien prefiera una imagen cruda que le revuelva las tripas, le contagie la rabia y le mueva a la acción, y quien prefiera un mensaje igualmente profundo pero dicho de un modo más amable, cosa que, en muchos casos, parece que llegue de manera menos incómoda.

La exposición reúne 150 ilustraciones, ¿cómo ha sido el proceso de selección, cuáles han sido los criterios?

A la campaña gráfica que lanzamos desde APIV nos llegaron más de 270 ilustraciones de distintos países del mundo y todas ellas pueden verse en la web refugioilustrado.tumblr.com pero por una cuestión de espacio físico tuvimos que realizar esta selección de 150. La única cortapisa que nos pusimos fue que las imágenes no atentaran contra los derechos humanos ni la dignidad de las personas, y los criterios de selección que primaron fueron los de calidad gráfica y conceptual. Eso no quiere decir que, con un comité de selección distinto, la selección no hubiera sido diferente.

Ilustración de Vicente Soriano. Imagen cortesía de APIV.

Ilustración de Vicente Soriano. Imagen cortesía de APIV.

De las tantas imágenes que integran la exposición, descríbame algunas cuya potencia y cualidad resida en el tono ácido, frente a aquellas otras que se caractericen por el tono irónico.

Preferiría no resaltar ninguna por encima de las demás, pero aprovecho para reivindicar el uso del humor, la crítica y la ironía en un momento en el que la libertad de expresión y de pensamiento se está viendo seriamente amenazada en nuestro país. No sólo como un ejercicio catártico sin igual sino, además, como una herramienta utilísima para difundir un mensaje y que corra como la pólvora. Ya lo dijo Óscar Wilde: “Si tienes que decirles la verdad, hazles reír o te matarán”. Eso sí, en mi opinión, el humor debe disparar siempre hacia arriba.

Ilustración de Mikko. Imagen cortesía de APIV.

Ilustración de Mikko. Imagen cortesía de APIV.

Salva Torres

14 artistas Por venir en Casa de Velázquez

Por venir, exposición colectiva
Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid
C/ de Paul Guinard, 3. Madrid
Inauguración: 3 de diciembre a las 20:00 horas
Del 3 de diciembre de 2014 al 15 de febrero de 2015

Como cada año, la Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid realiza una exposición colectiva en la que participan los artistas miembros así como los becados en residencia. La muestra del ejercicio 2014-2015 propone un recorrido multidisciplinar por las obras de catorce artistas, en su mayoría franceses y españoles, englobados bajo el título ‘Por venir’: un desideratum que ratifica el empeño de esta institución pública francesa por fomentar la creación y la investigación artística contemporánea; labor que desempeña desde su fundación en los años veinte del siglo pasado.

Planteada como una rica panoplia de técnicas y estilos, ‘Por venir’ abarca diversas disciplinas que van de la pintura al vídeo, pasando por la instalación, la fotografía, el dibujo y el grabado, elaborando así un repaso aproximado de la joven creación contemporánea.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

El arquitecto Esaú Acosta (España, 1978) (http://www.estudiosic.es/) participa con fotografías y maquetas del proceso de su proyecto “Casa G” en el que reflexiona acerca de cómo una pareja heterosexual española configura su estilo de vida a través del diseño de su vivienda, buscando reforzar con ella su capital simbólico. Un proyecto arquitectónico y sociológico que gira alrededor del pensamiento de Pierre Bourdieu, resumido parcialmente en la sentencia: “La configuración del hábitat no se realiza por la verdadera naturaleza de sus partes; sino por la ‘legitimación del gusto’ y su relación con lo dominante”.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

Tania Blanco (España, 1978) (http://www.taniablanco.com/) recrea el ambiente de una sala de espera presidida por la escultura-pintura de un reloj simbólico que, de manera análoga al Doomsday Clock de la Universidad de Chicago, avisa del impacto socio-económico que producirá el acuerdo de la Asociación Transatlántica para el Comercio y la Inversión  (TTIP) que se negocia actualmente entre los EE. UU. y la U.E., a través de un listado de ítems que advierten sobre la “privatización feroz de los servicios públicos” o  el “entierro definitivo del concepto de soberanía nacional”. Sobre la mesa, una réplica en resina de un periódico imposible de desplegar nos alerta de la opacidad informativa con la que dicho acuerdo se está llevando a cabo.

"Je me suis dévêtue pour monter à un arbre". Imagen por cortesía de Hélène Damville.

«Je me suis dévêtue pour monter à un arbre». Imagen por cortesía de Hélène Damville.

Las xilografías de Hélène Damville (Francia, 1984) (http://helene-damville.blogspot.com.es/) basadas en la observación romántica del paisaje, representan troncos y ramas de árboles y cepas que se retuercen mostrando sus nudos como en una visión onírica. Una representación personal de la arquitectura de la naturaleza que imbrica sus cualidades vegetales y minerales asimilándolas a una apariencia ósea  que se funden en escenas de cierto halo macabro, potenciadas por la dureza del blanco y negro.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

Daniel Escobar (Brasil, 1982) (http://danielescobar.com.br/) propone una disertación acerca de la configuración de la imagen de los países por parte de la industria del turismo, ligando las ideas de geografía y consumo. Su pieza es un objeto escultórico construido mediante la intervención de una guía turística corriente que deviene en un libro pop-up, a la manera de esos cuentos infantiles que convierten la ficción del relato en una realidad en tres dimensiones; como una verdad insondable.

