Las Animaladas de Mar Villar

Animaladas, de Mar Villar
Estudio 64
Benicolet, 2, plaza de Benimaclet. Valencia
Del 18 de enero al 20 de febrero de 2019

El segundo domingo del pasado 2018 comenzó Mar Villar, sin casi darse cuenta, con este proyecto al que ha titulado ‘Animaladas’. El proyecto nació sin el objetivo de ser un proyecto, sin una idea fija y sin saber en lo que se iría convirtiendo. Un domingo decidió elegir un animal y dos colores de lápiz, y con estas limitaciones, realizar diferentes propuestas gráficas de animales.

Al domingo siguiente Mar volvió a realizar el mismo proceso, y al otro también, y al otro, y al otro, y al otro… y así surgió un método de entrenamiento para desarrollar personajes, un proceso de trabajo, una manera de dar forma a imágenes, expresiones y acciones en los cuadernos de trabajo cada fin de semana, una simbiosis entre el placer de dibujar sin objetivos, la tranquilidad de los domingos, el tiempo sin límite y el disfrute sin más necesidades ni búsquedas que el propio disfrute.

Ilustración de Mar Villar. Imagen cortesía de Estudio 64.

Ilustración de Mar Villar. Imagen cortesía de Estudio 64.

Mar Villar estuvo casi un año repitiendo este proceso y subiendo cada domingo la nueva propuesta a Instagram, reuniendo todos los animales bajo el hashtag #animalicosdedomingo. En 2019 llega el proyecto en forma de exposición a la galería de Estudio 64, muestra en la cual, Mar Villar, nos muestra parte de este proceso, los resultados físicos, en papel, para poder verlos en directo, de cerca y en su conjunto. Un semillero cuajado de personajes que quizá algún día den vida a historias, cuentos o relatos.

Mar Villar es ilustradora licenciada en Bellas Artes, que después de sus estudios se mudó a Madrid con la idea de mostrar el portfolio. Desde entonces ha trabajado principalmente para el mundo editorial, sobre todo para libro de texto y libros infantiles. Entre sus clientes están Santillana, SM, Bloomsbury Books, Macmillan Education, Edelvives, Loqueleo, INJUVE, Nubeocho… Actualmente vive en Valencia.

En 2009 obtuvo un áccesit en los Premios INJUVE para la creación gráfica, modalidad cómic e ilustración. El pasado 2018 fue seleccionada para el 9º Catálogo Iberoamérica Ilustra (Feria Internacional del Libro de Guadalajara, México), y para la exposición ‘Babalunga i Kamolongos’, dentro del Festival Baba Kamo (Valencia).

Obra de Mar Villar. Imagen cortesía de Estudio 64.

Obra de Mar Villar. Imagen cortesía de Estudio 64.

“Huyo de la grandilocuencia”

Sumergidos, de Luis Moscardó
Galería Punto
C / Burriana, 37. Valencia
Hasta el 28 de febrero de 2019

“La fragilidad está presente en toda la exposición”. Fragilidad que Luis Moscardó revela después de haberse sumergido, junto a sus propias telas, en un acto creativo de introspección autobiográfica. Hay cartas, libros, objetos y diversos materiales, como dos linos del siglo XIX y alambres encontrados en plena naturaleza, que remiten a cierta memoria sobre la que igualmente pivota la muestra que la Galería Punto acoge en cinco actos hasta el 28 de febrero.

Obra de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto.

Obra de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto.

Primer acto: la inauguración del pasado jueves. Segundo acto: un día después, con la incorporación de una pieza que no estaba en la exposición el día inaugural. Los actos tres, cuatro y cinco tienen que ver con la serie de charlas complementarias en torno a la obra de Moscardó, que dialogará primero con un escritor, con otro artista y consigo mismo, en una especie de bucle creativo. “Los artistas nos repetimos más que la longaniza”, apunta irónico quien busca en la repetición el instante que, de pronto, parece alumbrarlo todo.

“Es retomar e investigar, cambiar el registro”. Ese proceso de búsqueda continua le remite a esa “querencia mía hacia lo oriental”, que pudiera sintetizarse en la cita del poeta místico Farid Ud Din Attar que el artista incluye en la exposición: “Abrevio el relato en este punto: el final de la historia era llegada y se disponían a emprender el camino”. Se repite el bucle, la terminación de la obra como nuevo punto de partida, quizás con el anhelo de hallar, en medio de tanta hojarasca y tanto ruido, lo sublime que conecta al artista, y al espectador que se esfuerza en seguirle, con la vida en su singularidad extrema.

Vista de la exposición 'Sumergidos', de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto.

Vista de la exposición ‘Sumergidos’, de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto.

