La biografía ilustrada de Amy Winehouse

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019)

Jueves, 14 de noviembre 2019, 19 h. en Splendini C/ Segorbe, 10, Valencia

Presentación en Valencia de «Amy Winehouse. Stronger Than Her» (Lunwerg, 2019), la primera biografía ilustrada de la leyenda británica, escrita por la valenciana Susana Monteagudo e ilustrada por María Bueno (aka Pezones Revueltos).

La páginas del libro van más allá del mito y la artiasta para dar a conocer a lector los entresijo de una vida compleja que ayudarán a descubrir a la persona detrás del personaje y la celebridad. Desde su más tierna infancia hasta su difícil adolescencia, los incios de su carrera, sus referentes, su estilo definido, su voz, sus éxitos y reveses, su discografía, sus esfuerzos y su exploración hedonista. Los claroscuros de la fama, el amor y el desamor, las noches interminables en los pubs de Candem, la insoportable soledad, el acoso de la prensa, sus peligrosas dependencias y excesos… Todos los capítulos de una leyenda que se fue forjando poco a poco a través de un largo y duro camino a pesar de su fallecimiento con tan solo 27 años.

Portada del libro

Tras la presentación oficial en Madrid el pasado 5 de noviembre, esta biografía publicada por Lunwerg se dará a conocer en Valencia a través de un coloquio en el que participará la autora del mismo, Susana Monteagudo (Valencia, 1975) junto a dos periodistas especializadas, Corina Preciado -en música y eventos- y Maite Sebastiá -en moda y estilo de vida-. Juntas ofrecerán su personal visión sobre el legado y trascendencia de la figura de Amy Winehouse.

El acto tendrá lugar el próximo 14 de noviembre a las 19h en Splendini (Segorbe,10) un lugar idóneo, en el que es habitual escuchar el mejor jazz y soul, estilos por los que la británica sentía predilección.

«Las mujeres estamos encontrando el sitio»

#MAKMAEntrevistas | Carmen Machi (Premio de Honor del IV Festival de Cinema Antonio Ferrandis de Paterna, València)
Octubre de 2019

“Hoy por hoy, las mujeres estamos encontrando el sitio. En gerundio, porque el recorrido es largo’’

El trabajo actoral que lleva realizando Carmen Machi desde que era pequeña se ha visto reflejado en el galardón de honor que recibió el pasado 19 de octubre de 2019 en la IV edición del Festival de Cinema Antonio Ferrandis. “Una trayectoria llena de momentos de felicidad, de gloria en el mejor de los sentidos, por compartir con ciertos compañeros, por trabajar con ciertos directores, por viajar, por estar en un momento como el de hoy, recibiendo un premio que simboliza a lo que te dedicas, que te recuerda a qué has entregado tu vida porque has querido. Es difícil destacar un momento porque todos son especiales. Y hoy es uno de esos momentos’’, ha declarado la actriz madrileña.

El festival le pidió a la intérprete que eligiese una película importante para ella y, a ser posible, alguna que tuviera algo relativo a la Comunidad Valenciana, y así lo hizo. Eligió ‘La puerta abierta’ (Marina Seresesky, 2016), porque, además de ser una película con escenas en València y Cullera, está llena de momentos felices y tristes, esto es, emociones que le hicieron posicionarla en el pódium de sus películas favoritas y porque, visionándola como espectadora, le parte el alma, la deja demolida. “La película es optimista, pero hay algo asolador en la soledad de un vacío, de un no futuro. Rosa ha decidido plantear su vida como una prostituta y tú como espectador la ves y dices: ¡jolín, qué cosa tan triste! Pero ¡haz algo! ¡Espabila! ¡Muévete!’’.

Carmen Machi. Fotografía: Uiso Crespo (Discipuli.es)

Porque, como la propia actriz comenta, “es muy complicado ponerse en la piel de cada ser humano’’, no se puede generalizar en la prostitución. Ese es el motivo por el que tanto le gustó el enfoque que le dio la directora y guionista de la película, Marina Seresesky, puesto que el público está viendo al ser humano que se pone tacones y falda por la noche y sale a conseguir dinero para comer, porque ser prostituta también es una manera de vivir.

Durante la entrevista para MAKMA tras la proyección, lanzo esta pregunta al aire: «¿Qué es más difícil para el equipo técnico y artístico de las películas, hacer reír o hacer llorar?»

