V edición del Anuario AC/E de Cultura Digital

V edición del Anuario AC/E de Cultura Digital
Acción Cultural Española (AC/E)

Acción Cultural Española (AC/E) ha publicado su quinta edición del Anuario AC/E de Cultura Digital dedicado, este año, al lector en la era digital. El Anuario AC/E es el resultado de la reflexión emprendida hace cinco años sobre la manera de incorporar la dimensión digital a los objetivos de AC/E y a la labor de apoyo al sector cultural. Una publicación anual que busca reflejar el impacto que Internet está teniendo en nuestra sociedad con el fin de profundizar en la transformación del sector cultural y ayudar a sus entidades y profesionales a crear experiencias en línea con las expectativas de los usuarios del siglo XXI.

En esta nueva edición, el Anuario expone, a través de ejemplos de buenas prácticas nacionales e internacionales, los grandes cambios que están experimentando la lectura y los lectores en la era digital.

El contenido se divide en dos grandes secciones para facilitar la lectura a los diferentes públicos objetivos. Por un lado, una primera parte que reúne siete artículos de profesionales de la cultura y especialistas del entorno digital para ayudarnos a conocer y reflexionar sobre los cambios en los que está inmersa nuestra sociedad en su conjunto, y tras los que también se adivinan nuevas oportunidades para el sector cultural.

AC/E. Makma

Los temas que la edición de este año son: ‘Las nuevas ciudades conectadas y la cultura’ (Mario Tascón); ‘La creatividad inmersiva, inmersividad creativa’ (José Manuel Menéndez y David Jiménez Bermejo); ‘Diseño digital de contenidos culturales: Hacia un nuevo modelo de exposición transmedia’ (UNIT Experimental, Universidad Politécnica de Valencia); ‘El futuro de las redes sociales’ (Jovanka Adzik); ‘Impacto del modelo Netflix en el consumo cultural en pantallas: Big Data, suscripción y Long Tail’ (Elena Neira); ‘El peso creciente de la voz y el sonido para comunicar en la era digital: El protagonismo de la oralidad’ (Emma Rodero); ‘La creatividad computacional como frontera de la inteligencia artificial y su potencial impacto sobre la creación literaria’ (Pablo Gervás).

Por otro lado, la segunda parte del Anuario plantea, como cada año, un Focus que en esta edición expone los grandes cambios que están experimentando la lectura y los lectores en la era digital con el objetivo de dar una visión de conjunto sobre esta cuestión.

Los autores, Luis Miguel Cencerrado, Elisa Yuste y Javier Celaya, trazan así un mapa para ayudarnos a conocer y a movernos con desenvoltura entre todo tipo de textos, destacando la figura del lector en el contexto actual de lectura híbrida (papel, digital, audio, visual, transmedia, etc.) que es la que propicia la era digital que nos ha tocado vivir.

Los anuarios se publican en español e inglés, en formatos PDF y EPUB, y con descarga gratuita bajo una licencia de Creative Commons tanto en la web de Acción Cultural Española, en la sección de publicaciones digitales así como en las principales distribuidoras de libros digitales nacionales e internacionales.

CONCLUSIÓN

En el conjunto de artículos del Anuario se ofrece una caracterización de las prácticas de lectoescritura en el entorno digital; se traza un boceto del lector multimodal, de las competencias que requiere y las habilidades que desarrolla; se identifican y presentan los materiales de lectura digital y los criterios de calidad a tener en cuenta para su análisis; se reflexiona sobre la adaptación de las estrategias de las campañas, actividades y programas de promoción de la lectura y de alfabetización múltiple al contexto híbrido de lectura en papel y en pantalla y se presentan experiencias de lectura digital desarrolladas en distintos espacios y ámbitos diversos.

Hablar de lectura y escritura hoy engloba multiplicidad de situaciones, de intenciones, de materiales, de canales y de formatos. Por tanto, es preciso revisar y fijar un acuerdo sobre qué entendemos por lectura en general y lectura digital en particular, buscando conseguir un equilibrio entre las prácticas espontáneas y letradas de lectoescritura, de manera que no queden excluidos significativos usos actuales de la lectura y la escritura que se desarrollan en la esfera digital.

AC/E. Makma

Al igual que se precisan datos fidedignos sobre la edición digital en España, también necesitamos datos claros sobre los niveles de lectura digital de los españoles. Ello implica contemplar en las encuestas y estudios estadísticos el concepto amplio de lectura y adaptar los parámetros centrados en la lectura impresa a los nuevos contextos de lectura.

De igual manera, necesitamos profundizar en una aproximación cualitativa al fenómeno de la lectura digital, conocer más a fondo los procesos de lectura y comprensión de la diversa tipología de textos digitales; preguntarnos sobre los mecanismos de motivación y adopción de la lectura digital por parte de los lectores de todas las franjas de edad.

La contextualización del libro y la lectura en lo que algunos denominan ecología mediática hace preciso que se revisen algunos conceptos y prácticas de difusión y promoción de la lectura con el objeto de que el tradicional punto de vista «librocéntrico» abra paso a una perspectiva más abierta, transmedia y multimodal.