“Luis Moscardó en sus nuevos trabajos busca sugerir mediante el silencio más que declarar a voces”, explica Jorge López, director artístico de Punto. “Huyo de la grandilocuencia”, dice el propio artista, “y del impacto que aquí no hay”. Sumergidos, tal es el título de la exposición, evoca al acto mismo de “estar inmerso en algo”. Apelando a su definición, Moscardó habla de ese “estado en el que uno se inhibe del exterior y se concentra en lo que hace”. Concentración máxima en los materiales que trabaja como si fueran personajes.

Obra de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto

Obra de Luis Moscardó. Imagen cortesía de Galería Punto

La pieza titulada Lo que dijo uno lo oyó el otro, a modo de dos telas colgadas una junta a la otra, o Pulso, son dos ejemplos de ese diálogo entre obras que proyectan incluso sombras, en una galería pensada lumínicamente para que tal cosa no suceda. Las cartas “nunca enviadas y solidificadas”, que dan lugar a una “especie de libro petrificado”, subraya López, y los barnices empleados “para que el material no tenga problemas con la luz”, dan como resultado un conjunto de piezas donde la grieta, la huella, la cicatriz y las costuras remiten a lo real de la experiencia humana, volcada inexorablemente hacia la muerte.

“He tratado de optimizar y ser más positivo mediante los diferentes niveles de color, azules y rojos que remiten al placer y el relax”, señala Moscardó, quien alude igualmente al verde, “el único que hay”, dialogando con el rojo, “que parece un sudario”. También está la cosa cárnica de las telas (“me emociona Bacon”) simulando la piel ajada, quemada por el sol. Todo expuesto con sumo cuidado: “Es una exposición muy liviana” y montada con la idea de “que fuera todo bastante ascético”. Luis Moscardó, que reconoce ser “un animal cinematográfico”, emerge en Galería Punto purificado tras haberse sumergido durante meses en su creación mística.

Luis Moscardó junto a su obra. Imagen cortesía de Galería Punto.

Luis Moscardó junto a su obra ‘Lo que dijo uno lo oyó el otro’. Imagen cortesía de Galería Punto.

Salva Torres

Azucena González teje el vacío

Knit Knit Vacuum, de Azucena González
Sala ART Mustang
C / Severo Ochoa, 36. Elche (Alicante)
Inauguración: viernes 18 de enero, a las 13.00h
Hasta el 20 de marzo de 2019

‘Knit Knit Vacuum’ de Azucena Gonzalez resulta difícil de clasificar, abordando la creación desde tres ángulos diferentes. La escultura, la pintura expandida y el arte textil, este título se traduce como, envolver el vacío tejiéndolo.

Azucena Gonzalez 27-01-1981 (Valencia) es Licenciada en bellas artes por la Universidad Politécnica de Valencia y Master de producción Artística por la misma universidad. Artista, diseñadora e ilustradora muy versátil, es una de esas creadoras con una gran capacidad de adaptación a diferentes contextos, de ahí que sea capaz de presentar una instalación formalmente muy compleja pero estéticamente a ojos del espectador muy sencilla.

Azucena González en pleno montaje de la exposición. Imagen cortesía de ART Mustang.

Azucena González en pleno montaje de la exposición. Imagen cortesía de ART Mustang.

Para Azucena la creación plástica es algo natural, absorbido desde la infancia en el taller de escultura de su padre, el escultor Martín Consuegra. Dice Azucena que “la vida es puro desorden, somos los humanos los que nos esforzamos para que todo encaje y sentirnos seguros”. De alguna manera todo su trabajo gira alrededor de este conflicto entre caos y orden o mejor entre vacío y orden.

‘Knit Knit vacuum’, el conjunto de piezas que se expone en ART Mustang surge en 2013 cuando realiza una serie de piezas que titulará ‘CAGES’ donde experimenta con el espacio como contenedor de vacío, utilizando jaulas que hacen de soporte para tejer, un soporte casi invisible al que la artista da solidez por medio de color tejiendo lanas, el color flota sobre los barrotes de las jaulas, estas piezas escultóricas recuerdan a casas, casas confortables que ocultan la nada del interior en un esfuerzo por contener el vértigo del vacío.

En el momento actual el arte textil se revaloriza en todo el mundo, la exposición de Ani Albers en la Tate ha sido un éxito, también la de Johana Vasconcelos en el Museo Gugenheim de Bilbao; Azucena más cerca de la prudencia de Ani Albers aborda el espacio de ART Mustang traduciendo la materia pictórica en textura textil.

Azucena González durante el montaje expositivo. Imagen cortesía de ART Mustang.

Azucena González durante el montaje expositivo. Imagen cortesía de ART Mustang.

Desaparecen las casas (cages) y se centra más en el entramado de los tejidos, las gamas de color, interesándose en las texturas sin abandonar el conflicto espacial, a caballo entre la pintura y la escultura.

