Los restos de Sheela Gowda en Bombas Gens

‘Remains (restos)’, de Sheyla Gowda
Comisariado: Nuria Enguita y Lucía Aspesi
Bombas Gens Centre d’Art
Av. de Burjassot 54-56, València
Hasta el 1 de marzo de 2020

Desde el 25 de octubre de 2019 hasta el 1 de marzo de 2020, Bombas Gens Centre d’Art (Valencia) en colaboración con Pirelli HangarBicocca (Milán), nos presenta ‘Remains (restos)’, la primera exposición individual en España de la artista Sheela Gowda. Un proyecto comisariado por Nuria Enguita y Lucia Aspesi que nos permite descubrir más de veinte años de producción artística de la artista india, desde los años noventa hasta hoy.

La exposición reúne una amplia selección de instalaciones, collages y esculturas procedentes de diferentes épocas que se construyen en distintas escalas con diversos materiales, de tradición artística local, con los que la artista mantiene un constante diálogo que culmina en propuestas abstractas. Para Sheela Gowda la abstracción no implica ausencia ni de forma ni de motivo, sino la constatación de que una forma puede ser portadora de sentidos múltiples. Más allá de entenderla hay que sentirla. Busca la sutilidad en su obra, y por eso se basa en la abstracción.

A lo largo de su carrera como artista, Sheela Gowda ha exhibido su obra en numerosas exposiciones individuales alrededor del mundo. Jugando con el espacio expositivo, acoplando y seleccionando sus obras, desplegando, en cada una de ellas, una práctica poética y política basada en una visión reflexiva y perceptiva del mundo, acompañada por una conciencia del valor simbólico y comunicativo de la materia, los objetos y sus restos. Esta selección de obras, también, transmite el compromiso con el proceso de definición y abstracción de la forma como generadora de significado, del sentido.

Sheela Gowda, en Bombas Gens.

Nacida en Bhadravati, Karnataka (India) en 1957, Sheela Gowda se formó en pintura en las universidades de Baroda y Visvabarathi en Santiniketan, marcadas por un modernismo indio, la imaginería popular, la vida cotidiana y las leyendas propias, pero, también, por formas y técnicas internacionales del arte.

Con su regreso a India a mediados de los años 80, desde Londres, donde había realizado estudios de posgrado en el Royal College of Art, Gowda abandona el espacio pictórico para trabajar en el espacio tridimensional. Este proceso de transición respondía a la determinación de la artista de incluir activamente a la audiencia, mediante sus obras, en la situación sociopolítica de la India en los años 80 y 90, asociada con el aumento de la política de derechas y los actos de violencia en todo el país. Por ello, la artista comenzó abordar estas inquietudes mediante la manipulación directa de una serie de nuevos materiales que iría incorporando en sus obras, como el estiércol de vaca, barriles de alquitrán, pigmento, cenizas, pelo, agujas, fibra de coco, caucho, cuerdas hechas de cabello, etc; materiales que proporcionarían, por medio de su textura, olor o sustancia, un diálogo directo con los sistemas en los que es mediado: económicos, políticos o rituales.

Por ejemplo, el caso del excremento de vaca, material que ocupa una posición polivalente en la economía india del ritual, el trabajo y la supervivencia. Para los hinduistas la vaca es un animal sagrado, siendo sus excrementos utilizados en artesanía local para construir juguetes y esculturas, así como combustible o para el aislamiento de suelos y paredes. Para Sheela Gowda este material fue fundamental en la transición de su trabajo desde la práctica pictórica al espacio de tres dimensiones. Usó y modeló este material de diferentes maneras con diversas técnicas y en varias dimensiones.

La artista experimentó por primera vez con estiércol de vaca en su obra conocida ‘Mortar Line’ (1996), una escultura de suelo que consiste en una línea curvada y doble de ladrillos de estiércol de vaca, unidos por un mortero de pasta de dicho material. La hendidura longitudinal entre las dos filas de ladrillos está revestida con kumkum, un pigmento rojo que se usa tradicionalmente para rituales y que aquí funciona como una especie de cemento que mantiene la unión de las piezas en una especie de columna vertebral. En este caso, el estiércol de vaca, a pesar de sus numerosos significados, da relación directa con el trabajo cotidiano de las mujeres en contextos rurales de India.

Detalle de la obra ‘Mortar Line’ (1996), de Sheela Gowda.

Un segundo material con un significado ritual y con gran importancia en la económica india sería el cabello humano. Posee un significado ceremonial, al recoger los restos de las grandes cantidades de cabello tras la tonsura practicada como sacrificio y ofrenda de miles de personas en los lugares de peregrinación. En lo cotidiano, el cabello también tiene su significado, como talismán en vehículos motorizados y en la economía. India es el mayor exportador global de cabello humano para pelucas y otros usos. Sheela Gowda nos presenta lo significativo que es el cabello en la India, por medio de su obra ‘In Pursuit Of’, pieza realizada expresamente para las salas de Bombas Gens Centre d’Art.

‘In Pursuit Of’, de Sheela Gowda (2019). Fotografía cortesía de Bombas Gens.

Sheela Gowda utiliza los materiales sin que pierdan su esencia; no los transforma, sino que les aporta significados nuevos, como, por ejemplo, en las obras en las que emplea el material de los barriles de alquitrán. Pretende que permanezcan como lo que fueron: un elemento para hacer carreteras, que se convierten, casi, en el hábitat de las personas cuando están trabajando. Los encontramos en su obra titulada ‘Kagebangara’, una instalación que está compuesta como un cuadro modernista, haciendo referencia a un cantero de obra, asemejándose la obra, particularmente, a las construcciones de placas de metal que los pedreros de carretera utilizan en Bangalore como refugios provisionales y como almacenes para sus propiedades.

‘Kagebangara’ (2008), de Sheela Gowda.

La obra de Sheela Gowda es abierta. Sus obras se aferran a la materia, que nunca desaparece. De ahí el título, ‘Remains’. El material está hecho con restos, pero restos de objetos anteriores, que son lo que permanece y adquieren diferentes significados, sensaciones y emociones que nos hacen cuestionar nuestra presencia en el mundo, el paso del tiempo y su transparencia relativa.

Adriana Florentino

El nuevo universo de Michavila

JOB 38:11. Carmen Michavila
Galería Alba Cabrera
C/Joaquín Costa 4
Hasta el 7 de Diciembre. Valencia.

La galería Alba Cabrera alberga el nuevo trabajo de Carmen Michavila, JOB 38:11. Con esta bocanada de aire fresco, la esencia del arte contemporáneo inunda cada esquina del espacio, otorgando al espectador la última palabra. 

Las líneas delicadas y la minuciosidad de la obra de Michavila, crea  un camino invisible hacia una realidad oculta a los ojos, pero presente en todos nosotros. Invita de manera ineludible a un viaje interno, íntimo, partiendo de un realismo mágico que evoca cualquier cuento infantil, capaz de jugar con esa capacidad creativa que nos conecta con  nuestra más pura esencia.

Como la propia artista sentencia, con el versículo que da nombre a la exposición, Hasta aquí llegarás, pero no más allá. Aquí se detendrá el orgullo de tus olas (Job 38,11) la obra recoge esas barreras física estableciendo un punto de partida y un final correspondiendo con los límites del propio lienzo.