No se puede desligar la lectura, y menos aún las prácticas de lectoescritura digitales, del resto de las prácticas culturales y de las transformaciones que también experimentan en su tránsito a la esfera digital. Dentro de las diferencias de lenguaje de cada expresión cultural y de la recepción de estas por parte del público existen muchos elementos y factores comunes en la evolución de todas ellas en el contexto actual, en los modos de acceder a sus contenidos y en las experiencias que transmiten que se deben tener en cuenta.

La evolución de las interfaces de lectura precisa también reforzar los espacios de intercambio, comunicación y formación en el uso y disfrute de la lectura digital. Al igual que las interfaces modulan y condicionan la lectura, la formación y la capacitación en torno a la lectura digital inducen al lector a rechazar las nuevas formas de lectura o favorecen que este asuma de forma práctica la complementariedad de canales y soportes en sus distintos itinerarios de lectura.

La evolución de la lectura digital no implica la ruptura con la tradición del libro y la lectura, pero requiere de cambios en las estructuras tradicionales ligadas a la creación, difusión y promoción de la lectura y la escritura. Se trata de aprovechar las ventajas que el entorno digital ofrece a todos los agentes que intervienen en estos procesos en torno a espacios más abiertos y polifónicos en los que tengan cabida las nuevas formas de narrar y de acercar informaciones y conocimientos.

En este contexto, obviamente, las tecnologías de la información y la comunicación están en la base de los cambios que se operan en los ámbitos educativo y cultural de nuestra sociedad. Este cambio de escenario que el avance tecnológico propugna trae como consecuencia que se remuevan profundamente también las estructuras de las instituciones educativas y culturales bajo el influjo de las nuevas formas de comunicación digital e interactiva.

La revolución digital produce, por tanto, un cambio en las prácticas sociales y culturales que implica la creación de nuevos escenarios y procesos culturales, así como la implementación de diferentes estrategias institucionales.

AC/E. Makma

 

 

‘Fes Cultura’ con cada vez menos plantilla

Comunicado del Comité de Empresa del Institut Valenciá de Cultura (IVC)
Jueves 29 de marzo de 2018

El Comité de Empresa del Institut Valencia de Cultura (IVC) manifiesta su indignación ante los despidos de cuatro trabajadores de la Dirección Territorial de Castellón. El citado Comité mantuvo una reunión con la dirección del IVC el lunes pasado, tras varios requerimientos, ya que desde diciembre no habían conseguido reunirse con la dirección, tras la publicación de una RPT (Relación de Puestos de Trabajo) bastante diferente a la realidad de la plantilla.

Uno de los puntos del orden del día era la situación de los trabajadores de Castellón, ya que el pasado mes de julio diez fueron advertidos por el director general del IVC, Abel Guarinos, que iban a ser despedidos. Tras estas noticias, el Comité manifestó que no se iban a consentir los despidos sin antes agotar todas las vías posibles de negociación con los trabajadores; desgraciadamente ya hemos padecido un ERE y sus consecuencias  todavía las seguimos sufriendo.

Detalle del logotipo de Fes Cultura.

Detalle del logotipo de Fes Cultura del IVC.

Esta actuación del director general es, cuanto menos, reprobable por cuanto el Comité ha sabido, con posterioridad a los despidos, que esta propuesta fue llevada al último Consejo de Dirección del Institut Valencià de Cultura y aprobada por éste. Los representantes de los trabajadores-as se sienten engañados y ninguneados en la que es su principal función, ya que no fueron informados en la reunión que mantuvieron con Abel Guarinos Viñoles y dos integrantes del equipo directivo de la empresa el día antes de la comunicación de los despidos a los trabajadores afectados. En esa reunión del pasado lunes 26 de marzo, el director general sólo habló de vaguedades y de la imposibilidad de mantener en plantilla a estos trabajadores; en concreto, utilizó el término de amortizaciones.

No entendemos que la política de la Conselleria de Cultura y la de la Dirección del Instituto pase por el despido de trabajadores, precisamente por la merma de la plantilla y la sobrecarga de trabajo en todos los departamentos. Nos resulta incomprensible que un gobierno que ha hecho del lema ‘Fes Cultura’ el leit motiv de su política en este ámbito, se muestre indiferente e insensible a la realidad del día a día de las trabajadoras y trabajadores del que debiera ser uno de sus buques insignia y que son, en definitiva, “la mano de obra” que la hace posible.

La situación del Institut Valencià de Cultura es crítica a muchos niveles, los directores adjuntos programan y programan sin entender que la plantilla está al borde del colapso. Y el malestar va en aumento. Dicha plantilla se compone de muchos interinos, la mayoría desde hace más de 15 años. Con esta actitud entendemos que a partir de ahora se puede despedir a cualquier persona justificando que su trabajo ya no es necesario, lamentablemente igual que hace cinco años hizo el PP con muchos profesionales del entonces Culturarts.

Fachada del Institut Valencià de Cultura.

Fachada del Institut Valencià de Cultura.

