Una coreografía seductora

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral
Serie de 10 dibujos creado en técnica mixta sobre papel Fabriano de 300 gramos
Taller Indusart
C / Clero, 6 bajo. Valencia

Entre-dos, serie de 10 dibujos creados mano a mano por Hélène Crécent y Rafa de Corral  para  Russafart 2016, lleva inscrita la tensión surgida de la fusión de los dos universos pictóricos tan diferentes de estos artistas. Crécent y De Corral han creado una coreografía seductora con las figuras abstractas y conceptuales más emblemáticas de sus respectivos universos pictóricos.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Figuras crepitantes

La pintura de Hélène Crécent está habitada, principalmente, por figuras abstractas: “manos llameantes”, “bolas enmarañadas”, -“de pelo”, matiza la artista-, “cuerpos contorsionados, sin rostro y sin sexo”, “bocas-vaginas dentadas”. Figuras dibujadas con mina de plomo sobre un fondo blanco y salpicadas con golpes de color rojo, verde, azul. Figuras de trazo curvo, inmediato, fogoso. Figuras crepitantes.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Figuras ingrávidas

En cambio, en la obra de Rafa de Corral gravitan misteriosas piezas de rasgos arquitectónico-geométricos que brotan de una superficie acuosa, metálica o flotan sobre un espacio nuboso, etéreo.  Estas piezas, dibujadas con un trazo firme, recto y preciso, fluyen ingrávidas por el espacio conceptual futurista de la obra de Rafa de Corral. Figuras ingrávidas, densas piezas arquitectónico-geométricas, donde la levedad de la existencia se hace metáfora.

Cuatro piezas de 'Entre-dos', de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Cuatro piezas de ‘Entre-dos’, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Fusión

Entre-dos es el resultado de la fusión de estos dos mundos pictóricos                    “formalmente tan diferentes”, como considera Hélène Crécent. “Aún así -precisa la artista- pensamos que podría ser un reto pintar y exponer juntos”.

Una experiencia cuyo resultado, señala Rafa de Corral, “ha sido espectacular tanto desde un punto de vista formal como de fondo. En mi opinión se ha producido una simbiosis en un principio lúdica, pero si ahondas más en cada pieza sorprende la frescura y el contenido tan potente”.

Las figuras crepitantes -“manos llameantes” y “bolas enmarañadas”- y las figuras ingrávidas -las piezas arquitectónico-geométricas- componen, en estos diez dibujos, un juego rítmico y colorista de movimientos. Las figuras se desplazan marcando el compás pasional de un tango; se atraen y se repelen connotando la pasión seductora que emana entre lo femenino y masculino.

Los dibujos de “manos llameantes” y de “bolas enmarañadas” de Hélène Crécent denotan una feminidad que arde, que quema. Por lo contrario, las piezas arquitectónico-geométricas de Rafa de Corral emanan una masculinidad que intenta escindir el fuego femenino.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Fotografía: Fernando Rincón.

Hélène Crécent describe el proceso creativo como “mágico y excitante”. Y añade: “El primer dibujo lo hicimos conjuntamente en la misma mesa de manera muy concentrada y espontánea a la vez. Entendimos que la fusión podía funcionar. Pero empezó a complicarse: la fuerza de mis “bolas de pelo” podían comerse la fuerza de los elementos arquitectónicos de Rafa. No se trataba de una lucha de poder. Non obstante, empezamos a competir, pero con amor, somos amigos”.

“Entonces, Rafa empezó a utilizar la mina de plomo, herramienta importante en mi obra, creando una superficie color plomo negra y brillante. Me impresionó y respondí con un personaje rojo. Luego, Rafa cambió su paleta por tonos fluorescentes pintados con spray. Él se adaptó y yo me tranquilicé, frente a la tensión creada, enrollándome o enroscándome en sus arquitecturas irreales, amenazantes y atractivas a la vez, como si fuera un juego sexual  pasional”, concluye Crécent.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Entre-dos, de Hélène Crécent y Rafa de Corral. Imagen cortesía de sus autores.

Begoña Siles

Russafart arranca fuerte pero con débil presupuesto

Russafart. Obrando arte
Diferentes espacios del barrio de Russafa. Valencia
Del 25 al 29 de mayo de 2016

Arístides Rosell, coordinador de Russafart, lo repite una y otra vez: “Tenemos un valor impresionante en el barrio que la institución pública no tiene en cuenta”. Se refiere a los más de 50 estudios que en apenas 5 km2 se concitan en Russafa. “Hasta ahora vive de espaldas a ello”, resaltó. De espaldas a un festival que del 27 al 29 de mayo abrirá las puertas de todos esos estudios que, junto a galerías, comercios y diferentes espacios expositivos, mostrarán el trabajo de 348 artistas. Y todo ello con apoyo en especies, pero nula ayuda económica.

“El Ayuntamiento de Valencia tiene un doble rasero”, denunció Rosell, en referencia a los 20.000€ que sin embargo el Área de Cultura ha aportado al Festival de Artes Escénicas Tercera Setmana, que arrancará en junio. “Han tenido más en cuenta a un festival de reciente de creación que a otros que llevamos años funcionando”. Y demostrando el potencial artístico de un barrio que este año celebra su quinta bienal abriéndose más que nunca al exterior, con la visita de colectivos del barrio de Bellville en París y de Santa Teresa en Río de Janeiro. Artistas de Russafart ya han estado en el barrio parisino, y otros lo harán después con Río, en lo que constituye un enriquecedor intercambio cultural. La galería el Tossal y la Biblioteca Nova Al-Russafí acogerá los trabajos de esos colectivos.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Marlén Ramos. Imagen cortesía de Russafart.