"Après une visite en Palestine". Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

«Après une visite en Palestine». Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

Baptiste Fompeyrine (Francia, 1989) elabora unas escenas preciosistas de reminiscencias orientales con sus grabados al aguafuerte, al aguatinta y a la manera negra. Sus composiciones, herederas del espíritu documentalista y satírico de los viejos maestros del grabado francés del siglo XIX, suponen la representación idealizada de los propios recuerdos del artista; personajes, paisajes y situaciones extraordinarias materializados con sutiles texturas y claroscuros y su enorme capacidad para el dibujo.

"Bakki". Imagen por cortesía de Didier Hamey.

«Bakki». Imagen por cortesía de Didier Hamey.

El universo mágico de Didier Hamey (Francia, 1962) (http://didier.hamey.free.fr/) queda patente en sus minuciosos grabados, plagados de seres zoomorfos, antropomorfos y vegetales, fantásticos y carnavalescos. Un alegato de la joie de vivre desde la mirada aparentemente inocente de quien alberga un profundo amor por la naturaleza y aderezada con la consciencia del reverso inquietante que impregna todas las cosas.

"Des châteaux en Espagne". Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

«Des châteaux en Espagne». Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

El fotógrafo Guillaume Lemarchal (Francia, 1974) (http://www.guillaumelemarchal.com/) presenta dos fotografías paisajísticas de su proyecto sobre los castillos españoles; enclaves a los que otorga las cualidades del espejismo y la ensoñación. Recurrentes en su trabajo, la luz y el paisaje como objeto, son manipulados por el objetivo fotográfico para potenciar esos “lugares fantaseados” que encuentra y resignifica poéticamente, poniendo en relación al hombre con su historia y su tiempo.

"The Walking Pillows". Imagen por cortesía de Albert Merino.

«The Walking Pillows». Imagen por cortesía de Albert Merino.

El videasta Albert Merino (España, 1979) (http://albertmerino.com/web/) está presente con su vídeo The Walking Pillows en el que un ejército de trabajadores sin rostro rastrean las huellas de vidas remotas a medio camino entre lo mítico y lo real. Como es habitual en su producción audiovisual, lo real y lo irreal se entremezclan en entornos verosímiles, alternando su particular imaginario fantástico con el absurdo cotidiano.

"Points Noirs". Imagen por cortesía de Sarah Miller.

«Points Noirs». Imagen por cortesía de Sarah Miller.

Los dibujos a lápiz y polvo de grafito de Sarah Miller (Francia, 1985) (http://sarahnavassemiller.free.fr/) subliman los pequeños detalles cotidianos, los instantes fugaces y los gestos más sutiles en escenas de gran formato en las que, con un tratamiento brumoso del dibujo y una composición casi fotográfica, centra su atención en el lenguaje corporal y en la emoción contenida en cada momento.

"Typing". Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

«Typing». Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

El ilustrador y animador audiovisual Renaud Perrin (Francia, 1977) (http://perrin.renaud.free.fr/) aporta las pequeñas escenas “dibujadas” con máquina de escribir y tintas de colores de su serie “Typing”: personajes, edificios y objetos de uso cotidiano esquematizados que adquieren la apariencia naïf de los bordados coloristas de punto de cruz.

"Le Rosicruchien". Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

«Le Rosicruchien». Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

Las xilografías de Agathe Pitié (Francia, 1986) (https://www.facebook.com/pages/Agathe-Piti%C3%A9/187770171303785?fref=ts) forman parte de su serie “Impertinences”: un trabajo que remite a los grabados medievales de corte moralizante y a la emblemática y que, de manera satírica, la artista revisita desde una óptica contemporánea. Sus personajes encierran significados ocultos y símbolos herméticos llegando incluso a un absurdo tragicómico, que se ve potenciado por el carácter expresivo y conscientemente arcaizante del trazo.

"Perenne. Cuello" (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

«Perenne. Cuello» (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

La instalación de Esther Señor (España, 1982) (http://www.senorcifrian.com/) que conforma el colectivo “Señor Cifrián” con Carmen Cifrián, presenta un juego de espejos acerca del mismo referente: un cuello de camisa intervenido con pétalos de geranio y conservado en parafina. Una construcción poética de la realidad titulada “Perenne. Cuello” en la que el objeto escultórico, su captura fotográfica y el muestrario de pétalos utilizados, componen un arte expandido que reflexiona acerca de los distintos modos de representación, el atesoramiento de los recuerdos y la reivindicación del proceso creativo.

"1 + 1 + 1 + ... + 1 = 547". Imagen por cortesía de Pep Vidal.

«1 + 1 + 1 + … + 1 = 547». Imagen por cortesía de Pep Vidal.

El artista, físico y matemático Pep Vidal (España, 1980) (http://www.pepvidal.com/) analiza el desorden, los cambios infinitesimales de los procesos y los conceptos de caos y entropía y los plasma en dibujos de carácter científico en los que la repetición metódica juega con la alternancia del vacío y la mancha y la imprevisibilidad del azar.

"Sin título". Imagen por cortesía de Federico Miró.

