Celuloide, identidades queer y otras masculinidades

‘Las otras masculinidades en el audiovisual contemporáneo. Identidades queer a través del celuloide’
IV Parlem D’Art 2018
Sala Palmireno (F 3.4)
Facultat Geografia i Història (UV)
Blasco Ibañez 28, Valencia
Jueves 20 de diciembre de 2018
De 10:00 a 14:00

La figura masculina ha estado supeditada desde sus orígenes a una serie de modelos de masculinidad filtrados bajo un prisma heteropatriarcal, el cual ha configurado a través de la pequeña y la gran pantalla los estereotipos bajo los que hoy ponderamos lo masculino.

Identidades queer. MAKMA

El proyecto ‘Las otras masculinidades en el audiovisual contemporáneo. Identidades queer a través del celuloide’, realizado por Andrés Herraiz y Javier Martínez, adscrito en el marco de la IV edición de Parlem D’Art 2018, busca divulgar y sensibilizar los valores de género y sexualidad.

Con motivo de la convocatoria de proyectos para la IV edición de Parlem d’Art, organizada por el Vicerrectorado de Estudios de Grado y Política Lingüística de la Universitat de València a través del Servicio de Información y Dinamización (SeDi), se procede a la elaboración por escrito del proyecto ‘Las otras masculinidades en el audiovisual contemporáneo: identidades queer a través del celuloide’. El título escogido para la propuesta alude a nuestro interés por los productos culturales adscritos a la contemporaneidad, concretamente las prácticas audiovisuales. Medios como el cine, la televisión o el videoclip son capaces no solo de ilustrar, sino de configurar toda una amplia gama de estereotipos a través de la gran y pequeña pantalla. En este contexto se encuentra la figura masculina, cuya producción fílmica ha construido, desde sus orígenes, unos modelos de masculinidad filtrados bajo el prisma heteropatriarcal. El hombre guerrero, el superhéroe, así como el protector de la mujer y la familia, son algunos de los muchos ejemplos varoniles que el celuloide ha configurado desde sus inicios.

Portada del libro 'Violetas de España. Gays y lesbianas en el cine de Franco', de Alejandro Melero (Notorius Ediciones, 2017).

Portada del libro ‘Violetas de España. Gays y lesbianas en el cine de Franco’, de Alejandro Melero (Notorius Ediciones, 2017).

El presente proyecto tiene como objetivo focalizar su estudio en la configuración de las otras masculinidades, es decir, aquellas subjetividades silenciadas y estigmatizadas por los sistemas de poder. Para visibilizar este fenómeno social de alteridad se recurrirá a uno de los mecanismos de control de mayor impacto en la sociedad: los mass media, herramientas que logran filtrar en el imaginario colectivo de manera considerable. A través de la propuesta se demostrará cómo los medios de masas perpetúan el rechazo hacia todas aquellas masculinidades que se alejan de la figura arquetípica establecida por la heteronormatividad. De este modo, se pretenderá exponer que todavía sigue vigente una alteridad en el audiovisual en relación a la figura masculina, perjudicando, así, a la divulgación de los valores de género y sexualidad.

Se pretenden mostrar las consecuencias que ha asumido la figura del hombre desde el sistema heteropatriarcal; un sistema maniqueo donde se asienta el binomio masculino- femenino y cuya impronta es rastreable en la mayoría de dinámicas sociales en las que el individuo se encuentra inmerso. Es por esto que la construcción del yo masculino, así como la de su opuesto, han sido cinceladas a lo largo de los siglos a través de una serie de representaciones y conductas que han terminado por articular toda una serie de mecanismos heteronormativos que definen el crecimiento del individuo y su mundo relacional.

Portada del libro 'Miradas insumisas. Gays y lesbianas en el cine', de Alberto Mira (Editorial Egales, 2008).

Portada del libro ‘Miradas insumisas. Gays y lesbianas en el cine’, de Alberto Mira (Editorial Egales, 2008).

Esta propuesta pretende crear espacios compartidos en los cuales estudiantes e interesados puedan aproximarse al masculino singular. En singular, ya que no se busca atender a las construcciones genéricas y tópicos orbitantes en torno al yo masculino, sino ahondar en cómo estas construcciones se han ido filtrando a través del inconsciente colectivo, dejando su impronta en el audiovisual contemporáneo.