Fuego, siempre alrededor

Salvar el foc
Proyecto de Fermín Jiménez Landa
Falla Mossén Sorell Corona
Marzo 2018

Fallas experimentales, tradicionales, monumentales, grandes, pequeñas, infantiles… ninguna se salva de un desenlace ceniciento. Ningún cambio ha habido en este sentido durante todo este tiempo, siempre se queman. El año que llegué a Valencia me preguntaba, como otros turistas, ¿por qué? Pronto obtuve respuesta: sin el fuego, nada tendría sentido; normal que Jean Cocteau escogiera salvarlo.

Fermín Jiménez Landa, el artista que cruzó España nadando de piscina en piscina y que llevó a cabo, en verano, una guerra de bolas de nieve, que previamente había recogido en invierno y guardado en un congelador, llega ahora a la falla Corona. Como él mismo reconoce, su trabajo invita a ver la realidad desde un punto equidistante entre lo absurdo y lo sensato, lo entrañable y lo iconoclasta, lo empírico y lo inverificable.

El monumento fallero de Escif, carente de escala monumental, se camuflaba con todo lo demás, todo lo demás que hasta el momento parecía que sobraba. Así, nos advirtió sobre la cotidianeidad alterada del espacio público en Fallas haciendo de lo molesto, una falla. Este año, la propuesta de Fermín Jiménez Landa no está huérfana de ingenio, ni de gracia. La calle, en lugar de cortarse, más bien, se bifurcará. Al parecer, Jiménez Landa erigirá un edificio con planta baja y dos alturas, dando origen a una tercera manzana. Este inmueble será su hogar, donde hará de centinela del elemento clave de las Fiestas Josefinas: la lumbre, el fuego que lleva guardando desde la cremà de 2017, destructivo, constructivo, purificador…

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Fuego y hogar son dos conceptos ligados, a la vez que opuestos. Fuego procede del latín focus, como hogar, hoguera. El fuego puede ser creador, es el calor, es la vida y justifica el hogar; también es destructor, si es un incendio, es el fin. Existen multitud de expresiones en nuestro lenguaje en torno al fuego, prueba evidente de su importancia. Algunas de ellas son propiamente de carácter bélico, otras forman parte del hablar cotidiano: poner la mano en el fuego, a fuego lento, atizar el fuego, apagar el fuego, dar fuego, echar fuego por los ojos, jugar con fuego, ¡hagan fuego!, alto al fuego, pegar fuego, prender fuego, línea de fuego, prueba de fuego, echar leña al fuego o sacar las castañas del fuego.

Todo parece haber cambiado bastante desde la génesis de la fiesta de las Fallas, desde aquel momento en el que el gremio de carpinteros comenzó a quemar trastos y sobrantes de sus trabajos al final del invierno. El carpintero, como el herrero, es constructor, pero el herrero está especialmente vinculado al fuego, del que obviamente rehúsa el carpintero. El herrero es el forjador del universo que somete con el martillo y el yunque a lo animal, lo vegetal y la Naturaleza en general. Según Bachelard, para los dogones, un grupo étnico de Mali, el sol es el fuego de la fragua celeste, ocupando el herrero el papel de encargado de robar ese fuego y traerlo a la Tierra. Así, aquí en la Tierra, el fuego es un fragmento vivo del sol, alrededor del cual nunca dejamos de girar.

Pero el fuego es ancestral, es un gesto primitivo de dominio del mundo. El fuego proporcionó luz a los primeros homínidos, y gracias a él pudieron aumentar su actividad nocturna. Controlaron, así, algo tan indomable como la propia rotación de la Tierra, el día y la noche. Al llegar la primavera, con más horas de día gracias al movimiento eclíptico de traslación de nuestro planeta, los carpinteros valencianos quemaban los parots, una suerte de candelabros para sujetar el candil e iluminar los talleres cuya apariencia antropomorfa dio lugar, dicen, a los primeros ninots. El fuego, el hogar y las Fallas, tienen argumentos planetarios, universales.

Ismael Teira

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Un paseo por ARCO

Entre los días 21 y 25 de febrero se dieron cita muchas de las más destacadas galerías e instituciones nacionales e internacionales en Arco, que como es habitual, se ha convertido en un punto de encuentro en el que convergen tanto galerías e instituciones como críticos, coleccionistas, artistas y, por supuesto visitantes.

Dejando de lado el objetivo comercial que dentro de sus propios cánones de calidad predomina en la feria, hemos querido indagar en los escaparate de algunas de las galerías, que recordemos, siempre intentarán dar visibilidad a las mejores obras en cuanto a significado, y de este modo atraer la atención, porque bien es cierto que los encargados de las mejores colecciones no solo se fijan en el autor de la obra, su prestigio y trayectoria, lo más habitual es que se muevan por los más variados patrones para escoger las piezas, y lo que en sí representan para sus colecciones. Teniendo en cuenta esto, lo que hemos tratado de hacer es ver cuales son las ideas o propuestas de algunas de las galerías que hemos elegido por proximidad geográfica, y sus propuestas en Arco para atraer potenciales compradores y atraer la atención de los citados visitantes y profesionales.

