María Zambrano y Ramón Gaya: una mutua admiración

Algunos lugares de la amistad. Zambrano-Gaya
Escola Europea de Pensament Lluís vives
Aula Magna de La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Lunes 28 de enero de 2019, a las 19.00h

La conferencia sobre la relación entre la filósofa María Zambrano y el pintor y escritor Ramón Gaya, bajo el título ‘Algunos lugares de la amistad. Zambrano-Gaya’, inaugurará la programación de este año de la Escola Europea de Pensament Lluís Vives, el próximo lunes, día 28 de enero, en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau (19h).

La conferencia será impartida por José Rubio Fresneda, abogado y amigo de Ramón Gaya, desde el año 1974 hasta la fecha de la muerte del pintor en 2005. El acto ha sido organizado con motivo de la edición del libro ‘Y así nos entendimos (Correspondencia 1949-1990)’ (Editorial Pre-textos, 2018) y, por ello, también intervendrán los editores de la obra: la viuda del pintor, Isabel Verdejo, y el catedrático y profesor honorífico de la Universidad Complutense de Madrid, Pedro Chacón. La mesa redonda estará moderará por Manuel Ramírez, editor del libro.

El  volumen es una recopilación de la correspondencia entre la filósofa María Zambrano (Vélez-Málaga, 1904 – Madrid, 1991) y el pintor y escritor Ramón Gaya (Murcia, 1910 – Valencia, 2005), desde el año 1949 hasta el 1990. Se trata de un conjunto de cartas, algunas escritas en circunstancias personales dificilísimas, que revelan la entrañable amistad y la profunda admiración que se profesaban, y que configuran un monumento en forma de libro a la dignidad de las personas. Gaya y Zambrano fueron dos de los centenares de intelectuales y creadores españoles exiliados como consecuencia del régimen franquista y parte de las misivas que comprende el libro fueron escritas en este periodo de exilio. La editorial del libro señala que las cartas “encierran reveladores textos que orientan la comprensión de la trayectoria vital y de la obra que llevaron a cabo Gaya y Zambrano”.

Además, en el acto se presentará el documental ‘La Serenissima’ (2006), una obra de Gonzalo Ballester, nominada como mejor corto documental en los premios Goya de 2007. Esta película narra las vivencias del pintor Ramón Gaya en Venecia desde el 2 de julio de 1952 al 7 de abril de 1953.

Ramón Gaya en Lecce. Fotografía de Lucía Serredi por cortesía de La Nau.

Ramón Gaya en Lecce. Fotografía de Lucía Serredi por cortesía de La Nau.

Aquí Gritarán los Mudos

‘Aquí Gritarán los Mudos’ de la Compañía Migro Danza
Sala Off
Carrer del Túria, 47, Valencia

El pasado 21 de Noviembre tuvo lugar la danza teatro “Aquí Gritarán los Mudos” interpretada por la compañía Migro Danza.

‘Aquí Gritarán los Mudos’ es un tributo a la migración, no es a una historia concreta, sino todas esas voces que han pasado por esa situación. Es una obra silenciosa, donde dos personas, sin identidad, se encuentran en un punto del camino y como juntos se enfrentan a las distintas adversidades que supone dejar su tierra natal.

Fotografía de la obra 'Aquí Gritarán los Muertos'. Cortesía de la compañía Migro Danza

Fotografía de la obra ‘Aquí Gritarán los Mudos’. Cortesía de la compañía Migro Danza

A través del movimiento se cuentan distintas historias. La danza va alternándose entre pausas y momentos de tensión. La emoción envuelve el contexto en el que se encuentran ambos protagonistas donde vemos amor, violencia, muerte, desesperación, impotencia y cómo, a pesar de emociones y sentimientos tan fuertes, se da a entender un mensaje de seguir adelante ante las inclemencias que surgen a lo largo del camino. Los momentos de pausa podríamos considerarlos “falsos” ya que es una tranquilidad extraña, tensa, más como un sentimiento de derrota o fatigamiento de los protagonistas que un momento de paz.

La obra se realiza sobre un suelo de tierra. La tierra es otro personaje más con un simbolismo muy profundo, la tierra como elemento primario, una referencia que quizá aluda a que todos somos iguales y que provenimos del mismo lugar, el planeta Tierra y por otro la tierra como una elemento que causa desconocimiento, un espacio yermo, donde todo parece similar pero que el migrante no consigue adaptarse a él. La frontera se conceptualiza como un comodín cerrado el cual impide la entrada de los protagonistas a un nuevo lugar, causando una angustia y tensión en la obra que, unido a una música y la luz, refleja la angustia que sufren los migrantes al encontrar cortado su camino, unido a la incertidumbre de si podrán continuarlo.

Fotografía de la obra 'Aquí Gritarán los Muertos'. Cortesía de la compañía Migro Danza.

Fotografía de la obra ‘Aquí Gritarán los Mudos’. Cortesía de la compañía Migro Danza.

La música, compuesta por David Ortolà es una pieza improvisada en directo, buscando frescura en cada nueva interpretación de la obra y quizá también para reforzar el mensaje de tributo a las diferentes historias que deja el camino y como cada una tiene una serie de características personales. La música además ayuda a marcar ese mensaje crítico respecto a la situación del migrante. No estamos en una película de acción con una música épica o dramática, sino que la obra es una ventana a la realidad, la que vivimos actualmente. En la vida real no hay una banda sonora que nos acompañe, por lo que esta se compone por un sonido electrónico ambiental. La música no pretende ser bonita o gustar sino ser estridente, poner en tensión al espectador y crear esa sensación de no descanso que viven los protagonistas. La luz también es un agente que ayuda a canalizar ese mensaje de espacio etéreo, no importa donde se contextualiza la escena, sino el mensaje que transmite.

Con todos estos componentes los protagonistas interactúan a través de su danza, una muestra de esas ideas a través del entorno. Siempre danzan en torno a la tierra haciendo una metáfora de todos los viajes que no han sido contados, perdidos en el camino, no hace falta palabras ya que todos los componentes inertes (musica, tierra, luz) junto a los cuerpos de los protagonistas hablan a través de ese contraste de momentos ‘lentos’ y ‘agresivos’ consiguiendo impactar al espectador, buscando dejar tras de sí en él un pensamiento o idea tras terminar la obra.