Imagen: Detalle de la característica verticalidad de las obras de la exposición.

Atendiendo a la verticalidad de la obra, resulta casi sistemático hacer uso de los patrones cristianos católicos que han sido instaurados en nuestra conciencia colectiva, independientemente de nuestra creencia religiosa. Nuestras imágenes mentales establecen de manera automática un cielo y un infierno, como espacios equidistantes, separados por una paraíso terrenal en el que los mortales llevamos a cabo nuestras impías vidas. 

Imagen: Lienzo azul,  ubicado para romper con la estructura cromática establecida a lo largo del discurs expositivo. Cedida por Alba Cabrera.
Imagen: Lienzo azul, ubicado para romper con la estructura cromática establecida a lo largo del discurs expositivo. Cedida por Alba Cabrera.

Esta dicotomía entre lo visible y lo invisible no sólo se vincula a parámetros sagrados, sino que la tradición artística se ha valido de este recurso creativo a lo largo de la historia. Tanto para un lego en arte como para un especialista, es conocido que las pinturas de Goya cuentan un mensaje oculto entre las pinceladas de sus óleos como ocurre con la Maja desnuda, obra que emula una Venus, pero será otra la intencionalidad del pintor.  Incluso podemos viajar al siglo de oro valenciano, donde las damas cosían pequeños pañuelos para que sus amantes portasen como estandarte ante las cruentas batallas.

Mirando de nuevo a los ojos a JOB 38:11, encontramos ciertas similitudes con los trabajos de El Bosco, quien incorpora el azul con la misma sutileza, recreando esa aura mística que caracteriza sus trabajos. También destacamos, la utilización del círculo como elemento de inicio y conclusión en el mismo punto, al fin y al cabo como la propia vida. 

Siguiendo esta línea etérea y casi espectral recurrimos a la Divina Comedia, obra literaria que remarca la necesidad de realizar una búsqueda interna, iniciática. Sobrellevando los pesados golpes que la vida nos propone.  

Después de esta viaje a través del arte, resulta irrisorio valorar el excelso trabajo de Michavila con tino, ya lo hicieron un sinfín de artistas antes. Los mismos que ahora nos exhortan fervientemente a realizar esta búsqueda e interpretación de nuestro propio infierno y nuestro propio cielo.

Detalle de la obra de Carmen Michavila.
Imagen: Extracto de la exposición JOB 38:11. Cecidad por la galería Alba Cabrera

Victoria Herrera

De artistas y galeristas

Con motivo del cierre de la galería Espaivisor de València
Noviembre de 2019

Una gran parte del mundo del arte se encuentra tan perdida que, a veces, incluso produce ternura. Este texto nace de las declaraciones del vicepresidente de LaVAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana) en Levante-EMV con motivo del cierre de la Galería Espaivisor: “Valencia sigue con la política de los grandes eventos… no hace nada para retener a las galerías”, “los políticos solo atienden a los grandes centros”, “nosotros nos jugamos el tipo en cada exposición”, “las galerías carecemos de absoluto interés para los políticos”.

Pintada en una pared. Fotografía: MAKMA.

Los artistas se lamentan

No hace mucho se organizó aquí, en València, una suerte de seminario en el que se pretendía ofrecer al artista del hoy “un mapa de herramientas y estrategias con las que reorientar y enmendar su situación de inestabilidad profesional”. Se llamó ‘Hacia la profesionalidad del artista visual’ y contó, como era de prever, con toda una plantilla de profesionales que se mostraban preocupados verdaderamente por el futuro del artista del hoy: comisarios, gestores culturales, galeristas, periodistas, artistas y miembros de asociaciones o agrupaciones pertenecientes a dos sectores de ese mundo. 

Detalle en una puerta. Fotografía: MAKMA.

Las galerías de arte se lamentan

Parece ser que, en efecto, parte de ese mundo del arte actual anda desconcertado. ¡Pero hay que decir que no todos los elementos que configuran su mundo!: los políticos y gestores culturales institucionales (no solo de las capitales, sino de todos los municipios, tengan el tamaño que tengan) parecen vivir en constante estado de excitación y éxtasis. Y tienen motivos para ello, pues a veces les sobrepasa la cantidad de eventos que tienen que atender cada semana. Tampoco los grandes centros de arte pueden poner mala cara, pues sus alegrías crematísticas ya no provienen de una sola vía, la política/institucional, sino de dos: la política (que con ello gana votos) y la privada (que gana en desgravaciones). Aunque siempre les parecerán pocas esas alegrías a los grandes centros de arte, todo se ha de decir. Llorones.

Entonces, ¿quiénes se encuentran desconcertados, además de compungidos? Pues ya lo hemos avanzado: fundamentalmente, dos sectores de ese mundo, el de los artistas y el de los galeristas; precisamente esos dos sectores que hasta no hace mucho eran los verdaderos generadores de la idea de ‘arte contemporáneo’. Pero ya no (se siente), y por eso se embarcan, constantemente, en seminarios, congresos, jornadas, abiertos, mesas redondas, nocturnos y encuentros con el fin de superar lo que ellos mismos llaman, no sin cierta ingenuidad, “reto del nuevo mercado global”, analizando conceptos como branding, comunicación offline, RR. SS., composición curricular, estrategias online, autogestión e, incluso, autogestión sostenible. Ya digo, desconcertados y perdidos.

Detalle de un maniquí. Fotografía: MAKMA.

De los artistas

Si hay algún sector verdaderamente patético en eso que aún llamamos mundo del arte es el de los artistas o, mejor, el de todos esos personajes que se autodenominan artistas. Los que se autocalifican artistas –que son todos los que creen hacer arte– se caracterizan por la queja, por vivir su profesión en permanente estado de lamento. O bien se quejan de no vender o bien se quejan del poco cariño que le muestra la institución política o, si quieren, el poder fáctico. Ambas quejas, insisto, es lo que convierte en patético a los representantes del sector. 

Respecto a la la primera, porque convierte a los supuestos artistas en seres molestos, como molestos son todos aquellos que se empeñan en vendernos algo que no queremos. Y, respecto a la segunda, porque la queja supone una contradicción insalvable, pues la primera función (misión) que dicen tener los supuestos artistas es la de cuestionar el sistema, el poder fáctico, si quieren. Por lo que si alguien se empeña en trabajar para Él es solo porque quiere ser un lacayo, lo contrario de un ser libre. Su falta de dignidad es solo equiparable a su falta de pudor.

Cabeza de una maniquí. Foto: Makma

De las galerías de arte

Y respecto a las galerías, baste recordarles tres cosas: 1) que lo suyo se trata de un negocio y NO de un servicio cultural. 2) Que el producto que venden ya no representa ni siquiera el espíritu de nuestra época. Y, 3), que ellos, los galeristas, montaron su negocio por voluntad propia y, además, nadie les pide que “se jueguen el tipo con cada exposición”.

