Escenarios, cine y arte. #QuédateEnCasa con el IVC

Canal ‘#QuédateEnCasa’
Institut Valencià de Cultura (IVC)
2 de abril de 2020

El Institut Valencià de Cultura (IVC) amplía esta semana la oferta del canal ‘#QuédateEnCasa’ con la intención de seguir en contacto con las espectadoras y espectadores y de ofrecer a la ciudadanía diversos contenidos culturales relacionados con las artes escénicas, el cine, la música y las artes plásticas.

Cada quince días el canal ofrecerá una programación de todas las áreas del IVC a lo largo de nuestro territorio. “El canal ‘#QuédateEnCasa’ nació con el objetivo de seguir en contacto con las espectadoras y espectadores, de ofrecer a la ciudadanía diversos contenidos culturales relacionados con el IVC; de seguir dando visibilidad a los profesionales valencianos de los sectores audiovisuales, escénicos, musicales y plásticos, y de colaborar para hacer más ligero el confinamiento en nuestras casas.

Canal ‘#QuédateEnCasa’ de esta semana

En el apartado audiovisual, los usuarios pueden acceder a otra de las películas restauradas por el Arxiu Fílmic de la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura; se trata de ‘Fogueres de San Chuan’, testimonio de cómo se vivían las fiestas de San Juan hace cerca de 100 años, plasmado en el documental que hizo Pascual Orts, recuperado y restaurado por la Filmoteca Valenciana.

‘El último abrazo’, de Sergi Pitarch. Fotografía cortesía del IVC.

También hay material audiovisual en ‘#lafestadelcurtacasa2’, con dos ciclos, el primero de estos, para todos los públicos y con el título ‘Cuando todo pase’, es una sesión para tomar conciencia de las carencias del sistema, una llamada de atención sobre las responsabilidades de todos como sociedad, e incluye los cortos ‘Acabe de tindre un somni’, de Javier Navarro, ‘Cuando todo pase’, de Suso Imbernón, ‘Dent de lleó’, de Jorge Bellver, ‘Un lugar’, de Iván Fernández de Córdoba y ‘Uno’, de Javier Marco.

El otro ciclo de cortos, con el título ‘Un poc d’història’, servirá para aprender algo más sobre nuestra historia reciente; tres documentales que nos transportan al pasado y, al mismo, tiempo nos remiten a momentos relacionados con el presente. El primero –‘Fallas del 37. L’art en guerra’, de Oscar Martín– centra su atención en las Fallas de 1937; el segundo –‘El último abrazo’, de Sergi Pitarch– se revela como un emotivo viaje en el tiempo en el que descubrimos a una persona en el contexto de la guerra y la posguerra españolas; y el tercero – ‘The neverending Wall’– es un maravilloso paseo animado por el museo de arte contemporáneo al aire libre más grande del mundo: el Muro de Berlín.

En el apartado de artes escénicas, se mantienen las producciones ‘Alexandria’, escrita por Guadalupe Sáez y Mertxe Aguilar, y dirigida por Juan Pablo Mendiola, y la producción de danza ‘Més a prop’, un espectáculo alrededor de las emociones básicas con dirección y coreografía de Noèlia Liñana.

Y se incorpora la producción del IVC ‘Faust’, estrenada en diciembre de 2018 en el Teatre Rialto. Esta versión del clásico de Goethe, hecha por Arturo Sánchez Velasco y Jaume Policarpo y dirigida por el propio Policarpo, recibió los premios a la mejor escenografía y a la mejor iluminación en los Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat de 2019.

La mejor zarzuela de la mano del Cor de la Generalitat

En el apartado de música, la primera propuesta de esta semana es la del Cor de la Generalitat, interpretando ‘La mazurca de las sombrillas’, uno de los números más populares de la zarzuela ‘Luisa Fernanda’, de Federico Moreno Torroba, en una producción con dirección escénica de Emilio Sagi y dirección musical de Jordi Bernàcer.

La otra propuesta musical es la actuación de la Jove Orquestra de la Generalitat, unidad artística dependiente del IVC, dirigida por Manuel Galduf, y con el barítono José Antonio López, que interpreta ‘Hijo de la luz y de la sombra’, obra para barítono y orquesta sinfónica. Esta última obra fue compuesta por Voro Garcia en 2010 por encargo del Institut Valencià de la Música y está dedicada a Miguel Hernández con motivo del centenario de su nacimiento.

‘Una veu, una imatge’, comisariada por María Virginia Jaua en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC). Fotografía cortesía del IVC.

Por último, se presenta el CD ‘Manuel Palau. Concerts’, que recoge los dos únicos conciertos que escribió el maestro Palau interpretados por la Jove Orquestra de la Generalitat, bajo la dirección de Manuel Galduf con Rafael Serrallet (guitarra) y Bartomeu Jaume (piano) como solistas. Son el ‘Concierto levantino’ para guitarra, grabado en 2007, y el ‘Concierto dramático’ para piano, grabado en 2008.

En el apartado de artes plásticas se propone una aproximación a la exposición ‘Una veu, una imatge’, que se encuentra en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC); una muestra colectiva que incluye 13 artistas españoles, o que residen en su mayoría en España, concebida expresamente para el EACC por la escritora, editora y comisaria María Virginia Jaua.

Con esta exposición, Jaua busca llevar aún más lejos el trabajo que ha estado desarrollando en el ámbito del análisis y la reflexión sobre la construcción de imaginarios contemporáneos, indagando y explorando las diferentes maneras de leer e interpretar las imágenes que nos rodean.

