Pequeños suspiros para pájaros enjaulados

Cosas de la cuarentena
Actividades
Regalos, generosidad, creativos
Valencia, abril 2020

Calles vacías; silencios interrumpidos por ambulancias, por camiones de recogida de desechos o animales que se adueñan de zonas que antes eran frecuentadas por personas ¿dónde estamos? A las 8 de la tarde se nos escucha en los balcones aplaudiendo a los sanitarios, reivindicando por aquello que creemos justo o cantando canciones como “Resistiré” del Dúo dinámico. Pero luego, ¿qué es de nosotros?

Plaza de la Virgen, 16 de Marzo.
Foto de Irene Marsilla

Estamos entre cuatro paredes, sintiéndonos como pájaros enjaulados, sin llegar a imaginar la magnitud de esta pandemia y el impacto que va a suponer. No obstante, lo que podría haberse convertido en un confinamiento de infierno, algunos han logrado decorarlo de la mejor manera posible: juegos de mesa, libros, películas, videollamadas, deporte, gastronomía, visitas a museos a través de las redes sociales… ¡No podemos parar! Aunque hemos conseguido pausar el mundo, nuestra mente es una máquina continuamente en movimiento.

Foto de RTVE. «Yo me quedo en casa»

Y para que esta máquina se sienta bien, necesitamos liberar endorfinas. Así es como nuestros artistas musicales se adelantaron y crearon festivales a través de redes sociales, logrando desterrar el aburrimiento por un tiempo.

Muchos de estos artistas tuvieron que cancelar sus conciertos, pero su amor por la música y el público no cesó, demostrándolo con la creación Yo Me Quedo en Casa Festival, Cuarentena Fest, Mantita Fest, Inner Sessions, Canción a domicilio, Festival Vuela… Fueron festivales que otorgaron un pequeño respiro con conciertos nunca antes vistos: el público colocaba en sus mesas portátiles y móviles, cogía una cerveza de la nevera, quedaba con sus amigos y escribía a los artistas sentados en sus casas, que reían, cantaban, tocaban y contestaban a los comentarios.

Después de dos semanas, la cuarentena aun no ha terminado, y queda mucho para poder volver a la normalidad. Mientras tanto, ¿seguirán los artistas ofreciéndonos pequeños brotes de felicidad?

El renacer de Humboldt, por Nuria Rodríguez

‘Sistema Humboldt. Pensar/Pintar. Nuria Rodríguez
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Carrer de la Universitat, 2, 46003 València, Valencia
Hasta el 10 de mayo 2020

El proyecto expositivo titulado Sistema Humboldt. Pensar/Pintar, fue inaugurado hace unas semanas por Nuria Rodríguez, cuya labor se basa en la práctica de la pintura, que entiende como «un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza, que se reconstruyen en escenarios y situaciones ficticias, en las que cada fragmento importado “actúa” como ingrediente escénico, contribuyendo en su interacción con insólitas fusiones y significados».

La artista valenciana ha realizado varias exposiciones individuales “Cronologías del azar” (2017),“Historia Natural, la colección infinita” (2016), “Historia Natural [tomo XXIII]”, (2015),“El desorden de las cosas. [Pensar, mirar, pintar],” (2014), “Álbum, Atlas, cuadernos de notas,” (2010). Esta vez rescata la figura del ilustrado y explorador Alexander von Humboldt (1769- 1859).

Vitrina con objetos de todo tipo situadas en una mesa de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

La exposición se presentó en La Nau con las intervenciones del vicerrector de Cultura y Deporte, Antonio Ariño, quien señaló que “Humboldt es el científico por antonomasia en el ámbito de la naturaleza, el inventor del concepto de naturaleza tal y como lo entendemos en la actualidad, una idea científica y poética al mismo tiempo”.

Así pues, la muestra se organizó, según destacó Ariño, «aprovechando que es el año del 400 aniversario de la invención del método científico definido por Francis Bacon y que permite descubrir al “posiblemente primer explorador no colonizador de la historia”, cuyo legado está, en la actualidad, ante retos como la emergencia energética o la crisis climática».

Vitrina y pared de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

En la figura de este naturalista prusiano se agruparon todos los saberes científicos desde una mirada que fusionaba ciencia y arte. Geógrafo, cartógrafo, geólogo, vulcanólogo, sociólogo y botánico, inicia los primeros pasos de lo que hoy conocemos como climatología, estadística y economía política. Recientemente también se le atribuyen reflexiones y alarmas sobre el cambio climático y la biodiversidad.

Vitrina con un libro de Humboldt de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

Bajo esta premisa, la artista Nuria Rodríguez propone un diálogo entre su obra y las colecciones patrimoniales. Las inquietudes e incógnitas de la producción actual de la artista han encontrado en la infinita aptitud de búsqueda de Humboldt un referente histórico fundamental. 

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Principalmente me ha interesado mucho indagar sobra la figura de Alexander von Humboldt por algunos motivos como es el de la figura del explorador/naturalista/científico que sale al encuentro de las cosas para comprenderlas, para obtener una respuesta a las incógnitas que la propia experiencia le plantea».

En segundo lugar, Nuria Rodríguez dejó patente que ese «deseo para ir hacia» se larva en la infancia y juventud a partir de las lecturas que realizó y la formación que recibió de sus preceptores, ya que uno de ellos hizo una versión para niños y jóvenes sobre el libro de Robinson Crusoe de Defoe. Otra anécdota interesante que recalcó sobre Humboldt fue su visita al jardín botánico de Berlín cuando vio las palmeras y que, a partir de ese instante, quisiera ser botánico.

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Pero lo más sorprendente y el motivo de mi elección como compañero de expediciones para que mis reflexiones acaben en pintura, fue conocer que estuvo en Valencia y visitó lugares como el Convento Santa Tecla y la Catedral de Valencia, donde realizó mediciones barométricas que le ayudaron a realizar un estudio comparado de la geografía de la península. También visitó el Grao de Valencia, el Teatro Romano de Sagunto y pernoctó en una fonda situada en la calle de la Paz, muy cerca de la Nau, institución que acoge la exposición’’.