Para empezar, en cuanto al stand de la galería Luis Adelantado, debemos decir que su puesta en escena ha sido muy impactante, la monumental obra de Jorge Peris «La Patética para Instrumento Innombrable» se erguía prácticamente en el centro de éste. Se trata de una obra en la que el autor juega con el desgaste de los materiales, la madera muestra signos que dan la sensación de que se encuentra en mal estado, además de la idea de equilibrio. De hecho, la obra se encuentra en total suspensión, motivo por el cual los trabajadores de la galería tenían que estar muy atentos para que nadie pudiera derribarla, puesto que, teniendo en cuenta las proporciones de la obra, podría incluso haber causado daño a algún transeúnte. Esta idea del equilibrio que muestra Jorge Peris la podemos encontrar en otras piezas que se pueden ver en la galería, como lo es por ejemplo «Escalera de Sauro».

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

También se pudo disfrutar de obras de artistas, como Rubén Guerrero, Darío Villalba, Marius Engh o Irma Álvarez-Laviada. Rubén Guerrero con sus obras explora los límites de la pintura además de tener un buen tratamiento de la geometría y la tridimensionalidad, éstas fueron expuestas en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga con el nombre de «Familias Mínimas». De la artista Irma Álvarez-Laviada se muestra una obra sin título, pero cuyos materiales nos llamaron la atención, puesto que se trata de un aglomerado de poliuretano, madera de mansonia y cristal de museo.

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Rosa Santos, en el que nos llamó la atención una gran cantidad de autores: Alex Francés, Juanli Carrión, Rafael Tormo i Cuenca, Xisco Mensua, Greta Alfaro, Xavier Arenós, Mira Bernabeu, o Chema López. Rosa Santos apuesta en gran medida por artistas de origen valenciano y ofrece una lectura que invita a pensar que reivindica lo más próximo, no tanto como una mirada de la defensa del folclore, sino más bien desde el punto de vista del cambio emblemático al que se enfrenta Valencia y en el que parece poner acento.

Destacamos sobre todo a los artistas Xavier Arenós y Rafael Tormo i Cuenca y sus obras. La de Arenós se compone de cuatro vigas de hierro entrecruzadas, éstas llevan dos colores: rojo y blanco. El significado de la obra tiene que ver con el momento en que Valencia se convirtió en la capital de la República en 1937, tema de actualidad en cuanto a exposiciones, teniendo en cuenta que el año pasado se celebró en la Nau la exposición «Valencia, capital de la República». Los colores simbolizan los bandos enfrentados durante la Guerra Civil Española (1936-1939), es decir, el bando de los Nacionales sublevados y el republicano. El hecho de que se encuentren entrecruzadas muestra la convulsión del momento al igual que el material nos habla de la tensión que se vivió durante aquellos años.

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

La obra de Rafael Tormo i Cuenca muestra ideas muy interesantes. Por un lado, vemos lo que parecen ser chabolas, tiendas de campaña o jóvenes. Lo que en primera instancia puede parecer un ambiente de pobreza es una visión del 15-M en Valencia, el movimiento de los indignados que tantas voces silenciosas hizo resonar por un instante. Aunque lo interesante en esta obra es el método en que se ha realizado. Se trata de pequeños paneles de cerámica llevados a cabo a la manera tradicional valenciana, la típica del siglo XIX. En aquella época los temas predominantes eran: el folclore, las fiestas, lo regional, naranjos, falleras, hortelanos o campos. En este caso, lo que se ha plasmado no es el folclore, sino una reivindicación de derechos y libertades. Es en este punto en el que encontramos cierto paralelismo. Realmente la cerámica del siglo XIX valenciano y la obra de Tormo y Cuenca hablan de Valencia, dejando de un lado lo obvio, de como era valencia y de como es ahora, la Valencia de las tradiciones y de exaltación regional frente a la Valencia progresista y crítica que cuestiona el orden establecido y reclama sus derechos.

Rafael Tormo y Cuenca.

Rafael Tormo y Cuenca.

También nos pareció interesante la obra de Mira Bernabeu y cómo mediante el uso de la fotografía en grupo consigue mostrar valores de diferente índole, ya sean; morales, históricos, religiosos, o del comportamiento humano en general. El dramatismo no es un recurso, sino un vehículo mediante el cual los personajes de sus obras manifiestan aquello que el artista se propone, de ahí que la escena sea un propio escenario teatral.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Al llegar al stand de Espaivisor damos razón de lo numeroso de obras expuestas. En todas está presente el aroma a actualidad. Los temas en sí no son nuevos, pero desgraciadamente siempre aparecen en las noticias porque se reiteran o bien por el hecho de que se recuerdan algunos hechos del pasado que aún hoy en día dan lugar a una cantidad ingente de debate. Nos vamos a adentrar en un stand en que se habla de sexualidad, represión, censura, feminismo, o el sufrimiento de aquellos que se ven forzados a abandonar su tierra o a permanecer encerrados entre cuatro paredes.

Encontramos a artistas latinoamericanos consagrados como, Miguel Ángel Ríos o Carlos Leppe. Miguel Ángel Ríos, con su obra, nos muestra como el hombre es quien pone fronteras al mundo, sobre todo el hombre blanco europeo. Critica el Postcolonialismo, los pliegues en la obra muestran esta idea de que en continentes como África las fronteras están hechas con escuadra y cartabón. El chileno Carlos Leppe se nos muestra como un gran performer que manifestó su identidad sexual en un contexto en que ésta esta peor vista que nunca, en tiempo de la dictadura de Pinochet.