La obra que empezó queriendo contener el vacío en 2013 ahora ha dado un paso en otra dirección y modula el espacio de forma más amable planteando otro rompecabezas al público, quizá más estético, pero con materiales poco convencionales, los tejidos, que siempre nos remiten a las artes aplicadas, pero que en este caso pierden su aplicación creando una poética matérica y cálida que de forma muy sutil nos sigue hablando del vacío.

Azucena González en el montaje de la exposición. Imagen cortesía de ART Mustang.

Azucena González en el montaje de la exposición. Imagen cortesía de ART Mustang.

La muestra se podrá ver en ART Mustang desde el 18 de enero hasta el 20 de marzo, de lunes a sábado en horario de 10,00 h a 20.00 h de la tarde. Esta es la muestra nº 44 que se realiza en la sala Art Mustang, que abrió sus puertas al público en julio de 2010 dentro del edificio MTNG Experience, cuartel general de la marca Mustang.

ART Mustang es una entidad sin ánimo de lucro comprometida con la búsqueda de nuevas vías de aproximación hacia la creación contemporánea a la sociedad. Eliminamos las barreras sacando el arte de los espacios pensados para el uso expositivo en exclusiva, poniendo en práctica la máxima: “El arte y la cultura pueden estar en cualquier lugar”.

Azucena González junto a una de sus obras. Imagen cortesía de ART Mustang.

Azucena González junto a una de sus obras. Imagen cortesía de ART Mustang.

Una década de Carmen Sanzsoto en Alba Cabrera

‘Andares en el tiempo’, de Carmen Sanzsoto
Alba Cabrera. Art Contemporani
Joaquín Costa 4, València
Inauguración: jueves 17 de enero de 2019 a las 19:00

La vida de Carmen Sanzsoto transcurre, desde hace muchos años, entre pinceles, lápices y colores. Es decir, la pintura forma parte de su vida, de tal modo que artista y obra son indisociables.

Más allá de clasificaciones y teorías estériles, de influencias o evocaciones que puede sugerirnos su obra, Sanzsoto se manifiesta mediante un trazo valiente, decidido, lleno de vigor y fuerza cromática. La intensidad del azul penetrante del mar, el rojo encendido del fuego o el amarillo solar ardiente se funden, naturalmente equilibrados, con sus líneas y manchas negras, grises, blancas.

Imagen de la obra 'N9. El silencio', de Carmen Sanzsoto. Fotografía cortesía de Alba Cabrera.

Imagen de la obra ‘N9. El silencio’, de Carmen Sanzsoto. Fotografía cortesía de Alba Cabrera.

Un caudal plástico que se funde con unos textos o, si se prefiere, breves textos cuyas ideas son traducidas al color mediante esos grandes formatos en los que la autora parece moverse con toda comodidad. Texto e imagen o imagen y texto, mensajes equivalentes, en definitiva.

Las obras de Sanzsoto reflejan su carácter reflexivo y parecen querer hablarnos de su fuero interno. Su camino es la pintura, esos paisajes o mapas de la vida –si se me permite denominarlos de este modo–, reflejo de su existir, de su avanzar. Lejos de ser meras lecciones artísticas, sus siempre bien estructuradas telas son auténticas manifestaciones vitales, tan propias y necesarias como alimentarse o descansar.

Y en este caso, las palabras que las acompañan quizá encierren el código secreto que permite descifrar su sentido, porque escritura y pintura estrechan su mano constituyendo una perfecta simbiosis: el universo íntimo de Sanzsoto.

Imagen de la obra 'N10. Ofrenda', de Carmen Sanzsoto. Fotografía cortesía de Alba Cabrera.

Imagen de la obra ‘N10. Ofrenda’, de Carmen Sanzsoto. Fotografía cortesía de Alba Cabrera.

Pilar Vélez

Cultural València, ventana de la cultura

Cultural València
Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales
Ayuntamiento de València

La Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales del Ayuntamiento de València ha presentado Cultural València, un proyecto que lleva en marcha más de dos años y que ha contado con la colaboración de varios agentes y profesionales de la comunicación y de la cultura.  De este modo, se han mostrado dos actuaciones contenidas en el marco de actuación municipal en materia de cultura y que responde a una visión que entiende la cultura como un elemento diferenciador de la ciudad.

“Queremos que Valencia sea reconocida en el contexto internacional por su rico patrimonio material e inmaterial y que se posicione como capital cultural en el  Mediterráneo con una identidad propia y distintiva y un sector cultural dinámico e independiente. Queremos que sea una ciudad próxima y amable donde se dan las condiciones óptimas para atraer ciudadanos para vivir, crear y difundir su creatividad. En definitiva, queremos que la cultura se convierta en un elemento de la propia identidad urbana y que la ciudadanía se apropie de ella, incorporándola a su vida cotidiana”, han manifestado sus responsables.