Parecen ignorar que las cosas del ahora nada tienen que ver con las cosas acaecidas antes de la caída de Lehman Brothers en 2007; mismo año en el que surgieron los smartphones; mismo año en que se consolidó Facebook; mismo año de la expansión de Twitter; mismo año en el que Google lanzó Android y promovió Youtube; mismo año, en definitiva y sobre todo, donde las RR. SS. se impusieron como forma de comunicación inmediata y masiva. En estas circunstancias, el método hagiográfico (el artista como ser que inevitablemente produce objetos sagrados), que aún siguen usando los galeristas, ya no solo es anacrónico, sino también obsoleto. 

En cualquier caso, tal y como ya advertí en un artículo anterior, ¡claro que seguirá habiendo galerías de arte que funcionen bien económicamente!, pero ahora, más que nunca, serán solo aquellas que trabajen con coleccionistas superpoderosos (los pocos que van quedando), o con narcotraficantes, o con traficantes de armas, o, si quieren, con brokers desalmados, o con empresarios de alto standing que saben desgravar con elegancia o blanquear con permisividad y connivencia, etcétera. ¡Y claro que seguirá habiendo grandes ferias Basel, pero para dar servicio solo a los (galeristas) que son capaces de llegar a ellas! Unos cuantos elegidos, privilegiados. 

Máscara veneciana. Foto: Makma

Alberto Adsuara

Espaivisor de Valencia cierra su galería

Comunicado de Miriam Lozano y Mira Bernabeu
Anunciando el cierre de la galería Espaivisor de Valencia
Viernes 1 de noviembre de 2019

Nos ponemos en contacto con vosotros para comunicaros que la galería espaivisor, dirigida por Miriam Lozano y Mira Bernabeu, finaliza su etapa en un momento álgido y con un proyecto ya definido y sólido, lleno de reconocimientos, experiencias memorables y logros cumplidos.

En este periodo de 14 años hemos trabajado juntos por un proyecto comprometido con el arte, de contenido social, político y feminista, con el doble objetivo de plantear un cuestionamiento y un debate acerca del contexto en que vivimos y de dar visibilidad a nuestros artistas, tanto en el ámbito nacional como en el internacional.

Miriam Lozano y Mira Bernabeu, en Espaivisor de Valencia. Fotografía: Miguel Lorenzo.

Por razones personales y profesionales, los caminos de los directores se bifurcan ahora para seguir distintas direcciones y afrontar nuevos retos.

Mira Bernabeu comenzará una nueva etapa profesional con la apertura de un nuevo espacio en Madrid. El día 30 de Noviembre de 2019 abrirá sus puertas 1 visor madrid: un proyecto propio que, partiendo de lo construido junto a Miriam Lozano, se plantea evolucionar y ahondar en la misma filosofía, trabajando con los mismos artistas, la misma programación y la intención de participar en las mismas ferias y eventos.

Damos las gracias a todos los estamentos públicos y privados por todo el apoyo recibido y a todas las personas que han creído en nosotros. 

Miriam Lozano y Mira Bernabeu, en Espaivisor. Fotografía: Miguel Lorenzo.

FRESCURA PLÁSTICA EN ‘SUMMER ART TIME’

‘Summer Art Time’, de Javier Corral, Toya García, Eusebio López y Vicente Pla
Galería 9
Ciscar 7, Valencia
Hasta el 31 de julio de 2018

Para todos aquellos escépticos a la contemporaneidad artística, Galería 9 nos ofrece una fresca respuesta a través de su anual exposición colectiva ‘Summer Art Time’. Esta vez con la presentación de cuatro artistas: Javier Corral, Toya García, Eusebio López y Vicente Pla. Fotografía, digitalización, abstracción y figuración se unen para mostrarnos un nuevo saber que se sitúa en el paredón de la crítica y la opinión pública.

Dominando el tan desprestigiado y arriesgado arte de la fotografía y del diseño digital, Javier Corral presenta parte de su singular proyecto, ‘Residencial Hacinar’, por medio de ’46 Parabólicas’ y ‘Cemento y oro’. Sendas obras, realizadas a partir del estudio de la simetría geométrica y la pulcritud minimalista, pretenden mostrar al espectador una nueva y embellecida realidad desapercibida por todos a causa de la desenfrenada monotonía diaria. Corral, a través del encuadre, descontextualiza la realidad presente, limpiándola de forma gráfica, para presentarla como objeto de reflexión sobre el coetáneo momento. Tal como señala el artista, “mi obra surge de la realidad y a ella vuelve convertida en obra tangible para cerrar un círculo; un proceso de pared a pared, tras el viaje digital de pantalla en pantalla de cada fotografía”

Obra de la exposición ‘Cleantecture, de Javier Corral. Fotografía cortesía del artista.

Por otro lado, Toya García nos enseña su marcada figuración por medio de un extracto de su proyecto ‘Sinergias’. En él busca la interconexión entre distintas realidades. Toya dispone el lienzo como un nuevo universo, libre y vasto, donde crear sin límite alguno una narración abierta a múltiples interpretaciones, a acontecimientos simultáneos, que discurren al unísono entre sí reflejando una realidad multiforme y un tanto variopinta. Para ello establece una obra collage mediante formas finitas entre las que se encuentran siluetas humanas, animales, vegetales y mobiliario urbano, además de signos y símbolos geométricos, entre otros. De esta forma la artista realiza su obra a modo de puzle gráfico donde confluyen las distintas energías que nos rodean e invita a crear multitud de realidades por medio de ellas.

Fotografía del taller de Toya García. Imagen cedida por la artista.

Imagen del taller de Toya García. Fotografía cortesía de la artista.

De forma inversa, la controvertida abstracción lírica se deja influir levemente por la figuración de la mano del creador plástico Eusebio López. Manchas y líneas de colores se disponen hábilmente sobre un estudiado fondo que inmortaliza la armónica irradiación cromática deseada. Eusebio pretende sumergirnos en un lenguaje de expresividad que sitúe al espectador entre el etéreo mundo del artista y la realidad reconocible. Todo ello a través de la versatilidad de técnicas mixtas y experimentación cromática que generalmente aluden a sus grandes referentes pictóricos, como son Velázquez y Zurbarán –por medio de la gama de granates, ocres y negros– o al propio Miró, quien marca un saber hacer en su obra.

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Pieza de gran formato de Eusebio López. Imagen cortesía de Galería 9.

Al igual que Corral –y “cerrando el círculo”–, se nos presenta el discurso astral de Vicente Pla, un joven fotógrafo (cirujano de profesión) que parece mantener el pulso en ambas disciplinas. Su obra pretende capturar, a través del reflejo y la sombra, el encuadre y la composición, la idea platónica de lo inmanente y lo trascendente. Es decir, todo aquello que se encuentra entre la forma y la idea en un instante concreto que advierte sobre el resultado del devenir, pues sitúa al yo como consecuencia de un pasado, causa de un presente y el desenlace de un futuro tangible.

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Reflejo, extracto del proyecto ‘Transastral’ de Vicente Pla. Ilustración cortesía de Paula Pastor.

Bien es sabido que la contemporaneidad artística ha tenido que luchar desde su nacimiento por su propia legitimación social a causa de la fanfarronería de muchos y la creatividad de pocos. Sin embargo, el buen arte es aquel que no necesita de elogios, únicamente de formación, técnica y pericia suficientemente sólidas como para atraer al público, mostrándoles una visión diferente de sí mismos. Por lo que ‘Summer Art Time’ no es sino una representación de esto mismo, un colectivo de obras que esconden en su interior una belleza tanto en estudio como en forma.