«Sin título». Imagen por cortesía de Federico Miró.

Por último, las pinturas de Federico Miró (España, 1991) (http://www.federicomiro.com/), ganador del Premio Salón de Verano 2014, pertenecientes a su serie “Tras las apariencias”, en la que el artista superpone finas líneas de pintura acrílica que, en su conjunto, dan la sensación de que nos encontramos ante una imagen digital, pixelada, errática. A partir del referente figurativo de la naturaleza, las abstracciones que el artista compone se convierten en una suerte de estratigrafía natural e incluso en el reverso de un tapiz colorista.

Una muestra ecléctica que aglutina catorce visiones, poéticas, lenguajes e intenciones distintas que los artistas residentes en la Casa de Velázquez continuarán desarrollando, en su mayor parte, hasta mediados de 2015. Una buena oportunidad para conocer las diversas propuestas de un grupo de artistas a los que se augura y se desea un gran porvenir.

Manuel Garrido Barberá

Les refusés de Kessler-Battaglia

Les refusés de Kessler-Battaglia
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 15 agosto, 2014

Siempre que desaparece un espacio cultural, como una galería de arte, se agrieta el ya de por sí débil tejido cultural valenciano. Esto resulta todavía más dramático teniendo en cuenta que gran parte de las galerías de arte valencianas están haciendo más por la difusión del arte actual que muchas instituciones museísticas y salas expositivas de titularidad pública. La galería Kessler-Battaglia, que cerró sus puertas hace unos meses después de más de una década de existencia, ha querido resistirse a desaparecer por completo –quién sabe si mientras busca un nuevo espacio expositivo o como inicio de un proyecto itinerante por otros espacios amigos- ofreciendo una exposición colectiva, en la galería Mr. Pink, de aquellos artistas con los que debería haber iniciado la próxima temporada.

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Sueño funámbulo. Deva Sand. 107 x 60 x 18 cm. t/m maderas y cerámica 2014

El título de esta muestra hace referencia a un episodio concreto de los célebres Salones de París; la gran cita del arte francés durante la segunda mitad del siglo XIX. Los conservadores miembros del jurado del salón de 1863 desestimaron la participación de un elevadísimo número de artistas, por lo general a causa del antiacademicismo de muchos de ellos, como fue el caso del grupo de los impresionistas. Ante las enérgicas protestas de los artistas rechazados, Napoleón III, en una maniobra para intentar demostrar el talante democrático de los salones, decidió darles cabida en el que sería conocido como el Salon des Refusés (Salón de los rechazados) que vería nacer entre sus paredes el germen del desarrollo posterior de las vanguardias. En la exposición Les refusés de Kessler-Battaglia, si bien los artistas participantes no se corresponden exactamente con la definición de “rechazados” –en tanto que son autores que tenían previstas sus respectivas exposiciones desde antes del cierre de la galería-, sí coinciden en el hecho de verse obligados a exhibir sus obras en un lugar distinto del inicial, y se corresponden con aquella tipología expositiva de los salones consistente en un muestrario ecléctico que permitiera tomar el pulso a la producción artística del momento. De este modo, los artistas participantes en esta muestra constituyen una panoplia de distintas poéticas e intenciones que, desde su eclecticismo formal, conceptual e instrumental, trazan diversas líneas de investigación que convergen en un interés común por el querer decir; por expresar y generar opinión; por la denuncia y el análisis crítico del entorno.
El artista y activista transgénero Graham Bell Tornado, presenta la pieza The Catalogue II: Antitainment en la que combina el arte de acción con el vídeo (Antitenimiento, 2009), la edición (The Catalogue: A Living Artist’s Book, 2014) y la música (10 Grandes Éxitos por Artista Original, 1993-2014), en una equilibrada mezcla entre las artes frívolas del cabaret y la crítica social y cultural, especialmente contraria a las élites financieras, académicas y artísticas. Joan Esquerdo por su parte, desarrolla una reflexión conceptual sobre los roles de género y su obsolescencia en la sociedad contemporánea, centrándose en el binomio poder-sometimiento traducido en una serie de esculturas que asimilan dichos conceptos a las propiedades matéricas del hierro y la porcelana para proponer, de manera alegórica, un futuro en el que dejen de repetirse los patrones impuestos para dar paso a una diversidad social asumida. Javier Marisco, investiga en sus series Discursosº y M Onarchy acerca de las representaciones del poder político en los medios de comunicación; la primera de las series alude al mensaje simbólico de superioridad que evidencian los planos contrapicados con los que son registrados los líderes políticos, relacionando los grados de erección de sus cabezas con sus supuestas derivas o ínfulas totalitarias, hallándose numerosas coincidencias entre regímenes similares; en la segunda, se erige en pintor de corte por una “necesidad surgida de la coyuntura económica actual”, plasmando la cuestión hereditaria de los sistemas monárquicos mediante la superposición de retratos extraídos de las revistas sensacionalistas. Mau Monleón, en un proyecto en continuo proceso de documentación, aborda la violencia de género, denunciando la existencia en España de un verdadero feminicidio que goza de una incomprensible e irresponsable impunidad por parte del Estado; en el vídeo que forma parte de su serie Hijas del maltrato, analiza el impacto que la violencia intrafamiliar ejerce sobre los niños y niñas, a través de entrevistas a jóvenes que la han sufrido en sus casas. Nacho Ruiz, presenta dos obras realizadas con fibra óptica en las que reflexiona sobre la tendencia obsesiva a la hiperconectividad actual que se materializa en dinámicos haces de luz enmarañados hasta el punto de hacer casi irreconocible la silueta humana; como una suerte de hombre de Vitruvio contemporáneo que nos invitara a cuestionarnos las nuevas proporciones de la vida digital. Finalmente, Deva Sand, realiza un ejercicio de introspección en el que la calma y el frágil equilibrio de los objetos expuestos se convierten en un reflejo de la contemporización y el autoconocimiento; un sutil y poético memento mori que nos exhorta a la toma de conciencia de nuestra propia fragilidad mientras observamos “la maravillosa fiesta de la vida y la muerte”.
Hombre superconectado. Nacho Ruiz.