El seminario tendrá lugar el día 20 de diciembre de 2018, en la Sala Palmireno de la Facultat de Geografia i Història, con sendas conferencias: ‘Deseos e identidades gays en el cine del franquismo”, a cargo de Alejandro Melero, e ‘Infancias queer y cine español: Agustí Villaronga’, de la mano de Alberto Mira.

El fin último es poner el acento sobre aquellas subjetividades estigmatizadas a través de los diferentes mecanismos de control ejercidos por los sistemas de poder.

Paco Rabal en una escena de la película 'Llegaron dos hombres' (César Fernández Ardavín y Arne Mattsson, 1959).

Paco Rabal en una escena de la película ‘Llegaron dos hombres’ (César Fernández Ardavín y Arne Mattsson, 1959).

Primer concurso internacional de cine selfie

ESAT Selfilm
Primer concurso internacional de cine selfie
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia
Plazo de entrega: del 5/12/2018 al 4/4/2019

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) convoca el primer concurso internacional de cine selfie. Se trata del primero de estas características. ESAT Selfilm pretende atraer el talento artístico y la creatividad audiovisual en torno a un asunto universal: el autorretrato. Un curriculum vitae ya no tiene por qué limitarse a ser un documento de word. El lema podría ser ‘Preséntate a partir de un audiovisual’, o: ‘Dinos quién eres con un audiovisual’.

Lo hacemos en exclusiva a través de la plataforma  Click for festivals, una nueva herramienta de conexión entre creadores y festivales: una óptima forma de establecer flujos de comunicación entre creadores y profesionales.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología.

Objetivos del concurso
El autorretrato ha sido una práctica constante en el arte -y una práctica imperativa desde que es llamado selfie- pero no así en los productos audiovisuales. Hoy nos encontramos sumidos en el régimen de la Videoesfera y tenemos que participar en ella. Hemos pasado de la Grafoesfera a la Videoesfera sin apenas apercibirnos del cambio.

Desde ESAT proponemos un concurso/festival en el que pedimos que “te presentes”, y no nos importa tanto que lo hagas con una Red One o que lo hagas con un smartphone, como tampoco nos importa la técnica elegida, lo único que buscamos es talento y creatividad. ESAT ha considerado oportuno no imponer restricciones ni respecto al género ni respecto a la técnica. Los participantes sólo tendrán que ajustarse a una duración que oscilará entre el minuto y los dos minutos.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia.

Temática
El autorretrato realizado en formato audiovisual, un selfie audiovisual. El audiovisual debe contener aquello con lo que el autor se siente identificado, donde él mismo sea de alguna forma el protagonista. El selfie puede ser narrado de múltiples formas y a través del género y formato que cada cual estime más oportuno.

Estilo
Ficción, animación, documental, experimental, videoclip.

Plazos
Desde el 5/12/2018 hasta el 4/4/2019. Participación gratuita.

Premios
Un primer premio de 300€ y un segundo de 150€. Se concederán dos accésits sin cuantía económica.

Participa a través de éste link: https://www.esat.es/concurso-selfilm-2018/

El concurso de Cortometrajes “ESAT Selfilm” es una iniciativa creada e impulsada desde ESAT, Escuela Superior de Arte y Tecnología, en la que colabora la SGAE de Valencia. ESAT es una entidad dedicada a la formación especializada en el área de la generación de contenido digital y nuevas tecnologías, con reconocimiento a nivel internacional. El concurso se desarrollará de conformidad con lo establecido en las presentes bases.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia.

ESAT Setfilm. Imagen cortesía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia.

Elogio del amor

Cold War, de Pawel Pawlikowski
Palma de Oro en el Festival de Cannes
Polonia. 2018

‘Cold War’, el sexto largometraje del director polaco Pawel Pawlikowski, es un doble elogio del amor. Un elogio, por una parte, de la pasión amorosa, hasta la muerte, entre un hombre y una mujer y, por otra, de la mirada cinematográfica.