“Demandamos acompañamiento de la institución pública: velar por lo que sucede en la ciudad”, manifestó Rosell, contrariado por ese doble rasero institucional. Doble rasero económico que se extiende al régimen de ayudas, “a las que nos presentaremos todos”, aludiendo a las nueve asociaciones que conforman la Plataforma de Iniciativas Culturales Urbanas (PICUV), y de las que han sido excluidos los organizadores de Tercera Setmana recibiendo ese trato de favor. A pesar de todo, el “museo expandido en el barrio”, como fue definido Russafart “continúa creciendo y desarrollándose”, subrayó Rosell.

Román de la Calle, catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universidad de Valencia, que desde su primera edición viene apoyando el festival, incidió en ese carácter museístico de Russafart: “El IVAM ha introducido la ciudad entre sus reflexiones y vosotros el museo en el barrio”. Pintores, escultores, fotógrafos, videoartistas y performers participan en un festival que desplegará, además, alrededor de 500 actividades paralelas en cuatro días.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Carlos Hernández Sacristán. Imagen cortesía de Russafart.

De ahí lo de museo expandido y de ahí también el lamento de sus organizadores por tener “que partir de cero” cada año, a pesar del voluminoso y cualitativo aporte artístico del barrio a la ciudad. “Se hace desde la precariedad más absoluta”, insiste Rosell, “cuando estamos contribuyendo a la revitalización de Russafa y a que se conozca Valencia a nivel nacional e internacional”. En cualquier caso, el coordinador del festival artístico huye de la palabra moda. “No me gusta decir que está de moda, porque las modas pasan y aquí se ha creado un tejido cultural que ha dinamizado el barrio y escapa de esas modas”.

Una exposición colectiva en la galería Imprevisual, con obras de formato 20×20 donadas por los propios artistas al precio de 50€ por pieza, combina la exhibición de 149 trabajos y la casi única posibilidad de recaudar fondos. “El recurso de Verkami [plataforma digital de micromecenazgo] no ha funcionado muy bien hasta la fecha”, reconoció Rosell. Lo que sí está funcionando es la aplicación digital creada por Esam Tecnología, de la Universitat de València, que servirá de guía por los diferentes itinerarios. “Apenas puesta en funcionamiento ya llevamos más de 300 descargas”, destacó Vicente Llorens, responsable de la empresa tecnológica.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Bia Sasso. Imagen cortesía de Russafart.

La empresa privada, a la espera de la tan ansiada ley de mecenazgo, también aporta su grano de arena al festival. Embajada Alhambra, espacio ideado por la marca cervecera, reunirá en Cosín Estudio las últimas creaciones de artistas como Paco Roca, Vicente Talens, Marco Caparrós, Omega TBS y Raquel Rodrigo. Y EMT, empresa de transporte municipal (he ahí el aporte institucional en especie), cederá un microbús para que los niños lo pinten y hagan graffitis sobre su chapa a modo de talleres creativos. La artista de Russafart Hélène Crecent será la encargada de guiar ese “espíritu gamberro” (Rosell) de los más pequeños.

Román de la Calle definió la cultura que a borbotones fluye en Russafart como ese “pequeño afluente que nada entre dos ríos: la política y la economía”. Carmen Amoraga, directora general de Cultura y Patrimonio, en representación de ese primer río, dice en el catálogo del festival que el mundo de la creación es “un sector estratégico en el nuevo modelo de desarrollo socio-cultural y económico justo y sostenible en el que estamos trabajando”. Por eso valora “mucho la aportación que hace Russafart”. Lástima, como ironizó De la Calle “que [el barrio] no tenga mar”, aunque “sí la mar de imaginación”. De momento, a falta de ese otro río económico, Russafart desde luego nada en la abundancia.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Obra de Miguel Ángel Aranda. Imagen cortesía de Russafart.

Salva Torres

La Volière de Hélène Crécent

La Volière, de Hélène Cécent
Trentatres Gallery
C / Dénia, 62. Valencia
Inauguración: viernes 22 de mayo, a las 20.00h

La volière es el término que designa en francés esas enormes jaulas en las que los pájaros vuelan pero no escapan. Es también el nombre de la exposición en la Trentatres Gallery de la artista francesa Hélène Crécent (Pau,1966).
Fascinación por los pájaros, animal nada domesticable. Solo en el Museo del Prado, el biólogo Gómez Cano contabilizó en su día 729 pinturas con representaciones de aves de 36 especies: de la saga Brueghel al concierto de Jan Fyt.

Más allá de los muros académicos, en las cuevas de sueños olvidados donde nos introdujo el cineasta alemán Werner Herzog, nuestros antepasados ya consideraron importante detener la frágil estructura de las aves en la superficie con memoria de la roca.