Para conseguir esta visión se definió el marco de actuación mencionado con el propósito de orientar la política cultural. Este marco de actuación se inició con la contratación de la Universidad de Valencia de la primera fase del Plan de Cultura de la ciudad, una herramienta que hizo una radiografía de la situación de partida y que proporcionó unos principios y objetivos que guiaron los siete programas que contiene el marco de actuación y que se diseñaron en coherencia con los recursos disponibles –no solo económicos, sino también humanos– y con las prioridades contenidas en su programa electoral. Estos siete programas han ido marcando la política municipal durante esta legislatura.

Un instante de la presentación de Cultural València en el ayuntamiento de la ciudad. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la presentación de Cultural València en el ayuntamiento de la ciudad. Fotografía cortesía de los organizadores.

Valencia, amb tu i per a tu. Contiene las iniciativas llevadas a cabo en relación con la democratización y descentralización de la cultura.

Valencia en la Memòria. Contiene las iniciativas llevadas a cabo para recuperar la memoria de nuestra democracia y proteger la dignidad de la ciudadanía.

Valencia, Patrimoni de la Ciutadania. Contiene las iniciativas llevadas a cabo para conservar, recuperar y promover el patrimonio de la ciudad.

Valencia, Ciutat de la Música. Contiene las iniciativas orientadas a poner en valor el importante activo intangible que supone la creación e interpretación musical de la ciudad.

Valencia, Ciutat Mediterrànea. Contiene las iniciativas orientadas a poner en valor el carácter de ciudad mediterránea.

Valencia apoya al Sector. Contiene las iniciativas llevadas a cabo para dar apoyo al sector cultural y a sus profesionales.

Valencia, Capital Cultural. Contiene las iniciativas orientadas a posicionar la ciudad como capital cultural reconocida y destacada internacionalmente y en especial al entorno mediterráneo.

Para alcanzar el posicionamiento de Valencia como capital cultural, dentro del programa ”València, Capital Cultural” se contemplan las dos actuaciones que han sido presentadas:

1. La creación de una marca cultural de la ciudad, capaz de identificar toda la actividad y los recursos culturales de València.

Una marca identitaria. Una marca con mensaje, con contenido por sí misma, ya que nace de un elemento presente en muchas de las manifestaciones culturales. El cairó del escudo de la ciudad es la base inspiradora que ha dado pie al nacimiento a la marca. El cairó es una forma heráldica propia de la Antigua Corona de Aragón, reservada únicamente para ciudades.

Una marca dinámica. Un instrumento por comunicar un proyecto de ciudad que gira alrededor de la cultura; una cultura que es rica y diversa y, por esta razón, la marca se representa con diferentes formas y como un mosaico, concepto presente en todos los pueblos y culturas.

Una marca contemporánea. Una marca que propicia numerosas posibilidades y combinaciones; las piezas con las que construir libre y colectivamente “el camino que queremos recorrir juntos”.

2. Poner al alcance de la ciudadanía una ventana única de la cultura. Una plataforma web donde encontrar toda esa actividad y todos esos recursos, con el objectivo de que sea la referencia para la difusión de la cultura en la ciudad.

Una web participativa. Pretende ser el medio donde confluyen las diferentes administraciones, las manifestaciones culturales de la ciudad y la sociedad. Es una web que permite la participación de agentes culturales y ciudadanos dando la oportunidad de hacer propuestas de contenidos.

Una web que sirve también como altavoz de comunicación de la Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales para trasladar a la ciudadanía, a los agentes culturales y al resto de administraciones, todas las iniciativas llevadas a cabo en el marco de su programa de gobierno.

Una web, https://cultural.valencia.es, que contiene ocho grandes apartados: Actividades, Museos, Monumentos, Publicaciones, Rutas, +Cultura (espacios culturales, esculturas, arqueología, archivos, bibliotecas históricas y hemeroteca, bibliotecas, patrimonio inmaterial), Noticias y Sobre Cultural València.

De esta manera, con estas dos actuaciones, se pretende contribuir a alcanzar la visión de poner la cultura en el centro de la ciudad, dando herramientas para que la ciudadanía identifique y se identifique con la cultura y dando herramientas para que la ciudadanía encuentre y conozca la cultura de la ciudad.

El desarrollo de estas actuaciones ha sido un esfuerzo compartido que ha implicado la coordinación del área de cultura y de diferentes grupos de trabajo, de dentro y fuera de la concejalía, “que han hecho posible que este ilusionante proyecto se presente hoy y pueda continuar”, han aseverado sus responsables.

Imagen de la portada de la web Cultural València.

Imagen de la portada de la web Cultural València.