Fotografía de Edward Quintana y Gracia Sánchez tras finalizar 'Aquí Gritarán los Muertos'. Cortesía de la compañía Migro Danza

Fotografía de Edward Quintana y Gracia Sánchez tras finalizar ‘Aquí Gritarán los Mudos’. Cortesía de la compañía Migro Danza

Esta es la primera obra dentro de teatro compuesta por la compañía Migro Danza interpretada por Edward Quintana y Gracia Sanchez. Ellos mismos se definen como ‘un colectivo de investigación corporal, que responde a las búsquedas y relaciones entre diferentes manifestaciones artísticas entorno a la elaboración de productos escénicos de calidad , así como en la construcción de un estilo propio de abordar el movimiento, dentro del discurso de la danza contemporánea’. ‘Aquí Gritarán los Mudos’ es una obra interesante e intensa con un tema muy actual que sin duda saben transmitir a través de algo tan abstracto como lo es la danza.

Aquí Gritarán los Mudos Trailer

Fotografía de la obra 'Aquí Gritarán los Muertos' Cortesía de la compañía Migro Danza.

Fotografía de la obra ‘Aquí Gritarán los Mudos’ Cortesía de la compañía Migro Danza.

La gestión cultural a debate en El Musical

Encontres 2017
Teatre El Musical
Plaza del Rosario. Valencia
Del 9 al 11 de junio de 2017

Las jornadas de Encontres 2017, que celebran su segunda edición este año, tendrán lugar los días 9, 10 y 11 de junio en Teatre El Musical. Presentan una programación compuesta de mesas de debate, ponencias y talleres participativos con destacados representantes del sector cultural de la ciudad de València y del resto del Estado.

Desde la PICUV (Federación de Iniciativas Culturales Urbanas de València) y con la colaboración de la Concejalía de Acción Cultural del Ayuntamiento de València y Teatre El Musical, se organizan estas jornadas bajo el lema ‘Cultura als barris per a fer ciutat’. El distrito de Poblats Marítims y en concreto el barrio de El Cabanyal es el entorno elegido para el encuentro, cuyas sedes principales serán el edificio de Teatre El Musical y la Plaça del Rosari.

Cartel de Encontres 2017.

Cartel de Encontres 2017.

Coincidiendo con el cierre de la temporada de los festivales miembros de PICUV, la Federación decide impulsar Encontres como un espacio de diálogo sobre la gestión cultural en la ciudad. El objetivo principal de las jornadas es abrir un lugar para la acción en torno a la cultura y el desarrollo artístico de la ciudad, así como establecer vínculos entre los diferentes actores culturales que, desde la ciudadanía, la creación, el asociacionismo y las instituciones, gestionan proyectos que contribuyen al desarrollo social en el entorno metropolitano.

El programa para los tres días se estructura principalmente alrededor de ponencias, mesas redondas y talleres participativos, a los que asistirán diferentes colectivos y personalidades del ámbito de la cultura de la ciudad de València y del resto de España. Con el propósito de dirigir la mirada hacia el estado de la cuestión de la gestión cultural urbana, se tratarán diferentes temáticas que atañen al sector, como son las políticas culturales, las vías de financiación y desarrollo de proyectos, las herramientas tecnológicas para la cultura comunitaria, la recuperación de espacios ciudadanos, y la estrategia de los nuevos ayuntamientos para el cambio.

Ponentes de la talla de Manuel Delgado, Jaron Rowan, Mireia Mora o Azucena Klett serán los encargados de abrir el diálogo y entablar conversación con diferentes participantes, gestores públicos, profesionales de la cultura, y colectivos del ámbito cultural, asociativo y empresarial. Cerca de 30 participantes estarán presentes en las mesas redondas con la intención de abordar muchos de los temas vitales para el futuro cercano del ecosistema cultural de la ciudad de València, como la baja inversión e incentivación por parte de las administraciones, la necesidad de un plan integral para la cultura, o el desarrollo de un modelo de política cultural más dinámico y con objetivos definidos.

Ximo Rojo y María Oliver durante la presentación de Encontres 2017. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Ximo Rojo, de PICUV, y María Oliver, concejala de Patrimonio y Juventud, durante la presentación de Encontres 2017. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Tendrán lugar también en el encuentro dos talleres participativos: el conducido por Ania González con una metodología de investigación-acción participativa dirigido a colectivos culturales, y el taller de luces y sombras que impartirá El Retrocolectivo para los más pequeños, y que tendrá como resultado el documental ‘Natzaret, playa robada’ mediante el uso del teatro de sombras y la técnica retroproyectada. El resto de la programación en su vertiente artística lo complementan los conciertos de Nacho Perea (viernes 9 de junio) y la noche de blues con Blue Eye Soul y High & Low (sábado 10 de junio), ambos programados en la Plaça del Rosari.

Federación PICUV

La PICUV, nacida en 2015 y constituida este año como Federación, está formada por 10 festivales ubicados en seis distritos del área metropolitana: Eixample, Extramurs, Poblats Martítims-Cabanyal, Russafa, Patraix y Benimaclet. Forman parte del proyecto iniciativas que dan visibilidad a una amalgama de disciplinas artísticas como las artes visuales y escénicas, diseño, poesía, música y diferentes intervenciones artísticas, que inundan los barrios de la ciudad congregando a más de 100.000 espectadores cada año. Estos festivales son: Russafa Escénica, Circuito Bucles, Distrito 008, Cabanyal Intim, Benimaclet conFusion, MUV! – Circuito Música Urbana, Vociferio, Factoria d’Arts Patraix, Russafart y Finestra Nou Circ.

PICUV ha englobado a los principales festivales urbanos en València con el objetivo de crear sinergias y reivindicar el importante papel que juegan en la cultura de la ciudad y en su desarrollo social. Y al mismo tiempo sumarse a muchas otras iniciativas que suponen un modelo innovador, donde las actividades artísticas se realizan en espacios no convencionales y desde los barrios, conectando en torno al hecho cultural a movimientos ciudadanos, asociaciones culturales y vecinales, productoras independientes, colectivos de artistas y gestores culturales, que se han ido constituyendo como un claro referente cultural en nuestra ciudad, formando parte de un movimiento extendido en  muchas otras ciudades del mundo.

Representantes de la PiCUV y María Olivares (centro izda) en Teatre El Musical.

Representantes de PiCUV y María Oliver (centro izda) en Teatre El Musical. Imagen cortesía de El Musical.