Carmen Machi responde asegurando que ambas son igual de fáciles, o igual de difíciles, pero que lo importante está en el propio trabajo actoral; lo que de verdad importa es que el espectador se crea que lo que está viendo es real, que se introduzca en el mundo de los personajes que lo interpretan, que se emocione, porque por eso paga y ese es su cometido. Un actor, por regla general, no nace siendo cómico. Ni tampoco siendo dramático. Ambos extremos se trabajan con gran exactitud y dedicación, con un gran control sobre el tiempo, el ritmo, la escucha, el timing, el gag, el objetivo en ese momento, la pausa; la clave está en llevar a cabo un trabajo constante y diario que produzca emociones. Para constatar esto, acudamos a la regla que Machi comentó: «Hay una regla en teatro –que yo la creo hasta cierto punto– que es que ‘el actor que llora en teatro, mal actor cuando hace drama’. Tú no tienes que llorar, tiene que llorar el espectador».

Y es que, si nos paramos a pensar, la vida es risa y llanto todo el tiempo. Aunque a veces se haga algo de manera innata, siempre se hace caso a lo de dentro, el corazón manda, el cerebro manda, el ser humano es una bipolaridad continua, e igual pasa con la construcción de un personaje a la hora de actuar.

No obstante, Carmen Machi no necesita basarse en nadie, consigo misma se basta y se sobra, porque, como deja patente, eso te condiciona, te hace que te olvides de ti y de tus defectos, intentando seguir a otros. Mas por supuesto que tiene referentes personales y técnicos, porque, al fin y al cabo, son trabajos en sintonía con personas que se han quedado en su retina de manera permanente, tales como Amparo Baró o el mismísimo Antonio Ferrandis, de los que ha mamado y admirado mucho esa forma de trabajar de “tonterías las justas, vamos al grano y siempre con mucha verdad’’.

Carmen Machi e Irene Valdés en un momento de la conversación. Fotografía: Uiso Crespo (Discipuli.es)

Esto lo apoya, por otro lado, con el argumento de que “querer logar la perfección es una estupidez; el ser imperfecto, el estar en el camino del aprendizaje es lo que te hace evolucionar, y si crees que ya has llegado a la excelencia, ¡menudo aburrimiento! Y esto, ¿quién te lo va a aportar? Pues fácil, gente muy mayor, con la sabiduría de decirte: ¡Equivócate!, y gente muy joven que se equivoca sin quererlo y hace arte’’. Eso para la actriz, esa mezcla heterogénea, le ha hecho enriquecerse tanto a nivel profesional como personal.

Para finalizar la entrevista se le planteó una difícil pregunta: “¿Cómo describirías en dos o cuatro palabras el oficio de ser actriz?’’. A lo que ella respondió: “Pasión, felicidad, amor a algo y ser un gran mentiroso, sin dejar atrás la timidez, porque hay que diferenciar bien la persona que actúa del personaje que se interpreta, hay que ser muy tímido para luego tener el arrojo de ponerte la máscara y ser valiente’’.

La penúltima pregunta y cuya respuesta fue la más escueta (no por nada, sino porque no necesita decirse nada más), fue dedicada a Luis García Berlanga, referente por excelencia del cine valenciano y español. Carmen Machi siempre tiene una sonrisa profunda, pero al nombrar a este increíble director se le iluminó la cara, ya que estamos hablando de palabras mayores. Ella cree –y, posiblemente, esté en lo cierto– que no hay ni habrá absolutamente nadie en el universo que pueda hablar mal a nivel artístico o que no hable con admiración del señor Berlanga, y que eso pocas personas lo han conseguido. «Berlanga y Dios están casi a la misma altura», prosigue, «porque es único, ha conseguido transcender a lo largo de la historia y lo seguirá haciendo en la vida. No hay nadie como él y todo el mundo quiere igualarse, siempre con mucho respeto».

Sabemos que a la actriz, ganadora del premio honorífico del festival de Paterna, le encanta València –sobre todo los restaurantes de Quique Dacosta–, y nos ha chivado que probablemente vuelva a la ciudad de la mano del teatro porque empezará gira el año que viene.