 

El ECA tira del hilo de la fotografía

Al hilo de…la fotografía
Comisaria: Alicia Ventura
Mira Bernabeu, Ángel Marcos, Ana Palacios, Castro Prieto y Gervasio Sánchez
Espai d’Art Contemporani El Castell (E CA)
C / Cisternas, 28. Riba-Roja de Túria (Valencia)
Hasta el 15 de marzo de 2019

“¿La fotografía es arte?”, se preguntó Alicia Ventura, comisaria de la exposición Al hilo de…la fotografía. La respuesta exige cierta pausa meditativa, pero bastará con recorrer la muestra que el ECA de Riba-roja acoge hasta el 15 de marzo para contestarla afirmativamente. Si el artista es aquel que da forma a lo real de la existencia, a lo que se nos resiste por situarse en los márgenes de la percepción, entonces Mira Bernabeu, Ángel Marcos, Ana Palacios, Castro Prieto y Gervasio Sánchez lo son, “cada cual con una diferente visión de los temas que aborda y mediante la confrontación de lenguajes”, explicó Paco Caparrós, responsable del Espai d’Art Contemporani ubicado en el antiguo castillo del municipio del Camp de Túria.

La exposición permite el diálogo entre artistas que confluyen en algunos aspectos y se distancian en otros, pero que tienen en común “lo social y enseñarnos lo que no vemos”, subrayó Ventura. La huella, la memoria, esa mirada detenida y minuciosa sobre las cosas, junto al carácter resistente y obcecado contra el olvido, atraviesa el conjunto expositivo. La propia comisaria, respondiendo a su pregunta inicial, consideró que se trataba de una muestra singular porque “los cinco son fotógrafos y los cinco son artistas”.

Vista de la exposición 'al hilo de...la fotografía'. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

Vista de la exposición ‘al hilo de…la fotografía’. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

“La fotografía es una nueva forma de expresión que tiene su propio lenguaje”, avanzó Castro Prieto, que presenta piezas de su serie La seda rota, compuesta por imágenes tomadas en la casa abandonada de la familia Madrazo. “Me gusta fotografiar casas deshabitadas”, dijo. Casas que tienen como reverso de su vacío el halo fantasmal que dejan las huellas de quienes las habitaron. “Allí había quedado algo como fantasmal”, reconoció el Premio Nacional de Fotografía 2015, quien apeló a la huella de la mirada, “tanto descriptiva como simbólica”, allí depositada. “La memoria es el eje fundamental de mi trabajo”, agregó.

El año y medio que pasó visitando y recorriendo el Hospital de Denia es lo que exhibe Mira Bernabeu. No es la visión de pacientes y familiares, sino la más periférica centrada en lugares, objetos e incluso personal hospitalario que suelen pasar desapercibidos. Se empapó tanto de aquella atmósfera marginal, que tuvo que contener las sucesivas memorias que le venían a la mente, tras penetrar, por ejemplo, en un quirófano: “Mantener la cabeza fría  para no dejarte llevar por esa parte más macabra y emocional”.

Instalación en la muestra 'Al hilo de...la fotografía'. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

Instalación en la muestra ‘Al hilo de…la fotografía’. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

La subversión íntima es el trabajo que muestra Ángel Marcos, fruto de su participación en la Bienal de Venecia de 2013, en cuyo proyecto colaboró DKV Seguros a través del programa DKV Arteria.  “Mi trabajo incorpora los mecanismos de los poderes”, refiriéndose a los rabos de lagartija que sueltan estos reptiles “para escapar del peligro y volver tiempo después con todo su esplendor y estrategia”. Su obra explicó que se situaba en el “campo del afecto, esa memoria que fotografío para no olvidar”. Los interiores de las casas de sendos barrios de su natal Medina del Campo son objeto de su cadenciosa mirada.

“Los fotógrafos tenemos el compromiso de registrar y documentar la realidad”, señaló Castro Prieto, alejándose del “mero ejercicio estético”, sin abandonar por ello el concepto de belleza: “No entiendo el arte feo”, remarcó quien intenta “decir las verdades de forma poética”. Verdades que afloran en las obras de los cinco fotógrafos de distinta manera. Más palpable o documental en el caso de Gervasio Sánchez  y Ana Palacios, con sus trabajos sobre los campos minados y los albinos, respectivamente, más archivístico e incluso grupal en Bernabeu (“para mí la memoria es sinónimo de archivo y el archivo puede ser bello”), y más estrictamente poético en Castro Prieto y Marcos.

De izda a dcha, Paco Caparrós, Robert Raga, Alicia Ventura. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

De izda a dcha, Paco Caparrós, Robert Raga, Alicia Ventura, Castro Prieto, Mira Bernabeu y Ángel Marcos. Imagen cortesía del E CA de Riba-Roja.

“Cuando aludo a la memoria aludo a la resistencia”, afirmó el artista vallisoletano, que dijo utilizar esa memoria para trabajar. Preguntados por el tan cacareado compromiso de los artistas, apuntó que le preocupaba la “excesiva narrativa” de muchos proyectos: “Con esa literalidad, pienso que se está abusando”. Castro Prieto puso en cuestión la relación entre compromiso y denuncia, aduciendo a su trabajo en torno a las sociedades que se va encontrando: “Eso es compromiso, pero yo no denuncio nada”. Bernabeu solo pidió que el artista fuera “coherente con su propia personalidad”.