MAKMA

Sala Russafa levanta su telón virtual

‘Teatro de manta y sofá’ | Ciclo digital
Sala Russafa
30 de marzo de 2020

Sala Russafa levanta un telón virtual para ofrecer a través de su página web un ciclo de programación que irá cambiando periódicamente, con nuevas propuestas teatrales para adultos y niños, todas ellas de acceso gratuito.

La iniciativa ‘Teatro de manta y sofá’ se suma a las de otras salas, compañías, centros e instituciones que están ofreciendo cultura manera altruista durante el confinamiento decretado por el estado de alarma.

Y arranca con ‘Buscando al Mago de Oz’, escrita y dirigida por Chema Cadeña. La pieza se incluye en la Tetralogía de los Cuentos Políticos, comedias para adultos con música en directo, que parten de personajes e historias de la literatura infantil para hacer un ácido retrato de la sociedad contemporánea.

Precisamente, esta primera propuesta hace un guiño a la situación actual, ya que retrata las triquiñuelas de la política europea cuando varios países –cada uno representado en alocadas versiones de los entrañables personajes del cuento clásico– emprenden un viaje, siguiendo el camino de baldosas amarillas, hacia Bruselas en busca de ayudas para intentar sobrevivir a las consecuencias de un tsunami (que bien podría ser cualquier tipo de hecatombe) que ha puesto patas arriba a la nación.

La pieza se podrá disfrutar a través de la página web del teatro, en la sección de programación, a través del siguiente enlace:
https://salarussafa.es/espectaculo/1/buscando-al-mago-de-oz-online.html.

Y, al igual que ocurre durante la temporada teatral, la cartelera irá cambiando periódicamente para ofrecer nuevas propuestas, como el resto de espectáculos que componen la ‘Teatralogía de los Cuentos Políticos’ (‘Alicia en Wonderland’, ‘Viaje a Nuncajamás’ y ‘La Revelación’), ‘Matar al Rey’ o la pieza familiar ‘Lazarillo’, entre otras.

LA PROGRAMACIÓN DIGITAL DE SALA RUSSAFA INCLUYE OBRAS QUE VUELVEN AL ESCENARIO SÓLO DE MANERA ONLINE

Este ciclo digital está compuesto por coproducciones de la sala con Arden, la compañía impulsora del teatro de Ruzafa, y por montajes firmados en exclusiva por la compañía valenciana. Además, se va a invitar a colaborar a otras formaciones que han pasado por el centro cultural.

“Para nosotros es muy importante que se mantenga el valor de la cultura, por eso hemos escogido piezas que ya no están en gira, que ya han terminado su recorrido por los escenarios. Para quienes las vieron en su momento, pueden rememorar el buen rato que pasaron en la butaca. Y los que se las perdieron en el momento, ahora podrán verlas”, señala el director de Sala Russafa Juan Carlos Garés.

El equipo de la sala es consciente de que la experiencia teatral es única porque es en vivo, porque la cercanía de los actores, la emoción del directo y la complicidad con el público también son parte del espectáculo. “Pero, hasta que podamos volver a disfrutar de ese hecho social que es acudir a una función, este tipo de iniciativas nos mantiene en contacto con el público. Y nos permiten aportar un granito de arena a la labor social que está teniendo la cultura en estos momentos”, señala Garés, quien opina que sería de justicia que fuera declarada bien de primera necesidad, como ya han hecho en Alemania o Francia.

“Se está consumiendo mucha cultura estos días, música, literatura, películas, series, cine… y teatro, para sobrellevar mejor el confinamiento. Creo que nos está ayudando a mantener la mente despierta, activa y creativa. Son las virtudes que siempre ha tenido estar en contacto con las expresiones artísticas, pero quizá ahora las estamos notando más que nunca y debería de haber un reconocimiento a un sector que se ha volcado y, en muchas ocasiones, de manera altruista”, afirma el director de Sala Russafa.

IMPULSO NECESARIO AL SECTOR

El director de Sala Russafa es miembro de la directiva de AVETID (Asociación Valenciana de Empresas de Teatro y Circo) y está participando de la respuesta coordinada que trata de dar el sector a esta situación, en contacto con las instituciones autonómicas y nacionales.

“Sabemos que las circunstancias han sido sobrevenidas, pero hay que trabajar desde ya para atenuar la crisis en la que se encuentran las artes escénicas por la suspensión de las representaciones, que tiene consecuencias para las salas, los actores, las productoras… Son muchísimos los profesionales afectados”, afirma Garés.

Una de las primeras demandas es que las administraciones se pongan al día en el pago de las ayudas concedidas en 2019 que aún están pendientes. “Sería una inyección de liquidez para un dinero que las salas y compañías adelantaron en su momento, endeudándose en muchas ocasiones, con la confianza de que los pagos institucionales llegarían. Ahora que se ha cortado cualquier posibilidad de generar ingresos, sería una manera de aliviar su situación financiera”, propone el director de Sala Russafa y productor de Arden.

Junto a la exención o aplazamiento de tasas fiscales, cita otro tipo de medidas que podrían hacer más fácil el regreso cuando termine el estado de alarma: “Por ejemplo, que nos ayudaran con un programa de desinfección y saneamiento de los teatros, para generar confianza en el público. También con una campaña de comunicación realmente ambiciosa y coordinada para atraer públicos cuando vuelva a alzarse el telón. Hay que poner en valor la cantidad y calidad de propuestas escénicas de València y la Comunidad Valenciana porque va a haber mucha más oferta de la habitual”, adelanta Garés.