Carmen Machi en la entrevista con MAKMA
Carmen Machi e Irene Valdés durante un instante de la entrevista. Fotografía: Uiso Crespo (Discipuli.es)

Irene Valdés

Datura 4, aussie-rock de élite

Datura4
Martes 8 de Octubre del 2019
22:00 horas
Loco Club
C/Erudito Orellana nº 12 de València

Imagen promocional del último disco de Datura4

En el 2015 nos sorprendió toda una institución rocanrolera australiana como Dom Mariani (conocido por su pasado con DomNicks, Summer Suns, Stoneage Hearts, Someloves, The Majestic Kelp, y muy especialmente con The Stems, DM3 o en solitario) con otro nuevo proyecto musical llamado Datura4. Su debut se tituló «Demon blues», un auténtico y diabólico manjar de hard-rock setentero, powerpop, blues progresivo y psicodelia.

Un año después volvieron a demostrar su poderío en una línea similar con «Hairy mountain». Y ha sido durante el año en curso cuando han completado una gran trilogía con «Blessed is the boogie» donde han presentado algún cambio en la formación inicial, repitiendo Stu Loasby (Jack and The Beanstalk, The Majestic Kelp,…) al bajo, y Warren Hall (The Drones, The Volcanics,…) a la batería, e incorporándose Bob Patient (teclista) y Joe Grech a la guitarra en sustitución de Greg Hitchcock. 

Cartel promocional de la gira de Datura4

Este último disco es un trabajo capaz de conectar detalles clásicos de nombres como Led Zeppelin, ZZ Top, Canned Heat, The Saints… Será presentado en cinco ciudades (València, Granada, Sevilla Madrid y Hondarribia) durante la primera gira de esta superbanda por España. Muy altamente recomendable. 

Juanjo Mestre

Muere Joan Cardells, el artista «febril”

Joan Cardells, fundador junto a Jorge Ballester de Equipo Realidad, falleció el pasado sábado 6 de julio (2019) de forma «inesperada», según informaron fuentes cercanas a la familia. Con él se va un artista que, como recordó en la entrevista realizada con motivo de su exposición ‘Grafitos’, en la Galería Punto hace cinco años, trabajaba con enorme pasión. No sabía de las medias tintas, sino de volcarse por completo en una obra que ahora deja por razones ajenas a su voluntad. Una voluntad de hierro que su muerte funde, dejando un gran vacío en el mundo del arte. A continuación reproducimos tal cual, el artículo publicado en Makma con motivo de aquella muestra.

Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.

Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.

A Joan Cardells le obsesiona el dibujo. Y se nota. La serie de grafitos que expone en la galería Punto de Valencia refleja esa elocuencia de lo que inspira pasión. Tanta, que desborda su obra, lo cual se hace patente cuando el propio artista se arroja a la tentativa de explicar su trabajo. Entonces, al igual que le sucede con sus dibujos, Cardells va tirando del hilo de la memoria para tejer un discurso que no tiene desperdicio. “No se puede trabajar con 36,5, sino en estado febril”. Ese “relámpago en la frente” que le hace seguir el rastro de su obsesión, ese “estado furioso” que reclama como necesario para la creatividad, “aunque no se refleje luego en la obra”, es el que hace de Joan Cardells un artista en estado puro.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto

Todo aquello que venga a distraer el objeto de su pasión, queda en un segundo plano. No es que la bajada del IVA no le importe: “Me parece secundario, frente a lo principal que es la emoción, que algo por encima de todo te motive”. O que el IVAM le resbale: “La diferencia entre el IVAM actual y el anterior no la he estudiado, pero en todo caso es importante que el IVAM siga existiendo”. O que las promesas políticas le traigan sin cuidado: “Hubo mucho progre deseoso de atender a la cultura, que luego ha demostrado ser fingimiento”. Pero todo eso resulta secundario, cuando aparece la fiebre motivada por el dibujo. “Lo que va a pasar 10 centímetros después del lápiz, es lo que estimula”.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Si hay algo que a Joan Cardells le enerva sobremanera es, precisamente, la incapacidad para salir de los compartimentos estancos a los que nos conduce la ideología. “Yo lo que pido es que se sea menos gregario”. Y apela a la soberanía, pero una soberanía “individual, que es la más costosa”. Soberanía que, en su caso, ha ido alcanzando por la vía del lento aprendizaje. Ninguna prisa de por medio. ¿Para qué correr cuando el lápiz te abre a cada paso las sendas del estímulo por las que Cardells transita? “Uno siempre busca el placer de pintar”. Eso y la revancha de la que habla, refiriéndose a los 14 grafitos y tres esculturas expuestos en la galería Punto, a modo de ajuste de cuentas con esa primera etapa de aprendizaje cuya impresión es de fracaso.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