“Yo diría que el verdadero compromiso de todo artista es la defensa del arte y la cultura”, añadió Alicia Ventura. “El arte y la cultura son la clave en la que tendrían que ponerse de acuerdo todos los partidos políticos”, aseguró Caparrós. Robert Raga, alcalde de Riba-roja, se congratuló por ello, agradeciendo a los fotógrafos su trabajo: “La política es un espacio de libertad y de honestidad, para que quien sabe haga las cosas”. “Esta exposición es muy pedagógica”, concluyó la comisaria, no sin antes subrayar que los puntos suspensivos del título de la exposición era su manera “de invitar al espectador a que lea entre líneas”.

Salva Torres

El inquietante rostro humano

Exposición colectiva ‘Faces’, comisariada por Juan Curto
Roger Ballen, Jamie Baldridge, Elina Brotherus, Julia Fullerton-Batten y Ellen Kool
Galería de arte Cámara Oscura
C / Alameda, 16. Madrid
Inauguración: viernes 18 de enero, a las 19.00h
Del 18 de enero al 16 de marzo de 2019

John Cassavetes dirige en 1968 la película ‘Faces’ con Gena Rowlands como mayor atractivo en el reparto. ‘Faces’ se convierte en una película de culto frecuentemente seleccionada entre los mejores largometrajes de la historia del cine, y que ha influenciado a cineastas como Martin Scorsese, Woody Allen, Robert Altman, Michael Hanneke, y en los 90 el movimiento ‘Dogma’ liderado por el director danés Lars von Trier.

Esta cinta de excesos sigue los presupuestos del denominado cinema-verité inventado por Jean Rouch e influido por Dziga Vertov y Robert Flaherty. Este cine de la verdad es una apoteosis de contradicciones pues postula la intervención del director -como autor- y a la vez su carácter documental siempre con el objetivo de la búsqueda de la autenticidad. El carácter confrontacional, improvisado, e intervencionista de la cámara y el cineasta sobre el actor resulta en películas tan provocadoras, descarnadas, y transgresoras como ‘Los idiotas’, ‘Celebración’ o ‘La cinta blanca’.

Anónimo. Touseld hair man. Imagen cortesía de Cámara Oscura.

Anónimo. Touseld hair man. Imagen cortesía de Cámara Oscura.

Este proyecto sobre la retratística fotográfica del rostro -face- se desarrolla sobre tres ejes: la relación entre la fotografía primitiva del siglo XIX y la contemporánea, el binomio documento-relato, y la contraposición entre el retrato y el autorretrato.

Los artistas de la galería seleccionados son investigadores del rostro humano. Roger Ballen (Nueva York, EEUU, 1950) transita las fronteras del documento y la narrativa con la maestría de un clásico. Jamie Baldridge (Louisiana, EEUU, 1975) juega con mundos inventados entre lo atávico y lo tecnológico.

Por su parte, Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) indaga en los territorios de lo biográfico con las art ideas de John Baldessari. Julia Fullerton-Batten (Bremen, Alemania, 1970) es una virtuosa de la puesta en escena de relatos históricos y autobiográficos. Por último, Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962) fija su mirada en la psicología de la infancia como único baluarte posible de la autenticidad.

Ophelia, de Julia Fullerton-Batten, por cortesía de Cámara Oscura.

Ophelia, de Julia Fullerton-Batten, por cortesía de Cámara Oscura.

Pantanada de Tous o cómo habitar la pérdida

Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo
Comisariado y coordinación: Miguel Mallol, Rafael Tormo i Cuenca, Adrián Ripoll y Elena Llácer
Museu Etnològic Casa del Pou
C / Camí Reial, 96. La Llosa de Ranes (València)
Enero de 2019

‘Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo’, es el título de la exposición itinerante que recorrerá en los próximos meses varios pueblos de las comarcas de la Ribera Alta y la Costera. El Museo Etnológico Casa del Pou de la Llosa de Ranes ha inaugurado este viernes 11 de enero la exposición que continúa la itinerancia que empezó en octubre en Beneixida.

La propuesta es el resultado de una investigación y reflexión, cuyo punto de partida ha sido la catástrofe acaecida hace 36 años y que tuvo consecuencias devastadoras, sobre todo en las comarcas de La Canal de Navarrés, la Ribera Alta y la Ribera Baixa.

Vista de la exposición 'Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo'. Imagen cortesía de la organización.

Vista de la exposición ‘Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo’. Imagen cortesía de la organización.