 

Géneros de la técnica y el espanto en ‘Arquitectura y Terror’

‘Arquitectura y Terror’, nº8 de la revista Canibaal
Colegio Mayor Rector Peset
Horno de San Nicolás 4, Valencia
Viernes 26 de mayo de 2017 a las 19:30

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta el viernes día 26 de mayo su octavo número, dedicado en esta ocasión a una sugerente doble temática: ‘Arquitectura y Terror’. Como ya viene siendo habitual, la presentación tendrá lugar en el Colegio Mayor Rector Peset de Valencia (Plaza del Horno de San Nicolás, 4), situado en pleno dentro del barrio de El Carmen. El acto dará comienzo a las 19:30.

Canibaal. Makma

Inma Coll (imagen de cubierta), Jesús Palacios, José Luis Jover, Juan Francisco Ferré, Bárbara Traver, Susi Lizondo o Álvaro Colomer son solo algunos de los más de 50 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel de más de 150 páginas. Se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre vanguardia, crisis y actualidad de la arquitectura, literatura y arte que tienen al terror como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: la mansión gótica, la Torre de Babel, el monumentalismo, con especial atención a confluencias actuales no exentas de una mirada crítica en términos sociales, morales y estéticos: los nuevos «muros», los campos de refugiados, la pervivencia de construcciones vinculadas a los totalitarismos.

Encrucijadas y confluencias que abarcan un número imaginativo de episodios y referentes: del cine de Hitchcock a Birdie de la Compañía Señor Serrano, Guantánamo, la valla de Melilla, casas del bosque, albergues incendiados en el corazón de Europa, el hotel Overlook (El Resplandor), la casa de los Usher de Poe, el «no lugar» del antropólogo Marc Augé, las ruinas, King Kong en la cumbre del Empire State y muchos otros.

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de 'El Resplandor' (Stanley Kubrick, 1980).

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de ‘El Resplandor’ (Stanley Kubrick, 1980).

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como las nuevas secciones de pensamiento con reflexiones en clave feminista (la metáfora del «techo de cristal») y socioeconómica: suburbans, Lager, espacios de ocio de acuerdo con la crítica ya clásica de Marcuse, metáforas arquitectónicas y clases sociales (J. G. Ballard), los Centros de Internamiento de Extranjeros o las Torres Gemelas de Nueva York.

Fotograma de la película 'King Kong' (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York.

Fotograma de la película ‘King Kong’ (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York. 

Poesía a la escucha

Voces del Extremo. Poesia i Escolta
Barrios de Zaïdia, Carmen, Cabanyal y Benimaclet. Valencia
Del 28 al 20 de abril de 2017

El último fin de semana de abril tendrá lugar por primera vez en Valencia el encuentro Voces del Extremo. Bajo el epígrafe ‘Poesía y escucha’ pretende crear un encuentro, que no festival, entre movimientos sociales de la ciudad, teniendo lugar los días 28, 29 y 30 de abril en los barrios valencianos de Zaïdia, Carmen, Cabanyal y Benimaclet.

Esta convocatoria nace de la inquietud de un grupo de poetas de la ciudad para hacer un alto en el camino y reflexionar sobre el papel de la poesía y del arte en la sociedad actual. Como señalan en su manifiesto: “Sin poemas en la lengua: hemos llegado a la conclusión, después de tantos recitales de poesía, después de tanta poesía de la conciencia crítica, después de tanto canon y egos siempre inoportunos, que ya no hacen falta más poetas”.

Pancarta en la Avenida del Cid de Valencia. Imagen cortesía de Voces del Extremo.

Pancarta en la Avenida del Cid de Valencia. Imagen cortesía de Voces del Extremo.

Durante el año 2008 apareció colgada de uno de los puentes de la Avenida del Cid en dirección hacia Madrid, una pancarta con un poema de Antonio Orihuela. Esta intervención anónima sirvió para que “fuese el poema más leído de la literatura contemporánea”, bromea el poeta Enrique Falcón en el acto de presentación del Encuentro que se celebró en el contexto de la 17ª Mostra del Llibre Anarquista de Valencia la primera semana de abril de este año.

Dentro de este acto, vecinos y miembros de la Asamblea de Voces del Extremo Valencia pintaron una nueva pancarta con el poema de Antonio Orihuela que acompañará los actos principales de este fin de semana a modo de mantra espiritual o declaración de intenciones.

Los encuentros de poesía de Voces del Extremo nacieron en los años 90 en Moguer (Huelva), con el objetivo de servir como espacio para la conexión de prácticas poéticas con el establishment cultural y artístico del momento. Lo que hoy en día se ha pasado a llamar ‘Poesía de la Conciencia Crítica’, que en la ciudad de Valencia ha estado muy presente siempre, nace de aquellos modestos hermanamientos de poetas en la localidad de Juan Ramón Jiménez.

A lo largo de estos casi veinte años se han celebrado otras ediciones del Encuentro también en Logroño, Madrid, Tenerife entre otros. Pero los poetas de la Asamblea de Valencia quieren dar un giro, según el análisis que llevan realizando desde el mes de octubre, a esos encuentros: un espacio de poetas para poetas.

Haciendo una crítica de la desconexión de la poesía con la realidad actual, cuestionó si la poesía y el arte en general acompañan las luchas sociales y políticas que se están dando en la actualidad en nuestras calles. Es decir, repensar la pregunta de siempre y plantearla desde unas coordenadas culturales, físicas y políticas diferentes.

Desde la Asamblea valenciana de Voces del Extremo se llegó a la conclusión que había llegado el momento de escuchar. Que los poemas y los poetas empiecen a poner en práctica su labor, que consiste, desde su punto de vista, uno de los trabajos más urgentes que ha de imperar en cualquier práctica cultural, poética y/o política actual.

Cartel del encuentro Voces del Extremo. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del encuentro Voces del Extremo. Imagen cortesía de la organización.

Es por esto, que desde hace meses se empezó a dar forma a este experimento: la poesía como excusa para la creación de un espacio de encuentro político y personal, un mecanismo para la vinculación. Al mismo tiempo que esa práctica de llevar el arte a la realidad a pie de calle, ofrezca una clave para poder proyectar algún tipo de propuesta cultural políticamente honesta.

El contacto con movimientos sociales y vecinales ha sido la tarea principal desde la organización del encuentro. Estos colectivos y asociaciones ofrecerán, no sólo el espacio donde trabajan, sino su participación activa en torno a los debates y lecturas programados. En la práctica, todo esto se traduce en un Encuentro donde no habrán recitales, propiamente dichos, sino Rutas de la Escucha y Recitales/Asamblea.