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

El colombiano Miguel Ángel Ríos en «Serie Faenza» también se involucra en toda la oleada de artistas que se encargan de mostrar la comunidad homosexual reprimida de la sociedad. En la obra se plasma como Ríos se presenta en un cine al que se sabe que los hombres acuden para mantener relaciones sexuales entre ellos. Usa una caja en la que escondía su cámara, y llegado el momento, accionaba el obturador. Sus fotografías, como podemos ver, presentan cierto encanto debido a la belleza íntima que desprende el sistema analógico.

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

Entrando en la temática feminista encontramos a Liliana Maresca, Orlan, o Sanja Ivecovic. Aunque ésta última nos ha llamado bastante la atención. Porque no solo se muestra feminista, sino que además lo hace con un tono burlón frente a la tiranía del dictador Tito de Yugoslavia. Tito usaba la televisión para adoctrinar a la población mediante una serie de frases con las que trataba de mostrar la conducta adecuada al pueblo. Ivecovic emula esos anuncios y se burla de ellos. En las imágenes aparece saltando, danzando y mostrándose fuerte, segura e intrépida, un mensaje muy lejano al que el dictador trataba de mostrar por medio de estos mensajes de obediencia y sumisión.

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

Otras de las obras más interesantes que Espaivisor trajo a Arco fueron las de Mª Jesús González y Patricia Gómez, sus obras «Celda 1-1» y «Celda 5-3» son muy sobrecojedoras. Mediante un proceso en el que interviene el látex, extraen pintadas de paredes en las que ha habido personas retenidas, personas que han sufrido, que han visto la crueldad humana. Básicamente estas obras extraen la memoria de dichos lugares, nos muestran mediante los vestigios de las personas que las habitaron lo que han pasado, sus pensamientos, sus sentimientos. Unas obras magníficas que nos invitan a reflexionar sobre como los humanos nos comportamos con nosotros mismos, así como las injusticias que llegamos no solo a cometer, sino a permitir.

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Espai Tactel. La galería valenciana presentó obras de los artistas Amanda Moreno y Christo & Andrew. Todo el stand gira alrededor de la idea del cuerpo, con elementos que aluden a éste o su propia durabilidad, como se ve en las obras. Además, la idea del futuro también se encuentra bien presente, se utilizan elementos que poco a poco han sido introducidos en la sociedad con motivo de mejorar nuestro día a día, como el iWatboard que se ve en la obra «Hyper Futuristic»

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

Dejando de lado las obras futuristas de Christo & Andrew, debemos hablar del interés que despiertan las obras de Amanda Moreno. Éstas hablan directamente del cuerpo y, a su vez, del carácter efímero que caracteriza a éste. Las obras que nos plantea son: «Sleepwalker Chronobiology» y «In the Mood of Worms».

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

La segunda se muestra como un ejemplo de Vanitas, aunque, lejos de mostrarse como en otros momentos de la Historia del Arte mediante una calavera o bajo la idea de Hommo Bulla, aquí se nos presenta como una cara más o menos visible realizada con formas de gusanos. Estas formas aluden a los intestinos debido a la rugosidad con que han sido realizadas. Pero la verdadera relación se encuentra con los propios gusanos, que en sí aluden a la muerte, debido a que son los que acuden a nuestro cuepo una vez éste se encuentra en estado de descomposición.

El último de los stands que visitamos fue es el de la galería Aural, y esta no fue una visita como las anteriores. Lo que pudemos contrastar obedece a los criterios que se siguieron para montar el stand. La idea principal es que el espacio y las obras deben permanecer en total armonía. Además, los propios artistas deben de mostrar cierta armonía con los demás, ya sea: temática, cronológica, o espacial, por ejemplo.

Aural ha tratado de mostrar gran parte de las mejores obras de las que la galería dispone basándose, no tanto en las normas que el mercado dicta, sino teniendo en cuenta lo que las obras tienen que decir, que lo que éstas expresen tenga significado y lleve al espectador a realizar un diálogo con ellas. No se busca tanto mostrar el arte por el arte, sino más bien que las obras tengan cosas que decir, sentimientos que expresar, a fin de cuentas, inducir a la reflexión.

Entre ellas, obras de: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Isaac Montoya, Javier Vallhonrat, José Maldonado, Juan José Martín, Luis Gordillo y Máximo González. Dentro de la obra de estos autores podemos encontrar temáticas muy variadas, al igual que estilos, como por ejemplo la vinculación entre Sinaga y el Postminimalismo. También es muy interesante la manera en que Máximo González critica el sistema económico o la manera en que Juan José Martín cuestiona las fronteras políticas del planeta.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

Así pues, como podemos comprobar, las galerías escogidas proponen temáticas más o menos diferentes y formas muy diversas de presentar sus obras. Pero todas tienen en común, salvo Espai Tactel, obras de carácter crítico y social. El feminismo se encuentra muy presente, el cuestionamiento de fronteras y el orden establecido es una de las temáticas que comparten Espaivisor y Aural, mientras Espai Tactel habla de temas profundos e introspectivos, como el concepto de vanitas.