Cristian Torada

LUIS ADELANTADO: EMERGENCIA Y PLURALIDAD ARTÍSTICA

‘CALL 20’ presentada por la Galería Luis Adelantado y ‘TheOLanguage’ de Geray Mena
Galería Luis Adelantado
Carrer de Bonaire 6, València
Hasta el 13 de septiembre de 2018

Nuevamente Luis Adelantado nos ofrece durante los siguientes meses estivales una puntera, versátil y arriesgada puesta en escena por medio de dos proyectos consecuenciales insertos en un mismo espacio. Por un lado, la que será la última convocatoria del “CALL 20” (XX Convocatoria internacional de jóvenes artistas) donde se expone de forma colectiva una muestra representativa llena de pluralidad técnica y vanguardia a manos de los noveles creadores Lluc Baños, Noémie Boulon, Ana de Fontecha, Esther Gatón, Carmen Jiménez, David Lerones, Elisa Pardo, Gianandrea Poletta, Cristian Raduta y Daniel Salamanca. Junto con la inauguración de ‘TheOLanguage’, creada por Geray Mena, el anterior premiado de la pasada edición del CALL, quien busca sorprender con una propuesta individual, realizada en la sala Boiler Room, poniendo como objeto expositivo aquel espacio donde la idea se convierte en materia, es decir, el propio taller artístico.

Abriendo el certamen, la idea re-utilizadora se hace latente a través de diferentes artistas, medios y discursos. Ejemplo de ello son Elisa Pardo y Noèmi Bouldon, quienes presentan sendas obras inspirándose en el concepto de patchwork. Reflexionando entorno al lenguaje de códigos mediante el cosido de bolsas inorgánicas creando formas cotidianas basadas en los tangrams con una estética un tanto urbana. O como Bouldon, alegorizando sobre el tan atrayente y enigmático devenir del tiempo a través de los pliegues y las grietas de sus lienzos.

"Patchwork" de Elisa Pardo realizados mediante bolsas sintéticas. Fotografía capturada por Cristian Torada.

«Patchwork» de Elisa Pardo realizados mediante bolsas sintéticas. Fotografía capturada por Cristian Torada.

Tampoco podría faltar el tan proliferado estudio del espacio, esta vez de la mano de la joven artista madrileña de carácter instalatorio Ana de Fontecha, quien presenta un proyecto en base a los espacios a raíz de los estándares sobre los que se construye y cómo el individuo interactúa con ellos. O las perplejas construcciones antropomorfas de Esther Gatón, que persigue el equilibrio a través de ‘Giro de cuello, movimiento de cabeza’; una pieza de poliestireno extruido y esponjas de cuatro columnas separadas para ser rodeadas, e incide sobre sus rozaduras, formación y auto sujeción, con lo que se muestra la fragilidad del momento.

Extracto de la obra 'Giro de cuello, movimiento de cabeza'. Imagen cortesía de la propia artista.

Extracto de la obra ‘Giro de cuello, movimiento de cabeza’. Imagen cortesía de la propia artista.

Seguidamente, la convencional contemporaneidad se manifiesta en artistas como Carmen Jiménez con su acercamiento a la abstracción a través de sus obras ‘Descifrar I y II’, que buscan por medio de la intuición, la sensibilidad y la poética, no solo representar la intención de la obra en sí, sino el proceso de creación, pues en él observamos el desdibujo, la transformación o la claridad del resultado final. El artista milanés Gianandrea Poletta presenta ‘Babilonia Objeto’, una imponente escultura formada por tres grandes siluetas que corresponden con las hojas de un platanero, apelando al dramatismo de la naturaleza crepuscular. O Cristian Raduta con un gran despliegue animalista evocando situaciones y personajes surrealistas, a veces un tanto absurdos y con un aire humorístico, nacidos de materiales industriales y que guardan gran relación con el bricolaje.

Pieza del escultor rumano Cristian Raduta. Fotografía cedida por Asun Bonilla.

Pieza del escultor rumano Cristian Raduta. Fotografía cedida por Asun Bonilla.

El mundo perceptivo nos acompaña por medio de las diferentes versiones de Lluc Baños y David Lerones. El primero de ellos se aproxima al lenguaje de las imágenes con dos esculturas de igual nombre ‘Lo que ves, lo que podría ser, lo que es’, buscando acercarse a la visión humana, es decir, a la acción natural de ver, representar y conocer. Mientras que Lerones nos enseña una cotidianeidad un tanto ajena a nuestra percepción diaria a través de su objetivo, imágenes descontextualizadas de su entorno y elevadas a su máximo exponente haciendo uso de una estética meramente poética que elude a esa tan desapercibida belleza primitiva de lo material.

Unidad de refracción hecha con restos de basalto de Lluc Baños. Imagen realizada por Cristian Torada.

Unidad de refracción hecha con restos de basalto de Lluc Baños. Imagen realizada por Cristian Torada.

Concluyendo esta última edición del CALL cabe mencionar la participación de Daniel Salamanca con su reflexivo video ‘52 semanas’ de su obra ‘Aquel que observa la hora’. En ella reflexiona sobre el concepto del horóscopo, su perpetua duración y cómo incursiona en nuestros días mediante una jerárquica escala de valores que orientan de forma fantástica nuestros días, escondiendo la opaca verdad.

Por otra parte, es Geray Mena, quien nos emocionó ya en la pasada convocatoria, el que nos muestra, desde la sala Boiler Room, una de las ideas más innovadoras envolviendo el ambiente de creatividad. Si bien el estudio de los talleres artísticos actualmente es un discurso en auge al que se suele recurrir con frecuencia, Mena logra manifestar una esencia singular. En ‘TheOLanguage’ se presenta, a través de una instalación mobiliaria y utilizando como epicentro la superficie donde trabajar y explorar, un perfecto engaño por medio de trampantojos combinados con materialidad y una compleja superposición de planos. De esta forma logra trasladarnos al origen platónico del arte concentrado en un llamativo e íntimo espacio con el artista y su propio concepto. Además de rodearnos de su mundo, sus ideas y gustos que, junto a los objetos, reflectan al espectador en la mirada del propio Mena.

Instalación de Geray Mena en la sala Boiler Room. Imagen cortesía de Asun Bonilla.

Instalación de Geray Mena en la sala Boiler Room. Imagen cortesía de Asun Bonilla.

Propuestas como el CALL de la mano de la Galería Luis Adelantado resultan, cuanto menos, indispensables, sobre todo en estos tiempos donde el arte está viviendo un escepticismo sin igual. Tanto por la confianza mutua entre galerista y artista, como por la gran apuesta al emergente y controvertido arte. Además de la gran visión internacionalizadora que supone para estos jóvenes creadores el poder compartir y entrelazar sus diferentes técnicas, estilos y discursos con otras culturas. Así como la oportunidad que se le ofrece al más destacado, teniendo este la posibilidad de exponer de una forma más íntima y directa su propio discurso de forma individual.