La exposición en Trentatres, una de las galerías de arte de referencia más frescas de Valencia, está más cerca de la fascinación primigenia –entre el art brut (expresión acuñada por Dubuffet para referir el arte más allá de la puerta de salida del sistema: trazos de dementes, niños y reclusos) y el pigmento natural de la caverna– que de los híbridos de Max Ernst.

Mirada virginal o primigenia y, sin embargo, la obra de esta pintora, poeta y escultora con aspecto de bailarina de danza clásica está penetrada, versada, por decirlo quizás de forma políticamente correcta, de formación, desde la Ecole des Beaux Arts de Bordeaux a las influencias de la también francesa Annette Messager (Le repos de pensionnaires) o de los mejores representantes del grupo CoBrA (Karel Appel o Asger Jorn).

No hay en esta volière de pájaros arrebatados -como no había en la adaptación hitchcockniana de Daphne du Murier- interés por el último motivo ni voluntad de conocerlos bien a todos. Que lo haga el espectador. Una únicanota basta para caracterizar una de las exposiciones más interesantes de esta primavera: Crécent ha emprendido el regreso, un jalón, en la delirante tarea de deshacerse.

Despojada, con la técnica más rudimentaria, la mirada ahora interrogada, ahora decidida de las aves cuestiona la verja de hierro pero también de auto-concesiones de nuestra propia volière: la danzarina disposición de los pájaros dibuja también el bosquejo de un mapa de salida.

Obra de Hélène Crécent. Cortesía de Trentatres Gallery.

Obra de Hélène Crécent. Cortesía de Trentatres Gallery.

Jesús García Cívico*
*Por cortesía de TrentaTres Gallery

Analectas canibaales: ‘El asombro del colmillo’

El asombro del colmillo
I Aniversario de la revista Canibaal
Le Petit Canibaal
Puerto Rico, 22. Valencia
Hasta el 15 de febrero

Refiere el ensayista colombiano Carlos A. Jáuregui -profesor de literatura latinoamericana y antropología de la Universidad de Vanderbilt (Nashville, Tennessee, EE.UU.)- en ‘Canibalia. Canibalismo, calibanismo, antropofagia cultural y consumo en América Latina’ (Iberoamericana Editorial Vervuert, 2008) -Premio de Ensayo Casa de las Américas, 2005- que “canibalismo es también una metáfora de choque vanguardista contra el buen gusto y la sensibilidad de sectores conservadores o tradicionales de la burguesía. Ese ánimo provocador informa el uso contemporáneo del tropo del canibalismo en Europa y en otras partes de Latinoamérica”. Ineludiblemente, Jáuregui sobrevuela la irrupción de la figura del artista parisino de origen cubano Francis-Marie Martínez Picabia y dos de sus lucubraciones referentes:  “Manifieste Cannibale Dadá” -incluido en el postrero número de la revista Dadaphone (nº 7, marzo de 1920), editada por el ensayista y vate rumano Tristan Tzara- y los dos números de la revista Cannibale (nº1, 25 de abril; nº2, 25 de mayo, 1920) bajo la dirección del propio Picabia.

Facsímil de la revista "Cannibale", de Francis Picabia, editado por la UCLM y presente en la exposición.

Facsímil de la revista “Cannibale”, de Francis Picabia, editado por la UCLM y presente en la exposición.

Se encuentra en estos precedentes histórico-conceptuales el germen que ha vivificado, allende el año 2014, la eclosión de una revista (Canibaal) -honra entronizada a Martínez Picabia y la trasmutación fonética del melillense Fernando Arrabal-, la morfologización de una librería-espacio creativo (Le Petit Canibaal) y un lacre editorial (Ediciones Canibaal) -cuyo sello irrumpe con “Una casa Holandesa” (Jesús García Cívico, 2014)-, bajo la dirección, coordinación y edición, respectivamente, del escritor y editor Ximo Rochera (Castellón, 1968). En compañía del poeta y artista visual Aldo Alcota (Santiago de Chile, 1976) -director de arte-, el editor y poeta visual Sergio Pinto Briones (Santiago de Chile, 1977) -director literario-, el poeta y cuentista Fran Amador Luna (Sevilla, 1973) -director de redacción- y el escritor, ensayista y profesor de Teoría del Derecho y Filosofía Política Jesus García Cívico (Valencia, 1969) -director de contenidos-, la revista Canibaal consolida su trayectoria con la consumación de tres títulos (‘Sexo y Locura’, ‘Humor y Magia’ y ‘Utopía y Libertad’) y la inminente aparición de un cuarto (‘Identidad y Provocación), que aseveran una cárcava intelectual cuya voluntad no debe interpretarse en términos de éptaer la bourgeoisie, sino como la preservación de un nomen conservandum y la brega en pos de la excelencia heterodoxa.

Imagen de los tres primeros números de la revista Canibaal.

Imagen de los tres primeros números de la revista Canibaal.

‘El asombro del colmillo’, bajo el ejercicio curatorial de Aldo Alcota, supone el altetismo conmemorativo de componer una analectas canibaales y oficiar el primer aniversario de la revista, reuniendo obra -tanto venal como de colección particular- y material de documentación de más de medio centenar de artistas que han colaborado -o han sido referidos- en los diferentes números editados.

Ejemplar de 'RIMBAUD, VUELVE A CASA', presente en la exposición.

Ejemplar de ‘RIMBAUD, VUELVE A CASA’, presente en la exposición.