Esta edición de Voces del Extremo será itinerante dentro de la ciudad de Valencia. Partiendo desde Ciutat Vella los participantes se acercarán a los diferentes barrios de la ciudad donde los colectivos colaboradores los introducirán en las problemáticas de cada uno de los barrios, cuáles son sus líneas de lucha y cómo se organizan en su día a día.

Serán en los trayectos del tranvía donde tendrán lugar lecturas poéticas improvisadas, y durante las tardes del sábado y domingo se realizarán recitales/asamblea donde los diferentes colectivos y público en general podrán debatir sobre un corpus de poemas predeterminado en formato libro que se distribuirán antes de cada recital entre los asistentes. Y para no dejar a los más pequeños fuera de este experimento se ha creado el Espacio Vocecitas.

No hay autores invitados ni cabezas de cartel, únicamente los poetas que se han sumado a la invitación general de participar como escuchadores. En total hay unos cien poetas de todo el Estado Español confirmados. Los únicos nombres destacados serán los de los poetas valencianos Antonio Martínez i Ferrer (Alzira, 1939) y Marc Granell (València, 1953), que serán homenajeados antes de los recitales/asamblea durante el sábado y domingo.

Con nombre propio también participan el Niño de Elche, que tituló su álbum del 2015 ‘Voces del Extremo’, refiriéndose a los Encuentros de Moguer, que hará llegar un pregón desde Atenas; y el artista visual Isaías Griñolo, que documentará esta edición valenciana para una exposición titulada ‘Notificaciones’ que se realizará en el Centre del Carme a partir de mayo.

 

‘Paterson’. Tras la razón poética de Jarmusch

‘Paterson’, de Jim Jarmusch
Estreno en España: 7 de diciembre de 2016
Cines Babel
Vicente Sancho Tello 10, Valencia

Atendiendo a un devenir cinematográfico tan hiperbólicamente subjetivo -por oposición a la tendenciosa razón ecuménica- como el que porta el talludo y elevado director Jim Jarmusch, no debe desatenderse ápice alguno de aquellos elementos/destellos que conforman el desarrollo, no sólo de su formación como cineasta, sino de su ubicación en el mapa de los diletantes confesos.

De las gélidas, pioneras e industriales tierras de Ohio hasta la Universidad de Columbia en el Alto Manhattan -”In lumine tuo videbimus lumen”- se cubren apenas 700 kilómetros y veinte años de errática evolución académica en la biografía de Jarmusch, cuyas inquietudes primigenias desembocan en su constitución como poeta novel, co-editor de la revista literaria ‘The Columbia Review’ y avezado alumno de Kenneth Koch, quien, junto a otros coetáneos vates como Frank O’Hara, John Ashbery y Ron Padgett, verbigracia, formaría parte de la nómina de disolutos miembros de la denominada Escuela de Nueva York, insurrecta y antiacademicista propalación de un nuevo horizonte poético, de ineludibles imbricaciones (a mi juicio, más geográficas y cronológicas que proposicionales) con los egregios iconos del expresionismos abstracto -Pollock, Kline, de Kooning, etc- durante la década de los cincuenta del siglo pasado.

Paterson. Makma

De este modo, ‘Paterson’ -duodécima película del director, amén de sus dos incursiones en el género documental- no podría concebirse sin tales antecedentes en la heterodoxa instrucción de Jarmusch, en tanto que el filme responde a aquellos influjos y concluye erigido en una proposición poética de 113 minutos, en la que morfología y sintaxis audiovisual propician el objeto semántico.

Si la Escuela de Nueva York se desabrigaba de ortodoxias y temáticas formales, propias de la literatura anglosajona hasta mediados del siglo veinte, y focalizaba su atención en nuevos referentes adheridos a la cotidianidad como vehículo de información desestructurante de la existencia urbana, Jarmusch consuma con ‘Paterson’ una contumaz (y anestésica) elevación contemporánea de tales planteamientos estructurales, hallando en la sobria reiteración -con progresivas y comedidas variaciones- un lúcido y personalísimo modo de propiciar una lírica de lo cotidiano.

Paterson. Makma

No por insospechables motivos ‘Paterson’ germina en ciudad y protagonista homónimos y ramifica su discurso en base a sucesivas secuencias, en apariencia, pleonásticas. Para profundizar en los libérrimos dictados de Kenneth Koch, O’Hara y compañía y, por ende, en el aprendizaje discipular y poético de Jarmusch, se antoja indispensable recurrir a la figura del escritor neojerseíta William Carlos Williams -arbotante del filme y oportunamente referido en una de las escenas que conforman el decisivo epílogo de la película-, celebrado autor del imagismo norteamericano, cuya obra poética viene a situarse como paradigma de experimentación, implementando el verso escalonado o el pie variable, en obsesiva búsqueda por capturar formalmente el ritmo y la prosodia del lenguaje norteamericano, rubricando en los cinco volúmenes de su monumental poemario ‘Paterson’ un compendio de estilos y géneros prácticos, sirviéndose del collage, las misivas personales, entrevistas y textos en prosa, para capturar el acento diacrónico de la ciudad y de sus habitantes. Un tipo de gravedad asentada sobre el proceso mismo de la creación que igualmente se posibilita en la película de Jarmusch.

Tal vez, para un espectador/lector hispanohablante será tarea casi infructuosa e insípida aproximarse o pretender aprehender la traducción de los elementos estilísticos que constituyen la literal prosodia poética de ‘Paterson’ y baste, además de dejarse inocular por el narcotizante sístole de imágenes y acontecimientos, escuchar los inconclusos versos leídos en voice over al ritmo del proceso por Adam Driver -escritos por el referido Ron Padgett-, quien encarna al personaje de Paterson, cuya ciudad principia y termina siendo epónima del protagonista y territorio para extraer la belleza mínima que mora en el universo de lo consuetudinario, situando a los personajes y al resto de elementos de este particular microcosmos como significantes últimos de la razón poética que habita, definitivamente, en la forma.

Paterson. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

 

 

 

 

La fugacidad cáustica de Canibaal

‘Ironía y brevedad’, nº7 de la Revista Canibaal
Intramurs
Colegio Mayor Rector Peset
Horno de San Nicolás 4, Valencia
Jueves 27 de octubre de 2016 a las 19:30

El Colegio Mayor Rector Peset, en el seno de la presente edición del festival Intramurs, acoge la presentación del número 7 de la Revista Canibaal, cuyo cuyo tema central y título es «Ironía y brevedad». La cubierta es una obra de Artur Heras adaptada para Canibaal por el propio artista de Xàtiva.