Día de la inauguración, Galeria Luis Adelantado (Valencia). Fotografía cortesía de Asun Bonilla

Día de la inauguración, Galería Luis Adelantado (Valencia). Fotografía cortesía de Asun Bonilla

Cristian Torada

EL ARTE DE DESVELAR LA AUTÉNTICA POLÍTICA

‘Política de gestos y de vida’ de Fernando Bryce
Galería Espaivisor
Carrer de Carrasquer 2, València
Hasta el 14 de septiembre de 2018

Espaivisor nos sorprende con la clásica antonomasia de arte, política e historia por medio de una controvertida e íntima mirada a través de una compleja puesta en escena: ‘Política de gestos y de vida’, creada y comisariada por Fernando Bryce. Este artista peruano ahonda en la memoria histórica a través de las reconstrucciones, recopilaciones e investigaciones de carteles cinematográficos, fotografías, grabados e incluso material publicitario de la época buscando recuperar esa esencia maleabilizada ya pasada. Acercándonos a personajes revolucionarios y hechos significativos de la historia universal del siglo XX como fueron las dos grandes guerras, o transportándonos al periodo de la dictadura militar chilena de Pinochet a cargo del grupo de acción C.A.D.A. (Colectivo Arte de Acción) y de la artista Lotty Rosenfeld. Todo ello con el único objetivo de presentarnos una nueva mirada del presente a través de dos verdades: esa establecida y consensuada por los organismos oficiales hasta el punto de nadie desestimarla, y aquella vivida y marginal, desprestigiada por estos mismos que solo se hace latente a través del sujeto presente.

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Fotografía de la exposición ‘Política de gestos y de vida’ de Fernando Bryce. Cortesía de la Galería Espaivisor.

De esta forma la exposición comienza con la combinación de los sucesos acontecidos durante el enfrentamiento entre Alemania y Francia a lo largo de la primera mitad del siglo XX y la dicotomía comunista en la que esta idea es representada de forma inteligible, es decir, desde sus orígenes, como un compromiso social y no como su futura representación real. Todo ello expresado bajo personajes históricos como el activista comunista Willi Munzenverg, primer presidente de la Internacional Comunista de la Juventud; o incluso el propio Lenin. Junto con la obra ’Les fussilés de Châteaubriant’, un políptico de 30 dibujos, de los cuales 27 personifican a los miembros de la Resistencia francesa fusilados el 22 de octubre de 1941 durante la ocupación alemana en la Segunda Guerra mundial y la actividad de los astutos colaboracionistas del Gobierno de Vichy. Siendo este fusilamiento uno de los muchos acontecidos tras ser abatido por los residentes Karl Hotz, teniente coronel responsable de la ocupación nazi en el noroeste francés.

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Obra de Fernando Bryce, ‘Willi Münzenberg’, 2014, tinta sobre papel. Imagen cortesía de la Galería Espaivisor.

Otra sección expuesta correlativa a la anterior es la reelaboración de carteles cinematográficos del género bélico de los años 30 con películas como ‘Strosstrupp’ (Hans Zöberlein, 1934) y ‘Tannenberg’ (Heinz Paul, 1932). Ambas de carácter propagandístico, tratan la guerra de trincheras como la idea arcaica de honor y patria. Contrariamente, encontramos producciones como ‘Westfront 1918’ (Georg W. Pabst, 1930) o su versión francesa ‘Quatre de l’infanterie’, donde se nos muestra una realidad muy diferente a través de un grupo de soldados ajenos a la contienda e inmersos en ella a causa de los deseos de guerra y poder de las diferentes naciones y sus dirigentes. Esta misma idea se solapa junto con la presencia de un par de carteles cinematográficos entre los que se encuentra ‘J’accuse’ de Abel Glance, y el clásico pero monumental símbolo comunista de la Hoz y el Martillo elaborado a través de varillas de hierro empleando la técnica de la anamorfosis que alude a la idea utópica de comunismo, pues solo se aprecia la esencia de la obra desde varios puntos en concreto y no desde su conjunto.

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Imagen principal del cartel cinematográfico de Georg Wilhelm Pabst ‘Westfront 1918’. Ilustración cortesía de la Galería Espaivisor.

Por otro lado, la exposición continúa bajo las reivindicaciones artísticas entre los años 1973-1985 del grupo C.A.D.A. formado por Diamela Eltit, Raúl Zurita, Juan Castillo, Fernado Balcells, e incluso la propia L. Rosenfeld quien expone también de forma individual contra el régimen dictatorial de Pinochet. En primer lugar se nos muestran a través de vídeos, fotografías y símbolos siete intervenciones que denotan el hambre, la miseria, y la falta de cultura que caracterizaba al país, donde incluso la leche era empleada en forma de elemento simbólico de nutrición a través de obras como ‘Inversión en escena’ y ‘Para no morir’. Además de otra serie de piezas donde se nos muestra la lucha activista a lo largo de la primera mitad de la década de los 80 con obras como ‘¡Ay Sudamérica!’ en la que varias avionetas arrojaron 400.000 panfletos sobre la capital chilena mostrando el desacuerdo con las políticas del dirigente militar. ‘Viuda’, una obra de un gran peso político que defiende el papel de las mujeres frente a los asesinatos y desapariciones del régimen imperante. O la serie ‘No+’ producida 10 años después del alzamiento militar y que representa el surgimiento de una nueva conciencia social, reflexiva y autocrítica, que se subleva frente a la idea de su lamentable historia pasada.

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Fotografía realizada por el colectivo C.A.D.A.  como respuesta a la opresiva política de Pinochet. Imagen extraída del artículo ‘El vanguardismo del C.A.D.A.’ escrito por Gianinna Aguilera Viveros.

Cerrando esta idea nos encontramos con la presencia de Rosenfeld y su acto de rebeldía a través de sus singulares cruces. Señalando lugares o escenarios con carácter político y económico, así como cultural y social, para reflexionar sobre la manipulación, el adoctrinamiento, y la obediencia a la que es sometida el pueblo de forma subrepticia por medio tanto de las instituciones estatales como de los poderes fácticos. Además de invitar al espectador al acercamiento y cuestionamiento de estas. Ejemplos de ellos son la bolsa de Comercio de Santiago, la Casa Blanca en EEUU o la misma Acrópolis griega. De este modo, Rosenfeld no pretende sino otra cosa que desestimar toda esta jerarquía autoritaria que dirige la sociedad.

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Obra realizada por la artista chilena Lotty Rosenfeld en Wall ST, New York. Fotografía cortesía de Aninat Galería.

Este simbólico despliegue artístico, al contrario que muchos otros, no trata únicamente de enseñarnos una historia ya pasada sino, en palabras del propio Fernando Bryce, “reflejar el desvelamiento de lo oficial imperante, donde las propuestas de estos artistas encajan con la idea de que el arte y quienes lo realizan son testigos vivos de una realidad muchas veces maquillada u oculta y que merece ser desenmascarada”, es decir, no mostrarnos sino otra cosa que esa auténtica verdad y, sobre todo, invitarnos a que reflexionemos sobre nuestro presente para poder identificar de forma correcta esta dualidad.

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Fotografía de Fernando Bryce en su estudio. Imagen extraída del artículo de Ricardo León Somos ‘Fernando Bryce en el Art Lima: «Soy un defensor del arte que no transa»‘.