'Faire signe au machiniste', grabado original de Jorge Camacho.

‘Faire signe au machiniste’, grabado original de Jorge Camacho.

Se distingue, por su valor credencial, la cesión de un ejemplar -de entre los escasos existentes en la actualidad- de la revista “RIMBAUD, VUELVE A CASA” por parte del poeta chileno Bruno Montané, quien, en 1978 edita en Barcelona, junto con su egregio compatriota, Roberto Bolaño, como uno de los pináculos del movimiento infrarrrealista; un grabado original del pintor surrealista cubano Jorge Camacho; misivas de congratulación para con Canibaal por parte del artista plástico y escritor parisino Jean-Jacques Lebel -indíquese que su ‘Le enterrement de la Chose’ (Venecia, 1960) se constituye en el primer happening formalizado en el Viejo Continente-, así como del Transcendant Satrape Fernando Arrabal; poemas visuales del mataronense J.M. Calleja y del anticonferenciante Bartolomé Ferrando; collage y fotografía de la Premio Nacional de las Artes Plásticas 2013, Carmen Calvo; obra del acanónico postista Antonio Beneyto, etc.

Imagen de la misiva enviada por Fernando Arrabal a la revista Canibaal.

Imagen de la misiva enviada por Fernando Arrabal a la revista Canibaal.

'Jours de lilence', collage y fotografía de Carmen Calvo.

‘Jours de lilence’, collage y fotografía de Carmen Calvo.

Se rubrica, de este modo, un vastísimo mapa de colaboraciones sostendidas sobre la cal y en los anaqueles de un destacamento (Le Petit Canibaal) ineludible en el cartulario de Ruzafa, memorando, de esta suerte, el devenir de un magacín (Canibaal) asentado ya como exaltador descollante de las agenesias intelectuales.

Completan ‘El asombro del Colmillo’: Marcelo Bordese, Jaime Alfaro Ngwazi, Jean Benoît, Alfonso Renza, Juan Rivero, Ody Saban, Eminliano De Rokha, Miguel García Cano, Aldo Alcota, Reinata Sadimbra, Arístides Rosell, Aigaro, Roberto Yánez, Misael M., Virginia Tentindó, Daniel Madrid, coRTarcabezas, Alejandro Casanova, Chanchán Olibos, Ernesto Shikhani, Joan Ponç, Chema Madoz, Sofía Santaclara, Inka Martí, Ramuntcho Matta, Leila Amat Ortega, Jorge Varela, Carlos Michel Fuentes, Enrique de Santiago, Maite Bäckman, Joan Brossa, Marcos Caparrós, Alberto García-Alix, Miguel Ángel Huerta, Evru, Christophe Richart Carrozza, Tania Lorandi, Sergio Pinto Briones, Clemente Padín, Franklin Fernández, Iñaki Muñoz, Ludwig Zeller, Jesús Uclés, Kalus Peter Dencker, Vinz Feel Free, Margarita Dittborn, Carmen Selva, Víctor Castillo, Julia Lara Martí, Julie Navarro, Yto Aranda, Susana Wald, Verónica Cabanillas, Antonio Pérez, Hélène Crècent, Jorge Rueda, Antonio Gómez, Rodrigo Villagrán, Juan Molero, John Bennett, Yolanda Relinque y Pastor de Moya.

http://www.canibaal.es

Jose Ramón Alarcón

 

Guía para aterrizar en MARTE

Programación de actividades de MARTE:

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Marte tiene entre sus objetivos la socialización del arte, por eso tiene entrada libre el jueves 11 de septiembre de 17h a 20’45h y de viernes a domingo de 11h a 14’30h y de 17h a 20’45h. Todas las actividades programadas son gratuitas.

Palau de la Festa 1

Este es el arte que defienden en su BASE SPACE:

Fundada en 1992, Cavecanem (Sevilla) parte de la idea tradicional de una galería para adaptarse y reinventarse ahora, veinte años después de su creación, en una oficina de servicio integral para el coleccionista de arte contemporáneo que ofrece asesoramiento, formación y divulgación, que se acerca a la innovación a través de las artes plásticas y pretende servir de plataforma para nuevos artistas. Presenta fotografías de Laura León (Sevilla, 1976) reportera gráfica de The New York Times, Der Spiegel, Le Monde y Times Magazine, entre otros, y Ocaña, que con su arte sentó las beses de la nueva cultura underground de la movida de Barcelona y posteriormente la madrileña.

Espacio Valverde (Madrid) tiene algo mágico y espontáneo. Jacobo Fitz-James Stuart, co-director junto con Asela Pérez, considera que la clave de su espacio está en la autenticidad, y por eso muestran las originales obras de  Robert Ferrer (Valencia, 1978),  Hugo Bruce (Reading, 1969) y Luis Vassallo (Madrid).

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

La Galería Sicart (Vilafranca del Penedès, Barcelona), aporta una de las apuestas más atrevidas de artistas jóvenes, haciendo especial hincapié en expresiones artísticas como la fotografía, el video, el dibujo, la pintura, los objetos y la instalación. Podemos ver una selección de obras de sus artistas Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Nicanor Araoz, Lluís Barba, Diego Beyró, Muu Blanco, Calderón & Paulete, Marta Espinach, Patricio Gil Flood, Lidó Rico, Ruth Morán, Navarro Vejo, Gisela Ràfols, Silva Hauyón, Eulàlia Valldosera y Santiago Ydáñez.