La itinerancia expositiva empezó en Beneixida y visitará la Llosa de Ranes en enero, l’Alcúdia en febrero y Algemesí en marzo, municipios que impulsan y producen este acontecimiento cultural subvencionado por el Área de Cultura de la Diputación de Valencia en una nueva línea de ayudas para Proyectos Intermunicipales de Artes Plásticas.

Estas son las primeras localidades que participan en el proyecto comisariado y coordinado por Miguel Mallol, Rafael Tormo i Cuenca, Adrián Ripoll y Elena Llácer. Es un trabajo que acentúa y pone en común el carácter multidisciplinar de sus organizadores con el objetivo de acometer este hecho desde la multiplicidad. La idea converge alrededor de la noción de dispositivo expositivo como un repositorio de las diversas experiencias provenientes del entorno, la gente y lo acontecido. El proyecto a medio plazo prevé una segunda fase estudiando algunos casos relevantes de la zona para luego exportar su itinerancia a Valencia y otras ciudades.

Obras de la exposición 'Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo'. Imagen cortesía de la organización.

Obras de la exposición ‘Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo’. Imagen cortesía de la organización.

El 20 de octubre de 1982 es una fecha marcada para numerosos municipios y personas de la cuenca del Júcar, la Canal de Navarrés y la Ribera Baixa. La pantanada de Tous fue un acontecimiento que golpeó todas las esferas de la realidad: la natural, la física, la económica y la emocional. En ese instante, y todavía ahora, quedó una profunda sensación de pérdida aunque, como se incide en este caso en la Llosa de Ranes, de la destrucción se crearon lazos que todavía hoy perduran.

Este suceso catastrófico sirve, partiendo de ese vacío, para hacer una reflexión sobre el habitar contemporáneo, es decir, cómo ha cambiado la manera de vivir en las localidades que se vieron afectadas de una u otra manera. Con este trabajo se pretende trasladar al presente este hecho y llevarlo allende de la memoria, para diluirlo entre las problemáticas surgidas en estos tiempos convulsos.

Público asistente a la exposición 'Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo'. Imagen cortesía de la organización.

Público asistente a la exposición ‘Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo’. Imagen cortesía de la organización.

La propuesta expositiva pretende profundizar sobre todo lo que generó este suceso en el ámbito social, económico y de identidad de los pueblos. Además de enlazar esa reflexión con realidades que actualmente pueden parecer lejanas, pero que están muy relacionadas como son los refugiados, el contraste del pueblo y las metrópolis, la adaptación a las nuevas tecnologías y la construcción de los espacios en la arquitectura contemporánea.

La contextualización histórica y social junto a la investigación y la reflexión artística, sirven para ir más allá de la consideración de este análisis como mero material documental. Para desvincularse de esta clasificación se ha trabajado en la Llosa de Ranes con la gente local, para profundizar en ese sentimiento de pertenencia a un lugar, de ofrecimiento de los propios bienes y la intimidad desde el punto de vista humano y solidario.

La propuesta se completa con la participación de los trabajos artísticos que complementan la reflexión y abren otros campos de diálogo como la instalación ‘Implosió Impugnada 16′ del artista Rafa Tormo i Cuenca, el proyecto 48_NAKBA de Domènec, el trabajo llamado ‘Paisajes Alterados’ de Juan delGado y las fotografías de Janet Hesse como parte de su proyecto ‘Pacified’. La exposición ha contado con el apoyo para la investigación y documentación de la Universidad de Geografía e Historia de Valencia.

Una de las piezas de la exposición 'Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo'. Imagen cortesía de la organización.

Una de las piezas de la exposición ‘Ausencia, presencia en el habitar contemporáneo’. Imagen cortesía de la organización.

Grandes ciudades a simple vista

Travel Art, de José Juan Gimeno
Galería Alba Cabrera
C / Joaquín Costa, 4. Valencia
Hasta el 13 de enero de 2019