“Por otro lado, he conseguido encontrar fuentes bibliográficas que certifican que su hermano Wilheim, quien funda en Alemania la universidad moderna, también estuvo en La Nau y se reunió con el rector Vicente Blasco, además de estar en la antigua biblioteca de la universidad. Asimismo, me interesó mucho el hecho de que Alexander von Humboldt hiciese un recorrido a pie por el Mediterráneo y que estas impresiones las dejase registradas en su diario, junto algunas cartas que envió desde Madrid a sus corresponsales’’.

Pared de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

“Todo esto que te cuento me ha servido para poder pintar, toda esta expedición personal que he realizado es mi manera para acceder a la pintura, a los objetos que colecciono y archivo, es mi manera de acercarme al mundo para interrogarlo, y toda esa tarea para comprenderlo se trasforma en una geografía de los hallazgos, de los encuentros casuales que ayudan a reflexionar sobre las claves del momento actual: el paso de lo analógico a lo digital’’.

Cuadro de la artista Nuria Rodríguez de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

«La figura de Alexander von Humboldt me ha servido de nexo para poder seleccionar las piezas de las colecciones científicas de la universidad, un relato que me ha ayudado para tratar de componer una narrativa comprensible al espectador que con curiosidad quiere acercarse al proyecto».

Vitrina con un libro de Humboldt de la exposición de Sistema Humboldt. Pensar/Pintar – fotografía de Irene Valdés.

«La pintura, junto al dibujo, los objetos y los collages audiovisuales instalados como si fuera un gabinete de curiosidades del siglo XXI  es la manera que tengo de plantear como clasificamos, archivamos el mundo y sus derivas en el intento de formalizar un atlas de lo imposible», concluyó la artista.

Irene Valdés

SET ESPAI D’ART y sus actividades

SET ESPAI D’ART
Plaza Miracle del mocadoret
46001 Valencia (Spain)

SET ESPAI D’ART participó en la feria JUSTMAD, que tuvo lugar entre el 27 de febrero y el 1 de marzo, con una propuesta centrada en la sostenibilidad, con los artistas Cristina Almodóvar (Madrid, 1970), Chingsum Jessye Luk (Hong Kong, 1982) y Janek Zamoyski (Varsovia, 1978).

Fotografía frontal de JUSTMAD

En el marco de EX6, 6ª muestra de arte electrónico y experimental, nos encontramos con la exposición «E scap ES» en la Sala de José Luis Sampedro del Centro Cultural Galileo, Madrid. Dentro de ella, hasta el 15 de marzo, está la obra «Les Dessins Automatiques» de Rubén Tortosa, comisariada por Nilo Casares. La instalación guarda relación con los dibujos de André Masson de 1925, y surge por la mirada de la máquina, quien registra y dibuja las siluetas sobre la pared.

Detalle de la instalación de Ruben Tortosa

Por otra parte, Alberto Gil Cásedas participará en la exposición «Escrituras ácratas» que se sitúa en el Centro Párraga, Murcia. Se trata de un proyecto comisariado por Teresa Calbo que gira en torno al lenguaje, los modos de decir y el sentido del discurso. La exposición se inaugurará el 13 de marzo y finalizará el 31 de mayo.

En SET SPAI D’ART, hasta el 28 de marzo, está la exposición «Diálogos en equilibrio» de Leo Matiz y Lukas Umi, comisariada por Rosa Ulpiano. Aquí se establece un diálogo entre dos miradas diferentes en espacio y tiempo, ambas en equilibrio dentro del paradigma indisoluble de una misma realidad: la abstracción.

Fotografía de la exposición «Diálogos en equilibrio»

Por otro lado, Cristina Almodóvar participa en la exposición «Herbarios imaginados. Entre el arte y la ciencia», que tiene cabida hasta el 31 de marzo en el Centro de Arte Complutense, Madrid. La muestra, comisariada por Toya Legido y Luis Castelo, reúne la obra de 25 artistas contemporáneos relacionada con la botánica y establece un diálogo con los fondos de los museos científicos de la Universidad Complutense de Madrid.

En Segovia, en el Palacio Quintanar, hasta el 19 de abril, la exposición «Esto no es un cartel» reúne una selección de 170 carteles y un centenar de esculturas que componen una muestra del desarrollo creativo de Isidro Ferrer a lo largo de veinte años.

En México, concretamente en el Centro Cultural de España, Ana H. del Amo participa en la exposición «La cuestión es ir tirando», comisariada por Ángel Calvo Ulloa. La muestra reúne el trabajo de 27 artistas imprescindibles dentro del panorama actual de arte contemporáneo español y podrá ser visitada hasta el 24 de mayo.

El Santo Grial, anhelo de nazis y mafiosos

El rastro del Grial
Jueves 20 de febrero del 2020
19:00 horas
Futurama Comics
c/ Guillén de Castro, 53 de València

Después de aquella tarde tan especial del 6 de febrero en la librería Bartleby de València, después de la intensidad de tres presentaciones en librerías de Aragón tales como Masdelibros en Huesca, Oroel en Jaca y Taj Mahal en Zaragoza, se presenta ahora «El rastro del grial» en Futurama, la mítica tienda de cómics sita en València.

Ilustración de Jaime Carañana, perteneciente al cómic «El rastro del Grial»

Tanto Abraham García como encargado de escribir el guión y Jaime Carañana como dibujante han visto culminada su flamante obra en la editorial GP ediciones. Es en esta cita cuando tendremos una grandísima oportunidad de escuchar a los dos autores sobre los entresijos de un cómic cuya repercusión va en aumento día tras día, y por supuesto de comprarlo.

Abraham García y Jaime Carañana, firmando ejemplares de «El rastro del Grial»

Recordamos que el Santo Grial es uno de los mayores enigmas de la Humanidad y que no son pocos los que lo han buscado. «El rastro del Grial» trata de dos aventuras en diferentes épocas de tiempo pero ambas relacionadas con la reliquía del Santo Cáliz. La primera de Marc Lombard abuelo, como miembro de La Resistencia francesa y colaborador antifranquista en España, y la segunda de Marc Lombard nieto, un arqueólogo asesor de anticuarios y museos.