La letra de la canción ‘Cuatro ojos y dos corazones’ simboliza la doble llama de amor, como diría Octavio Paz. La protagonista canta los versos “cuatro ojos y dos corazones que  lloran día y noche”, de manera sensual y a ritmo de folk o de jazz, como metáfora del amor apasionado que une a los dos amantes protagonistas. Un amor que el director transfiere en blanco y negro y con amplias elipsis, con una mirada cinematográfica contenida y austera, sin aspavientos de  cámara, pero a la vez sostenida con una silenciosa  pasión. ‘Cold War’ no es simplemente una historia de amor, es una historia de amor atravesada por la realidad socio-política.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

Los variables y cambiantes acontecimientos históricos que ocurren entre 1949 y 1964 en  Europa están de fondo en la tortuosa relación entre Zula (Joanna Kulig) – cantante y bailariana de un grupo de folk tradicional polaco- y Wiktor (Tomasz Kot) -director y compositor musical-.  Una relación de quince años  vivida con atormentados encuentros y desencuentros en el tiempo y en el espacio, de Polonia a París, de París a Polonia. Encuentros y desencuentros apasionados que el espectador no puede evitar relacionar con la novela de Mario Vargas Llosa, Travesuras de la niña mala.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

La pasión destructora de los amantes se entrelaza, a modo de metáfora, con la fría posguerra de Polonia, con la siniestra sombra del regimen dictatorial comunista y con la incomunicación de la guerra fría, de ahí el título de la película.

El director Pawel Pawlikowski retrata con una apasionante mirada cinematográfica, un amor convulso en un periodo histórico igual de convulso. La historia de ‘Cold War’ rezuma una cierta verdad: cuando los relatos éticos son destruidos, las convulsiones de las pasiones amorosas, al igual que las convulsiones ideológicas históricas, van encarriladas a la tragedia.

Fotograma de 'Cold War', de Pawel Pawlikowski.

Fotograma de ‘Cold War’, de Pawel Pawlikowski.

Begoña Siles

Sectas suicidas, parricidios y serial killers en Filmin

‘Shock Waves’, miserie de cuatro capítulos
Radio Televisión Suiza (RTS)
Filmin
Estreno en exclusiva a partir del 18 de diciembre de 2018

Tras el éxito en Atlàntida Film Fest de ‘Diario de mi mente’, la película de Ursula Meier que forma parte de la serie ‘Shock Waves’ (‘Ondes de choc’ en su versión original), Filmin estrena ahora los cuatro episodios que integran este proyecto de RTS, la televisión pública suiza, y que tiene como objetivo retratar alguno de los sucesos más espeluznantes que han tenido lugar en los últimos años en el que está considerado como uno de los países más seguros del mundo. Si bien Suiza es el cuarto país del mundo en PIB per cápita y se considera uno de los países más desarrollados, con mejor calidad de vida y con un índice de criminalidad de los más bajos del mundo, el horror también ha hecho acto de presencia en los últimos años en el país helvético.

Con tal motivo, en 2018, la Radio Televisión Suiza invitó al colectivo Bande à part, que integran los cuatro reputados cineastas Ursula Meier, Lionel Baler, Fréderic Mermoud y Jean-Stéphane Bron, a llevar a la ficción un suceso que les hubiese marcado profundamente. El resultado es esta miniserie antológica que retrata cuatro crímenes atroces que conmocionaron a la sociedad suiza, sobre todo por la implicación en ellos de niños y adolescentes.

Un instante de 'Sirius', de Fréderic Mermoud, ambientada en la Masacre del Orden del Templo Solar. Fotografía cortesía de Filmin.

Un instante de ‘Sirius’, de Fréderic Mermoud, ambientada en la Masacre del Orden del Templo Solar. Fotografía cortesía de Filmin.

En ‘Diario de mi mente’, Ursula Meier dirige a Fanny Ardant y a Kacey Mottet Klein en la historia de un parricida que le confiesa a su profesora de literatura los motivos que le han llevado a matar a sus padres. En ‘Sirius’, ambientada en la Masacre del Orden del Templo Solar, Fréderic Mermoud fija su calmada mirada en el adoctrinamiento y el fatal desenlace de los miembros de una secta. En ‘Nombre: Mathieu’, Lionel Baier representa la capacidad de resiliencia de un joven, víctima de un criminal en los años 80. Finalmente, ‘El valle’, de Jean-Stéphane Bron, es la realística dramatización de la persecución de un coche en el que viaja un joven ladrón que intenta cruzar la frontera franco-suiza.