Dice Italo Calvino en ‘Las ciudades invisibles’ que todas las bellezas que el viajero ya conoce, por haberlas visto también en otras ciudades, pueden adquirir, bajo una atenta mirada, el esplendor de lo visto por primera vez. Y cuando eso sucede, uno “se pone a envidiar a los que ahora creen haber vivido ya” un día igual a éste “y haber sido aquella vez felices”. Las ciudades que José Juan Gimeno muestra en la Galería Alba Cabrera poseen ese mismo misterio que salta a simple vista, a condición de detenerse ante ellas más allá de la urgencia del turista.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición 'Travel Art'. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición ‘Travel Art’. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Por eso resulta apropiado el título de la exposición: Travel Art. Es decir, viaje y arte en franca comunión reveladora de lo que ocultan las grandes ciudades. En este caso, Nueva York y Maryland. Porque lo que diferencia al turista del viajero es precisamente la mirada atenta de éste, frente a la monótona de aquel, más preocupado por captar la imagen que atestigüe su paso por esa ciudad de postal, que de imbuirse de su misterio. Un misterio que Gimeno atrapa en sus cuadros leyendo, como se leen las líneas de una mano, las huellas de las casas de Maryland y las fachadas de Nueva York.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición 'Travel Art'. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición ‘Travel Art’. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Como señala el propio artista, él parte de fotografías tomadas en esas ciudades para después irse olvidando de ellas. Hasta el punto que el referente, sin duda obvio para la mirada del turista, alcanza de pronto la singularidad de lo visto por primera vez, a la que alude Calvino. De la fotografía, pues, a la pintura. De la más estricta figuración, a la más inquietante percepción de un paisaje urbano deshabitado y en el que parecen aflorar ciertos fantasmas.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición 'Travel Art'. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición ‘Travel Art’. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Resulta a este respecto igualmente apropiado el diálogo entre las obras en color, referidas a Nueva York y Maryland, y las difuminadas en blanco y negro, que aluden al encuentro con personas y detalles del viaje. Los fantasmas de las casas y fachadas estrechamente vinculados a esos otros diríase más explícitos, por la evocación sugerida en la tonalidad de grises. Fantasmas inscritos en las sombras de los bajos edificios de Maryland y en las fachadas de la gran metrópoli neoyorquina.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición 'Travel Art'. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición ‘Travel Art’. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Ximo Rochera, escritor y fundador de ediciones Canibaal, apunta en el texto que acompaña a la exposición otro detalle: “En la actualidad dejamos constancia de nuestros viajes en las redes sociales. Para José Juan Gimeno esto no es así”, ya que la muestra es “un cuaderno de viaje”, que “nos transporta junto a él en un recorrido apasionante”. Por eso incluye ciertos iconos en sus obras, a modo de guiño irónico que alude a la forma en que nos recomiendan ciertos alojamientos en las páginas de viajes. Las redes sociales interfiriendo la belleza plástica de los lugares sin duda contaminados por esa mirada turística.

Los cielos más bien apagados, de un azul y un gris mortecino, contrastan con las fachadas coloridas. Aún así, hay algo inquietante en todas esas casas y edificios. Como si el color no pudiera suplir la nostalgia que supuran esos paisajes deshabitados. Como si el exterior evocara los fantasmas interiores que nos asolan a quienes habitamos un mundo agitado al tiempo que vacío. A ese vacío se asoma José Juan Gimeno, tratando de llenarlo con la poesía que destila su pintura.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición 'Travel Art'. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de José Juan Gimeno en la exposición ‘Travel Art’. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres

Las piedras con memoria de Nuria Riaza

La memoria de las piedras, de Nuria Riaza
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Del 11 de enero al 9 de marzo de 2019

‘La memoria de las piedras’ es la segunda exposición individual de Nuria Riaza en la galería Pepita Lumier. La artista, nacida en Almansa y afincada en València desde hace diez años, ha sabido gestar una carrera profesional a base de constancia unida a una capacidad de trabajo imparable. Esto le ha supuesto ilustrar para Warner Music, Penguim Random House, Valencia Plaza, Panenka o Glamour, entre otros; exponer de manera individual y participar en muestras colectivas en València, Madrid, Barcelona, Bilbao y Zaragoza y ser ganadora del Certamen de Minicuadros de Huestes del Cadí en Elda (Alicante).

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

El bolígrafo azul vuelve a ser su herramienta principal y el hilo gana protagonismo esta vez, rindiendo homenaje a las mujeres que hicieron la vida junto a las que la lucharon, a través del bordado. Una amplia muestra de dibujos con un sinfín de metáforas y de poesía, de técnica sobresaliente y cuidado extremo del concepto, de homenaje a las mujeres, nos acompañarán hasta el 23 de febrero en la galería.

“Puedo hablar de cualquier cosa usando un bolígrafo y un papel como medios de expresión, poniendo mis propias reglas, siempre cambiantes. Dibujo con bolígrafo porque así aprendo a aceptar que el error es parte de cualquier proceso. El hilo suele estar presente en la mayoría de mis dibujos, funcionando como un nexo que nos une a nuestras raíces y tradiciones”, explica la propia artista.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Dibujos de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

“La memoria de las piedras cuenta algo crudo de manera poética. Se convierte en un eufemismo para poder hablar  de la memoria. De las pérdidas, el dolor, la soledad y el olvido. De un día en el que, no hace tanto tiempo, el derecho a la vida, a la libertad y al librepensamiento pasaron a ser un lujo”, añade.

Nuria Riaza cuenta que la historia “la escriben tanto los hombres como las mujeres. Aunque en conflictos armados la memoria colectiva se olvide de la figura femenina participando en ella, relegándola a un segundo plano, en la casa. Allí lo único que ha perdurado de ellas han sido sus mantelerías y pañuelos bordados”. Y concluye: “La memoria de las piedras habla del silencio de un país, de las flores secas y marchitas que esperan en hornacinas ausentes”.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.