Entre los contenidos destacan las entrevistas al propio Heras, a Luis Magrinyà, a Tonino y a Vicente Vergara, ensayos sobre los géneros breves de José Ramón González y Juan Poz, microensayos de Guillermo Fadanelli o Paco Inclán, microrrelatos de Ana Pérez Cañamares o Ana María Shua, aforismos de Andrés Trapiello, Carlos Marzal, Ramón Eder y Erika Martínez, entre otros, y una amplia muestra de poesía inédita y original de autores que han tratado la brevedad y la ironía.

Canibaal. Makma

Entre la obra gráfica destacan las contribuciones de artistas como Hèléne Crescent o Marie-Lou Desmeules. Además de fotografía y crítica literaria, musical y cinematográfica (Óscar Peyrou), Canibaal incorpora, a partir de este número, una sección sobre cuestiones filosóficas que ha contado con la participación de Vicente Sanfélix, Juan Antonio García Amado, Javier De Lucas y Anacleto Ferrer.

La Revista de Arte, Literatura y Filosofía (del colmillo) Canibaal es una publicación impresa de carácter semestral que nació en Valencia en 2013. Dirigida por Ximo Rochera (Castellón, 1968), Jesús García Cívico (Valencia, 1969) es el Jefe de Redacción y Pablo Miravet (Palma de Mallorca, 1967) su Editor Literario. Canibaal cuenta en su Consejo Asesor con referentes del mundo del arte, el pensamiento y la literatura como Carmen Calvo, Javier de Lucas, Francisco Ferrer Lerín, Antonio Beneyto, Olga Jornet, Rubén Martín Giráldez, Tonino Guitián y muchos otros nombres que avalan la calidad de una propuesta que enlaza el ánimo transgresor de las vanguardias (el nombre de la revista es un híbrido de Canibale, de Picabia, y Baal Babilonia, de Fernando Arrabal) con temas y miradas novedosas.

Imagen de la obra 'Deriva mediterrània, de Arur Heras. Fotografía cortesía de Canibaal.

Imagen de la obra ‘Deriva mediterrània, de Arur Heras. Fotografía cortesía de Canibaal.

 

 

Carla Gabarda obliga a mirar

Violencia & Mass Media
Espai d’Art Nuevo Centro
C/ Menéndez Pidal 15. Valencia
Hasta el 23 de octubre de 2016

Lo que ofrece Carla Gabarda al espectador en su exposición ‘Violencia & Mass Media’ es, ni más ni menos, que su mirada más íntima hacia los conflictos existentes actuales y que afectan, aunque no lo parezca, a todo nuestro alrededor. Esas imágenes que continuamente observamos en los medios, casi cotidianas, que se repiten mientras tenemos la televisión de fondo… Esas de las que no solemos darnos cuenta, o como añade acertadamente María Ángeles Pérez-Martín en el catálogo, “simplemente las (que) apartamos de nuestra mente lo más rápido posible”, son precisamente las que Gabarda trata de desmenuzar y presentar al espectador en el Espai d’Art de El Corte Inglés de Nuevo Centro.

'To the end V'. Imagen cortesía del Centre de Documentació de Art Valencià Contemporani.

‘To the end V’. Imagen cortesía del Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani.

Estéticamente agradables pero conceptualmente incómodos, los óleos de la joven artista Carla Gabarda parecen mantenerse a la espera. El título de la serie ‘To the end’ apunta claramente a esta no-finalización conceptual y remarca el efecto oscilante de la situación política y social perteneciente a esos conflictos todavía sin resolver.

A partir de fotografías periodístícas, Gabarda pixeliza sus desoladores paisajes. Optando por una efectiva descomposición, tanto la luz como las texturas, toman fuerza a través de la aplicación del óleo sobre la madera. Ciudades como Gaza o las sirias Alepo y Homs, se han convertido en símbolos de arquitecturas imposibles donde un característico color ceniza y polvo inunda incluso el cielo. La ausencia de figuras humanas no hace más que agravar la sensación de ahogo, un hecho aparentemente contradictorio pero que consigue su principal objetivo: hacer reflexionar al espectador y obligarle a mirar.

El Ámbito Cultural de el Corte Inglés, la Real Academia de Bellas Artes y el Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani unen esfuerzos, una vez más, para dar cobijo a obras de jóvenes artistas. La temporada comienza con Carla Gabarda que, desde luego, es un claro ejemplo de arte emergente, todavía no contaminado por las propuestas del mercado y que surge a raíz de un reflexión completamente personal.

'To the end I'. Imagen cortesía del Centre de Documentació de Art Valencià Contemporani.

‘To the end I’. Imagen cortesía del Centre de Documentació de Art Valencià Contemporani.

María Ramis.

El aullido ubuesco de Aldo Alcota

Conversación con el artista y poeta chileno Aldo Alcota, con motivo de su reciente participación en Russafart 2016 y en la Revista de Arte y Literatura Canibaal

Merodear y reflexionar en torno de los turbios y densos cuerpos limítrofes que solidifican el encuentro entre obra -artística y literaria- y biografía exige aproximarse al inmediato devenir de individuos en sempiterno ejercicio atlético de su condición indisoluble, a perfiles sin descanso ni rutinas del ser, figuras volcanizantes que, aún dormitando, claman desde lo onírico una permanente vindicación de su fértil aullido.

Un complejo cómputo de estas contingencias existenciales cobran morfología natural en la figura de Aldo Alcota (Santiago de Chile, 1976), cuasi-inefable hombre de atributos ubuescos (un oremus por el disoluto patafísico Alfred Jarry) y radical cosmogonía de lo consuetudinario, cuya narración mítica palpita permanentemente en su conversación con la revista Makma.

Obra perteneciente a la serie 'Mundo Bruto' expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Obra perteneciente a la serie ‘Mundo Bruto’ expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

EL ALIMENTO/ LA OBRA

Los galpones comerciales de IMT (Literato Azorín, 35) y L’envers Du Decor (Cuba, 43) han sido refugio material de una selección de la obra reciente del chileno, consecuencia de su participación nominal en la quinta edición de Russafart, que ha permitido exhumar su intervención plástica en desechos rudimentarios, gabinetes de computadoras, papel pintado y objetos efímeros -”me gusta intervenir cosas en desuso, revivirlas, darles una nueva vida”, así como diversos dibujos sobre cartones encontrados que procuran componer un mapa comunicativo propio del movimiento ‘L=A=N=G=U=A=G=E poets’ norteamericano, con Charles Bernstein, Hanna Weiner o Clark Coolidge a la cabeza -”todos hablando a la vez, con diferentes tipos de energía”-.