Hombre superconectado. Nacho Ruiz. 30 x 60 cm. impresión digital, 2013

Una última muestra comisariada por la galerista Elena Battaglia que nos ofrece una selección de algunas de las principales vías de investigación del arte actual desde la diversidad de ópticas y lenguajes, puestos al servicio del análisis crítico y la transmisión de las ideas. Un último gesto de generosidad con sus artistas, no exento de sentido del humor, mientras decide, en esta época de desasosiego generalizado y duda constante, si regresa o no a los salones oficiales.

Manuel Garrido Barberá

Imagen portada: Atomizadores de género de Joan Esquerdo, 36 x 17 cm, porcelana 2012

Ciutat Vella Oberta: más de 100.000 entradas

Balance de Ciutat Vella Oberta: Festival de Artes Plásticas y Visuales
Días 8, 9 y 10 de noviembre
Reportaje gráfico: Eva Máñez

Más 200 artistas de todo el mundo, 43 espacios expositivos y 34 talleres abiertos al público dinamizaron durante los pasados días 8, 9 y 10 de noviembre Ciutat Vella, todo ellos dispuestos a “poner en valor el centro histórico con mayor concentración de comercios de Europa”, según destacó durante su presentación Julia Martínez, gerente de la Asociación de Comerciantes del Casco Viejo de Valencia. ¡Y vaya si lo hicieron! Las calles del céntrico barrio se llenaron de ciudadanos y turistas que colmaron y rebasaron las expectativas del grupo organizador.

Ciutat Vella Oberta, que en esto ha seguido los pasos de Russafart o Cabanyal Portes Obertes, otras dos sobresalientes actividades artísticas nacidas en sendos barrios emblemáticos de Valencia, recibió la visita de miles de personas. Los talleres y estudios de artistas no dieron abasto, como tampoco lo dio la página web diseñada para el evento y las redes sociales que superaron las 100.000 entradas. Los comercios de Ciutat Vella también notaron el impacto de tamaña actividad artística, foco de exposiciones de pintura y fotografía, proyecciones de cine, talleres infantiles, cuentacuentos, recitales de poesía, performances, actuaciones musicales, visitas guiadas, intervenciones en la calle, diseño, moda, gastronomía y una sorprendente ruta erótica comandada por Carles Recio.

Sin ayudas públicas, pero con un enorme entusiasmo, Ciutat Vella Oberta se puso en marcha gracias a la voluntad de artistas y ciudadanos y al apoyo económico, principalmente, de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia (ESAT). La Fundación Inspirarte, Ibercaja y galerías como Cuatro, Espai Visor, Kessler-Battaglia y Punto, además de La Nau, Rector Peset, Ca Revolta, Carme Teatre e Inestable, se sumaron a la iniciativa para dejar constancia de que hay vida más allá del declive institucional. Y como muestra fehaciente del éxito de Ciutat Vella Oberta, les dejamos estas imágenes firmadas por Eva Máñez. Continuará…

Ciutat Vella Oberta. Fotografía: Eva Máñez

Ciutat Vella Oberta. Reportaje fotográfico de Eva Máñez.

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7/11/2013. Inauguració Festival de les arts Ciutat Vella oberta

7/11/2013. Inauguració Festival de les arts Ciutat Vella oberta

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Ciutat Vella, ciutat oberta

Ciutat Vella Oberta
Distintos espacios del Casco Viejo de Valencia
Del 8 al 10 de noviembre

¿Se acuerdan de Roma, città aperta, la película de 1945 dirigida por Roberto Rossellini? En ella, un grupo de partisanos se hace cargo de la resistencia en medio de la ocupación nazi. Sería exagerado comparar aquel contexto bélico con el actual democrático. Exagerado, porque entonces la resistencia se pagaba con la vida, y ahora es la vida, amenazada por la indomable crisis económica, la que está dando pie a focos de resistencia ciudadana que buscan revitalizarla, antes de que la falta masiva de pagos funda sus plomos. Es lo que ha hecho un colectivo de artistas: montar un festival multidisciplinar para que el casco viejo de Valencia recupere el alma perdida.