“Me gusta fabricar imágenes con el menor instrumental posible”. Y, a la manera zen, Joan Cardells va construyendo una obra minimalista que se eleva y eleva de forma tan imperceptible como prodigiosa. “Con lápiz y papel puedes hacer todas las cosas del mundo”. Y en su mundo hay “querencia por el bodegón” y por la “evocación de los olores de los mercados, de las tiendas”. En el fondo, Cardells recuerda que la materia prima con la que trabaja es “la memoria”. Y su memoria le lleva a todos esos lugares que, como una simple ferretería, encandilaba sus jóvenes sentidos al contemplar ollas, pucheros y los más variados recipientes, que luego han ido formando parte indisoluble de su trabajo.

“Combino lo orgánico con lo industrial”. Olivas, odres, gallos, patos, es decir, “el clásico bodegón español”, que le ha servido como “reto de aprendizaje”. También hay algo en sus grafitos de “coreográfico”, por aquella “tendencia a bailar” que Cardells observa en los objetos de su pintura. “Y el gusto por el gris”, subraya. Esa “reducción al blanco y negro” tiene mucho que ver de nuevo con esa “vuelta al mundo del aprendizaje”. No es que haya renunciado al color, pero aquel color del Equipo Realidad, que formó con el recientemente fallecido Jorge Ballester, pertenece a una “época interesante”, que Cardells recuerda sin nostalgia, porque “la de ahora es apasionante”. Una pasión que guía su obra y las palabras que, a modo de revancha, dan cuenta de su largo y fructífero aprendizaje. La fiebre de venganza está, en el caso de Joan Cardells, plenamente justificada.

Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Salva Torres

Motivos para ver en directo a The Waterboys

The Waterboys + Joe Pask
Jueves 27 de Junio del 2019 a las 21:00 horas
Auditori de Burjassot (València)
Entradas: https://www.eventbrite.es/e/entradas-the-waterboys-joe-pask-en-valencia-55272109367

Mike Scott. Imagen de la página de Facebook de The Waterboys

Los motivos para ver en directo a Mike Scott y sus Waterboys son variados y abundantes. El primero sería el que más justificaría esa asistencia. Tendría que ver con que el escocés y su banda jamás decepcionan en directo. Además consiguen momentos épicos inolvidables de comunión y abstracción por parte de los concurrentes, y sus conciertos pasan a tener un rinconcito asegurado en la memoria.

Después, el segundo podría ser la gran cantidad de hits de calidad que atesora su legado discográfico. Siempre se quedarán en la recámara bastantes notorias cantinelas, pero las que suenen lo harán de forma atrayente y alterada respecto a la versión más conocida de las mismas.

Mike Scott. Una de las imágenes promocionales del nuevo álbum.

Como tercera causa podríamos incluir la selección de canciones menos conocidas o más recientes respecto a sus tiempos de mayor popularidad. A buen seguro que quedan bien encajadas en el setlist sin desmerecer unas y otras. 

El cuarto es, por supuesto, la arrolladora personalidad y el carisma en el escenario de Mike Scott, con el ideal complemento de dos fenómenos como Steve Wickham (violines) y el Brother Paul Brown (teclados). 

Imagen promocional de la gira 2019 de The Waterboys. Steve Wickam, Paul Brown y Mike Scott

Llegamos al quinto. Cada publicación discográfica de The Waterboys pretende no vivir exclusivamente de las rentas del pasado y, en la medida de lo posible, intenta innovar o, por lo menos, renovar su amplio abánico musical. Ojo, hablo con admiración de esa valentía a pesar de que a un servidor no le han calado excesivamente sus dos más recientes álbumes «Out of all this blue» (2017) y «Where the cation is» (2019).

Podría seguir aportando más motivos, como por ejemplo la exagerada pasión que despiertan en el caso particular de València por ser uno de los estándartes de esa peculiar nostalgia que en la capital del Turia se ha denominado ‘remember ochentero’, pero considero que The Waterboys va mucho más allá de todo eso al tratarse de una banda más atemporal y de mucho más largo recorrido. 