Alcota manifiesta sumarísimamente el influjo dominante y explícito de la Patafísica, el Dadaísmo, y el Surrealismo, o la heteróclita humedad de lo sótanos de Pierre Molinier y el Marqués de Sade, la irreverencia de Eduardo Haro Ibars y el puerto erótico y delictivo de Jean Genet, si bien “algún crítico diría que lo mío es un arte ubuesco, de lo monstruoso, de la deformación de la corporalidad”. A propósito de alguno de sus trabajos asevera que “este es un tiempo de fragmentación. Por ello no son cuerpos en su totalidad, sino fragmentos (…) una especie de laboratorio del desmembramiento”

Sobre los anaqueles del IMT reposa su impía serie ‘Mundo Bruto’, una colección de collage sobre el frágil soporte de bandejas alimentarias de cartón -”comencé a emplearlas como recurso en 2007”, que se aproxima a personajes ínclitos, dementes, chamanes y magos, políticos y beodos “que viven un delirio surrealista”, como es el caso de la presente secuencia de ministros del Imperio británico extraídos de una enciclopedia sobre la época victoriana. “Trabajo sin boceto, soy primitivo, arrojo todo, papel, tinta y pintura (…) me seduce la precariedad del soporte mínimo, povera, de una bandeja para comer. Mi arte es alimenticio. Los ojos devoran la imagen”, es por ello que postula “que el ojo sea una mandíbula para comer imágenes”.

Detalle de varias piezas de Aldo Alcota expuestas en L’envers Du Decor, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Detalle de varias piezas de Aldo Alcota expuestas en L’envers Du Decor, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

SANTIGO DE CHILE/ DERRAME/ LA GÉNESIS

Reflexionar sobre el raquis teleológico de la obra de Alcota exige recurrir, de un modo ineludible, al denominado contexto de producción, acudir al origen del primer destello, que en el caso del autor capitalino -hijo de la dictadura, en tanto que nacido en pleno Régimen Militar, comandado por el general Augusto Pinochet- se remonta a una adolescencia perfilada por el influjo de uno de sus profesores de Liceo, Luis Reyes, quien le inoculó el ímpetu de salir de Chile y viajar al Viejo Continente -”había estado en Francia, en París, hablaba de arte en sus clases, de Salvador Dalí y de Miguel Ángel”-.

Con posterioridad, Aldo Alcota cursa estudios de periodismo en la Universidad Andrés Bello de Chile y se fraguan con ahínco sus inquietudes primigenias. Con los escritores y poetas Rodrigo Hernández, Rodrigo Verdugo y Roberto Yáñez Honecker -nieto del ínclito y denostado Jefe de Estado de la RDA-, entre otros, funda en 1999 la revista ‘Derrame’, que nomina al homónimo y ulterior grupo surrealista y cuyo título procede anecdóticamente “de haberse derramado una copa de vino sobre un libro de Vicente Huidobro”; sobre ella asevera que “algún día será leyenda”. ‘Derrame’ supervive durante ocho números, en los que se homenajea al surrealista portugués Cruzeiro Seixas y se dan cita nombres como Joan Brossa, Chema Madoz, Rosamel de Valle, el Grupo Mandrágora o Carlos de Rokha, con la pretensión, en muchos casos, de retomar la atención sobre figuras postergadas injustamente al olvido literario y artístico.

Paralelamente, irrumpe en la existencia de Alcota la agreste y nicotínica presencia de la poeta de la Generación del 50 chilena Stella Díaz Varín, popularmente conocida como La Colorina y determinante musa de Alejandro Jodorowsky; “la conocí en la Feria del Libro de Santiago de Chile. Yo había estado ese día con José Donoso (…) fue una de mis maestras. Se pintaba el pelo de color verde y llevaba un tatuaje de una calavera atravesada por un puñal (…) murió en 2006, tras diez años de amistad”. Acerca de Stella afirma que “era un vendaval, fuerte, capaz de golpear a un hombre. Allí golpeó a muchos escritores que la ninguneaban. En Chile se hablaba de esas anécdotas, que era buena para el boxeo (…) siempre he querido reivindicar su figura como poeta”.

De su etapa santiaguesa recuerda su primera exposición individual, en 2001, bajo el título ‘Jarry Monster’, en la que el escritor y crítico de arte italiano Enrico Baj le dedica unas palabras de ensalzamiento de su naturaleza ubuesca. Mención ineludible merece rememorar la censura de su obra en una exposición en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, en 2004, según recoge el diario Tiempo Libre: “Tras detectar la presencia de minúsculos penes y senos en alguna de las composiciones del autor, el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura intentó excluir esas obras. Ante ello, el artista decidió abortar el montaje”.

Diversas imágenes del álbum personal de Aldo Alcota. De izquierda a derecha, con Anne Éthuin, Édouard Jaguer, Stella Díaz Varín, Carlos Sedille y Jean Benoît. Fotografías cortesía del artista.

Diversas imágenes del álbum personal de Aldo Alcota. De izquierda a derecha, con Anne Éthuin, Édouard Jaguer, Stella Díaz Varín, Carlos Sedille y Jean Benoît. Fotografías cortesía del artista.

PARÍS/ LA ARCADIA SURREALISTA

Portando su reciente licenciatura, se traslada por primera vez a Europa -”mis padres, quienes me han apoyado mucho y a quienes admiro, me regalan el viaje”- y recala en París durante cuatro meses con un visado de turista que no osa mancillar -”intenté quedarme pero no tuve la valentía de permanecer como ilegal (…) qué hubiera sido de mí si me hubiera quedado en París”-. Allí se hospeda en la casa de uno de los miembros del Grupo Surrealista Derrame, el franco-peruano Carlos Sedille, periplo sobre el recuerda que “fui a su casa en la afueras. Tuve una relación delirante con su padre, un veterano de la guerra de Argelia, lepeniano y obsesionado con Napoleón”.

En París contacta con el eximio escultor surrealista Jean Benoît, quien “fue uno de los grandes amigos de Jodorowsky”. Benoît es recordado, entre otras singularidades, por su confección de insólitos trajes, como el de su pieza ‘El testamento del Marqués de Sade’, en el marco de la Exposición Internacional de Surrealismo -“en el apartamento de Joyce Manosur hizo un ceremonial primitivo-surrealista y con un hierro candente se marcó en el pecho las iniciales de Sade, secundado por Matta (Roberto)”, ante la presencia de André Breton-. Sobre una de sus creaciones (‘El traje del necrófilo’), Alcota escribe para la revista satírica chilena The Clinic. Con Benoît comparte una experiencia con un apurado desenlace superviviente: “Acudíamos a una exposición de Roberto Matta, Jorge Camacho y Gerardo Chávez. Benoît me invita a beber cerveza en un bar, vamos borrachos por París y casi nos arroya un autobús. Fue una experiencia alucinante”.