Obra de Antonio Barroso para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

Obra de Antonio Barroso para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

“Es una idea latente desde hace 20 años”, reconoce Manuel Garrido, uno de los artistas resistentes que forman parte del colectivo impulsor de Ciutat Vella Oberta. Ha tenido que llegar la furibunda crisis, para que ese proyecto latente vea la luz del día. Lo hace como respuesta al silencio administrativo, más preocupado en capear el temporal que en remar para que esto no se hunda. De manera que ahí están los cerca de 300 artistas de todo el mundo, los 43 espacios expositivos y los 34 talleres abiertos al público, dispuestos a “poner en valor el centro histórico con mayor concentración de comercios de Europa”, según destaca Julia Martínez, gerente de la Asociación de Comerciantes del Casco Viejo de Valencia.

TravellingArt para el festival Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

TravellingArt para el festival Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

En el fondo, Ciutat Vella Oberta sigue los pasos de Russafart o Cabanyal Portes Obertes, otras dos sobresalientes actividades artísticas nacidas en sendos barrios emblemáticos de Valencia. “Tenemos buena sintonía con ellos”, afirma Chele Esteve, coordinadora del evento. Gracias al protagonismo de artistas y diferentes profesionales de la cultura y el comercio, este festival multidisciplinar dinamizará las calles del casco viejo valenciano hasta el domingo. Habrá mucho y de todo, desde exposiciones de pintura y fotografía hasta proyecciones de cine, pasando por talleres infantiles, cuentacuentos, recitales de poesía, performances, actuaciones musicales, visitas guiadas, intervenciones en la calle, diseño, moda, gastronomía e incluso una ruta erótica comandada por Carles Recio, que rendirá homenaje a Bienvenida Pérez colocando una placa conmemorativa en su casa de la Calle Alta.

Obra de Rafa Martínez Primo para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

Obra de Rafa Martínez Primo para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la organización.

Sin ayudas públicas (“ni las hemos pedido porque es casi imposible lograrlas”), Ciutat Vella Oberta se pone en marcha gracias a la voluntad de artistas y ciudadanos (“patrocinio de base”), y al apoyo económico, principalmente, de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia (ESAT). Alberto Adsuara, en representación de la escuela, destaca la importancia de un festival “sin ánimo de lucro” y hecho por personas de a pie, porque iniciativas como ésta “si no parten del ciudadano, ya parece que no parten de nadie”. Dos proyectos de ex alumnos de ESAT, el ajedrez portátil de Rubén López y el videojuego Ninpo de Ismael Castellanos, Andrea Montesa y Óscar Navarro, podrán verse en el Espacio Plató de la escuela.

Cubess, ajedrez portátil obra de Rubén López para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de ESAT.

Cubess, ajedrez portátil obra de Rubén López para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de ESAT.

La Fundación Inspirarte concederá una beca de residencia para artistas en Ifitry (Marruecos) e Ibercaja acogerá una exposición colectiva que se prolongará hasta diciembre. Galerías como Cuatro, Espai Visor, Kessler-Battaglia y Punto, además de La Nau, Rector Peset, Ca Revolta, Carme Teatre e Inestable, figuran entre los espacios expositivos participantes. Artistas como Consuelo Chambó, Juanma Pérez, Ana Vernia, Mery Sales, Concha Ros, Cristina Peris o Victoria Cano abrirán sus estudios al público, en una clara muestra del espíritu que anima a Ciutat Vella Oberta: revitalizar un  barrio que “muchos jóvenes desconocen de día” y que, de esta forma, permitirá “el descubrimiento de rincones singulares”, afirma con rotundidad Julia Martínez.

Ninpo, videojuego de Andrea Montesa, Ismael Castellanos y Óscar Navarro para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de ESAT.

Ninpo, videojuego de Andrea Montesa, Ismael Castellanos y Óscar Navarro para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de ESAT.

Las cinco rutas previstas en su mapa desplegable, cada una con su color, el naranja para las exposiciones colectivas, el amarillo para las actividades infantiles, el rosa para los estudios y talleres, el verde para el arte de acción y el rojo para el domingo erótico, convierten el casco viejo de Valencia en un nuevo barrio abierto a la participación ciudadana. Un espacio de resistencia y difusión cultural que convertirá Ciutat Vella en otro interesante laboratorio de ideas y creatividad promovido desde la base. A falta de los anunciados tiempos mejores, ya aparecen de verdad en los barrios brotes verdes.

Fotografía de Consuelo Chambó para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la autora.

Fotografía de Consuelo Chambó para Ciutat Vella Oberta. Imagen cortesía de la autora.

Salva Torres

Ilustración desde los márgenes

Pansy & Lowbrow

Espai Tactel
C/ Denia 25-B, Valencia
Inauguración: viernes 8 de noviembre
Hasta el 4 de enero de 2014

“Lo comparable a la pintura y la escultura del Renacimiento o el Barroco, no es el arte de nuestras galerías, sino las imágenes de los cómics, de los carteles, del cine o la televisión”.(1)
J. A. Ramírez

Con el actual boom de la ilustración, cada vez resulta más habitual encontrar en las galerías de arte exposiciones que se acerquen a esta disciplina y sin embargo pocas veces se nos brinda la oportunidad de reflexionar acerca de su formato, su intención y sus referentes. Cabe recordar que hoy en día la ilustración ha conseguido quitarse de encima el estigma de la subsidiariedad con respecto al texto a la que parecía estar condenada y se ha superado esa visión displicente que la relegaba a un segundo plano o le otorgaba una función meramente decorativa. La ilustración es considerada hoy como una manifestación artística con entidad propia y extraño sería que alguien dudara de su capacidad para expresar una idea –propia o por encargo- a través de los múltiples recursos que ofrece la gráfica.