En sí, todas las galerías han llevado las obras y temáticas más actuales, que sin duda han llamado la atención e invitado a pensar en relación a éstas, algo que sin duda suma para atraer a coleccionistas. Como siempre, Arco es una feria en que todos los stands sacan a relucir sus mejores argumentos buscando atraer a todo aquel que se pase por ella, y sin duda, los stands de las galerías visitadas han estado a gran altura.

Baltasar Camps Estellés.

 

Danny y sus campeones, pasión, alma y raíces

Danny And The Champions of The World
Gira España 6,7,8,9 y 10 marzo – Vitoria (Hell Dorado), Valencia (Loco Club), Madrid (El Sol), Bilbao (Kafe Antzokia), Valles Piloña (AMC Bocanegra)
Sala Loco Club
C/Erudito Orellana nº 12
Valencia
Miércoles 7 de marzo del 2018 a partir de las 22:00 horas
Entrada anticipada 15 € Web Loco Club · Taquilla 18 €

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Danny And The Champions of The World

Desde que comenzase la década 10 del S.XXI ha ido creciendo considerablemente el reconocimiento popular de Danny y sus Campeones del Mundo, sobre todo a partir de sus últimos discos, el “Hearts and arrows” del 2011, el “Stay true” del 2013, el “What kind of love” del 2015 y el más reciente “Brilliant light” del 2017. A destacar también el directo “Live Champs!” del 2014, un trabajo que demostró el enorme potencial que poseen en vivo.

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Portada del disco ‘Brilliant light’ de Danny & The Champions of The World

Es el mencionado “Brilliant light” la razón principal de la nueva gira por España del australiano afincado en Reino Unido. Se trata de un trabajo doble compuesto por 18 canciones, algunas de las cuales podrían considerarse como las mejores de su carrera. Ejemplos de ello son “Bring me to my knees”, “Consider me” y “Gotta get things right in my life”.

Asimismo, y pese a la excesiva cantidad de cantinelas que obran en su contenido, hay otros temas destacables en ese disco como “Waiting for the right time”, “It’s just a game (that we were playing)”, “Never in the moment”… Y por supuesto qué decir de “In hit me” o de tres baladas como “You’ll remember me”, “Swift street” o “Don’t walk away”.

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Sus influencias son muy dispares, de auténticas instituciones musicales de la talla de Otis Redding, Arthur Alexander, Willy DeVille, Bob Dylan, Tom Petty… El tono épico de sus guitarras y el excelente acompañamiento musical por parte de los miembros de la banda de Campeones son otros factores a destacar. Al final podríamos decir que su estilo es música de raíces americana que cabalga entre folk, country, soul, rock y rhythm&blues.

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Cartel de la gira española Marzo 2018 de Danny and The Champions of The World

Para un servidor que ha tenido el privilegio de verles alguna vez en directo, mención especial a aquella extraordinaria experiencia en el Castillo de Frías (Burgos) dentro del Festival homenaje a The Last Waltz, es una vivencia imborrable, una auténtica ceremonia gracias a ese cóctel apasionado y arrebatador, cuyo buen rollo tanto conecta con los asistentes.

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Danny And The Champions of The World

Lugares como Vitoria Gasteiz en Helldorado, Loco Club en Valencia, El Sol en Madrid, Antzokia en Bilbao y Piloña en Asturias son los sitios por donde pasará el Tour de Danny and The Champions of The World. Dificílmente, por no decir imposible, alguien saldrá decepcionado de una de las citas de esta esperada y recomendable gira. Ineludible para los amantes de la música popular de calidad.

Juanjo Mestre

Doctor Divago presentará su flamante nuevo disco

Doctor Divago
Sala Loco Club
C/Erudito Orellana nº 12
Valencia
2 de Marzo del 2018 a partir 22:30 horas
Entrada anticipada 8€ en Movingtickets, Wegow, en la web de Loco Club o en Harmony Discos
Entrada en Taquilla 10€

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Manolo Bertrán, cantante, compositor y guitarrista de Doctor Divago.

El duodécimo disco de la banda valenciana Doctor Divago vio la luz de forma oficial el pasado 8 de enero. Grabado y mezclado entre los estudios Elefante y Stardust de Valencia, está formado por 11 temas compuestos por el vocalista y guitarra Manolo Bertrán. Junto a él los otros cuatro miembros habituales del grupo, es decir, Antonio Chumillas García “Chumi” a la armónica, Asensio Ros “Wally” a la batería, Edu Cerdá al bajo y David Vie a la guitarra. A ellos se suma la habitual producción de Dani Cardona más las colaboraciones puntuales de Victoria García con el cello, Vanessa Juan con la trompa o Gabriele Del Vecchio con el órgano.

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David Vie, Edu Cerdá, Manolo Bertrán, Antonio Chumillas “Chumi” y Asensio Ros “Wally”

El título del mismo, “Complejo Alquería Frailes 13″ tiene que ver con la dirección del local de ensayo donde trabajan desde el año 1989 y en él se mantiene la línea de ese universo tan personal de los valencianos.