Cartel de presentación en Futurama Records, con la portada de «El rastro del Grial»

Entre oscuros deseos nazis que lo buscaban pensando que podrían aumentar su poder, entre amores antifascistas, entre colaboraciones alemanas y españolas, entre coleccionistas y mafiosos con pocos miramientos se centra una obra altamente recomendable cuya trama discurre en diferentes lugares como Jaca o el centro monumental de València. Y todo con sabor a los cómics clásicos.

Juanjo Mestre

‘Hasta que la boda nos separe’. Pura «dramedia»


‘Hasta que la boda nos separe, de Dani de la Orden
Cines Kinépolis Valencia
Avinguda de Francisco Tomàs I Valiente, s/n, 46980 Paterna, Valencia
6 de febrero de 2020

Los cines Kinépolis Valencia acogieron el 6 de febrero el preestreno de ‘Hasta que la boda nos separe’, la nueva comedia dirigida por Dani de la Orden (‘Barcelona nit d’estiu’, ‘El pregón’, ‘El mejor verano de mi vida’). La proyección estuvo presentada por dos de sus protagonistas: Álex García (‘La novia’, ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’, ‘Si yo fuera rico’) y Silvia Alonso (‘Es por tu bien’, ‘Durante la tormenta’, ‘Perdiendo el este’).

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Cómo se consigue este elenco de actores y esa comedia coral, con tanta gente conocida en la gran pantalla? ¿Cómo surgió esta gran oportunidad? 

Álex García: “Cuatro meses antes, durante el rodaje de ‘Itus’, Dani de la Orden me dejó caer que funcionaría muy bien con Belén Cuesta. Fue pasar esos meses, y ya estaba en la sala de ensayos con ella y con Silvia Alonso, mi pareja de ficción oficial, ya desde hace 10 años’’.

Silvia Alonso: “También funcionó el azar, porque al ser una producción tan enorme, con Atresmedia y otras grandes productoras detrás, era de esperar que ese azar y esa magia diesen como resultado esta gran película. Fue así porque debía ser así, y ahora no me lo imagino de otra manera’’.

  • Antes habíais colaborado en varias series, pero no en cine, ¿cómo ha sido volver a trabajar juntos en la gran pantalla? 

AG: “Pues una experiencia fantástica, porque además estábamos en mi tierra, en Tenerife, yo en el rodaje me lo pasé genial. Había justicia poética, y a nivel personal estamos hablando de que me tocó trabajar con una actriz que conoce a mis padres, a mi perro. Silvia aparte de ser una gran compañera, es ese tipo de amiga que puede venirse a mi casa a dormir, con la que puedes tener conversaciones personales a diario, por eso los miedos los compartíamos, pero las risas más aún’’.

SA: “A mí cuando me llegó el guion no tenía nada claro. Sí que es verdad que conocía a mucha gente, muchos de ellos cercanos a mí. Además, es una maravilla porque cuando el alma es bonita, cuando lo disfrutas al máximo, cuando te lo pasas bien y conoces a los actores y se trabaja con ese “todos a una”, la comedia va sola.  Si la energía está ahí, es realmente una maravilla’’.

La actriz comenta que Álex y ella volverán a ser pareja en su próxima película. “Lo mejor es que nosotros ya tenemos una base, nos conocemos, sabemos lo que nos pasa, nos miramos y ya sabemos lo que piensa el otro. Pero, sin duda, lo que más me gusta de esta película es que sea de temática cómica’’, ya que, como dejó patente en una foto que publicó en redes sociales hace varios meses, quería interpretar una comedia, ya que ambos habían trabajado en dramas durante un largo tiempo, concretamente en ‘Tierra de lobos’ y ‘Tiempos de guerra’. 

Álex manifiesta que “Respecto al salto a la gran pantalla, hoy en día hay series que se ruedan mejor que la mejor película que has rodado, y películas que se ruedan peor que la peor serie que has hecho’’, por ello ambas plataformas se han unificado dando lugar a grandes producciones, ya se trate de series o de películas, ya que ambas tienen equipos espectaculares para su elaboración.

  • ¿Os sentís más cómodos en algún género en concreto? ¿En qué género creéis que funcionáis mejor?

SA: “Todo parte de una base, de que en ambos géneros se trabaja de una manera muy parecida. El ritmo, las circunstancias y el código cambia, pero lo que tiene que ocurrir es que en las comedias aparezca mucho drama, y que en los dramas haya algo que te haga reír’’. La actriz expone que el punto de partida es el mismo, pero que es muy importante la recepción del público, “Ya que es el espectador quien dice: ¡ay! ¡Este actor siempre hace películas de comedia, películas dramáticas…! Pero al final yo creo que todos tenemos el impulso y el deseo de hacer ambos géneros, además yo disfruto mucho haciéndolos, y me encanta que me den la oportunidad de cambiar’’.

AG: “A mí me encanta estrenar comedias porque la gente sale con la cara que le brilla, y eso es una sensación maravillosa. Si la película es buena, si funciona el papel que has interpretado, notas una energía mucho más brillante y especial, levantas el ánimo de la gente, y quiero pensar que con esta peli pasará. También creo que el drama funciona bien, porque la gente sale tocada. Eso sí, aunque reflexionen y le den vueltas a lo que han visto, lo reciben de una forma más oscura que una comedia. 

En conclusión, podría decir que mi película ideal sería una “dramedia’’, en la que abordemos un verdadero conflicto social, pero con sentido del humor. Un ejemplo de esto sería lo que se quería conseguir Dani de la Orden en ‘Litus’, que es un drama con varios puntos de comedia, pero con conflictos mucho más desarrollados. La forma de trabajar es la misma siempre, teniendo en cuenta que lo que importa es cumplir no solo lo que quiere contar el director, sino también cómo lo quiere contar, y yo intento llevarlo al máximo siempre’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Os veremos en televisión próximamente? 

SA: “La verdad es que Álex lo pasó fatal y se quedó seco por la dieta y los hábitos que tuvo que llevar durante el rodaje de ‘Antidisturbios’, la serie que se estrenará próximamente, dirigida por Rodrigo Sorogoyen. Ya he patrocinado tu serie, ahora te toca a ti’’.