Cristian Torada

La Galería Estampa inaugura la Biblioteca Americana

La Biblioteca Americana
Galeria Estampa
C/Justiniano, 6. Madrid.
Del 12 de Julio hasta el 20 de Julio de 2018.

El Jueves 12 de Julio a las 8 de la tarde tendrá lugar la inauguración de la exposición ´La Biblioteca Americana´ en la Galería Estampa, Madrid. La exposición está compuesta por una serie de poemarios escritos por autores de iberoamérica. La exposición se mantendrá en la galería hasta el 20 de Julio.

‘La Biblioteca Americana’ es una colección literaria donde se unen íntimamente la poesía y la ilustración. Junto a los distintos autores iberoamericanos se les han unido ilustradores españoles que han dado forma y color a sus versos marcando el objetivo de unir la poesía americana con la ilustración española.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

La poesía es un arte que posee gran expresión, el sentido que ella guarda puede reinterpretarse en otras artes, tomando distintas formas que nos hagan sentir, ese es uno de los objetivos que quiere mostrar la exposición. Cada ilustrador ha sido elegido de forma deliberada para entender la obra de cada poeta adaptándose a los versos para crear así una obra final perfecta. La muestra de ello es el largo proceso que ha llevado este proyecto desde que lo iniciaran en 2009.

Los poemarios están compuestos por un total de 9 ilustraciones acompañadas por poemas enteros o por los versos de la obra que pasan por todas las ilustraciones, aspecto que le da una estética muy agradable a la vista y que e da uniformidad a la colección. Cada obra tiene como portada la bandera de su país. Como colofón en cada libro se encuentra una obra original.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Dentro de la exposición encontramos a un representante de cada país de iberoamérica junto a un ilustrador español, a continuación encontrarán la lista de obras:

– ‘Celebraciones’ (Bolivia) Eduardo Mitre y Luis Mayo

– ‘Baladas de la memoria’ (Chile) Pedro Lastra y Fernando Álamo

– ‘Gatos’ (Colombia) Darío Jaramillo y Ramiro F. Saus

– ‘Ballenas’ (México) Vicente Quirarte y González de la Calle

– ‘Nueve sonetos’ (Brasil) Ledo Ivo y Luis Feito

– ‘Los sueños de mi padre’ (Cuba) Orlando González y Elena Blasco

– ‘Emergencia’ (Argentina) Mariano Peyrou y Carlos Forns

– ‘La plegaria infinita’ (El Salvador) Jorge Galán y Sara Huete

– ‘El rostro que no se ve’ (Venezuela) Rafael Cadenas y Eduardo Arroyo

– ‘Area de comienzo’ (Uruguay) Ida Vitale y Jaime Aledo

– ‘Botella al ma’r (Puerto Rico) José Luis Vega y Óscar Lagunas

– ‘Sueños de floripondio’ (Guatemala) Humberto Ak’abal y Fernando X. González

– ‘Brevario’ (Honduras) León Leiva y Luis Canelo

– ‘Una flor amarilla’ (Perú) Micaela Chirif y Karina Beltrán

– ‘La Marilyn Monroe de Santo Domingo’ (República Dominicana) Frank Báez y Nono
Bandera

– ‘Ariadna’ (Paraguay) Jacobo Rauskin y Nuria Rodriguez

– ‘Jacarandas’ (Ecuador) Iván Carvajal y Alejandra Freymann
Aún faltan por publicar las obras de Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

José Antonio López

Cazadores. David de las Heras.

Cazadores. David de las Heras
Pepita Lumier
C/ Segorbe,7. Valencia
Hasta 20 de mayo de 2018

El nuevo trabajo de David de las Heras irrumpe en la Galería Pepita Lumier usando sus paredes como escenario para contar una nueva historia. Un mensaje violento y radical que golpea las consciencias de todo aquel que decide adentrarse en el mitológico mundo que De las Heras propone con sus óleos. Tan jugoso se presenta este proyecto, que a través de la propia galería Pepita Lumier, fue presentado a la Draw Room 2018, obteniendo una crítica que muchos artistas desearían.

En palabras de su autor, » ‘Cazadores’ es una propuesta que indaga en las relaciones de poder, en cómo el ser humano se oculta tras una belleza impostada en busca de un trofeo, vacío, a causa del conflicto. Apolo el gran cazador, representa esa deidad, el poder ficticio, la necesidad del hombre de imponerse sobre todo, y a toda costa, con la violencia como herramienta para tal propósito. En contrapunto, Dafne, presa de esa violencia, y representante de lo terrenal, se convierte en el deseo de los egoístas. En la propuesta las piezas se comunican entre esos dos mundos, entre «disparos», en ocasiones la belleza se construye como un artificio barroco, y que oculta la agresión, la violación de los instintos; pero en otras la belleza existe simplemente en la consecuencia del acto de crear.»

El resultado de este trabajo creativo, radica en una selección de óleos, pulidos y minuciosos debido a la gran calidad pictórica del artista y a su cuidada formación. La elección de la gama cromática, da pie a la creación de un ambiente enrarecido que invita a repetir como un mantra las palabras que dan la bienvenida a la exposición, y a retrotraerse al mito de Apolo y Dafne.

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Los personajes que acompañan en todo momento al espectador, hacen acto de presencia en la gran mayoría de las obras, utilizando un pesudónimo. Dafne se imagina entre las hojas y flores, en los elementos terrenales, rescatando esa violencia que menciona su autor. En contra posición, Apolo actúa como ente casi imperceptible, oculto pero delimitado y presente como el propio poder.

Esta capacidad analítica y transmisora que emanan las pinturas, forman parte indestructiblemente de la experiencia que posee el artista en el campo expositivo. Ya que sus trabajos han formado parte de proyectos tanto a nivel nacional (Barcelona, San Sebastian, Bilbao, Vitoria y La Casa Encendida de Madrid) como internacional ( Alemania y Portugal), lo cual aporta un bagaje indiscutible.

En el proyecto ‘Cazadores’ David de las Heras, pone en alza su destreza pictórica, sin embargo, no desprecia ningún procedimiento expresivo, por lo que adquirió una especialización en el campo de la ilustración haciéndole valedor de diferentes reconocimientos como Premio al Mejor Álbum Ilustrado en los Premios CCEI 2107 por “El Secreto de Enola” y el Premio Junceda a la Mejor Portada del 2014 por “Kaliman en Jerico”. También destaca internacionalmente, por haber realizado la portada de “Instrumental”, autobiografía del pianista James Rodhes; entre numerosas ilustraciones de libros. Además, realizó portadas para revistas como Volata y carteles para proyectos cinematográficos como, es el caso del film “Mala Sangre” del director Leos Carax (Avalon), para el Festival de Cine “La Guarimba” (Italia) sin olvidar el cartel destinado al “BBK Live 2014” (Bilbao).

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

A pesar del ámbito de la pintura y la ilustración, actualmente trabaja desde Madrid para prensa, en el diario El Español y la revista francesa L’Obs para la que ha realizado retratos como el de Mario Vargas Llosa, Footwear News de New York, un retrato del empresario Bob Campbell; o el actor Idris Elba.

Pero los méritos no se demuestran con palabras, si no con hechos, y la obra de David de las Heras, cumple las expectativas. Cuenta con un genio artístico que aúna mente y obra y como reza Miguel Ángel Buonarroti »Si dipinge col cervello e non le mani »(se crea con el cerebro y no con la mano).