Igualmente, mantiene relación con el poeta y crítico de arte parisino Édouard Jaguer, a quien “todos los martes lo veía. Cenaba una botella de vino con galletas” y entabla relación con el pintor surrealista cubano Jorge Camacho y su esposa Margarita -”sabía de él por referencias enciclopédicas (…) pensaba que algún día lo conocería”. En el transcurso de una exposición y ante un cuadro de André Michaux, conversan acerca de la propia obra de Alcota y Camacho le reporta una sugerencia determinante a partir de entonces: “tienes que deformar más (…) y empecé a deformar las figuras”.

Por mediación de los Camacho y el auxilio de “una joven húngara que trabajaba en una galería parisina” se aproxima a la obra del poeta cubano Reinaldo Arenas, erigido desde entonces en una referencia. “Margarita Camacho me regaló ‘Antes que anochezca”, la celebrada autobiografía del autor. “Hay una frase de Arenas que me ha impactado mucho: yo escribo por venganza”; esto supone la revelación de un escritor a la contra que “yo comparto” -”Camacho (Margarita) decía que era un genio”-. Años después, conoce en Valencia al escritor cubano Juan Abreu, amigo y figura decisiva de Reinaldo y compañero de la denominada Generación del Mariel, en referencia al Éxodo del Mariel, que supuso el exilio masivo de cubanos hacia el puerto de Miami, en 1980.

Imagen de varias publicaciones y referencias del archivo personal de Aldo Alcota. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Imagen de varias publicaciones y referencias del archivo personal de Aldo Alcota. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

EL MEDITERRÁNEO/ PENÚLTIMO PUERTO/ COLMILLO CANIBAAL

En 2007 arriba en Valencia -tras los fortuitos e inesperados pasos de su hermano Miguel Ángel, chef de referencia afincado en Londres, en la actualidad- matriculado como visitante en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos y posteriormente cursa un máster de gestión cultural. Acerca de esta experiencia Alcota manifiesta que “vine con otra concepción del arte. Había una práctica muy fanática por artistas como Antonio López, pero yo llegaba con otro discurso, influido por Roberto Matta, el arte primitivo o Basquiat”. De esta etapa recuerda las clases de Enrique Tormo, “de Arte Africano y Arte de Oceanía. También a Facundo Tomás, un hombre provocador, gran teórico del arte. Llevó una exposición sobre el Equipo Crónica a Chile y allí pude verla”, años atrás. Con ulterioridad, trabaja en el MUVIM en calidad de becario durante dos años y medio -”gané experiencia museística. Viví todo el conflicto con Román de la Calle”.

Tras este período “conocí a Ximo Rochera (director de la Revista de Arte y Literatura Canibaal) en el taller de literatura LAB, en la galería Imprevisual (dirigida por el cubano Arístides Rosell). Lo impartía Manuel Turégano (editor del sello Contrabando). Allí coincidí con Fran Amador Luna, Bárbara Blasco y Edu Reptil”, entre otros. Entablada la relación con Turégano, publica su primer poemario ‘Guayacan/ Virgen Bacon’ en Contrabando, tras haber formado parte de la antología ‘Por donde pasa la poesía’ (Baile del Sol Ediciones). Por su lar valenciano han transitado diversos poetas latinoamericanos, como Héctor Hernández Montecinos o Enrique Winter, amén de poetas visuales como el catalán JM Calleja, lo que le ha permitido “reconciliarme con la poesía. Puedo afirmar que en Valencia me he iniciado como tal”.

2013 supone la génesis de la revista Canibaal, comandada desde sus orígenes por Ximo Rochera y en la que Alcota ha sido director de arte y ahora colaborador y corrector, en compañía de Sergio Pinto Briones -”gran amigo, con quien he hecho diversas performance”. En la actualidad, forman parte del equipo directivo de Canibaal Jesús García Cívico y Pablo Miravet, “compañero de andanzas nocturnas, con quien realizo grandes homenajes a Lou Reed, Candy Darling (transexual amiga de Dalí y Capote, actriz en las películas de Andy Warhol) y Michi Panero.

Portada del número 6 de la Revista Canibaal, 'Carne y Metaliteratura'. Fotografía cortesía de la revista.

Portada del número 6 de la Revista Canibaal, ‘Carne y Metaliteratura’. Fotografía cortesía de la revista.

Fruto de la referencia al ciclo ‘Literatura y alcohol’, desarrollado por Canibaal, durante los meses precedentes, en la conspicua carnicería literaria Slaughterhouse, Alcota repasa su propio devenir etílico, determinante en su proceso de extraversión: “el alcohol es un excitante para poder hablar. Desde pequeño sufro de una pequeña tartamudez. Cuando bebo puedo leer ante el público, entro en un mundo de excitación y de delirio. Me siento como ‘El barco ebrio’ de Rimbaud, la alucinación de Bukowski. Con Stella (Días Varín) bebía mucho. Suponía olvidarse un poco de la crudeza del mundo, entrar en otra fase, de tranquilidad y de excitación a la vez, de catarsis (…) es como si estuviera aquí el dios Pan y todo empezara a enloquecer”.

Por Canibaal han transitado nombres decisivos como Nazario Luque Vera  -”conocer a Nazario ha sido uno de los momentos más grandes de mi vida. Caminar con él por barrio gótico barcelonés en compañía de Ximo Rochera (…) imaginar la Barcelona de Ocaña y Camilo…”-, Ana Curra o Enrique Vila-Matas, sobre el que recuerda que “pude conocerlo en la Feria del Libro de Santiago de Chile en 2002. Le regalé un cuaderno mío de poesía y dibujos (…) tiempo después me escribió un mail en el que me decía: he pensando en ti. Espero que te vaya bien”. Este encuentro pudo fructificar años más tarde, cuando Alcota le requiere para escribir en la revista -”desde entonces es un colaborador absoluto de Canibaal”.