“Queríamos mostrar el otro lado de la moneda para sacar a la luz las sombras del país tranquilo y próspero que todos conocemos”, afirma Ursula Meier, cuyo episodio, ‘Diario de mi mente’, se estrenó en el Festival de Berlín y participó con éxito en la última edición de Atlàntida Film Fest, el festival de cine de Filmin.

Sectas suicidas, parricidios, persecuciones policiales y serial killers se dan cita en esta serie de cuatro episodios, para completar una de las creaciones más singulares y atractivas de la televisión suiza en los últimos años.

Kacey Mottet Klein protagoniza 'Diario de mi mente', de Ursula Meier. Fotografía cortesía de Filmin.

Kacey Mottet Klein protagoniza ‘Diario de mi mente’, de Ursula Meier. Fotografía cortesía de Filmin.

 

 

 

 

 

 

La Cabina alcanza los 7.786 espectadores

La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de València
Del 14 al 24 de noviembre de 2018

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de ValènciaLa Cabina, que clausuró el pasado 24 de noviembre su undécima edición, hace balance de los 11 días del festival, único en el mundo en su categoría. Se han proyectado 44 películas internacionales y han pasado por el festival un total de 7.786 espectadores, siendo significativo el aumento en La Filmoteca y el Centre Cultural La Nau con un incremento del 27% y 168%, respectivamente, en comparación al año anterior.

Vista de la entrada a la Filmoteca. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Vista de la entrada a la Filmoteca. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Tras once ediciones, La Cabina se ha consolidado como evento cultural de primer orden en València y como festival internacional de mediometrajes, siendo considerado en Francia por el Centro Nacional de Cinematografía como festival de clase A. La calidad del certamen ya no sólo se refleja en la gran cantidad de obras que se inscriben para participar en él (este año se ha batido el récord llegando a las 512 películas recibidas), sino en el aumento de espectadores en sus secciones a competición: Sección Oficial y Amalgama.

Sara Mansanet, directora del Festival, declaró que estaban “satisfechas de la calidad de las películas que han participado, del aumento de público y de nuestras actividades paralelas. Además, todos los invitados, directoras, directores, productoras, actrices, guionistas, han mostrado su agradecimiento al festival y a la ciudad de València por acogerles. Estamos seguras que sus proyectos tendrán relación con València en el futuro”.

Detalle del cartel de La Cabina. Foto de Pedro Castelo por cortesía del festival.

Detalle del cartel de La Cabina. Foto de Pedro Castelo por cortesía del festival.

Durante el certamen se han proyectado, entre todas sus secciones y actividades, un total de 44 películas internacionales de 14 nacionalidades diferentes (Rusia, Francia, China, Moldavia, Corea del Sur, Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña, España, Noruega, Países Bajos, Portugal, Bélgica y Singapur) y ha aumentado de público con respecto al año anterior, llegando a los 7.786 espectadores.

En la décima edición, La Filmoteca, sede de Sección Oficial, recibió a 1.932 espectadores y en el presente año a 2.450, lo que supone un aumento del 27%.  Por su parte, el Aula Magna del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, sede de Amalgama, ha experimentado el mayor incremento en porcentaje de público, llegando este año a aumentar el 168%. En 2017 acogió a 242 espectadores y en 2018 a 648.

Detalle de una de las sesiones del festival. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Detalle de una de las sesiones del festival. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Para concluir, Mansanet aseveó que este “balance satisfactorio no nos impide ser conscientes de la necesidad de que el presupuesto de La Cabina debe ser aumentado de manera considerable para poder asumir este crecimiento claro del festival con todas las garantías y calidad como hasta ahora hemos demostrado”.

La XI edición de La Cabina ha sido organizada por el Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Diputació de València. Ha contado asimismo con la colaboración del Ayuntamiento de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular.

Público asistente a una de las sesiones del festival. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Público asistente a una de las sesiones del festival. Foto de Pedro Castelo por cortesía de La Cabina.