La Galería Cànem (Castellón) era indispensable. Su labor en la difusión y promoción del arte contemporáneo, dedicando especial interés a las últimas tendencias y a los jóvenes artistas es ejemplar. Su apuesta en MARTE: Mar Arza.

Coll Blanc (Culla, Castellón), bajo la dirección de Mariano Poyatos, inició una serie de intercambios con la Fundacion Laxeiro (Vigo) dirigida por el filósofo Javier Bujan, la intención es dar a conocer artistas gallegos en la Comunidad Valenciana y artistas levantinos en Galicia bajo en nombre Entre Mares. Será este el proyecto a presentar en MARTE, con obras de Mar Vicente, Pepe Beas, Din Matamoro, Eduardo Alonso, Juan Ortí, Tono Carbajo, Elena Fernández e Ignacio Pérez Cofre.

MECA Mediterráneo Centro Artístico (Almería) fue fundada por el artista y comisario de exposiciones Fernando Barrionuevo en el año 1989 con el objeto de promover y difundir el arte contemporáneo y las nuevas tendencias. Con este fin se exponen obras de Marie-Pierre Guiennot, Tomás Cordero, Nora Schöpfer, Jerónimo Muñoz, Carmen Pascual, Fernando Barrionuevo, Juan Morante, Antonio de Diego Arias, Toña Gómez, Pedro Cuadra González, Fernando Baños, Manuel Vázquez Domínguez, Belén Mazuecos y Javier Navarro Romero.

Cervantes 6 tendencias (Oviedo) nace por un profundo amor al arte, en especial la pintura y la obra gráfica y con un clara línea de actuación orientada hacia el arte contemporáneo, apostando tanto por artistas emergentes así como por creadores consagrados de alto nivel. En MARTE pueden verse las esculturas de Andrés Vicente Blasco Martínez (Valencia); la fotografía de García de Marina (Gijón) e Irene Cruz (Madrid); las esculturas de Laura Medina Solera (Ciudad Real); y la pintura de Toya García Senra (Vigo) y Andrea Rabat (Oviedo).

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

La galería de arte Fontanar (Segovia) se dedica a la promoción y difusión de artistas jóvenes así como a la organización de exposiciones de artistas ya consagrados, tanto del ámbito nacional como del internacional. En MARTE presenta la instalación “Océano Plástico” del escultor Javier Ayarza Haro, una experiencia sensorial única que invita a la reflexión sobre el grave problema de acumulación de residuos plásticos que sufren los océanos.

Isabel Bilbao (Jávea/Berlín) tiene como objetivo crear un canal directo de comunicación entre artistas y sociedad. En MARTE se presenta la obra BenDay del valenciano Toni Sánchez.

Gestión Cultural O+O (Valencia) es un centro de referencia internacional que une las distintas culturas plásticas de oriente y occidente, tomando esta mezcla como unicidad. Cuentan con las fotografías desde Berlín de Sergio Belinchón y  Raúl Belinchón; la eufonía visual de Luis González Boix; el dibujo de Juan Carlos Julián; la propuesta iconográfica de  Enriqueta Hueso; y la simbología del artista japonés Kenryo Hara.

GaleríaCuatro (Valencia) se ha distinguido siempre por su intensa actividad expositiva de artistas tanto consolidados como emergentes, apoyando la evolución y difusión del Arte. Su selección de artistas pasa por Jorge Julve, y su reflexión acerca de las imágenes que habitan en Internet; las arquitecturas cambiantes de Carolina Valls; las composiciones fotográficas de Antonio Barroso;  las reflexiones de Roberto López; y el virtuosismo de Pablo Ferrer Rabanaque.

La galería Montsequi (Madrid) tiene como objetivo la promoción de artistas contemporáneos emergentes, permitiendo que los artistas interactúen con el público a través de sus obras. Podremos hacerlo con los trabajos de Miguel Carlos Montesinos (La Vall d´Uixó); Eduardo Zapiráin Múgica (San Sebastián); Luis Granda Guerrero (México D F);  y Zvominir Kremenic (Madrid).

Trentatres Gallery (Valencia) es una propuesta expositiva para la exhibición, promoción y venta de arte, principalmente pintura, dibujo, ilustracion y fotografía. Participan en MARTE con la obra de la dibujante Raquel Carrero (Valencia); la ceramista y escultora Hélène Crécent (Bordeaux); y el arte encapsulado desde Japón de Roberto Mollá (Valencia).

Aula Nómada (galería errante) es una anomalía del sistema, un proyecto dedicado al proceso y al encuentro artístico interdisciplinar en espacios alternativos. En Marte presentan la obra de dos artistas castellonenses: la pintura sobre tabla de Ana Sansano; y los dibujos de Sergi Cambrils.