Portada de «Where the action is» de The Waterboys

En esta ocasión, motiva especialmente ver cómo defienden sus últimas canciones producidas por Paul Weller y Simon Dine, comprobando si mejoran o empeoran en directo, desde esas inspiraciones literarias en Robert Burns o Kenneth Grahamme’s que son respectivamente «Green grow the rashes-o» y «Piper at the gates of dawn», hasta el homenaje a Mick Jones, guitarrista de los Clash, con «London Mick», pasando por «Let’s go baby», adaptación del clásico de Robert Parker o, ya por  encima del resto, ese supertemazo que da título al último álbum «Where the action is», a la altura de sus mejores hits del pasado. 

Tienen previsto pasar por Burjassot (València), San Javier (Murcia), Hoyos del Espino (Avila) y Madrid durante el mes de junio, y en Julio por el Festival de Pirineos en Huesca. Aquí queda pues un aviso para navegantes, tanto para noveles admiradores como para fans incurables de esos de toda la vida.

Juanjo Mestre

Memoria del desarraigo

VIII FESTIVAL DE LA IMAGEN DE AMÁN.
‘MEMORIA DEL DESARRAIGO’
Rocío Villalonga.
Comisaria: Linda Al Khoury (Directora del Festival de la Imagen de Amán)
Instituto Cervantes de Amán
Hasta el 30 de mayo de 2019.

A partir de una acuciosa revisión de ciertos vídeos grabados en Super-8 por su padre, durante sus viajes por diversas ciudades, Montevideo, Nueva York, Londres, etc. en la década de los 60, lejos de la pretensión de convertir ese material en postales turísticas, Rocío Villalonga muestra una ciudad construida por acumulación. Se trata de imágenes comunes que deconstruye para conformar un discurso crítico a la sociedad urbana moderna. Dentro de estos discursos artísticos tenemos a Walter Benjamin que reliza una crítica urbana también apoyada en las vivencias directas de la ciudad. Para la artista, al igual que Benjamin, la fotografía es una representación reproductible capaz de ir más allá de la contemplación pasiva y ritual de las élites. La fotografía como un medio de masas cuyo papel indudablemente puede contribuir a la construcción de conciencia (Benjamin, 1936).

Vista de la instalación de ‘Memoria del desarraigo’ de Rocío Viollalonga. Imagen cortesía Instituto Cervantes de Amán.

En esta ocasión, Rocío Villalonga, en un constructo de un poema visual apocalíptico, muestra la heterogeneidad y dispersión de signos identitarios que se velan, empleando para ello la fragmentación y la imagen velada y superpuesta que configura el imaginario de una memoria de desgarro, silencios recuerdos y olvidos. Memoria del desarraigo es un grito de la artista para mostrar la desposesión del que se traslada en un desencuentro de raíz con su yo. Se trata de fragmentos velados, acumulaciones, deconstrucciones de ciudades y personajes desposeídos de su identidad que dan muestra de la soledad, la incomunicación y el aislamiento dentro de unas urbes activas y superpobladas.

‘Lost identity’, Rocío Villalonga, ‘Memoria del desarraigo’. Imagen cortesía Instituto Cervantes de Amán.

La muestra se construye a modo de instalación en la que la ciudad se presenta informe, amontonada. La artista recurre a aquellas películas analógicas rescatadas que proyecta y superpone para crear un vídeo en el que la presencia suya está presente en un audio de acumulaciones, su respiración, la manipulación de proyectores, voces y radio. A partir de ello reproduce los fotogramas que en forma de instalación se ordenan y superponen. Las películas registran espacios urbanos sin sentido explícito, aparentemente no formulados, como proceso de amontonar experiencias temporales, en un sentido visual particular, sin énfasis en nada único. Se trata de la misma mirada que como espectadores tenemos en la ciudad, tonde los objetos dispersos y sin orden aparente se acumulan en nuestra retina. Repetición de lo común, donde se explora las estructuras de poco sentido y el vacío urbano-humano dentro de la acumulación. Pero más allá de la ciudad como infraestructura, la autora nos quiere incidir en el aspecto humano-deshumanizado de ese hábitat. Para ello se centra en entablar relaciones con personas que habitan en su ciudad de procedencia y situación diversa. Todos ellos poseen un rasgo en común, el sueño emancipatorio truncado. Protagonistas del desarraigo, deconstruyen sus vidas para construirlas de nuevo en una nueva realidad diletante, en la que el yo y el otro se funden en un instinto de supervivencia. Es la necesidad de fusionarse en una nueva realidad la que desfigura su YO a través de la relación con el otro.  Rasgos en común que configuran retratos del que no pertenece a ningún lugar, identidades acumulativas, la suma de las opciones no elegidas, las prioridades sin definir, las contradicciones perpetuadas. Unas imágenes que la autora trabaja con mimo y respeto para luego deconstruirlas en una de las obras que aquí presenta con la fusión de fragmentos y en otra con rostros velados por la sobre impresión en tul de seda como metáfora del velo que la propia dinámica de la ciudad impone al que no pertenece a…