AG: “Pues ella va a estrenar una película con María León y Victoria Abril, y será una de las primeras incursiones que haga Silvia en el drama. Aunque esta película es un poco dramedia, como he dicho antes, creo que ver a estas actrices juntas debe ser simplemente un regalo’’.

  • ¿Alguna de las escenas que grabasteis fue arriesgada?

AG: “Pues mira grabamos varios días en un apartamento que sale en la película, totalmente real e increíble; yo no sabía que Tenerife tuviera tanto poderío económico, la verdad. Las vistas desde ese mirador eran espectaculares y la piscina, en la que, por supuesto me bañé, era brutal. Ahí grabamos una escena en la que me tenía que caer varias veces, pero bien’’.

“Como escenas de riesgo me quedo con la del barco. Sinceramente, fue un verdadero cuadro. Porque claro, ¿cómo manejas y metes a todo el equipo técnico en un barco tan pequeño? Pues Dani de la Orden tuvo solución: puso al equipo de producción a mover el barco con unas palancas enormes, como si de un barco pirata se tratase, mientras otros tiraban agua con una manguera. Muchos compañeros se marearon y estuvieron a punto de vomitar. Consiguieron un barco realmente asqueroso, enano, con telas y olor a pescado muerto, y para mí es una de las peores escenas que he rodado nunca. Yo que estaba en mi puerto, en mi isla, estaba en una situación surrealista, y mis compatriotas decían: ¡ay, marinero de agua dulce! Pero ¿qué pasa, que te mareas? ¿es que llevas mucho tiempo en la península, o qué? Solo te digo que estuvimos grabando esa escena tres días’’.

SA: “¡Madre mía! Esa escena…Hubo momentos en los que se tuvo que ir medio equipo técnico. A la ayudante de dirección la perdimos, se tuvo que quedar en reposo ocho horas de lo mala que estaba. Y claro, tú como actriz debes permanecer recta, sin moverte, para hacer la escena, pero claro…en ese barco era prácticamente imposible no moverse’’.

AG: “En el caso de otro director seguramente se habría cortado, pero no, Dani no. Dani es como que tiene una especie de coraza de titanio reforzado y si ve a un actor muriéndose, le dice: “¿podrás rodar mañana, Álex? Tú puedes, ¿no? Va, tú puedes con esto.’’ Te pone en tu propio tejado la pelota. Y así estuvimos toda la película: planteándonos situaciones imposibles y diciéndole que sí porque le queremos y porque queríamos hacer una película así de gamberra, pero la verdad es que tienes que tener un poco de inconsciencia para hacerla’’.

  • ¿Cuál sería el mensaje que querríais transmitir con esta película? Y en el amor, ¿uno debería guiarse por el corazón, o por la cabeza?

SA: “El mensaje sería: ¿eres capaz de ir al cine el 14 de febrero con tu pareja y hablar de una manera tranquila de los personajes? Esta película es una contraoferta al amor romántico’’.

AG: “Yo creo que el mensaje de la película sería: las historias de amor que nos han narrado de pequeños son una falacia, y lo que nos han contado del amor romántico de las películas Disney con princesas y dragones, no existe. Y si crees en ello, estás destinado al fracaso’’, pues esto es una comedia, pero al final lo dice Belén Cuesta: “La vida al final te da más tortazos que lo que has vivido… Esta peli puede abrir más los ojos que cualquier otra comedia romántica, porque puede hacerte encontrar el amor de verdad, con lo que ello conlleve’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Sois de bodas sencillas, o complicadas, como en la película? 

SA: “Yo es que yo no soy de bodas, directamente. Pero hemos estado en una muy potente, y es que yo creo que, si te casas, te casas a muerte, das todo y ya está. Con todo.

AG: “Esa boda en la que estuvimos fue una auténtica barbaridad. Una boda en la que habían alquilado un castillo para celebrarla allí. Bueno, pues os voy a contar una anécdota. En el castillo reservaron una habitación especial para los novios. Mi pareja se iba a las 7:00h de la mañana y tenía que mantenerme despierto. Yo duré demasiado. Los coches que nos llevaban y nos recogían, fueron saliendo, despedí a mi pareja y, al día siguiente había una chuletada. Bueno pues yo de repente me levanto…bueno, no, yo no. Me despertó uno del servicio en la suite nupcial de los novios, y yo sin saber dónde ni por qué estaba allí durmiendo. La boda era de un director de cine que nunca me ha contrarado, yo creo que no me lo perdonó y por eso nunca me llama. Pero vamos, que si te casas, lo haces a lo grande y tiras la casa por la ventana para que surjan anécdotas’’.

SA: “La boda fue maravillosa, nadie pudo comer. El novio tenía un altavoz enganchado a un cable, y en el segundo plato ya estaba mandándonos bailar a todos. La situación en la que te encontrabas era que mientras comías, bailabas, bebías. Bueno, yo solo te digo que a las 19:00h de la tarde yo ya estaba pedo y subida a una silla dándolo todo’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • Dani de la Orden tuvo muy buen ojo a la hora de la elección de los actores, se ve mucha química en pantalla, y eso se consigue con el éxito del director pero también con vuestro trabajo, ¿pensáis que es así?

AG: “Para nosotros fue simplemente una suerte, porque si te toca un compañero egoísta o que va a lo suyo, eso que te pierdes en ese rodaje; pero si te toca un compañero disfrutón, generoso, que es lo que teníamos nosotros, compañeros geniales, es una gozada. Te voy a confesar que fuimos casi cada noche al karaoke de Tenerife, y Adrián Lastra cantó ópera, o sea que te puedes imaginar la química y feeling que teníamos entre todos nosotros…’’

SA: “La verdad es que no fue un rodaje nada fácil, ni físicamente, ni por las condiciones. En esa casa maravillosa que se ve en pantalla hubo mucha gente que se accidentó, era todo súper surrealista, y a nivel de producción era como que teníamos todas las papeletas para perder los nervios en todo momento, pero a pesar de todo eso, y gracias a que nos llevásemos tan bien y fuésemos “todos a una’’, yo estaba meada de la risa en ese barco mochambroso del que hemos hablado antes, e incluso queríamos repetir las escenas una y otra vez. Y eso es lo que surge como resultado cuando hay buen feeling’’.