EtHall (Barcelona) es un espacio dedicado a la exhibición de proyectos específicos de dibujo y arte contemporáneos y a la presentación de publicaciones propias y afines. Podremos disfrutar de los dibujos del ganador de la segunda edición del Premio de Dibujo Museo ABC Martín Vitaliti (Buenos Aires); y de la gran conversación dibujada de Anke Becker, Veronike Hinsberg, Inken Reinert (Berlín).

plano marte

ORBITAL SPACES
A estas exposiciones, se suma el Orbital Space, con la presencia de la instalación del Premio Internacional de Arte Contemporáneo de la Diputación de Castellón; una selección de obras de Habitat Artístic del Ayuntamiento de Castellón; los trabajos de Manuel Rodríguez, Rosario Ballesteros, Rosa Toro, Juan Castro, Rafael Peralbo, Cecilia Punzo, Carmen Jiménez, Juan Ramírez y Antonio Mansilla en el stand de la Fundación Carvajal; la obra de Fanny Galera y Rosana Zaera en la Galería Octubre de la UJI; el IVC+R y el SCRC, con aportaciones de la Fundación Anzo, el MACVAC y el patronato Martínez Guerricabeitia; y las propuestas de Idear Ideas, Naranjas con Arte, Trashformaciones, Revistart y Jot Down.

CURIOSITY SPACE
En el Curiosity Space el público podrá disfrutar de las apuestas de video arte, en pases continuos, de las galerías: Nube Cultural (Perú), Convergencia Gráfica (México), Dyne (México), Comitán Catorce (México), OSP (Perú), Studio Verve (India), CCFV (Perú), QCO (USA), Tembe (Argentina), Vacui Spacii (Argentina), Alter Ego (Ecuador), Martadero (Bolivia), Caracol Studio (Argentina), Trazas (Perú), Hat Gallery (España), Addaya (España), Aula Nómada (España), Cervantes6 (España), además del proyecto Border Body Mixing Identities de It’s Liquid (a través de MECA) y las proyecciones de los ganadores del concurso Orbital from Marte.

La programación del LABORATORY SPACE y el SOCIAL SPACE se abre a la participación libre, gratuita e interactiva del público. Estas son las fechas:

11 de septiembre de 2014. 19h. Concierto inaugural con la presentación de la obra musical Marte, compuesta por José Luis Miralles Bono, a cargo de Espai Clàssic.

12 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para hablar de evolución del arte con finalidad social y la comunicación para el desarrollo. Ven a tomar algo y a charlar con artistas, teóricos, coleccionistas…

12h. Intervención pictórica con miembros de Afaniad.

18h. Chat Show: quedamos para hablar de coleccionismo y conservación del arte contemporáneo.

19h. Roots and skin. Danza contemporánea dirigida por Erica Galmes, a cargo de Coppelia.

19h. ¿Esto es (M)arte? Conferencia de Joan Feliu en el Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

13 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para charlar del mundo de las Visual Arts.

18h. Hat Gallery organiza la charla y proyección La transformación del espacio.

18h. 13 de septiembre de 2014. 18h. Performance Live the System, de Miguel Andrés.

18’30h. Performance Si no puedo bailar tu revolución no me interesa, de Inés Bermejo y Eva Díez.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

19h. Performance Tattoo Box by Mocete&Ribera. Intervención donde el espectador puede ser el artista.

14 de septiembre de 2014:
11h a 13h. Talleres infantiles Formigues en Marte. Organizado por Formigues Festival.

12h. Chat Show: hemos quedado para discutir sobre los principios del arte contemporáneo.

13h. Performance Romería del Pez Luna, de Javier Ayarza y Galería Fontanar.

Palau de la festa 2

Puedes consultar toda la información en www.feriamarte.com

Hélène Crécent toma vuelo en Trentatres

Prende son envol, de Hélène Crécent
Trentatres Gallery
C / Sueca, 33. Valencia
Hasta el 14 de junio

La etérea estética emanó en Occidente en el Siglo de la física. Se intentó vincular la razón con el gusto mas se hizo evidente que éstos eran dos sujetos bien dispares, así que se procedió a relacionar el gusto con una nueva función: el sentimiento. Este factor hizo que se admitiera cierto relativismo en los juicios. El arte y el sentimiento de lo bello se divorciaron así de lo normativo y lo perfecto. Se introdujeron entonces en el sentimiento artístico la gracia, lo sublime y el afamado no-sé-qué.

En la flamante instalación artística de Hélène Crécent (Pau, 1966) parece estar sonando una cautivadora orquesta con el leitmotiv del eminente Art Brut. Este sustancial concepto de leitmotiv se relaciona al viejo compositor Richard Wagner (Leipzig, 1813 –Venecia, 1883). Se trata de una melodía basada en los motivos que guían la acción y que describe los hechos, las emociones y cada uno de los sentimientos. Tentamos pues en esta muestra ese potencial creativo que la sociedad invalida con sus códigos establecidos.

Obra de Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.

Obra de Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.

Y adentrándonos en su lozana serie de dibujos bautizada con el nombre de QRCorps podremos descifrar mediante la aplicación tecnológica indicada unos tan contemporáneos códigos QR de los que brotarán poemas compuestos por la misma Crécent. Y una vez descorchados estos códigos volveremos a desenmascarar al desorden disfrazado con el traje del sistema. Ya en su momento el italiano Giambattista Vico (Nápoles, 1668 – ibídem, 1744) estableció una contraposición entre poesía y filosofía, atribuyendo a la primera fantasía y a la segunda la razón. Según Vico, “la fantasía es tan más fuerte cuanto más débil es el raciocinio”, por tanto, la poesía es más verdadera cuanto es más individual, justo al contrario que la filosofía.