Lo siniestro del fantasma femenino

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Amores Letales. ‘La boutique’, Luis García Berlanga (1967) y ‘Peppermint Frappé’ (1967),
Carlos Saura
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’ es el título de una de las obras que el pintor Antonio Saura realizó sobre una actriz que, al igual que otros iconos eróticos cinematográficos de mediados del siglo XX, como Marilyn Monroe o James Dean, remite a ser pintada bajo la explosiva estética del arte pop. Sin embargo, para Saura, la espectacular belleza de la actriz quedó plasmada bajo su enérgica, gruesa y oscura pincelada.

Saura pinta en el lienzo ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’, al igual que en los otros de la serie homónima, las palabras del poeta Rainer María Rilke, cuando dice que “lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar”. Refleja así lo terrible que el velo de la belleza y del amor ocultan. Y una vez que este velo se desvanece, lo siniestro, por cruel, horroroso y espeluznante, aparece, tal y como el poeta Schelling lo definió: “Aquello que debiendo permanecer oculto, se ha revelado”.

Retrato imaginario de Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

Retrato imaginario de Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

Si Saura pintó el verso de Rilke en su serie Brigitte Bardot, Luis García Berlanga en ‘La boutique’ y Carlos Saura en ‘Peppermint Frappé’ absorben el espíritu de la obra del pintor aragonés: el amor y la belleza no pueden contener que lo espeluznante aflore en el relato. No es baladí que ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot ‘(1962) y ‘Brigitte Bardot’ (1959) estén citados diegéticamente en ‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, respectivamente.

Luis García Berlanga (1921-2010) y Carlos Saura (1932) son dos de los directores más influyentes de la historia del cine español. Cada uno con un estilo, obviamente único, ha creado un universo cinematográfico bañado por una pátina esperpéntica propia de la más pura tradición cultural española.

Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

Brigitte Bardot, de Antonio Saura.

‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, estrenadas ambas en 1967,  comparten con mayor o menor intensidad ciertos trazos de esa mirada esperpéntica. Lo absurdo y lo ridículo describen los rasgos miserables de los personajes de la película de Berlanga; en cambio, lo grotesco y lo extravagante revelan el mundo austero y fetichista de Julián, papel interpretado por José Luis López Vázquez en el film de Saura. Mirada esperpéntica que desvela, con patética ironía en ‘La boutique’ y con frialdad sórdida en ‘Peppermint Frappé’, a unos personajes masculinos tan atraídos por la mujer, como impotentes hacia ella.

Ricardo, protagonista de ‘La boutique’ que interpreta el galán argentino Rodolfo Bebán, disimula su impotencia tras la máscara de una virilidad más interesada en jugar a las carreras de coches y en seducir de manera insustancial y vacua a toda mujer, que en mantener relaciones sexuales con su esposa o cualquier otra mujer. Porque el sexo para Ricardo es, tal y como él mismo lo expresa, “puro aburrimiento”.

Julián, protagonista de ‘Peppermint Frappé’, encubre su incapacidad sublimando a la mujer, bajo el ritmo estrepitoso producido por el resonar de  los tambores  del Viernes Santo de Calanda. Un homenaje explícito al gran director español Luis Buñuel. En ambas películas, con sus abismos estilísticos, tras la belleza de la mujer  late  un cierto foco de amenaza. Una amenaza que  deja entrever con total sarcasmo el otro título de la película de Berlanga, ‘Las Pirañas’.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura, con la obra 'Brigitte Bardot', de Antonio Saura, al fondo.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura, con la obra ‘Brigitte Bardot’, de Antonio Saura, al fondo.

Para sofocar el temor ante lo femenino, tanto Carmen (Sonia Bruno), como Elena y Ana (Geraldine Chaplin), protagonistas de ‘La boutique’ y ‘Peppermint Frappé’, respectivamente, son cubiertas por los rasgos fantasmáticos del deseo masculino, evocando en ambas películas el mito de Pigmalión.