Victoria Herrera

Un paseo por ARCO

Entre los días 21 y 25 de febrero se dieron cita muchas de las más destacadas galerías e instituciones nacionales e internacionales en Arco, que como es habitual, se ha convertido en un punto de encuentro en el que convergen tanto galerías e instituciones como críticos, coleccionistas, artistas y, por supuesto visitantes.

Dejando de lado el objetivo comercial que dentro de sus propios cánones de calidad predomina en la feria, hemos querido indagar en los escaparate de algunas de las galerías, que recordemos, siempre intentarán dar visibilidad a las mejores obras en cuanto a significado, y de este modo atraer la atención, porque bien es cierto que los encargados de las mejores colecciones no solo se fijan en el autor de la obra, su prestigio y trayectoria, lo más habitual es que se muevan por los más variados patrones para escoger las piezas, y lo que en sí representan para sus colecciones. Teniendo en cuenta esto, lo que hemos tratado de hacer es ver cuales son las ideas o propuestas de algunas de las galerías que hemos elegido por proximidad geográfica, y sus propuestas en Arco para atraer potenciales compradores y atraer la atención de los citados visitantes y profesionales.

Para empezar, en cuanto al stand de la galería Luis Adelantado, debemos decir que su puesta en escena ha sido muy impactante, la monumental obra de Jorge Peris «La Patética para Instrumento Innombrable» se erguía prácticamente en el centro de éste. Se trata de una obra en la que el autor juega con el desgaste de los materiales, la madera muestra signos que dan la sensación de que se encuentra en mal estado, además de la idea de equilibrio. De hecho, la obra se encuentra en total suspensión, motivo por el cual los trabajadores de la galería tenían que estar muy atentos para que nadie pudiera derribarla, puesto que, teniendo en cuenta las proporciones de la obra, podría incluso haber causado daño a algún transeúnte. Esta idea del equilibrio que muestra Jorge Peris la podemos encontrar en otras piezas que se pueden ver en la galería, como lo es por ejemplo «Escalera de Sauro».

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«La Patética para instrumento innombrable». Jorge Peris,2018. Intervención en mobiliario de madera,280 x 155 x 250 cm.

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

«Escalera de Sauro». Jorge Peris, 2017. Fotografía cortesia de www.luisadelantado.com

También se pudo disfrutar de obras de artistas, como Rubén Guerrero, Darío Villalba, Marius Engh o Irma Álvarez-Laviada. Rubén Guerrero con sus obras explora los límites de la pintura además de tener un buen tratamiento de la geometría y la tridimensionalidad, éstas fueron expuestas en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga con el nombre de «Familias Mínimas». De la artista Irma Álvarez-Laviada se muestra una obra sin título, pero cuyos materiales nos llamaron la atención, puesto que se trata de un aglomerado de poliuretano, madera de mansonia y cristal de museo.

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Rubén Guerrero, 2017. Óleo y esmalte sobre lienzo. 239 x 132 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

«Sin Título». Irma Álvarez-Laviada, 2018. Tabla con partícules de Poliuretano, madera de mansònia y cristal de museu. 200 x 100/ 200 x 100/ 100 x 100 cm

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Rosa Santos, en el que nos llamó la atención una gran cantidad de autores: Alex Francés, Juanli Carrión, Rafael Tormo i Cuenca, Xisco Mensua, Greta Alfaro, Xavier Arenós, Mira Bernabeu, o Chema López. Rosa Santos apuesta en gran medida por artistas de origen valenciano y ofrece una lectura que invita a pensar que reivindica lo más próximo, no tanto como una mirada de la defensa del folclore, sino más bien desde el punto de vista del cambio emblemático al que se enfrenta Valencia y en el que parece poner acento.

Destacamos sobre todo a los artistas Xavier Arenós y Rafael Tormo i Cuenca y sus obras. La de Arenós se compone de cuatro vigas de hierro entrecruzadas, éstas llevan dos colores: rojo y blanco. El significado de la obra tiene que ver con el momento en que Valencia se convirtió en la capital de la República en 1937, tema de actualidad en cuanto a exposiciones, teniendo en cuenta que el año pasado se celebró en la Nau la exposición «Valencia, capital de la República». Los colores simbolizan los bandos enfrentados durante la Guerra Civil Española (1936-1939), es decir, el bando de los Nacionales sublevados y el republicano. El hecho de que se encuentren entrecruzadas muestra la convulsión del momento al igual que el material nos habla de la tensión que se vivió durante aquellos años.

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

«Tensegridad roja y blanca». Xavier Arenós, 2016. Madera, hierro y cable, 412 x 21 x 25 cm

La obra de Rafael Tormo i Cuenca muestra ideas muy interesantes. Por un lado, vemos lo que parecen ser chabolas, tiendas de campaña o jóvenes. Lo que en primera instancia puede parecer un ambiente de pobreza es una visión del 15-M en Valencia, el movimiento de los indignados que tantas voces silenciosas hizo resonar por un instante. Aunque lo interesante en esta obra es el método en que se ha realizado. Se trata de pequeños paneles de cerámica llevados a cabo a la manera tradicional valenciana, la típica del siglo XIX. En aquella época los temas predominantes eran: el folclore, las fiestas, lo regional, naranjos, falleras, hortelanos o campos. En este caso, lo que se ha plasmado no es el folclore, sino una reivindicación de derechos y libertades. Es en este punto en el que encontramos cierto paralelismo. Realmente la cerámica del siglo XIX valenciano y la obra de Tormo y Cuenca hablan de Valencia, dejando de un lado lo obvio, de como era valencia y de como es ahora, la Valencia de las tradiciones y de exaltación regional frente a la Valencia progresista y crítica que cuestiona el orden establecido y reclama sus derechos.

Rafael Tormo y Cuenca.

Rafael Tormo y Cuenca.

También nos pareció interesante la obra de Mira Bernabeu y cómo mediante el uso de la fotografía en grupo consigue mostrar valores de diferente índole, ya sean; morales, históricos, religiosos, o del comportamiento humano en general. El dramatismo no es un recurso, sino un vehículo mediante el cual los personajes de sus obras manifiestan aquello que el artista se propone, de ahí que la escena sea un propio escenario teatral.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Obra Fotográfica de Mira Bernabeu.

Al llegar al stand de Espaivisor damos razón de lo numeroso de obras expuestas. En todas está presente el aroma a actualidad. Los temas en sí no son nuevos, pero desgraciadamente siempre aparecen en las noticias porque se reiteran o bien por el hecho de que se recuerdan algunos hechos del pasado que aún hoy en día dan lugar a una cantidad ingente de debate. Nos vamos a adentrar en un stand en que se habla de sexualidad, represión, censura, feminismo, o el sufrimiento de aquellos que se ven forzados a abandonar su tierra o a permanecer encerrados entre cuatro paredes.