Es un problema con el que tendrán que lidiar teatros y compañías. El aplazamiento de espectáculos va a reunir en el arranque y durante toda la próxima temporada una gran cantidad de obras en la cartelera. “No sé si va a haber público para acudir a tantas representaciones. Pero nosotros estamos intentando mantener todos los compromisos que teníamos con las compañías que iban a mostrar sus obras en Sala Russafa este último tercio de la temporada. Por coherencia y empatía, las queremos reubicar en la próxima. Pero a partir de octubre ya teníamos otras piezas programadas, así que tenemos que hacer un puzle realmente complicado. Pero nos estamos esforzando al máximo que para intentar que ninguna se quede fuera”, afirman desde el teatro. Un quebradero de cabeza que será más fácil de resolver si el sector actúa unido y con la ayuda de las instituciones.

Un instante de la representación de ‘Buscando al Mago de Oz’, de Chema Cardeña. Fotografía cortesía de Sala Russafa.

MAKMA

#QuedatACasa: arte, música, escena y cine con el IVC

#QuedatACasa
Institut Valencià de Cultura (IVC)
26 de marzo de 2020

El Institut Valencià de Cultura (IVC) ha abierto el canal #QuedatACasa con las intenciones de seguir en contacto con las espectadoras y espectadores y de ofrecer a la ciudadanía varios contenidos culturales relacionados con las artes escénicas, el cine, la música y las artes plásticas.

Cada semana el canal ofrecerá una programación de todas las áreas del IVC a lo largo de nuestro territorio. Según su director general, Abel Guarinos, “el canal #QuedatACasa nace con el cuádruple objetivo de seguir en contacto con las espectadoras y espectadores, de ofrecer a la ciudadanía varios contenidos culturales relacionados con el IVC; de seguir dando visibilidad a los profesionales valencianos de los sectores audiovisuales, escénicos, musicales y plásticos; y de colaborar a hacer más ligero el confinamiento en nuestras casas para evitar así la propagación del coronavirus”.

Canal #QuedatACasa de esta semana
(https://ivc.gva.es/val/ivc-val/noticies-ivc/noucanalivc )

Secuencias de los orígenes de la animación cinematográfica. Primera década del siglo XX. Fotografía cortesía del IVC.

En el apartado audiovisual, los usuarios pueden acceder a tres muestras de películas restauradas por el Archivo Fílmico de la Filmoteca del Institut Valencià de Cultura. Se trata de secuencias de los orígenes de la animación cinematográfica de la primera década del siglo XX.

También hay material audiovisual para los más pequeños en #lafestadelcurtacasa, con animación para todos los públicos. Arranca con los títulos ‘Greta y los vegetafantásticos’, de Jorge Bellver, una pandilla de superhéroes vegetales que aportan una dieta saludable.

Igualmente, se puede encontrar un cortometraje poético sobre la amistad de dos niños de diferentes culturas. Se trata de ‘Oa’, de Jaime Maestro, en el que dos niños emprenderán un viaje que marcará sus vidas para siempre. Y del mismo director, ‘El vendedor de humo’, que tiene un Premio Goya al mejor corto de animación.

Así mismo, se podrá disfrutar del corto de Vicente Mallols ‘El criptozoólogo’, la aventura de un investigador en busca del mosquifante, un animal que vive en una remota isla de los mares del Sur.

En el apartado de artes escénicas se podrán ver dos propuestas de producciones del IVC. Por una parte ‘Alexandria’, escrita por Guadalupe Sáez y Mertxe Aguilar y dirigida por Juan Pablo Mendiola, estrenada en octubre de 2018 en el Teatre Rialto de València. Se trata de una obra muy oportuna, puesto que es una reflexión sobre la presencia en nuestras vidas de las nuevas tecnologías, en este momento de forzosa dependencia digital.

‘Alexandria’, de Juan Pablo Mendiola. Fotografía cortesía del IVC.

La otra propuesta es la producción de danza ‘Més a prop’, un espectáculo sobre las emociones básicas con dirección y coreografía de Noèlia Liñana, que se ha representado en los diversos teatros del IVC y muchas ciudades del Circuito Cultural Valenciano.

En el apartado de música las propuestas de esta semana son muy variadas. Por una parte, el concierto homenaje a Paco Muñoz celebrado en el Teatre Principal de València el 10 de marzo de 2018. Este era el tercero de los conciertos de despedida del cantautor valenciano y contó con las actuaciones y la colaboración de artistas como Aitana Ferrer, Nacho Mañó, Melòmans, Miquel Gil, Teresa Segarra y Amàlia Garrigós.

La otra propuesta musical es la actuación de la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana, unidad artística dependiente del IVC, dirigida por Pablo Rus, que interpreta ‘Noches en los jardines de España’ de Manuel de Falla, en el que actúa al piano el solista Antonio Galera.

En el apartado de artes plásticas se propone una aproximación a la exposición ‘Històries, mirades, dones. Visions de la diferència’ que se encuentra en el Museu de Belles Arts de Castelló. Comisariada por Irene Gras Cruz, esta exposición se centra en las mujeres en el arte, con el fin de difundir y facilitar el conocimiento del patrimonio cultural del museo para buscar una relectura y reinterpretación de la colección sin el influjo patriarcal.

‘Més a prop’, de Noèlia Liñana. Fotografía cortesía del IVC.