A su vez, los emocionales cuerpos de mujer de esta férrea artista propalan una convulsión interior de la francesa. No oteamos pretensiones de la belleza per se ni en sus esculturas ni en sus dibujos pero en su instalación total irradia en armonía la complejidad y lo absoluto de una vida que se hace trizas recomponiéndose una y otra vez. Engalanadas con charol, tela y otros materiales industriales pero de factura artesanal hace homenaje a gloriosas mujeres de la Historia con las vestiduras rasgadas por la lucha.

En suma, Trentatres Gallery acoge la nueva exposición ‘Prendre son envol’ de la consolidada artista francesa Hélène Crécent. Con piezas inéditas al más puro estilo de la artista acudiremos a una muestra cargada de innovación, fuerza y su siempre inherente tensión expresada tanto volumétrica como bidimensionalmente y palpable en el todo del conjunto.

Obra de Hélène Crécent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery

Obra de Hélène Crécent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery

Bartolomé Mata

Muñecas híbridas de Hélène Crécent

Hélène Crécent. Componer en el tiempo
Festival Miradas de Mujeres
Mustang Art Gallery
C/ Severo Ochoa, 36, Elche
Inauguración: 14 de marzo a las 20:30 h.
Hasta el 28 de abril de 2014

Mustang Art Gallery acoge las esculturas “danzantes” de la artista francesa Hélène Crécent. Esta exposición está comisariada por Johanna Caplliure, dentro del desarrollo del Festival Miradas de Mujeres.

La Sala MAG acoge esta exposición que se presenta con el título de Componer en el tiempo, es un trabajo planteado por la artista francesa como una composición coreográfica de singulares “muñecas híbridas”. En las que lo humano, lo animal, y lo maquinal, se entremezclan en la composición de la mujer: dando resultado a una mezcla entre diosas o heroínas y monstruos, más aún, entre la figura primitiva y el cíborg.

Fotografía del montaje de la exposición "Componer en el tiempo" de Hélène Crécent. Imagen cortesía de la galería.

Fotografía del montaje de la exposición “Componer en el tiempo” de Hélène Crécent. Imagen cortesía de la galería.

Para esta exposición, Hélène ha escogido diferentes piezas de sus series: Corps Multiples, que presenta un imaginario mitológico de cuerpos hechos de pedazos, Corps Glorieux, homenaje a artistas mujeres, y Corps Hybrides, cuerpos incoloros de PVC basados en el concepto de “lo maquinal”. A esta selección se le suma la realización de nuevas esculturas, así como poemas de la artista en la red.

“La igualdad en el sector del arte no existe”

Festival Miradas de Mujeres
29 espacios de la Comunidad Valenciana
A partir del 27 de febrero

Los datos son elocuentes: entre el 60 y el 70% de los licenciados en Bellas Artes son mujeres y, sin embargo, luego tan sólo el 15% de las exposiciones en museos es obra de mujeres artistas. Irene Ballester, responsable del Festival Miradas de Mujeres, lo resaltó durante la presentación del evento que arranca el próximo jueves y que se extenderá por 29 espacios de la Comunidad Valenciana durante el mes de marzo. “La igualdad en el sector del arte no existe”, concluyó. Para denunciar este hecho y poner en su justa medida el papel de las mujeres en el mundo de las artes visuales, nació hace tres años un festival que crece y de qué manera.

Felipe Garín, Mayrén Beneyto e Irene Ballester. Fotografía: Consuelo Chambó.

Felipe Garín, Mayrén Beneyto e Irene Ballester. Fotografía: Consuelo Chambó.

El salto cuantitativo ha sido espectacular. De los cuatros espacios valencianos de la pasada edición (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, Las Cigarreras, Alba Cabrera y Punto), se ha pasado a los casi 30 presentados por Irene Ballester en el Centre del Carme. Los presentó uno a uno y, en coherencia con la invisibilidad femenina criticada, fue enumerando las más de 100 artistas participantes en el festival. Un festival que tiene por lema este año: La artista está presente. Tal fue el título de la obra que Marina Abramovic expuso en el MoMA de Nueva York. Aprovechando el hecho casi insólito de la muestra dedicada a una mujer en el ilustre espacio neoyorquino, los organizadores han tomado prestado el título para destacar esa presencia artística de la mujer.

“No es cosa fácil, porque estamos en una sociedad patriarcal, con un circuito de museos cerrado a la mujer”. Irene Ballester, para remacharlo, puso como ejemplo las dos obras de arte de mujeres que hay expuestas en todo el Museo del Prado. Felipe Garín, en su día director del museo madrileño y ahora al frente del Centre del Carme, se limitó a anunciar la exposición de Elena Sorolla que, a partir del jueves, marcará uno de los pistoletazos de salida del festival.

Mayrén Beneyto, concejala delegada de Cultura del Ayuntamiento de Valencia, se sumó al evento repartiendo loas a diestro (Garín) y siniestro (Ballester), para enseguida barrer para casa destacando las artistas que expondrán en los espacios de titularidad municipal. Luego añadió otros, al margen del festival, como prueba del interés público hacia las artistas y reclamación de un protagonismo que, en esos momentos, giraba lógicamente en torno al Festival Miradas de Mujeres.