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Imagen-mosaico con Manolo Bertrán, Wally, David Vie y Edu Cerdá

Canciones que reflexionan sobre otras presencias que cohabitan con uno mismo como “El gemelo malvado”, “Mi querido amigo” o “Todos los cielos son una misma vida” alternan con la fina ironía de “Aún queda vino”, los trascendentales y en algunos casos místicos como “El humor”, “Sonámbulo”, “Los pies en la tierra”, “El viaje largo” o los dos temas promocionales “Al cuarto día” y “Engáñame”, ambos con videoclip a cargo de Rubén Soler. La temática del boxeo, tantas veces frecuente en clásicas canciones de esta banda vuelve aparece en “El tercer hombre en el ring”, dedicada al árbitro Ruby Goldstein.

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Cartel presentación con portada disco ‘Complejo Alquería Frailes 13′

En el Loco Club de Valencia se presentará este estupéndisimo disco junto a otros temas clásicos de su repertorio. Y sí, podemos estar seguros de que será un espectacular concierto tal y como Doctor Divago acostumbran, exhibiendo todo su potencial en directo. Altísimamente recomendables.

Juanjo Mestre

20.000 euros para las olvidadas artes plásticas

Programas culturales de la Diputación de València
MuVIM
Jueves 15 de febrero de 2018

El Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat (MuVIM) ha presentado las líneas estratégicas y los diferentes programas culturales de la Diputación de València para el presente ejercicio 2018. En esta cita, a la que asistieron los representantes de alcaldías, concejalías y departamentos de cultura de los municipios de las comarcas valencianas, el diputado de Cultura, Xavier Rius anunció la creación de una nueva línea de ayudas específica para artes plásticas. Estará dotada con 20.000 euros y formará parte de la convocatoria de proyectos intermunicipales, la cual busca optimizar los esfuerzos de la gestión cultural, facilitar la colaboración entre municipios y el aprovechamiento de las sinergias que se generan.

“Hemos llevado a cabo un análisis y hemos llegado a la conclusión de que las artes plásticas son las grandes olvidadas dentro de la programación cultural. En 2017 representaban sólo el 1% del conjunto de propuestas culturales programadas por los municipios con el apoyo de la Diputación”, reconoció el diputado.

Xavier Rius, en primer término, en la reunión del MuVIM. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Xavier Rius, en primer término, en la reunión del MuVIM. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Por ello, con esta nueva línea de ayudas a las artes plásticas “apostamos por potenciar las exposiciones pictóricas, escultóricas o cerámicas, entre otras, que se realizan en los diferentes municipios de la demarcación de València para que tengan una proyección más allá del término municipal, favoreciendo el intercambio de proyectos expositivos y generando un circuito cultural dirigido a esta tipología de muestras», subrayó Rius.

El responsable del Área de Cultura detalló que dentro de la categoría de proyectos intermunicipales “se requerirá de la participación o implicación de un mínimo de tres localidades para poder optar a las ayudas de la Diputación de València en materia de artes plásticas”. Unas ayudas que irán destinadas a conceptos como el transporte, el montaje de exposiciones o la edición de catálogos, entre otros. “Lo que perseguimos es dar un impulso a las artes plásticas, y que las iniciativas centradas en este tipo de expresión artística encuentren también el apoyo de la Diputación”, enfatizó el diputado.

Representantes de la Diputación de Valencia en la reunión del MuVIM. Imagen cortesía de Diputación.

Representantes de la Diputación de Valencia en la reunión del MuVIM. Imagen cortesía de Diputación.

Llámame por tu nombre, una exquisitez fílmica

Call me by your name (Llámame por tu nombre)
Dirección: Luca Guadagnino.
Intérpretes: Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar.
Género: drama.
País: Italia
Año: 2017

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Timothée Chalamet y Armie Hammer, los dos principales protagonista de ‘Call me be your name’

Había leído algunos elogios en las redes sociales pero no las tenía todas conmigo, eso de un drama romántico no es algo que me seduzca inicialmente y, además, pensaba que era una más que se sumaba al filón de películas con romances homosexuales de los últimos tiempos. Sin embargo, conforme avanzaba la cinta de Luca Guadadigno caía rendido completamente a su adaptación cinematográfica de la novela de André Aciman.

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Nos ubicamos. Verano del 83 en un pueblecito del norte de Italia. Elio es un adolescente de 17 años que en la casa de campo familiar dedica su ocio a leer libros, tocar el piano o zambullirse en el río. En dicha residencia coincide con el americano Oliver, recién llegado como temporal ayudante de su padre, un experto en cultura grecorromana. A destacar que tanto Timothée Chalamet como Armie Hammer están sublimes, bordan respectivamente sendos papeles.

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Seguramente la gran clave de “Call me by your name” sea que la relación que mantienen ambos jóvenes posee una pureza insólita, desarrollada a fuego lento, tratada con una admirable naturalidad, donde en ningún momento hay desdichas o terceros factores que repercutan negativamente en ella. Además, con una belleza lírica extraordinaria, consigue integrar plenamente al espectador tanto en el lugar donde se desarrolla la acción como en esa encantadora, sensible, profunda y emocional historia, de esas que pasan una o dos veces en la vida, si es que alguna vez pasan a lo largo de todo el transcurso existencial. Eso sí, aunque no contenga escenas de sexo manifiesto, este peliculón no es recomendable para homófobos y afines, incluidos esos que abundan más de lo que pensamos y que no se reconocen como tales pero que les incomoda que dos personas del mismo sexo se besen, se toquen, se follen o, simplemente, se cojan de la mano.