Vista parcial de ‘Memoria del desarraigo’ de Rocío Villalonga. Imagen cortesía Instituto Cervantes de Amán.

La acumulación como algo característico del espacio urbano resultante de una modernización fragmentaria e insensible, es la que configura esta serie artística Memoria del desarraigo que Rocío Villalonga presenta por primera vez en el Instituto Cervantes de Aman.

El proyecto, forma parte de las actividades del Festival de la Imagen de Amán organizadas por Darat Al-Tasweer en colaboración con numerosas instituciones, entre las que se cuenta el Instituto Cervantes de Amán, la Embajada de España y la Galería Nacional Jordana de Bellas Artes.

Antonio Lázaro
Director Instituto Cervantes de Amán

El mundo de Dave Kusworth

Dave Kusworth Group + Stratos
Miércoles 10 de abril del 2019 a partir de las 21:30 h
Sala 16 Toneladas
C/ Ricardo Micó, 3 de Valencia
Entrada 12€ anticipada (www.movingtickets.com); 15€ taquilla.

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Imagen contraportada ‘The world of Dave Kusworth’

Otra extensa gira por España del maldito dandy británico Dave Kusworth sirve para dar a conocer el legado de uno de los músicos de culto más adorados entre crecientes minorías de privilegiados.

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Imagen extraída de la página de Dave Kusworth

Desde el año 1984 anda el de Birmingham repartiendo ese sonido tan especial que le caracteriza, entre rosas, licores y sonidos que evocan a los Faces, los Stones, Marc Bolan…

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Cartel del concierto de Dave Kusworth en sala 16 Toneladas

Primero fue junto al inolvidable Nikki Sudden formando el mítico grupo The Jacobites. En el más reciente recopilatorio «The world of Dave Kusworth» que está presentando en esta gira española por Barcelona, Tarragona, Pamplona, Donosti, Santander, León, Valencia, Albacete, Madrid y Alicante se encuentran algunas de las piezas más importantes de aquel período, como «Pin your heart to me», «Shame for the angels»…

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Portada del recopilatorio «The world of Dave Kusworth»

Junto a los Bounty Hunters, los Tenderhooks, los Tuppers o su más personal Dave Kusworth Group tras la muerte de Nikki forman el grueso de un álbum al que le falta mucho material del calidad que atesora este músico pero suficiente para tener una idea de su nivel o, por supuesto, para apoyarlo viéndolo en directo.

Juanjo Mestre

La narración como antídoto contra la ignorancia

Xats a la Fundació
Susan Orlean y Marta Robles
Fundación Bancaja
Plaza Tetuán, 23. Valencia
Miércoles 27 de marzo de 2019

La escritora estadounidense Susan Orlean y la periodista española Marta Robles han mantenido un encuentro con motivo de su participación en la segunda sesión de Xats a la Fundació, ciclo organizado por los fundadores del festival VLC NEGRA y la Fundación Bancaja. El encuentro ha contado también con la participación de la responsable de Cultura de la Fundación Bancaja, Laura Campos, y el director de Xats, Jordi Llobregat.

Ambas escritoras y periodistas han debatido sobre ‘La maldición de la ignorancia’, intercambiando opiniones sobre la importancia del conocimiento y las consecuencias que conlleva su falta. Asimismo, profundizaron acerca del «poder que tiene la narración como antídoto al peligro de la ignorancia, y también en el importante rol que juegan los periodistas como embajadores de la curiosidad’’, apuntó Susan Orlean.