Irene Valdés.

Ken Stringfellow rescata su mítico ‘Touched’

Ken Stringfellow
9 de febrero 2020 / 10 de febrero 2020
Bar Centro Excursionista / Sala Stereo
Carrer Marqués de Zenete, 4. València / Carrer Pintor Velázquez, 5. Alacant

Links Tickets Eventbrite: València / Alacant

Ken Stringfellow. Foto promocional gira España 2020

La trayectoria musical de Ken Stringfellow tiene solera y prestigio, tanto que debería ser mucho más reconocida, no solamente por formar pareja de relumbrón con Jon Auer en The Posies desde finales de los 80 sino por sus cinco álbumes en solitario que comenzaron en 1997 con «This sounds like goodbye» y por sus contribuciones en diversas bandas célebres, desde R.E.M hasta Big Star pasando por The Minus 5, Lagwagon, White Flag, The Orange Humble Band, Cecilia Ann, Neuman…

Cartel concierto Ken Stringfellow
Centro Excursionista de Valencia

Durante el pasado mes de enero comenzó la primera fase de una gira por España —Bilbao, Madrid, Castellón y Barcelona— cuyo plato fuerte eran las canciones del legendario segundo álbum en solitario «Touched», un trabajo que se publicó en el 2001 y que ha anticipado su veinte aniversario por la coincidencia con la promoción del inminente nuevo trabajo de The Posies. 

Cartel concierto Ken Stringfellow
Sala Stereo de Alicante

Ahora quedan los dos últimos eventos durante el mes de febrero en la zona de Levante donde es tan apreciado. Por una parte el 9 en Valencia (Bar Centro Excursionista) y por otra el 10 en Alicante (Sala Stereo). 

Ambas citas serán una oportunidad inmejorable para recordar aquellas extraordinarias canciones de amor, dolor, misticismo… como «Down like me», «This one’s on you», «Find yourself alone», «Reveal love», «One morning», «The lovers hymn», «Sparrow», «Here’s to the future»… No se lo pierdan. 

Juanjo Mestre

Arranca Humans Fest

Humans Fest
Varias sedes
Valencia 2020

El Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos; Humans Fest, bajo el manto de la Fundación por la Justicia, celebra su XI edición, y en esta ocasión, asume como lema central la “Corrupción”, una temática que según su actual director; Samuel Sebastián “es importante porque en el cine valenciano no se ha debatido lo suficiente sobre este tema y, por tanto, debíamos comenzar este debate”. Por eso mismo, se ha decidido otorgar el Premio por el cambio Social, que ha comenzado a otorgarse este mismo año, a la AVM3J (Asociación de Víctimas del Metro del 3 de Julio) para reconocer su incansable lucha por desvelar la verdad del accidente del metro valenciano. También se hará entrega del “Premi Pau y Justicia” a Pepe Viyuela, quien, mediante su trabajo comprometido en las causas sociales, ha sabido aportar una visión más amable a realidades sociales sumamente duras.

El Festival, que celebra la nueva edición entre el 18 de febrero y el 1 de marzo pero se extiende en eventos todo el año, acogerá las distintas proyecciones y actividades en cuatro espacios: La Filmoteca, la SGAE, Octubre y la Universidad Politécnica de Valencia. Por otro lado, el programa incluye algunas exposiciones que se celebrarán en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea y La Primera.

Dentro de las novedades que se abren paso este año destaca la incorporación de la temática de ficción a la Sección Oficial de Largometrajes, en la que se proyectarán películas presentadas previamente a otros festivales mundiales tan conocidos como Venecia, San Sebastián o Karlovy Vary. Algunos de ellos serán “Woman” de Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova, “La cordillera de los sueños” de Patricio Guzmán o “System crasher” de Nora Fingscheidt. Además, por primera vez se presentará una sección competitiva valenciana, Humans VLC. Dentro de esta sección encontraremos producciones con un largo recorrido como “Makún” o estrenos como el de “Una vida, un bolso”.

Por otro lado, con lo que respecta a la Sección Oficial de Cortometrajes, contará con la proyección de cortos como “Maras” nominado a los Goya o “Exiliada”, donde se denuncian los abusos de Daniel Ortega, actual presidente de Nicaragua. Además se estrenará el documental sobre las protestas en Chile “#Chiledespierta” o el corto valenciano “Casa” de Alberto Evangelio.

fotografía de la rueda de prensa del Human Fest.

El festival, junto con la colaboración de la Universitat Politécnica y el festival “Prime the Animation! New talent film festival”, apoyará a los más jóvenes a través del proyecto Future(s) desde el que se realizarán una serie de proyecciones, principalmente de cortos de animación, que ponen de manifiesto el talento valenciano. Se debe mencionar también el Human Films Zero, un sector que comienza este año y que se preocupa por las producciones de mínimo coste para el medio ambiente. No menos importante es el programa “Mujeres del mundo” donde se proyectarán películas realizadas por mujeres de distintos orígenes con el objetivo de reivindicar la escasa presencia femenina en el mundo del cine. Además, se impulsará la campaña “Filmen elles, guanyem tots” donde se promocionan las obras fílmicas producidas por mujeres, especialmente valencianas.

En lo que respecta a las dos exposiciones previstas, el 30 de enero comenzará “Huellas en el alma” de Ana Yturralde, donde la artista realiza una retrospectiva de su propio trabajo centrándose en aquellos grupos de personas que son ignorados y excluidos. Mientras que el 19 de febrero se inaugurará “Mujeres de Cluj” de Loyola Pérez de Villegas Muñiz en La Primera, que trata la migración en Rumanía.

El compromiso del Festival con los derechos humanos parece no limitarse a unos días concretos, sino que se extiende en el calendario anual, abarcando con sus eventos propuestas en abril (como un ciclo de cine en la Filmoteca), septiembre (con una exposición en la Casa del Reloj) y octubre (con la presentación del programa Mujeres del mundo), pues, como afirma el ya mencionado Samuel Sebastián “lo que nos importa es que haya una denuncia entorno a la vulneración de los derechos humanos”.