We can be heroes, 29’7 × 42 cm, 2013. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Mario González, «We can be heroes». 29’7 × 42 cm, 2013. Imagen cortesía de Espai Tactel.

La muestra Pansy&Lowbrow en la galería Espai Tactel de Valencia, presenta una serie de obras que siguiendo esa idea, se defienden por sí mismas sin necesidad de un texto que las acompañe y que no decoran una idea exógena sino que son la expresión de la idea misma. Obras radicalmente distintas entre sí pero con unas características comunes muy representativas de nuestra época: 1) la puesta en valor de la cultura de popular –a menudo denostada como un sucedáneo de rango inferior y que sin embargo alberga los referentes más cercanos a sus coetáneos-, 2) la apropiación, descontextualización y reinterpretación de los iconos que esa cultura genera –imágenes que se fraguan en y se nutren de las revistas, el cómic o la publicidad- y 3) que están pensadas –sin ambages y sin complejos- para ser reproducidas en serie y distribuidas en masa.

David Sánchez, "Original / Fake". 50 x 70 cm, Print de alta calidad sobre papel Fine Art de 300 gr, 7 copias numeradas.

David Sánchez, «Original / Fake». 50 x 70 cm, Print de alta calidad sobre papel Fine Art de 300 gr, 7 copias numeradas.

Dividida en dos categorías, el concepto pansy hace referencia al grupo de pop punk Pansy Division, cuyas canciones tratan temas relacionados con la homosexualidad masculina y que a su vez toma su nombre de la flor del pensamiento para designar en argot y sin connotaciones peyorativas, algo así como “marica”. Bajo este concepto se encuadran las obras de Ricardo Fumanal, Mario González y Sito Mújica, que emplean el dibujo de factura realista y las tonalidades pastel para componer escenas amables que han sido publicadas en revistas y eventos de todo tipo: desde las naturalezas muertas y los animales casi oníricos de Fumanal hasta el enaltecimiento elegíaco de la figura masculina de González y Mújica, con efebos y maniquís posando a la manera de las revistas de moda que interactúan con la naturaleza que los rodea. Por otro lado, el término lowbrow podría traducirse –en oposición al highbrow: “lo refinado” o “de la alta cultura”- como algo “de mal gusto”(2) y recoge las más diversas influencias de los iconos de la cultura popular para revisarlos con un humor sarcástico, socarrón, violento y en ocasiones pornográfico. En este grupo, las obras de Agustín Esteso, José Punzón y David Sánchez, reflejan con cierto humor y una violencia latente, su filiación con el diseño gráfico y el cómic a la hora de crear las ilustraciones con las que copan portadas de libros, revistas, discos, camisetas y campañas publicitarias de toda clase: desde los ácidos e impactantes mensajes de Esteso plagados de referencias al diseño y la publicidad, a los dibujos surrealizantes en grafito de Punzón –anteriormente conocido como 3501- pasando por los inquietantes y sugerentes personajes de cómic de Sánchez.

"Ese moflete parte cuellos", José Punzón. Grafito, 2012-2013.

«Ese moflete parte cuellos», José Punzón. Grafito, 2012-2013.

Pansy&Lowbrow no sólo es una buena noticia para los amantes de la ilustración sino que a su vez constituye una declaración de principios por parte de una galería valiente, decidida y desacomplejada que trata de subvertir ese denunciado desapego del arte con el público de su tiempo dando cabida a una manifestación cultural que se desarrolla fundamentalmente al margen de la academia y las instituciones públicas. Una exposición que siembra la duda acerca de las jerarquías, los convencionalismos culturales y el turbio asunto de la alta y la baja cultura.

Sito Mújica, "Blake". 27,4 x 21,4 cm, Acuarela sobre papel, 2013.

Sito Mújica, «Blake». 27,4 x 21,4 cm, Acuarela sobre papel, 2013.

 

Notas:
(1) Ramírez, Juan Antonio; Medios de masas e Historia del arte; Ed. Cátedra, Madrid, 1976.(2) El concepto lowbrow, más que un movimiento concreto, define a una corriente muy ecléctica que tiene su origen en la California de los años 60 y que recibe la influencia de diferentes manifestaciones de la cultura popular tales como los hot rods, el surf, el cómic underground, los dibujos animados, la pornografía, la televisión o el cine de terror de serie B. A menudo –sobre todo en pintura- es utilizado indistintamente el término “surrealismo pop”.Manuel Garrido Barberá

 

Juan Sánchez

Juan Sánchez, «Transvase intercontinental de una forma autónoma rosa»

Sala d’Arcs. Fundación Chirivella-Soriano
C/Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 5 de enero de 2014

Alteración en rosa de una realidad en blanco y negro.