Marta Robles, por su parte, habló del novedoso formato de Xats a la Fundació, que pone en común a escritores y profesionales de otros ámbitos para debatir sobre temas de nuestro entorno: ‘’Este tipo de encuentros nos permite abordar cuestiones tangenciales al mundo de la cultura o la literatura y analizarlos desde diferentes visiones, contrastar puntos de vista y descubrir nuevos enfoques’’.

Susan Orlean y Marta Robles, en el centro de la mesa, durante el encuentro de Xats a la Fundació. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Susan Orlean y Marta Robles, en el centro de la mesa, durante el encuentro de Xats a la Fundació. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Susan Orlean (Cleveland, 1955) alcanzó la fama en 1998 con la obra ‘El ladrón de orquídeas’, publicado en España en 2001 por Anagrama y llevada al cine en 2002 bajo el título ‘Adaptation’. Trabaja para la revista The New Yorker desde 1982 y ha publicado artículos en Vogue, Rolling Stone, Esquire y Outside. Es doctora honoraria de la Universidad de Michigan desde 2012 y obtuvo una beca Guggenheim en 2014.  Su última novela, que acaba de ser publicada en nuestro país, es La Biblioteca en llamas (Temas de hoy, 2019), que narra un suceso extraordinario pero real: en 1986 tuvo lugar el mayor incendio de un edificio público de la historia de Estados unidos. Un suceso que pasó desapercibido porque coincidió con la catástrofe nuclear de Chernóbil.

Marta Robles (Madrid, 1963) cuenta con una extensa carrera a sus espaldas, que se inició en 1987: ha trabajado en radio, prensa escrita y televisión, tanto en programas de entretenimiento como en servicios informativos. Ha pasado por la Cadena Ser, Onda Cero y Punto Radio, Antena 3, Telecinco y Telemadrid y ha colaborado en Man, Woman, Panorama, Elle o la Vanguardia. Es cofundadora de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión, y ha recibido varios premios a la comunicación, como el TP de Oro en 1995 y la Antena de Oro en el 2000. Desde 1991 ha publicado catorce libros entre ficción y no ficción. Ha sido finalista del Premio Silverio Cañada de la Semana Negra de Gijón por A menos de cinco centímetros (Espasa, 2017). La mala suerte (Espasa, 2018) es su última novela.

Si en XATS #01 se habló de la ausencia de verdad a través del tema ‘Sobrevivir a la posverdad’, en el XATS #02 se ha querido denunciar la ausencia de conocimiento y las consecuencias que ello acarrea. Y para ello se aprovechó la temática de la última novela de Susan Orlean: el incendio de la biblioteca de Los Ángeles, que calcinó medio millón de libros y afectó a 700.000 más.

‘La maldición de la ignorancia’ se formula como una pregunta: ¿La cultura nos hace mejores? ¿Para qué sirven los libros? ¿Somos mejores por leerlos? Y si es así, ¿cuántos más leemos mejores somos? No existe una respuesta clara, pero parece que aquellos que desprecian las humanidades están condenados a repetir ciertos errores.

Susan Orlean (izda) y Marta Robles en los Xats a la Fundació. Imagen cortesía de la Fundación Bancaja.

Susan Orlean (izda) y Marta Robles en Xats a la Fundació. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

En el encuentro entre ambas escritoras, se planteó la cultura como una trinchera en la que muchos se parapetan contra la barbarie. «El ser humano es capaz de lo peor: de matar y de perpetuar el mal en nuestro planeta, pero también ha sido capaz de crear leyes justas, de inventar historias que nos hacen mejores y de archivar el saber que ha acumulado desde el principio de los tiempos», aseguraron.

«Pero la cultura, o eso sentimos, está permanentemente amenazada: bien por los fanáticos, por los poderosos, por los que buscan como único objetivo su propio provecho. Vivimos un tiempo en el que la sobreabundancia de información no garantiza, ni mucho menos, el conocimiento. Porque muchos de esos mensajes van dirigidos, precisamente, a fomentar la ignorancia de una población que en muchas ocasiones no es capaz de discernir lo verdadero de lo falso», concluyeron.