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Cartel de Call me by your name, la película de Luca Guadagnino

Más cosas. Me pareció impresionante el tratamiento realista de aspectos tales como la pasión, la atracción, las dudas internas, las miradas, los gestos, la ansiedad o el deseo carnal desbordado de esos años adolescentes entre la timidez, la inocencia y la autosuficiencia. Y, por encima de todo, la escena de la masturbación con el melocotón, de las que marcan un antes y un después en el cine, en este caso por el paso del rubor o del sofoco a la aceptación, a la transigencia, hasta llegar al amor más inmaculado, sin dominio ni sumisión.

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Por cierto, una banda sonora exquisita, con John Adams, Ryuichi Sakamoto, Sufjan Stevens, con perlas ochenteras como el “Words” de F.R. David, el “Love my way” de Psychedelic Furs…

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Ah, y para rematar la película queda el diálogo final entre el padre y el hijo, debería pasar a los anales del séptimo arte como ejemplo de sabiduría, tolerancia, actitud y civismo paternal. No acaba ahí la cosa, ese primer plano final del inconmensurable Thimothée Chamalet en el papel de Elio es de una grandeza y emoción desorbitadas. “Llámame por tu nombre” es Elio/Oliver u Oliver/Elio… Al final consiguen colarnos en sus vidas, en su inolvidable historia de amor verdadero.

Juanjo Mestre

‘El alma dormida’, vuelve la gira de Lapido

José Ignacio Lapido
Sala Loco Club
Calle del Erudito Orellana, 12 Valencia
Viernes 2 de febrero a partir 23:00 h
Entradas: 14 € anticipada, 18 € en taquilla
Punto de venta: http://www.lococlub.org/ y CRETIN (C/ Quart nª 41 de Valencia)

Vuelve 'El alma dormida', la gira de Lapido

Imagen de Lapido extraida del videoclip canción “¡Cuidado!”

A partir del pasado mes de septiembre del 2017 se dispararon las expectativas cuando veía la luz el nuevo single promocional de José Ignacio Lapido. Hablamos de “¡Cuidado!”, un tema sumamente adictivo donde el compositor, a través del librepensamiento, nos ponía alerta para cuestionar muchas cosas, convirtiéndose inmediatamente en uno de los grandes himnos del granadino. Con una temática similar se ha extraído un segundo single en el presente 2018, “La versión oficial”, con videoclip incluido.

En cuanto al último álbum la fecha elegida en que se hizo oficial su publicación fue el 20 de octubre. Con título “El alma dormida”, era un trabajo muy esperado ya que tuvo que retrasarse debido a la exitosa “Maniobra de resurrección” con los 091 durante el 2016.

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Portada del disco “El alma dormida” de José Ignacio Lapido

Está producido conjuntamente por Raúl Bernal, Víctor Sánchez, Pablo Sánchez y el propio Lapido. Como viene siendo frecuente en los últimos tiempos el maestro está acompañado por su banda habitual, es decir, Víctor Sánchez, Raúl Bernal, Popi González y Jacinto Ríos.

Vuelve 'El alma dormida', la gira de Lapido-2

Lapido en los estudios de grabación con Víctor Sánchez, Raúl Bernal, Popi González y Jacinto Ríos. Imagen incluida en el reportaje ‘El despertar de un alma del rock’ del diario GranadaHoy

A nivel general podemos decir que algunas letras son trascendentales y tienen que ver con el rápido transcurso existencial, como la extraordinaria “Lo que llega y se nos va”, escrita a partir del fallecimiento de su madre y con el punto de partida en las “Coplas a la muerte de su padre”, la elegía de Jorge Manrique en el S.XV.

También temas que tocan la lucha social en “Como si fuera verdad”, sobre reivindicación de su trayectoria en “Nuestro trabajo”, sobre las películas y las bandas de los años 60 en “Dinosaurios”, sobre misticismo en “Estrellas del Purgatorio”, sobre cruces de caminos en “No hay prisa por llegar”, o sobre esos rincones del corazón en “Enésimo dolor de muelas”, “Mañana quien sabe” o “La escalera de incendios”. Todas ellas completan un disco que marca el estado de madurez de un artista cuya regularidad debería estar mejor considerada.

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José Ignacio Lapido

Durante los meses de noviembre y diciembre se presentó “El alma dormida” en Murcia, Sevilla y Granada. La Sala Loco Club de Valencia acoge la reanudación de una gira imprescindible antes de pasar por Madrid, Barcelona, Zaragoza, Córdoba, Málaga, Bilbao… Si Lapido se pone en línea de tiro ningún aficionado a la música de calidad realizada en uno de nuestros ricos idiomas debería perdérselo. Altamente recomendable es poco.

Juanjo Mestre