MAKMA

‘Hotline Poetry’ o caldear la poesía en estado de alarma

‘Hotline Poetry’ | Happening Poético/ Poesía vis a vis
Marzo de 2020

Hijo primogénito del original ‘Poetry Brothel’ de NY, dirigido en Barcelona, Madrid y València por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdiciplinar, compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

Después del aluvión de cancelaciones que han tenido que afrontar debido a la pandemia de coronavirus, han decidido continuar haciéndolo reinventándose bajos el dispositivo de una “Línea Roja” o “Hotline”, pero, en este caso, al otro lado de la línea lo que sus clientes encontrarán serán vis a vis de poesía, directamente de poeta a consumidor de poesía.

¿Cómo valoramos el acto poético en un momento como el que nos está tocando vivir? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar a los hogares la temida poesía? Poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Después de diez años de actividad en Barcelona, dos de conquistar al público de Madrid y habiendo acabado de abrir sede también en València, las poetas del Prostíbulo Poético, capitaneadas por Madame Taxi, adaptan su formato habitual, en estos días extraños, para poder seguir haciendo lo que más les gusta: “incentivar el vicio por la poesía en privado”

En palabras de su directora, Sonia Barba,“en este tipo de encuentros telefónicos con las poetas se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, la emoción, la gente abre la puerta a sus emociones, consigue profundizar o hasta reírse de algunas de ellas después de escuchar a las poetas”. De este modo, “os animo fervientemente a probarlo, a conocer a las poetas: tenemos un ejército, un coro, un cuerpo de baile, una troupe fabulosa de magníficas poetas esperando con deseo encontraros al otro lado de la línea para compartir sus versos”.

Las poetas que estarán atendiendo las llamadas estos días forman parte de alguno de los ‘Burdeles de Fantasía’, como les gusta llamarlos en Barcelona, Madrid y València. Sin embargo, desde la organización indican que habrá sorpresas durante los fines de semana, ya que algunos actores, escritores y músicos más populares ya se han puesto en contacto con ellas queriendo unirse a la iniciativa.

Para terminar, Sonia Barba apunta que “ni que decir tiene que cada una de vuestras llamadas conseguirá que este barco de poetas pueda seguir surcando los anchos mares, a pesar de la enorme tormenta económica en la que navegamos”.

Horarios
Mañanas de 11:00 a 13:00 | Tardes de 16:00 a 18:00 | Noches de 21:00 a 23:00.
Todos los días de la semana hasta que se suspenda el decreto de estado de alarma.

Parte de la troupe de poetas de Prostíbulo Poético, capitaneados por Sonia Barba. Fotografía cortesía de la organización.

MAKMA

L’Om Imprebís, de nuevo cerca de los Premios Max

‘Vidas enterradas’, de L’Om Imprebís
Candidata en la categoría de mejor autoría teatral
Premios Max
29 de junio de 2020

‘Vidas enterradas’ es candidata en la categoría de mejor autoría teatral: sus autores son Alfonso Plou, Juan Mayorga, Pepe Viyuela, Juan José Millás, Mafalda Bellido y Laila Ripoll. Se trata de una coproducción de L’Om Imprebis, junto a Teatro Corsario, Micomicón y Teatro del Temple.

El montaje está inspirado en un serial radiofónico, emitido en el programa ‘A vivir que son dos días’, de la Cadena SER, que crearon los periodistas Conchi Cejudo, Javier del Pino y Gervasio Sánchez para rescatar, a través del documental, la memoria de personas muertas por el franquismo durante la Guerra Civil y tras ella.

De los protagonistas de estas historias apenas se conservan algunas fotografías, pero los recuerdos siguen vivos en sus hijos, en sus nietos, en sus bisnietos, en sus vecinos, en sus compañeros de lucha. Después de décadas, son ellos quienes rompen el silencio para narrar esas biografías.

Entrevistas, documentación en archivos, visitas a cementerios o la asistencia a exhumaciones de fosas comunes fueron el material de partida para el serial. Con él, las cuatro compañías decidieron llevar a escena una obra y encargaron a los autores teatrales citados los diferentes monólogos que componen el espectáculo. Carles Montoliu, Mariano Anós, Luis Miguel García, María José Moreno, Mateo Rubistein y Pilar San José son los encargados de dar vida a los diferentes personajes.

L’Om Imprebís, Corsario, Micomicón y Temple se unieron para proponer un espectáculo teatral junto a seis autores. el resultado es una serie de monólogos encadenados, basados en testimonios reales que nos acercan a los protagonistas de nuestra historia enterrada. Juntos conforman un caleidoscopio de miradas diferentes que trazan un mapa emocional sobre un silencio enorme que comienza a romperse.

Carles Montoliu, de L’Om Imprebís. Imagen cortesía de la compañía.

Valencia calibra tener una oficina de festivales

Encontre Festivals a Escena
La Nau de la Universitat de Valencia
C / Universitat, 2. Valencia
Lunes 24 y martes 25 de febrero de 2020

El ‘Encontre Festivals a Escena’, impulsado por Acció Cultural con la colaboración de la Universitat de València, ha reunido durante dos jornadas a festivales privados de artes escénicas de la ciudad – como Cabanyal Íntim, Circuito Bucles, Russafa Escénica o 10 Sentidos – con representantes del servicio técnico de esta concejalía y de otras administraciones como el Institut Valencià de Cultura, Turisme València, la Agència Valenciana de Turisme o gestores venidos de Cataluña, País Vasco, Madrid y Extremadura. 

También han estado presentes iniciativas como Mostra Viva, Contorsions, Sala Off, Volumens, La Cabina, Vociferio o Trueno Rayo, entre otras, enriqueciendo las perspectivas de un diálogo que, en intensas sesiones, ha debatido desde la cuantía hasta el modelo de adjudicación de ayudas públicas. También se han tratado temas como la singularidad del mapa cultural de la ciudad o las trabas administrativas. El objetivo era generar una reflexión común, que identificara tanto las necesidades del ámbito privado y público como sus posibles soluciones. 