Encontramos a artistas latinoamericanos consagrados como, Miguel Ángel Ríos o Carlos Leppe. Miguel Ángel Ríos, con su obra, nos muestra como el hombre es quien pone fronteras al mundo, sobre todo el hombre blanco europeo. Critica el Postcolonialismo, los pliegues en la obra muestran esta idea de que en continentes como África las fronteras están hechas con escuadra y cartabón. El chileno Carlos Leppe se nos muestra como un gran performer que manifestó su identidad sexual en un contexto en que ésta esta peor vista que nunca, en tiempo de la dictadura de Pinochet.

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«América». Miguel Ángel Ríos, 1996. Fotografía sobre papel metálico laminado, montado con nchinchetas sobre lienzo plegado. 195 x 270 cm

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

«El Perchero». Carlos Leppe, 1975. Fotografía en blanco y negro en papel sobre forex. 50 x 14,7/ 50 x 15,2/50 x 16 cm.

El colombiano Miguel Ángel Ríos en «Serie Faenza» también se involucra en toda la oleada de artistas que se encargan de mostrar la comunidad homosexual reprimida de la sociedad. En la obra se plasma como Ríos se presenta en un cine al que se sabe que los hombres acuden para mantener relaciones sexuales entre ellos. Usa una caja en la que escondía su cámara, y llegado el momento, accionaba el obturador. Sus fotografías, como podemos ver, presentan cierto encanto debido a la belleza íntima que desprende el sistema analógico.

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

«Serie Faenza» Miguel Ángel Rojas, 1980. Impresión digital, políptico de 6 fotografías enmarcadas. 80 x 123 cm

Entrando en la temática feminista encontramos a Liliana Maresca, Orlan, o Sanja Ivecovic. Aunque ésta última nos ha llamado bastante la atención. Porque no solo se muestra feminista, sino que además lo hace con un tono burlón frente a la tiranía del dictador Tito de Yugoslavia. Tito usaba la televisión para adoctrinar a la población mediante una serie de frases con las que trataba de mostrar la conducta adecuada al pueblo. Ivecovic emula esos anuncios y se burla de ellos. En las imágenes aparece saltando, danzando y mostrándose fuerte, segura e intrépida, un mensaje muy lejano al que el dictador trataba de mostrar por medio de estos mensajes de obediencia y sumisión.

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

«The Sentence». Sanja Ivekovic, 1979. Impresión montada sobre aluminio. 81 x 100 cm

Otras de las obras más interesantes que Espaivisor trajo a Arco fueron las de Mª Jesús González y Patricia Gómez, sus obras «Celda 1-1» y «Celda 5-3» son muy sobrecojedoras. Mediante un proceso en el que interviene el látex, extraen pintadas de paredes en las que ha habido personas retenidas, personas que han sufrido, que han visto la crueldad humana. Básicamente estas obras extraen la memoria de dichos lugares, nos muestran mediante los vestigios de las personas que las habitaron lo que han pasado, sus pensamientos, sus sentimientos. Unas obras magníficas que nos invitan a reflexionar sobre como los humanos nos comportamos con nosotros mismos, así como las injusticias que llegamos no solo a cometer, sino a permitir.

El siguiente stand que visitamos fue el de la galería Espai Tactel. La galería valenciana presentó obras de los artistas Amanda Moreno y Christo & Andrew. Todo el stand gira alrededor de la idea del cuerpo, con elementos que aluden a éste o su propia durabilidad, como se ve en las obras. Además, la idea del futuro también se encuentra bien presente, se utilizan elementos que poco a poco han sido introducidos en la sociedad con motivo de mejorar nuestro día a día, como el iWatboard que se ve en la obra «Hyper Futuristic»

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

«Mirror». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 120 x 120 cm / «Artificial Landscape». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintas pigmentadas sobre papel fotográfico. 75 x 100 cm / «Hyper Futuristic». Christo & Andrew, 2016. Impresión de tintes sobre papel fotográfico. 90 x 120 cm.

Dejando de lado las obras futuristas de Christo & Andrew, debemos hablar del interés que despiertan las obras de Amanda Moreno. Éstas hablan directamente del cuerpo y, a su vez, del carácter efímero que caracteriza a éste. Las obras que nos plantea son: «Sleepwalker Chronobiology» y «In the Mood of Worms».

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«Sleepwalker Chronobiology». Amanda Moreno, 2017. Hierro. 210 x 210 x 105 cm.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

«In the Mood of Worms». Amanda Moreno, 2017. Pintura a la tiza sobre DM. Medidas Variables.

La segunda se muestra como un ejemplo de Vanitas, aunque, lejos de mostrarse como en otros momentos de la Historia del Arte mediante una calavera o bajo la idea de Hommo Bulla, aquí se nos presenta como una cara más o menos visible realizada con formas de gusanos. Estas formas aluden a los intestinos debido a la rugosidad con que han sido realizadas. Pero la verdadera relación se encuentra con los propios gusanos, que en sí aluden a la muerte, debido a que son los que acuden a nuestro cuepo una vez éste se encuentra en estado de descomposición.

El último de los stands que visitamos fue es el de la galería Aural, y esta no fue una visita como las anteriores. Lo que pudemos contrastar obedece a los criterios que se siguieron para montar el stand. La idea principal es que el espacio y las obras deben permanecer en total armonía. Además, los propios artistas deben de mostrar cierta armonía con los demás, ya sea: temática, cronológica, o espacial, por ejemplo.

Aural ha tratado de mostrar gran parte de las mejores obras de las que la galería dispone basándose, no tanto en las normas que el mercado dicta, sino teniendo en cuenta lo que las obras tienen que decir, que lo que éstas expresen tenga significado y lleve al espectador a realizar un diálogo con ellas. No se busca tanto mostrar el arte por el arte, sino más bien que las obras tengan cosas que decir, sentimientos que expresar, a fin de cuentas, inducir a la reflexión.

Entre ellas, obras de: Anna Bella Geiger, Concha Jerez, Fernando Sinaga, Isaac Montoya, Javier Vallhonrat, José Maldonado, Juan José Martín, Luis Gordillo y Máximo González. Dentro de la obra de estos autores podemos encontrar temáticas muy variadas, al igual que estilos, como por ejemplo la vinculación entre Sinaga y el Postminimalismo. También es muy interesante la manera en que Máximo González critica el sistema económico o la manera en que Juan José Martín cuestiona las fronteras políticas del planeta.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

«Serie Atlas Mundial de Selecciones: Francia y los Alpes; Europa Sudoriental; Egipto y Sudán». Juan José Martín, 1979. Páginas de libros recortadas. 37 x 55 cm.

Así pues, como podemos comprobar, las galerías escogidas proponen temáticas más o menos diferentes y formas muy diversas de presentar sus obras. Pero todas tienen en común, salvo Espai Tactel, obras de carácter crítico y social. El feminismo se encuentra muy presente, el cuestionamiento de fronteras y el orden establecido es una de las temáticas que comparten Espaivisor y Aural, mientras Espai Tactel habla de temas profundos e introspectivos, como el concepto de vanitas.

En sí, todas las galerías han llevado las obras y temáticas más actuales, que sin duda han llamado la atención e invitado a pensar en relación a éstas, algo que sin duda suma para atraer a coleccionistas. Como siempre, Arco es una feria en que todos los stands sacan a relucir sus mejores argumentos buscando atraer a todo aquel que se pase por ella, y sin duda, los stands de las galerías visitadas han estado a gran altura.

Baltasar Camps Estellés.