Si uno se abandona al acto de vagar por el espacio urbano, sin motivación aparente y sometido únicamente al azar, pronto se verá asaltado por las innumerables sorpresas que alberga el entorno. El flâneur baudelairiano era un paseante sin rumbo que, en el transcurso de su deambulación cotidiana, llevaba a cabo una observación atenta y minuciosa de la ciudad. Un explorador –o espectador urbano en palabras de Walter Benjamin- que, lejos de haber perdido la mirada curiosa, se dejaba sorprender por cuanto le salía al paso, realizando un ejercicio lúdico basado en el escrutinio, la duda constante y la reinterpretación.

De manera análoga, el artista –o aquél que posee una mirada creativa- tiene la capacidad de alterar la realidad a través de su propia interpretación. Observando el espacio urbano –quizás sin mayor pretensión que la que implica la flânerie– el artista descubre una serie de características formales y psicogeográficas, repeticiones y concomitancias y las categoriza añadiendo nuevos significados y asociaciones de ideas que permanecían ocultos a la mirada de los otros. No en vano recordaba Ortega y Gasset que el término “autor” proviene del latín auctor, “el que aumenta”. En este sentido podemos afirmar que el artista, a través de su intervención sobre la regularidad de las cosas, altera su ritmo y las resignifica ampliando exponencialmente las posibilidades interpretativas.

Cortesía de la Fundación Chirivella Soriano

La producción artística de Juan Sánchez revela esa carga lúdica –no exenta de cierto desasosiego- en la que el azar, el accidente y la sorpresa juegan un papel fundamental. Mediante la identificación, la añadidura o la sustracción de lo que él llama formas autónomas, la acción del artista subraya, cubre o elimina aquellos referentes que nos permiten identificar las imágenes, privándonos de una parte de la información o dirigiendo nuestra atención hacia ella. Pequeñas intervenciones a través de las cuales modifica los límites entre la realidad y la ficción y con las que propone una lectura distinta de las situaciones más cotidianas, aparentemente anodinas o carentes de interés, que acaban resultando extrañamente atrayentes.

“Transvase intercontinental de una forma autónoma rosa” no trata tanto de construir como de alterar la realidad. Despojado de toda gravedad o actitud moralizante, Juan Sánchez realiza un arte expandido en el que la motivación principal parece ser, sencillamente, el puro juego. Incluso en su utilización de los materiales, su obra es todo lo contrario a la monumentalidad, a lo pomposo o lo accesorio, reutilizando los materiales que tiene al abasto ya sea en sus fotografías intervenidas con manchas de pintura –en este caso, tomadas en México y sobrepintadas con color rosa en homenaje al arquitecto Luis Barragán- o en sus escenas alteradas con sencillos cilindros de cartón.

Imágenes cortesía Fundación Chirivella Soriano

Imágenes cortesía Fundación Chirivella Soriano

No sabemos si esa búsqueda paroxística de la forma autónoma responde a la obsesión aristotélica del horror vacui, en donde la naturaleza rechaza el vacío y en consecuencia lo rellena o sí, por el contrario, lo que aquí se pone de relieve es precisamente la ausencia misma. Tampoco si es el autor el que modifica la realidad o si éste simplemente señala aquello que ocurre por sí mismo; aquello que permanecía latente. Quizás la alteración que propone Juan Sánchez esconda significados no revelados que nos lleven a dudar de todo aquello que damos por cierto, por normal, por aceptable. O tal vez nos encontremos ante una gran broma: un juego evasivo elaborado por un moderno flâneur que nos divierte, nos confunde y nos intriga y en el que no hay resto alguno de moraleja sino más bien cierto desencanto nihilista tomado con mucha guasa.

Manuel Garrido

Berlín, tras las huellas de la caída del muro

Berlín 50. Clara Bleda
Terraza del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Inauguración: 28 de mayo, a las 20.00 horas
Hasta el 30 de junio
 
 
El proyecto ‘Berlín 50’ de Clara Bleda (Valencia, 1987) más allá del juicio estético posee un gran valor documental. La fotógrafa actúa como documentalista de una parte delicada de la realidad berlinesa contemporánea con la intención de fijar en soporte fotográfico las huellas de la historia y la relación entre la ciudad y sus habitantes. Dicho de otro modo, en un juego especular, podemos afirmar que lleva a cabo la documentación de un documento.
Aeropuerto de Tempelhof, Berlín. Clara Bleda. MuVIM

Aeropuerto de Tempelhof, Berlín. Clara Bleda. MuVIM

 

Esta exposición trata de transmitir, a través de una selección de diez fotografías analógicas realizadas con película de 50 mm, el enigmático ambiente y la cotidianidad de Berlín 50 años después del levantamiento del muro que dividió trágicamente la ciudad durante 28 años. La serie refleja esta relación cotidiana centrando su atención en los vestigios del pasado arquitectónico, urbanístico, emocional y psicogeográfico de lugares y no lugares de la República Democrática Alemana. En palabras de la fotógrafa: “Recorriendo los barrios donde las épocas se entremezclan se puede apreciar una lenta transformación; espacios cargados de historia, vestigios de la desaparecida RDA combinada con la liberación, el arte y la reinvención.”
 
Tras una estancia de unos meses y repetidos viajes a Berlín, Bleda ha vivido la ciudad y ha analizado las profundas diferencias entre el este y el oeste, siempre de una manera respetuosa con sus habitantes -apenas aparecen personas retratadas en sus fotografías- visitando espacios como el aeropuerto de Tempelhof, el río Spree, o el cuartel de la Stasi y escuchando el testimonio que éstos ofrecen; capturando, en definitiva, el paso del tiempo desde la mirada curiosa e inteligente de quien se ha enamorado de la historia.
 