Representantes de algunos de los festivales de Valencia y del Ayuntamiento. Imagen cortesía de La Nau.

Desde la organización de los festivales privados de artes escénicas se ha pedido un mayor compromiso del ayuntamiento que se traduzca en financiación, agilidad en los trámites y acompañamiento en la captación de otras colaboraciones y patrocinios. Un clamor común ha sido la urgencia de dignificar unas iniciativas que nacieron y se han desarrollado en la última década marcadas por la precariedad.  

Por su parte, la administración ha reconocido el valor de estos festivales que surgieron entre 2000 y 2010 como reacción al abandono de la cultura dentro de las políticas del gobierno del momento y que se han constituido como un fenómeno único en el panorama escénico nacional. Así mismo, ha manifestado la necesidad de tener una visión global, que vaya más allá de lo económico a fin de valorar otras formas de colaboración y de esfuerzos por parte de la administración para favorecer a estas iniciativas privadas, que han convivir con el resto de la oferta cultural de la ciudad. 

Maite Ibáñez y Antonio Ariño en el Encontre de Festivals a Escena. Imagen cortesía de La Nau.

Maite Ibáñez, concejala de Acció Cultural, y Antonio Ariño, Vicerrector de Cultura y Deporte de la Universitat de València, han presentado un decálogo con las primeras conclusiones del ‘Encontre Festivals a Escena’. Incluye la colaboración entre ambas instituciones para realizar un estudio sobre el impacto cultural, social y económico de estos festivales privados de artes escénicas que han proliferado en la ciudad, cuyos resultados marquen el abordaje de las futuras directrices políticas.  

Y empieza por el reconocimiento de los recursos limitados con que se ha apoyado hasta ahora a estos festivales privados de artes escénicas desde la concejalía, así como su compromiso para el incremento de la cuantía destinada a esta convocatoria de ayudas. 

También se ha anunciado que, en consenso con el sector mediante mesas de trabajo, Acció Cultural va a revisar los criterios y baremos que se aplican en su concesión. Otro aspecto que se pretende modificar es el periodo, en favor de una plurienalidad en las ayudas que permita a las organizaciones trabajar a medio plazo. 

De izda a dcha., Santiago Ribelles (Russafa Escènica), Isabela Alfaro (Circuito Bucles), Maite Ibáñez (Acció Cultural), Antonio Ariño (Universitat de València), César García (Contorsions) e Isabel Caballero (Cabanyal Íntim). Imagen cortesía de La Nau.

La concejalía aspira a tener una visión más amplia del fomento de la cultura, extendiendo las mejoras en la relación con los festivales privados de artes escénicas a la parte administrativa. Se abre un periodo de consulta con los técnicos del servicio para ver la viabilidad de fórmulas como la ventanilla única (donde se puedan gestionar todo tipo de trámites y permisos, aunque no dependan directamente de este servicio) o la creación de una oficina de festivales, con recursos humanos destinados únicamente a la gestión de estas iniciativas, a pesar de que uno de los problemas claramente identificados por la concejalía ha sido la falta de personal administrativo. 

Uno de los compromisos que se pide a los festivales es la búsqueda de fórmulas para garantizar una coordinación interna que evite duplicidades programáticas y solapamiento en el calendario, además de promover sinergias y facilitar la interlocución con la administración estableciendo portavocías. Y se recoge la demanda a la hora de visibilizar a estas iniciativas. AC va a analizar fórmulas para difundir la programación de los festivales mediante canales como apps o publicaciones, tanto digitales como impresas. 

Representantes de los festivales e institucionales en el Encontre Festivals a Escena. Imagen cortesía de La Nau.

Por último, el Encontre Festivals a Escena sirve para constatar la necesidad de una implementación efectiva de la Ley de Mecenazgo, que permita ofrecer vías de financiación alternativa a estas iniciativas culturales privadas. También incluye en sus primeras conclusiones la conveniencia de una mayor transversalidad a la hora de buscar soluciones, dada la variedad de administraciones que se ven relacionadas y beneficiadas por la actividad cultural. Por lo que AC cultural ha tendido puentes para colaborar con otras instituciones como Agència Valenciana de Turisme o Turisme València.  

“Esto es solo un trabajo preliminar. En unos días presentaremos un documento con las conclusiones finales de este encuentro, que servirán para marcar la remodelación de la relación con los festivales privados de artes escénicas de la ciudad que, tanto desde los gestores privados como los públicos, somos conscientes de que hay que abordar”, señala Ibáñez, adelantando que es consciente de que habrá críticas porque “siempre a todos nos gustaría llegar a más, poder incentivar al máximo un bien tan importante como es la cultura”. 

La concejala remarca el cambio de actitud que supone reunirse con el sector privado para compartir inquietudes e involucrarlo en la toma de decisiones que van a afectarle directamente, como es la orden de ayudas. “Creemos que, si trabajamos unidos, podremos comprender mejor los condicionantes de cada uno y ser más empáticos a la hora de proponer soluciones que inciden directamente en los profesionales de la cultura, pero también en los ciudadanos que disfrutan de ella”, concluye Ibáñez.  

Maite Ibáñez y Antonio Ariño en el Encontre Festivals a Escena. Imagen cortesía de La Nau.