Obra de Cristina Almodóvar,  en Set Espai d'Art. Imagen cortesía de la galería.

Obra de Cristina Almodóvar, en Set Espai d’Art. Imagen cortesía de la galería.

Irene Ballester recordó lo que le cuesta a la mujer entrar en el circuito expositivo del arte. El festival, que nació en Madrid hace dos años para extenderse ahora por un total de 15 comunidades autónomas, se presentó el pasado viernes en la Feria de Arte Contemporáneo (ARCO) y hoy lunes en el Centre del Carme, precisamente con la intención de aportar “visibilidad y reconocimiento para el trabajo de las mujeres artistas”, según consta en la web del festival.

Mujeres en las Artes Visuales (MAV) es la asociación interprofesional y de ámbito estatal que se ha encargado de poner en marcha un evento que, en su conjunto, reúne a más de 1.000 artistas repartidas en 308 sedes. El propio Centre del Carme, junto a La Llotgeta, el Museo de Ciencias Naturales, Mustang Art Gallery, MACA, Intersindical Valenciana, Ca Revolta o las galerías 9, Alba Cabrera, Coll Blanc, Isabel Bilbao, Luis Adelantado, Punto, PazyComedias y Set Espai d’Art, entre otros, acogerán diversas exposiciones y actividades con la mujer como protagonista.

Algunas de las artistas que participan en el Festival Miradas de Mujeres, en el Centro del Carmen. Foto: Consuelo Chambó.

Algunas de las artistas que participan en el Festival Miradas de Mujeres, en el Centro del Carmen. Foto: Consuelo Chambó.

Salva Torres

Los cuerpos de Hélène Crécent

Faire corps, Hélène Crécent
Trentatres Gallery
Calle Sueca 33, Valencia
Inauguración: jueves 4 de abril de 2013

 

Esprit des males, Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.

Esprit des males, Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.

 

Faire corps avec des corps, à contre-corps, faire corps avec des objets. Faire corps
et corpus. Faire corps avec le crayon, la force et l’émotion, mais aussi à mi-corps. Se
défaire. Bien avant, le corps.

Cuando observamos las obras de Hélène Crécent imaginamos un cuerpo que está siendo desarticulado para hacer de él un “algo nuevo”. “Se quitó el brazo derecho desde el hombro y, con la mano izquierda, lo colocó sobre mi rodilla”. No sabemos bien de qué se trata. Pero seguidamente, los órganos y las partes del cuerpo despedazado son abrazadas amorosamente, se recolocan como piezas de un nuevo cuerpo. Habituados a la representación que Crécent desarrolla de un torbellino de pasiones que se envuelven en la violencia del abrazo, ahora es este el que se vuelve tierno y mimoso como en la serie Corps et Objets. El abrazo acoge con su fuerza los zapatos que parecen haberle sido arrojados, introduce los dedos en esas bocas llenas de dientes. Te croquer à pleines dents! O pequeños mordiscos.

Podríamos hablar de un cuerpo donante, puesto que dona las bondades y las perversiones de la carne. Ofrece sus miembros a una ceremonia subrepticia en la que quedan unidos. Los cuerpos de Crécent entran en una mitopoiesis donde se sacralizan en un acto ritual de creación de la artista. El cuerpo hecho jirones no puede compararse con la cultura del cuerpo-templo, sino que gira en una danza litúrgica en la que se practica un sortilegio de empoderamiento. Órganos diseminados, semillas orgánicas de las que nace un brazo, una pierna, o un seno como una rama, una raíz o un fruto. Y de nuevo, caricias y deseo, misterio y autoerotización (Corps à Corps), porque una mujer es otra mujer. Y una mujer es, también, un cuerpo de mujeres.

En ocasiones estos pedazos de cuerpo u objetos parecen sugerirnos un uso protésico de estos: un órgano ajeno sustituye a uno de origen que perdimos. Sin embargo, la repetición de ese brazo, de ese seno, las bocas o las “manospies” se entenderían como una suerte de suplemento à la manière derridiana: un órgano a medio camino entre lo interno y lo externo. La juntura de unos órganos-símbolo que ya no se identifican con el miembro que anteceden, sino que se superponen o añaden complementándolo (Serie Connections). Por eso, los cuerpos de Crécent son transhistóricos: mezclan figuras reales y mitológicas enriqueciendo los niveles de lectura. Y además, puesto que el cuerpo es lenguaje y el lenguaje es cuerpo, inviste a este un alfabeto híbrido. Cuerpos y objetos, conexiones encriptadas. El cuerpo, todo.

¡Se abre a mí! De esta manera, el lenguaje de los dibujos de Crécent atraviesa el cuerpo mudo, in-fans/enfance, para dotar a cada parte, a cada objeto de un símbolo polifónico. La danza delirante de pedazos de mí, de ti, de ella. El posicionamiento alterado de las articulaciones corporales se aprecia en las obras donde contrasta la fuerza del trazo y el color con lo frágil o efímero del papel. Contraste que observamos de nuevo en L’esprit des mâles: machos que son niños. El cuerpo, signo abierto; la fuerza del espíritu y la sensibilidad del vínculo de todos ellos.

Corps a corps, Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.

Corps a corps, Hélène Crecent. Imagen cortesía de Trentatres Gallery.