Samuel Sebastián, actual director del Human Fest, junto al cartel de este año del Festival.

Sofía Torró Álvarez

Text or [No Text], he ahí el dilema

Text [No Text] (Libros y publicaciones de Artista)
Colección Universitat Politècnica de València
Comisario, Antonio Alcaraz
Centre Cultural La Nau, Sala Estudi General
Hasta el 12 de Enero de 2020

Hay múltiples intentos para definir lo que es un Libro de Artista, elucubraciones y aproximaciones con las que ponerle lindes a un género que es imposible que tenga fronteras. Este no es un caso de geografía en el que se puede practicar un corte transversal y lo que está dentro sí, y lo que está fuera no. Más que establecer líneas divisorias, se hace necesario tender puentes, Text [No text] está en esa línea, invita a estudiar y admirar las diversas arquitecturas del libro no industrial tan desconocidas para el gran público como apasionantes cuando se empieza a indagar en su universo.

Vista parcial de vitrina. Exposición Text [No Text]. Fotografía Vicente Chambó.

Con el fin de hacer una aproximación a los términos con los que se relaciona el libro y la publicación de artista, se advierte oportuno referirse a arquetipos como: edición contemporánea, edición especial, edición creativa, libro de autor, libro de editor, edición con gráfica original, edición limitada, foto libro, libro tipográfico, libro objeto, edición colaborativa, libro intervenido, o ejemplar único, por citar algunos de entre otros muchos.

En el artículo rubricado por José Emilio Antón en MAKMA, afirma que el libro de artista es una obra de arte en sí. Obra concebida y realizada por un artista plástico o poeta visual en su totalidad o con un control total en la posible edición de su obra, y es la cualidad artística la que lo diferencia del “libro común”.

Por su parte, Francisco Collado, en el propio catálogo de la exposición ‘Text [no text]’ se refiere literalmente así: “Es difícil definir con absoluta precisión qué es un libro de artista, incluso entre personas inmersas y especializadas en este fascinante mundo, es difícil definir sus características. Sin duda, es un género único, indefinido en términos de resoluciones formales y materiales que parten de una idea original diseñada por un artista en el que el libro se concibe como un objeto artístico, como una obra de arte en sí misma”.

De lo que no hay duda, es que los denominados Libros de Artista realizados en la primera mitad del s. XX están asociados a las vanguardias históricas, muchos de ellos producidos en gran formato, y otros en busca de nuevos modos de expresión o fruto de propuestas para democratizar el arte, coincidiendo con la aparición paulatina de diferentes lenguajes no necesariamente asociados al texto, pero en general de muy cuidada producción.

Parece que es en la segunda mitad del s. XX, cuando el término Libro de Artista se diferencia de la escultura, la pintura o las obras literarias editadas de forma industrial para ser considerado un género artístico propio, independiente de los otros géneros citados, y es concretamente a partir de los años 60, coincidiendo con el arte conceptual cuando se renueva el interés de los artistas contemporáneos por producir en formato libro, bebiendo de Dadaístas, futuristas, constructivistas o surrealistas, y propiciando teorías y arquitecturas del libro que van desde la desaparición del texto hasta la producción en serie de pequeñas ediciones en talleres de artistas, que con la irrupción de multicopistas multiplicó la posibilidad de llegar a más público con procesos de autoedición en los que importaban menos los cánones de las proporciones áureas o la tipografía que la forma, a diferencia de las excelentes estampaciones con aguafuertes y otras artes gráficas asociadas a esa forma de hacer de principios del s. XX. En este tiempo, las páginas de los libros son objeto de intervenciones o son destruidas, reconstruidas, perforadas o gofradas, ya no importa la calidad del papel o la majestuosidad de la encuadernación. Tampoco la desaparición total o parcial del texto, y la variedad de propuestas es tan grande como la diferencia de intenciones.

Vista parcial de vitrina. Exposición Text [No Text]. Fotografía Vicente Chambó.

Nombres como George Maciunas, organizador del conocido evento de música experimental que germinaría en Fluxus y que proponía precisamente evitar la calificación de sus ediciones como arte con el fin de evitar que fueran mercancía; Dieter Roth, que con su serie Literaturwurst realizada entre 1962 a 1967 embutió especias y gelatinas a modo de salchichas con recortes de revistas y libros previamente remojados para que entraran bien en las tripas, haciendo así libros salchicha, entre otros muchos trabajos editoriales de su prolífica producción;  Daniel Spoerri, que utilizó únicamente texto en su Topographie anecdotée du hasard para describir de forma metódica lo que observó en la habitación de un hotel de París en 1962, añadiendo recuerdos asociados a su descripción y frente a la idea simbólicamente opuesta de Edward Ruscha, interesado por la calidad gráfica de textos y también por la excepcionalidad de los números, símbolos y letras de Jasper Johns, que le inspiraron para realizar sus primeras pinturas de palabras (Sí, pinturas en las que la iconografía dominante es el texto), y/o el propio; Ruscha, que frente a la idea de utilizar únicamente texto como propone Spoerri, realizaría un ejemplar considerado clave para entender la evolución del Libro de Artista y cuyo título Twentysix Gasoline Stations, únicamente contiene imágenes (excepto en la descripción textual del mismo).

‘Texto poético 7’ de Bartolomé Ferrando. La imagen reproduce parte de una página del catálogo de Text [No Text]. Fotografía Vicente Chambó.

Son solo algunos ejemplos de lo que representa el Libro de Artista para poder construir la historia del pensamiento en el ámbito de las Bellas Artes en la década de los 60, a los que cabe añadir nombres como John Cage, David Degener, Walter de María, Henry Flynt, Yoko Ono, Dick Higgins, Nam June Paik, La monte Young, Robert Filiou y Emmet Williams, Baldessari, Sol LeWitt, Bruno Munari, Christian Boltanski, Bernd & Hilla Becher, Hans-Peter Feldmann, Lawrence Weiner, Bartolomé Ferrando y Antonio Gómez estos dos últimos sin olvidar a Joan Brossa, destacados por su poesía visual entre los artistas españoles, firmas que no sólo instauraron el soporte libro como un medio perfectamente homologable en el arte contemporáneo, sino que además -haciendo honor a su naturaleza- ofrecieron una lectura fundamental del perfil propio del Minimalismo o el Arte Conceptual.