A propósito del último número de la revista, ‘Carne y metaliteratura’, concluye que “el siglo XX, tan violento, ha supuesto una gran representación de la carne y la corpolaridad desgarrada, un colmillo canibal que devora a unos y a otros. La revista va acorde con los tiempos. Como afirma Woody Allen: el mundo es un gran restaurant”. En base a estos precedentes, Aldo Alcota no dubita en confesar que “el gran tema de hoy es el hambre, el físico y el espiritual”.

El artista y poeta Aldo Alcota, frente a una de sus obras expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

El artista y poeta Aldo Alcota, frente a una de sus obras expuesta en IMT, para Russafart. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

Cartel de Mariscal para una Mostra Viva en transición

Presentación del cartel de Mostra Viva, obra de Javier Mariscal
Mostra Viva del Mediterrani 2016
Del 7 al 15 de octubre de 2016

Mostra Viva del Mediterrani 2016 vuelve en octubre con una propuesta más ambiciosa e internacional, pero con el mismo objetivo: hacer de Valencia y el País Valencià un lugar de encuentro y de debate sobre las culturas y los conflictos de este convulso mar Mediterráneo. El equipo de Mostra Viva considera que hoy más que nunca es preciso descubrir otras miradas y tender puentes que acerquen las cosas que compartimos, pero también las que nos hacen diferentes. Y Valencia no puede quedar al margen de este proceso.

En la presentación del cartel, de la sintonía y de las grandes líneas de Mostra Viva del Mediterrani 2016 han asistido, entre otros, Albert Girona, Secretari Autonòmic de Cultura i Esport;  Abel Guarinos, director de CulturArts; Ramón Vilar, regidor d’Hisenda; Manuel Mata, sindic del PSOE a les Corts; Emili Payà, coordinador d’Octubre CCC; Andreu Iranzo director de la Fundació ACM; Gérard Teulìere, director del  Institut Français, y Ángela Nzimbi del Comité Español de Ayuda al Refugiado.

Cartel de Mostra Viva del Mediterrani 2016, obra de Javier Mariscal. Imagen cortesía de la organización.

Cartel de Mostra Viva del Mediterrani 2016, obra de Javier Mariscal. Imagen cortesía de la organización.

Javier Mariscal ha diseñado y cedido un cartel que muestra, desde un oscuro primer plano, una ventana abierta a la luz y la esperanza. Con él se cierra el círculo de los artistas que colaboraron con la primera Mostra de Valencia: Artur Heras (Mostra Viva 2013), José Morea (Mostra Viva 2014) y Manuel Boix (Mostra Viva 2015).

Vicent Tamarit, Vicent Garcés, Giovanna Ribes, Maite Ibañez, Vicent Gregori y otros miembros del equipo de Mostra Viva han presentado las novedades de una edición calificada de transición hacia una consolidación que se espera certificar en 2017.

La nómina de entidades que prestan su apoyo se ha ampliado considerablemente. Permanecen las que hicieron posible el proyecto: la Universitat de València, la Asamblea de Ciudadanos y Ciudadanas del Mediterráneo, Octubre Centro de Cultura Contemporánea, la SGAE, la Casa Árabe, el Instituto Europeo del Mediterráneo, el Parlamento Europeo, Dones en Art, la Facultat de BB.AA. de la Universitat Politècnica de València, el Institut Français, cervezas Turia.

Y se añaden otras nuevas como el Ajuntament de València, la Diputació de València, la Secretaria Autonómica de Cultura i Esport, CulturArts, la Agència Valenciana de Turisme, la Autoridad Portuaria, el Comité Español de Ayuda al Refugiado, el Consell Valencià de Cultura. Su apoyo se concreta en ayuda directa y en la cesión de locales. Y por ello los espacios se amplian: el Centre Cultural la Nau albergará cine y música; el IVAM, debates; Octubre CCC, cine y artes visuales; el MuVIM concentrará las actividades para público infantil y familiar, como circo, narración oral, talleres educativos y acciones culturales; el Palau de la Música, los grandes conciertos; el Paseo de la Mostra y la Fábrica de Hielo, fiestas, gastronomía, exposiciones y debates solidarios; San Miguel de los Reyes será la sede del Encuentro de Escritores y Escritoras. Otra novedad es la colaboración de Aragó Cinema donde se programaran sesiones nocturnas.

El director Ettore Scola, homenajeado en Mostra Viva del Mediterrani 2016.

El director Ettore Scola, homenajeado en Mostra Viva del Mediterrani 2016.

La inauguración será el día 7 de octubre en el Palau de la Música y la clausura el sábado 15 en el Teatro Principal. El esquema de ocho áreas temáticas se mantiene con la Mostra de Cine del Mediterrani, que ofrecerá largometrajes, documentales y cortometrajes de la mayoría de los países ribereños, homenajes a Ossama Mohammed y Ettore Scola, especial atención al cine valenciano, kurdo, palestino, saharaui y al cine hecho por mujeres.

La Trobada de Música del Mediterrani, sin olvidar nuestras bandas de música, acercará grupos de las riberas norte, este y sur. El Encontre d’Esriptors/es del Mediterrani gana peso en su nueva sede y unirá la música a las voces de poetas y narradores. La Escena del Mediterrani vuelve a apostar por el circo y la narración oral. Las Arts Visuals de Mediterrani mantiene el fructífero diálogo de alumnos y profesores de Bellas Artes con el mar.

Los Debats del Mediterrani profundizarán en las diversas caras de este mar mítico e infernal. La Gastronomía del Mediterrani indagará en la variedad y calidad de la dieta mediterránea. La Mostra Educativa y las actividades de acción cultural demostrarán que arte y cultura es algo cercano y participativo. Todas estás áreas coincidirán en diez intensos días, pero la perspectiva es que vayan adquiriendo personalidad propia y puedan celebrarse por separado a lo largo del año.

Como actividad pre-Mostra, el miércoles 15 de junio a las 19.00 horas en la Nau, se proyectará Sólo los muertos vuelven a casa, coproducción de Austria-Kurdistan, dirigida en 2015 por Tina Leisch y Ali Can, con presencia de este y del actor y activista kurdo Mem Hassaf.

El 23 de septiembre se presentará la programación completa de Mostra Viva del Mediterrani 2016 y se celebrará una fiesta pre-Mostra en la Fábrica de Hielo, en el Cabanyal, junto al olvidado Paseo de la Mostra.

Foto de equipo de Mostra Viva del Mediterrani 2016, en la Sala Berlanga de la Filmoteca de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

Foto de equipo de Mostra Viva del Mediterrani 2016, en la Sala Berlanga de la Filmoteca de Valencia. Imagen cortesía de la organización.