Cartel de la exposición Berlín 50. Clara Bleda. MuVIM

Cartel de la exposición Berlín 50. Clara Bleda. MuVIM

El visitante podrá reflexionar, sorprenderse e incluso estremecerse con algunas de las imágenes de la cotidianidad berlinesa en el 50 aniversario de la construcción del llamado “muro de la vergüenza”. Una muestra que, desde la distancia que ofrece el devenir de la historia, refleja la impronta indeleble que el último símbolo de la Guerra Fría –quizás el de crueldad mayor- dejó de manera física en la ciudad y social, económica y culturalmente en sus habitantes. 
 

El trabajo de Clara Bleda explora la cotidianidad, la tipografía y la impronta de la historia y el paso del tiempo en las ciudades así como la relación de sus habitantes con éstas. Entre sus influencias destacan los fotógrafos topográficos del siglo XIX, documentalistas como Walker Evans o Robert Frank y los pioneros en el uso del color como Stephen Shore, John Sternfeld, William Eggleston o Helen Levitt.

Balas en la fachada de la fábrica de dinero, Berlín, 2011. Clara Bleda. MuVIM

Balas en la fachada de la fábrica de dinero, Berlín, 2011. Clara Bleda. MuVIM

 
Manuel Garrido Barberá

El absurdo cotidiano

Esteban Hernández. Tebeos.

Comisario: Manuel Garrido Barberá

La Terraza del MuVIM (cafetería)
C/Quevedo, 10. Valencia.
Inauguración: jueves 25 de abril a las 20 h.
Hasta el 27 de mayo de 2013

Entrada gratuita

Esteban Hernández, "El cobarde Barbero" pág. 3. Imagen cortesía de Manuel Garrido.

Esteban Hernández, «El cobarde Barbero» pág. 3. Imagen cortesía de Manuel Garrido.

La exposición “Esteban Hernández. Tebeos” muestra parte del trabajo publicado en los últimos años por el historietista tanto en su fanzine Usted como en su novela gráfica ¡Pintor!

A través de los originales de páginas completas publicadas en Usted (Premio al Mejor Fanzine en el 30º Salón del Cómic de Barcelona) y bocetos de su novela gráfica ¡Pintor! (Premio Internacional Fnac – Sinsentido de Novela Gráfica 2010), el visitante podrá conocer de primera mano el proceso creativo y adentrarse en la particular visión del mundo de Esteban Hernández compartiendo algunas de sus preocupaciones: las relaciones humanas, el absurdo cotidiano, el desasosiego, la locura o la muerte. Todo ello desde un punto de vista irónico y generalmente autoparódico.

Tras la colectiva “Vint il·lustradones”, esta pequeña muestra inicia la programación 2013-2014 del espacio de cafetería del MuVIM que tratará de visibilizar las obras de jóvenes artistas vinculados a la Comunidad Valenciana a través de pequeñas exposiciones individuales de dibujo, fotografía y collage.

Esteban Hernández, "Maldita Metáfora" pág. 8, 2006. Imagen cortesía de Manuel Garrido.

Esteban Hernández, «Maldita Metáfora» pág. 8, 2006. Imagen cortesía de Manuel Garrido.

Jóvenes ilustradoras valencianas

Vint Il·lustradones
Cafetería La Terraza
C/Quevedo
Inauguración: Jueves 7 de marzo a las 20:00 horas
Del 7 de marzo al 7 de abril de 2013
Entrada gratuita

Paula Bonet. Cèrvol. Imagen por cortesía de la artista

Con motivo del Día Internacional de la Mujer se inaugura la exposición “Vint il·lustradones”, comisariada por Manuel Garrido, que refleja el trabajo de veinte ilustradoras valencianas o vinculadas a la Comunidad Valenciana.

«Vint il·lustradones» se presenta como un muestrario representativo de la producción artística realizada por mujeres en el campo de la ilustración. Una muestra ecléctica en la que contrastarán los diferentes estilos y técnicas de las participantes y en la que estará presente el cómic, el graffiti, la ilustración editorial, el lenguaje underground, obras más matéricas e incluso escultóricas.

Algunas de las artistas participantes cuentan ya con una trayectoria consolidada por numerosos premios nacionales e internacionales, publicaciones y exposiciones dentro y fuera de España y están muy presentes en el imaginario colectivo valenciano y otras, siendo menos conocidas pero con una sobrada experiencia, constituyen una apuesta por los jóvenes valores.

Artistas:
MARTA ANTELO | RAQUEL APARICIO | PAULA BONET | CACHETEJACK | AITANA CARRASCO | LAURA CASTELLÓ | CRISTINA DURÁN | IRENE FENOLLAR | AZUCENA GONZÁLEZ | HAPPYMIAOW | MARÍA HERREROS | SARA h. PEÑALVER | JULIETA XLF | MALOTA | PAULAPÉ | MIREIA PÉREZ | JULIA PRAT | REGINA QUESADA | CLARA-IRIS RAMOS | JULIA VALENCIA

María Herreros. Fenómena. Imagen por cortesía de la artista