Text [no text] muestra una parte del fondo de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes, concretamente la Colección de Libro y Publicaciones de Artista de la Universitat Politècnica de València, que cuenta con más de 1.400 ejemplares y cuya catalogación abarca desde el inicio de los años 60 del pasado siglo hasta nuestros días, y atiende tanto al libro de artista, como a publicaciones especiales, revistas experimentales, libro ilustrado, poesía visual o cualquier obra realizada por artistas en formato libro. 

Text [no text] es una selección de la citada biblioteca, una parte representativa escogida cuidadosamente por Antonio Alcaraz, que es además, autor de varios libros de artista y director del Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes San Carlos, departamento desde el que viene impulsado la incorporación de la tipografía móvil a la creación de nuevas ediciones desde mucho antes de hacerse cargo de la dirección del departamento.  La selección, contempla libros de muchos de los citados autores, y oportunamente muestra -tal vez- la parte más histórica de la colección que ayuda a comprender los orígenes del Libro de Artista y su verdadero peso en el contexto de la creación contemporánea del s. XX.

En referencia al catálogo de la exposición, diseñado por Didac Ballester y Nacho Pérez, evoca al Libro de las horas negras (1470) de la colección The Morgan Library & Museum. El fondo y cantos en las páginas que reproducen las imágenes está en negro. En cuanto a la portada, en absoluto negro azabache mate destaca gofrado el título en mayúsculas: TEXT [NO TEXT] LLIBRES I PUBLICACIONS D’ARTISTA. COLECCIÓ UNIVERSITAT POLITÈCNICA DE VALÈNCIA. A la portada le siguen cuatro páginas con fondo negro consideradas de cortesía, dos de ellas con pequeños titulares con las letras en blanco sobre negro. Se echa de menos un colofón que indique la tirada, tipo de papel, gramaje y otros detalles, también algún cambio de ritmo en la progresión de imágenes página a página dentro de su excelencia.

Portada del catálogo de Text [No Text] realizada con iluminación lateral. En la imagen se aprecia la letra gofrada. Fotografía Vicente Chambó.

La exposición ‘Text [no text]’ tiene su génesis en 2018 para complementar el Festival del Libro Sindokma de aquel mismo año. Sindokma, reúne en el Centre Cultural La Nau, sellos editoriales independientes de autoedición, fotolibros, libros objeto y todo tipo de Libros de Artista coincidiendo con uno de los fines de semana de finales de octubre cada año, y en 2020 celebrará su V edición. Se intuye interesante poder sincronizar agendas para sumar entre este tipo de eventos y proyectos expositivos.

Vicente Chambó

‘El día más corto’ se hizo aún más corto


La ruta más corta
Día internacional del cortometraje
Granissat Estudi Creatiu
Calle Lepanto, 14, 46008 València
21 de diciembre de 2019

L’ Estudi Granissat de València acoge seis cortometrajes de animación durante el día más corto del año, en este caso, fue el sábado 21 de diciembre. De hecho, el festival recibe el nombre ‘El día más corto’ justamente por esta razón de coincidir con el solsticio de invierno.

Durante la velada, tanto los más pequeños como los propios adultos disfrutaron de una serie de cortometrajes de animación y diseño gráfico que pretendían educar en valores, divertir y, sobre todo, que todo el público encontrase la moraleja.

Niños y adultos disfrutando de la proyección de cortometrajes. Fotografía: Irene Valdés.

Desde personajes fabricados con cartón y papel, hasta otros diseñados con tecnología digital, se mostraron historias de todo tipo que dejaron a los más pequeños con ganas de más, y a los adultos, pensativos.

Entre sus autores encontramos a la directora Rosa Peris que, con su hermana, Mercedes Peris, dieron a conocer el proyecto que estuvo a las puertas de la nominación de los Goya, y en el que se aprecian los movimientos de sus personajes realizados con lápiz en combinación con herramientas de programas de edición y animación. En este cortometraje no hay diálogo entre personajes ni voz en off, pero simplemente, no la necesita, los bocetos y escenas que la componen hablan por sí solos, aparte de la música que acompaña y los efectos de sonido que la caracterizan.

Fotograma del cortometraje ‘Tututu’, de las autoras y hermanas Rosa y Mercedes Peris. Fotografía: Irene Valdés.

Otro de los cortometrajes, de Andreu García, bajo el título ‘La ballena y la gambita’, está realizado mediante materiales que podríamos encontrar cualquiera de nosotros por casa para hacer manualidades, y pretende enseñar varias lecciones. La primera de ellas, que con cualquier objeto o material, podemos crear un teatrillo; y que a pesar de que las personas seamos de una forma con determinado carácter, se puede cambiar y mejorar la actitud y comportamiento, y por último, que tu peor enemigo puede convertirse en tu mejor aliado y compañero de aventuras.

Asimismo, mediante el cortometraje perteneciente a Silvia Mañes titulado ‘Cazando gamusinos’, nos damos cuenta de que la familia es lo más importante y que, a pesar de que a veces tengamos que sufrir acontecimientos que no nos gustan, estando juntos siempre saldremos adelante. Mediante imágenes de animación, vemos como un niño intenta cazar gamusinos y, no solo eso, sino que también lucha contra ellos para poder recuperar el colgante que su padre tiene igual que él.

Por otro lado, ‘El camello Kabul’, de Andreu García muestra mediante materiales tan sencillos como lo son el papel, el cartón o el fieltro, entre otros, y con técnicas de papiroflexia, una buena cantidad de moralejas. Ejemplo de ellas es que cuando una persona se burla de otra lo hace por envidia o indiferencia; que cuando te propones hacer algo y lo intentas día tras día, consigues tu objetivo. Por último, también refleja la importancia de la familia, no solo en personas, sino también en animales, concrétamente en camellos.