‘Nekrassov’, una crítica feroz al cuarto poder

Nekrassov, de Jean Paul Sartre, dirigida por Dan Jemmet
Teatre Principal
C / Las Barcas, 15. Valencia
Del 28 de febrero al 1 de marzo de 2020

El Institut Valencià de Cultura (IVC) presenta la comedia ‘Nekrassov’, de Jean Paul Sartre, en el Teatre Principal de València. Esta obra  es una producción del Teatro de la Abadía de Madrid, dirigida por Dan Jemmet. La obra estará en el cartel del Principal del 28 de febrero al 1 de marzo. La función está interpretada por José Luis Alcobendas, Ernesto Arias, Carmen Bécares, Miguel Cubero, Clemente García, David Luque e Inma Nieto.

‘Nekrassov’ es la única comedia escrita por Jean-Paul Sartre. Obra inteligente y profundamente divertida, en la que critica con ferocidad el cuarto poder y la manipulación de la opinión pública con fines políticos o económicos. Un texto que cuestiona la veracidad de la información periodística en un mundo que enarbola la bandera de la libertad y la democracia.

Situada en plena guerra fría, la obra rezuma actualidad: desinformación, uso político de la mentira y ‘fake news’. El diario conservador ‘Soir à París’ necesita urgentemente noticias atrayentes para poder subsistir, sean falsas o verdaderas. ¿Qué mejor reclamo que el testimonio del ministro Nikita Nekrassov que acaba de cruzar el telón de acero? 

Desde el humor más absurdo, Sartre señala el fingimiento y el miedo como herramientas de explotación del hombre por el hombre. Como en toda su escritura, no escapa a la reflexión sobre la libertad individual y las contradicciones humanas entre el pensamiento y la acción, sobre la confrontación entre la ética personal y el deber colectivo.

Elenco de la obra ‘Nekrassov’. Imagen cortesía del IVC.

Moral e incertidumbre. Cita en Copenhague

‘Copenhague’, de Michael Frayn y dirección de Claudio Tolcachir
Con Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Hipólito y Malena Gutiérrez
Producciones Teatrales Contemporáneas
Teatro Talia
Caballeros 31,València
Hasta el 23 de febrero de 2020

En los inviernos previos a su inopinado fallecimiento por holmiense neumonía matutina (¡cuán insalubre madrugar en Estocolmo!”) o envenenamiento por arsénico (fascinante especulación contemporánea), el ascendiente de la filosofía moderna y la duda metódica René Descartes aventuraba una celebérrima sentencia: “Abrigamos muchos prejuicios si no dudamos, alguna vez, de todo en lo que hallemos la menor sospecha de incertidumbre”.

Alimentado por ofuscaciones y recelos, monomanías y dilemas, suspicacias y dubitaciones, no solo la deriva de la filosofía occidental ha equilibrado su cainita y, a la par, florecido rumbo, sino el ordinem politicum y moral que ha edificado el acendrado relato de la historia moderna y la Edad Contemporánea –fecunda y vasta hacienda para el desarrollo de la revolución científica asilada en la física clásica y la ulterior bienvenida al campo de la Teoría General de la Relatividad, la mecánica relativista y la mecánica cuántica–.

Y he aquí que por razones primeras de simultaneidad y necesidad, ciencia y política encuentran efectivo acomodo, más allá del polvorín académico, en el convulso horizonte de la primera mitad del siglo XX, asociado principalmente, con la fisión nuclear y su aplicación en las infaustas y conspicuas bombas nucleares norteamericanas Little Boy y Fat Man sobre Hiroshima y Nagasaki en el tórrido estío de 1945, atómico epílogo de la Segunda Guerra Mundial.

Si, capítulo aparte, la contienda bélica merece ser investigada en relación a los procesos oficiales en los que emergen el ínclito ‘Proyecto Manhattan’, el Laboratorio de Los Álamos y Robert Oppenheimer, tan inquietante deba ser el ‘Proyecto Uranio’ de la Wehrmacht, la pila atómica de Haigerloch y Otto Hahn, Max von Laue y, entre otros, Werner Heisenberg.

Y sobre este último no solo recae la celebridad asociada al principio de indeterminación que ilumina la evolución de la mecánica cuántica, sino su túrbida asunción de responsabilidades en la frustrada carrera atómica del Tercer Reich, cuestión sobre la que habría de retornar, en búsqueda de la expiación, durante sus treinta últimos años de existencia.

De este modo, ‘Copenhague’, de Michael Frayn –erigida en función de laureadas referencias internacionales desde su puesta en escena en el National Theatre de Londres en 1998–, recala en el Teatro Talia de València de la mano del dramaturgo porteño Caludio Tolcachir, revisitando un terciario episodio de la sumarísima vida físico-militar de Heisenberg que habría de alimentar la subterránea crónica de dubitaciones e incertidumbres: su viaje a Copenhague en 1941, en plena ocupación Alemana de Dinamarca, para, entre otros propósitos, visitar a su mentor y referencia de la física atómica moderna Niels Bohr –quien, por su condición de judío habría de exiliarse en Suiza, Inglaterra y Estados Unidos, adhiriéndose, finalmente, al ‘Proyecto Manhattan’–.

Malena Gutiérrez, Emilio Gutiérrez Caba y Carlos Hipólito durante un instante de ‘Copenhague’. Fotografía cortesía del Teatro Talia.