Carolina y sus Lil Knife en Dublin

Carolina Otero & Lil Knife
Pub Dublin
Carrer de la Rioja, 38
Platja de Gandía
Viernes 22 de marzo a partir de las 23:30 horas
Entrada gratuita

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Carolina Otero. Imagen perteneciente a la página de Facebook de Mad Robot.

Se aproxima un evento muy interesante, el de Carolina Otero con su banda Lil Knife (Nick Simpson al bajo y coros, Dani Gurrea a la guitarra y Roberto Drum a la batería como sustituto ocasional de Mike Grau) en la zona playera de la capital de La Safor, concretamente en el estupendísimo pub Dublín de Gandía.

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Carolina & Lil Knife.

Allí tendremos como plato fuerte su último álbum, el muy aconsejable «As i fade out» del pasado 2018, un trabajo que supone la continuidad compositiva por parte de Carolina tras el «Diastema girls» del 2015 con The Someone Elses, y que además se añade de forma paralela al «Superfruit», el estimable disco también recientemente publicado con el antes mencionado Mike Grau.

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Cartel concierto Carolina & Lil Knife en Pub Dublin de Gandía

Obviamente será una gran oportunidad para disfrutar de esas canciones que exudan actitud y que abiertamente critican la hipocresia social o la decadencia del sistema y muy especialmente de los medios de comunicación, como «Mad media monster», «Miguel», «We dance to the sound (of a dollar)», «Mango chutney», «Searchin for the spanish stars»… así como otros temas más introspectivos, sentimentales y de desencanto entre un torbellino de guitarras perfectamente organizado que caracteriza a esta banda valenciana. Motivos sobran  para no perderse tan magno evento. Para colmo la entrada es gratuita.

Juanjo Mestre

Carmen Posadas en los encuentros de Cañada Blanch

Encuentro con la escritora Carmen Posadas
Fundación Cañada Blanch
C / Jorge Juan, 4. Valencia
Jueves 21 de marzo de 2019, a las 19.00h

La escritora uruguayo-española Carmen Posadas estará en la sede de Fundación Cañada Blanch el próximo 21 de marzo. Una actividad que se enmarca dentro de la programación conjunta de Casa Mediterráneo y Fundación Cañada Blanch en su apuesta por el impulso de la literatura y cultura entre los países de la cuenca mediterránea con el ciclo #LetrasdelMediterráneo.

Una oportunidad para conocer la vida y obra de la autora de ‘La maestra de títeres’, quien comenzó su carrera literaria en los años 80, escribiendo literatura infantil y juvenil. En 1986 escribió el libro de entrevistas ‘Escena improbable’ en colaboración con Lucrecia King-Hedinger. A partir de entonces no ha parado y ha ido alternando la publicación de cuentos con la de novelas, y también ha escrito guiones de cine y televisión, y dos ensayos satíricos. En total sus obras han sido traducidas a 24 idiomas.

Además, la actividad conjunta de Casa Mediterráneo y Fundación Cañada Blanch seguirá con un encuentro con el escritor Javier Reverte el próximo 17 de abril a las 19:30 horas en el Paraninfo de La Nau. Reverte es un conocido escritor, viajero y periodista, profesión que ha ejercido durante casi 30 años. Tres décadas de vivencias que acercará a los asistentes, dando unas pinceladas también sobre la propia evolución del periodismo.

El periodista aprovechará la ocasión para hablar también sobre sus viajes, tal como se retratan en el documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, una producción de La 2 de RTVE que forma parte de una serie sobre personajes destacados de la cultura española del siglo XX.

Javier Reverte trabajó como corresponsal de prensa en Londres de 1971 a 1973, en París de 1973 a 1977, y en Lisboa en 1978. Articulista, cronista político y redactor jefe de mesa, Reverte fue enviado especial a numerosos países de todo el mundo, trabajando como reportero en el programa En Portada de TVE y subdirector del desaparecido diario Pueblo. En la última década ha publicado numerosos libros de viajes, como ‘El sueño de África’, ‘El corazón de Ulises’ y ‘Canta Irlanda’, donde recoge sus impresiones sobre el país y recorre la historia y leyendas de la isla.

Con esta programación, Fundación Cañada Blanch y Casa Mediterráneo trabajan por incentivar el pensamiento crítico y profundizar en las experiencias de artistas de diferentes disciplinas a través de la música, el arte y la literatura.

Carmen Posadas. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

Carmen Posadas. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.