Fotograma del cortometraje ‘El camello Kabul’, de Andreu García. Fotografía: Irene Valdés

Del mismo modo, en ‘Bita y Cora’, un corto de Vicente Mallols, se muestran niños, animales y extraterrestres, además de las nuevas tecnologías a través de personajes aparentemente hechos con plastilina. El objetivo de la protagonista es ir al planeta Ciruela para hacer nuevos amigos y explorar nuevos lugares, pero se quedan sin energía en la nave. Sin embargo, aparecen los “elms’’, de los que podemos decir que tienen luz propia, tanto literalmente porque brillan, como porque ayudan en todo momento a la niña a conseguir energía de una piedra preciosa, y se hacen amigos. Aquí vemos como un desconocido puede aportar inseguridad al principio, pero en cuanto te regala un poco de confianza, puedes considerarle una persona buena que te ofrece su ayuda sin pedirte nada a cambio. 

Mercedes Peris presentando el cortometraje ‘Tututu’. Fotografía: Irene Valdés.

Finalmente, inmersos en fechas navideñas, ‘Vs. Santa’, de Raúl Colomer y Aitor Herrero, fue la guinda del pastel. En este corto vemos como, en Nochebuena, una niña solitaria está jugando en su casa cuando descubre un regalo de Santa Claus. Al rechazarlo comienza una batalla con Santa, que intentará con todas sus fuerzas que la pequeña acepte un regalo. Tras el destrozo de toda la casa de la niña y la tristeza que siente Santa Claus, éste último le da el mejor regalo que ella podría tener: estar con su padre -que es piloto de avión- durante las navidades. Sin embargo, este acto tan aparentemente bonito… traerá consecuencias algo adversas, pues ¡es Santa quien pilotará los aviones!

Sin duda, el día más corto del año se hizo aún más corto, y eso sí: largo en didáctica, pues la gente de diversas edades pudo disfrutar de una actividad diferente que lleva aparejada una sonrisa. La recompensa llegó en forma de fuertes aplausos para los creadores de los cortometrajes.

Irene Valdés

“HAMLET” POR UN SOLO TITIRITERO

“Hamlet” de Bambalina Teatre Practicable
Espectáculo en gira

Después del gran éxito que obtuvieron sus dos montajes más recientes; “La Celestina” y “Fausto”, la compañía Bambalina Teatre Practicable estrenaba el pasado 7 de agosto en el festival Sagunt a Escena “Hamlet”, una de las tragedias shakespeareanas más conocidas.

En la nueva producción, dirigida por Jaume Policarpo, se imponía una considerable limitación técnica al reducir el elenco a un único actor/manipulador, Jorge Valle, que debía asumir la interpretación de los numerosos personajes que recogía la adaptación de Policarpo.

Jorge Valle destacaba por la expresividad de su interpretación; sus manos pasaban de conformar un personaje a otro con una sorprendente agilidad y su voz se adaptaba y modulaba ante una sucesión constante de títeres. Pero la dificultad de mantener durante una hora y media una representación de un ritmo tan trepidante, y de abarcar la manipulación de diez marionetas, se volvía excesiva para un solo actor. De este modo, todo entraba en un cierto código humorístico que desdibujaba necesariamente la carga trágica y la profundidad de la obra y sus personajes. Por otro lado, el considerable esfuerzo físico y psíquico del intérprete, provocaba una especie de angustia en el espectador, una sensación que iba aumentando progresivamente, y que solo parecía acabar con el final de la representación y el descanso del actor.

Fotografía tomada de la representación de «Hamlet» de Bambalina Teatre Practicable.

La escenografía se articulaba como una especie de carrusel giratorio, conformado por una estructura metálica y sencillamente adornado por unas tiras de tela que cubrían el techo. El dispositivo contaba con una especie de barra central de la que colgaban los títeres cabeza abajo, de tal modo que Valle tan solo necesitaba elevarlos y colgarlos de unos enganches superiores para que el público los viera. Jaume Policarpo, también escenógrafo de la obra, nos presenta un mundo giratorio, una estructura que no deja de dar vueltas de un lado a otro entorno a un mismo eje. Es casi un tiovivo, un carrusel en el que no se avanza hacia ninguna parte. Tan solo en ciertos momentos, los personajes pueden salir de esa rueda infernal, e incluso observar su giro desde fuera.

Vista de la escenografía creada por Polisario para «Hamlet».

Durante la representación, eran frecuentes los juegos entre realidad y ficción, se señalaba que aquello que estaba ocurriendo en escena era en verdad una historia, una narración contada por un actor. Este mismo juego está en la obra de Shakespeare, hay una ficción y una realidad que se confunden, que se entremezclan; la ficción es a veces un modo de clarificar y mostrar la realidad, una realidad que es al mismo tiempo un fingimiento y una mentira. Tan solo en un momento, Valle se despega del títere, ya no confiere su voz a una marioneta, a una máscara, ya no hay un rostro que se oculta tras un rostro, es Hamlet dejando la comedia.

Fotografía tomada de la representación de «Hamlet» de Bambalina Teatre Practicable.

La compleja restricción que se impuso Policarpo, a pesar de estar llevada con sorprendente maestría dada la hazaña impuesta, tal vez se volvió un reto de excesivo riesgo, que implicó la perdida de aspectos fundamentales de la obra en favor de una proeza que, al fin y al cabo, tampoco aportaba un valor significativo. Puede que, en un deseo por esencializar la sumamente compleja tragedia shakespeareana, abarcándola desde la simplicidad más absoluta, se haya acabado perdiendo en la esencialidad misma de la obra que tanto se perseguía.

A pesar de todo ello, y como en todas las representaciones de Bambalina que haya podido ver, conseguían momentos de una singular belleza e ingenio. Me fascinaba la forma de aprovechar el espacio y de disponer los objetos en él. Con pocos recursos simulaban un universo rico y complejo; las imágenes se perfilaban en la mente del espectador, mientras que su imaginación se desplegaba al amparo de una representación que estaba cargada de ternura y de verdad.

Sofía Torró Álvarez.