Han sido numerosas, desde entonces, las especulaciones en torno a esta escarpada y fragosa cita entre ambas eminentes y antagónicas figuras de la física aplicada a la guerra nuclear, y a esta vacilación se aferra el intricado y soberbio texto de Frayn que, auxliándose de la figura de Margrethe Norlund –esposa de Bohr– para reconducir pedagógicamente las disquisicones entre ambos científicos (y, por ende, facilitar la comprensión al espectador), focaliza la gravedad del encuentro en el dilema deontológico asociado a la responsabilidad moral que recae sobre los hombros de la energía nuclear en plena contienda y, por extensión, a los fundamentos éticos que deben gobernar el pulso de nuestras decisiones.

En consecuencia, Emilio Gutiérrez Caba (Bohr) y Carlos Hipólito (Heisenberg) atesoran la compleja misión de reportar naturalidad a un texto tan arduo en su prosodia como diáfano en sus objetivos, y a carta cabal que ambos cumplen miríficamente con el cometido, tras un aterido comienzo que va cobrando calidez con sus respectivos y particulares dominios de la entonación (mayúsculo Hipólito y verosímil Gutiérrez Caba), si bien Malena Gutiérrez (Margrethe) no logra, a mi juicio, situar sus diálogos con semejante franqueza, quizás gobernada por un exceso de ímpetu que reporta artificio a sus interperlaciones y desdibuja el conjunto.

Elisa Sanz edifica una escenografía plausible para conferir cierto perfume onírico al encuentro post mortem de unos personajes que, a base de efectivos juegos de analepsis, van revisitando obstinadamente sus confusos puntos de vista sobre aquella reunión, deambulando del proscenio a los tres planos del escenario según la fabulación de tiempos y partes de la dramaturgia, iluminadas estas con sutileza por Ion Aníbal López y Juan Gómez Cornejo.

A la postre, una obra erigida en cita ineludible por cuestiones semánticas, siendo ya ‘Copenhague’ un clásico contemporáneo de la escena internacional cuya presente versión conviene situar a la notable altura de sus predecesoras.

Carlos Hipólito, Malena Gutiérrez y Emilio Gutiérrez Caba durante un instante de ‘Copenhague’. Fotografía cortesía del Teatro Talia.

Jose Ramón Alarcón

La territorialidad repensada desde el cuerpo y la danza

Festival Dansa València
Institut Valencià de Cultura
Del 28 de marzo al 5 de abril de 2020

El festival del Institut Valencià de Cultura (IVC), Dansa València que se celebrará del 28 de marzo al 5 de abril en diversos espacios de la ciudad, emerge impulsando la actualidad de la danza tanto nacional como valenciana. «Se subraya la creación y el diálogo creativo entre los diferentes territorios del Estado español. De hecho, es la edición con mayor número de Comunidades representadas», apunta Mar Jiménez, directora del festival.

En esta edición, las singularidades territoriales se convierten en el eje temático donde circunscribir una diversidad de formas de expresión. “La danza es universal, ciertamente, porque está protagonizada por el cuerpo y el movimiento, pero los territorios de origen introducen ópticas diversas, singulares. Una nueva articulación del movimiento y las identidades. Queremos (re)pensar la territorialidad con el movimiento”, señala Jiménez.

Cartel de Dansa València por cortesía del IVC.

 En la programación seleccionada para esta edición se presentan referentes consolidados como La Veronal con su original pieza ‘Bologna:Pasolini’;  LAVA-Compañía de Danza con un programa doble ‘Bending the walls y Beyond’,  toda una exploración a sobre el mundo de las restricciones y limitaciones dirigidas respectivamente por Fernando Magadán y La Intrusa; y Olga Pericet con su ‘Cuerpo infinito’, donde la bailarina y coreógrafa flamenca ha querido crear en este espectáculo un universo en torno a la figura de Carmen Amaya, una de las más grandes bailaoras de flamenco de la historia.

Además Dansa València, en esta edición, se abre, aún más, a la ciudad con sus recorridos coreográficos ‘Moviments Urbans’, una propuesta en colaboración con la Concejalía d’Acció Cultural de l’Ajuntament de València.

Dansa València presenta el cartel de su XXXIII edición. Una imagen creada por el estudio de diseño y comunicación ThisProjectWorks. Desde la organización del festival se trasladó al estudio que el foco del proyecto debía estar centrado en el territorio como elemento a destacar en el trabajo. 

ThisProjectWorks  ha compuesto una imagen que recrea las demarcaciones y el ritmo en el movimiento de unos cuerpos que se mueven por un mapa, y que junto al uso tipográfico consigue imprimir dinamismo y energía a la composición, valores que el proyecto debía transmitir, además de contemporaneidad y excelencia.

El cartel destaca el eje vertebrador de esta edición con el lema ‘Territoris Singulars’. «El cuerpo y el movimiento como elemento común y la diversidad y particularidad de cada territorio. En algunos casos la tradición se sumará al presente y nos invitará a descubrir la relación entre la creación contemporánea y su raíz», explica la directora del festival.

La Veronal. Imagen cortesía del IVC.

La cara oculta del consumo capitalista

Between debris and things
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 19 de abril de 2020

El Centre del Carme Cultura Contemporània exhibe ‘Between debris and things’, una exposición que se podrá ver hasta el 19 de abril y que muestra la cara oculta del consumo capitalista. Se trata de un proyecto expositivo seleccionado en la convocatoria pública V.O. de comisariado del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. La muestra reúne las obras de Jørund Aase Falkenberg, Elena Aitzkoa  (Álava, 1984), Anaís Angulo Delgado (Málaga, 1985), Lucía C. Pino (València, 1977), Alberto Feijóo (Alicante, 1985); Albert Gironès (Tarragona, 1995), Christian Lagata (Jerez de la Frontera, 1986) Julia Llerena (Sevilla, 1985), Jesús Palomino (Sevilla, 1969) y Julià Panadès (Mallorca, 1981).

En la exposición ‘Between debris and things’ se cuestiona el sistema capitalista y la modernidad a partir de teorías que critican el antropocentrismo y que señalan las consecuencias del consumo desmesurado y describen un paisaje decadente o en el que la naturaleza termina imponiéndose.

El proyecto presenta a una serie de creadores que están trabajando a partir de objetos y materiales encontrados. Los diferentes artistas recogen estos objetos que han quedado en desuso y, a través de las prácticas artísticas, los presentan ante el público en algunos casos para que estos cuenten su propia historia y en otros aparecen transformados cambiando su aspecto ruinoso por la belleza de una obra de arte, mostrando una narrativa “reciclada”.

Vista de la exposición ‘Between debris and things’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos, señaló que “esta exposición nos muestra la contradicción entre creación y destrucción: a medida que la humanidad avanza en lo que llamamos progreso va dejando atrás toda una serie de elementos en desuso, basura, una tendencia que no sabemos si vamos a ser capaces de invertir”. “’Between debris and things’   no pretende ser una mirada pesimista de nuestro entorno, sino plantear preguntas al espectador, no tanto desde la teoría sino desde las emociones”, añadió.

Según Antonio Ruiz Montesinos, comisario de la exposición, “la muestra parte de una corriente nueva de pensamiento según la cual los objetos no están por debajo de la humanidad ni a su servicio, sino que existe una relación simétrica. La generación de residuos es la consecuencia de esta creencia de que la naturaleza está al servicio de la humanidad, por no ser capaces de entender ese equilibrio”. 

Ya en los años 60 Robert Smithson hablaba sobre los objetos abandonados, mostrándonos la cara oculta del consumo capitalista. En su texto ‘A Tour of the Monuments of Passaic’ (1967), Smithson realiza una estrategia de resignificación de las ruinas industriales del Passaic, enfocando su atención en contextos urbanos de periferia. Estos espacios, definidos como paisajes entrópicos, son espacios abandonados, a medio camino entre la ciudad y lo natural. Los monumentos que describe son el resultado del intento fallido de ordenación de la naturaleza por parte del hombre y están, como ruinas contemporáneas, en pleno proceso de reabsorción por parte de la naturaleza. 

El trabajo de Jørund Aase (Supernova, 2014) parte de un fuerte planteamiento ecologista. Trata de incluir un vacío existencial para provocar nuevas actitudes contemplativas a través de la presencia directa de los materiales, a los que deja que cuenten su propia historia. 

Elena Aitzkoa es escultora y poeta, aunque su práctica abarca también la música y la performance. El conjunto de piezas seleccionado forman parte del proyecto Zarza Corazón. Las piezas tienen aspecto de hatillos, un conglomerado de diferentes fragmentos de objetos que la artista recupera y reconfigura para crear nuevas relaciones. 

Detalle de una de las obras de ‘Between debris and things’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Anaís Angulo en ‘Sorolla – Leví’ (2018 – 2019) recolecta muebles y objetos abandonados que son después restaurados mediante técnicas relacionadas con la construcción de mobiliario: los reviste con guata o gomaespuma, los tapiza, los grapa o los pinta, un ejercicio de cuidado que pretende mitigar el abandono que han sufrido. 

Las piezas que presenta Lucía C. Pino pertenecen a su proyecto Place no emphasis. Estas piezas consisten en una serie de objetos cotidianos -como un bombo, unos espejos o unos cilindros de hormigón- que han sido intervenidos mediante diferentes materiales, estableciendo una relación simétrica con ellos.

La pieza de Alberto Feijóo ‘Banco de sala / estructura de almacenaje’ es una estructura multifuncional: hecha para ser contemplada y a la vez es una pieza de mobiliario que ofrece un lugar de descanso para observar el resto de obras. Sobre su superficie encontramos una serie de imágenes impresas en tela que nos trasladan a otro territorio.

@espontani es una cuenta de Instagram que lleva en activo desde el año 2016. En ella Albert Gironès documenta intervenciones creadas de forma espontánea a partir de objetos que encuentra en la calle y que quedan después en el espacio público. 

La piezas de Christian Lagata mezclan referencias a lo privado y a lo público, contextos que el capitalismo difumina cada vez más. Sobre una plataforma alicatada -como las paredes del estudio de Lagata- se disponen una serie de piezas que hacen referencia a los diferentes espacios de la ciudad contemporánea. 

Julia Llerena presenta una pieza (La habitación propia, 2020) en la que continúa utilizando objetos y materiales que encuentra en sus deambulaciones. Habitualmente Llerena organiza estos objetos en dos dimensiones -como en un pentagrama- pero en esta ocasión construye un habitáculo que hace referencia a la cabaña primitiva, un espacio de introspección y de pensamiento.

Julià Panadès presenta un conjunto de piezas realizadas a partir de plásticos y diferentes materiales que encuentra por las playas de Mallorca. Con estos materiales Panadès improvisa pequeñas intervenciones efímeras en forma de altares o tótems, que le permiten imaginar rituales para proteger el planeta de la acción humana.

Jesús Palomino presenta una nueva edición de carteles de la serie ‘Atlas of abandoned objects’, que viene realizando desde el año 2012. En estos carteles, Jesús Palomino documenta el encuentro fortuito con objetos abandonados en diferentes ciudades de todo el mundo.

Detalle de una de las obras de ‘Between debris and things’. Imagen cortesía del Centre del Carme.