En ‘La boutique’, tal evocación se realiza como un perverso juego de muñecas. Carmen es moldeada por Carlos (Lautaro Murúa), su amante y decorador de la boutique. Para Carlos, Carmen es una muñeca, un objeto más de decoración. Sólo hay que oír sus propias palabras: “A las mujeres sólo las aguanto cuando no entra lo sexual. Las mujeres me gustan de lejos, como amigas para vestirlas, cambiarles el peinado. Para mirarlas como objetos hermosos”.

En ‘Peppermint Frappé’, el mito de Pigmalión está citado en su versión más siniestra, al igual que sucede en la película ‘Vértigo. De entre los muertos’ (1958), de Alfred Hitchcock. Julián queda fascinado por Elena, esposa de su mejor amigo Pablo (Alfredo Mayo), la cual abrasa a Julián, no por su condición de mujer real, sino por representar su imaginario de mujer: el fantasma femenino toma cuerpo en ella. Por tanto,  Julián transformará a Ana, su tímida y triste enfermera, en la imagen simulada de Elena, accediendo a representar y someterse a ese fantasma femenino. Una construcción que el director Carlos Saura muestra con elegante precisión fetichista.

En ‘La boutique’ y en ‘Peppermint Frappé’, tan fecunda es la referencia subliminal al mito de Pigmalión, en tanto metáfora de la dificultad para el encuentro sexual entre lo masculino y lo femenino,  como la cita literal de los lienzos ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot’ y ‘Brigitte Bardot’ de Antonio Saura lo es, de esa belleza femenina como antesala de lo siniestro.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga, con la obra 'Retrato imaginario de Brigitte Bardot, al fondo.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga, con la obra ‘Retrato imaginario de Brigitte Bardot, de Antonio Saura, al fondo.

Begoña Siles

¿Por qué hay amores que son letales?

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018

Al sociólogo Edgar Morin lo que más le sorprendió de Mayo del 68, del que ahora se celebra su 50 aniversario, era la paradoja de sentir una gran insatisfacción en la opulenta sociedad del bienestar. Hijos de burgueses acomodados manifestando un profundo malestar, cuya ira desbordaba los amables cauces democráticos en los que vivían. En las acolchadas paredes de los hogares parisinos, tenía lugar una insurrección contra ese orden burgués que reunía en sí la contradicción antes señalada: el confort propiciando la irrupción de cierta violencia.

Medio siglo después, la paradoja continúa. Y, con ella, la dificultad de comprender el malestar que nos aqueja cuando, asegurada la más estricta supervivencia, sentimos insuficiente ese bienestar. Lo mismo sucede en el marco privado de las relaciones personales. Alcanzadas ciertas cotas de igualdad, descubrimos de pronto una diferencia insalvable entre hombres y mujeres, e incluso entre sujetos de idéntica condición sexual. Para abordar todo ello, la Cátedra Berlanga pone en diálogo dos películas de 1967, Peppermint Frappé, de Carlos Saura, y La boutique, de Luis García Berlanga, sintomáticas de esa crispación hoy todavía no resuelta, cuando no agravada.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Si la obsesión de un hombre reprimido por el franquismo es a lo que se reduce la trama de Peppermint Frappé, entonces la obra de arte queda suprimida en aras del debate ideológico y del contexto en que fue creada”, asegura Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid que participa en las jornadas  Amores Letales: La Boutique y Peppermint Frappé, que acoge el Palacio Colomina de Valencia durante los próximos días 3 y 4 de diciembre. Organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo, reúne a una serie de expertos y profesionales del audiovisual que analizarán ambos textos para desentrañar lo que en ellos sucede.

“Si una película no es simple debate ideológico, sino que plantea el debate eterno de la naturaleza humana, más allá del contexto, será una obra de arte que nos interroga pasado el tiempo”, añade Martín Arias. De lo contrario, dice, quedará como texto para su valoración histórica. De manera que si la obsesión de Julián (José Luis López Vázquez) por Elena (Geraldine Chaplin) en la película de Saura, merece la pena estudiarse, es por ese carácter transversal que lo sitúa en la actualidad como perfil asociado a cierto deseo masculino.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Fotograma de Pepermint Frappé, de Carlos Saura.

Otro tanto cabe decir de La boutique, película que analizará Jesús González Requena, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, en su ponencia Máquinas crueles. “Maquinitas egoístas”, matiza, dado que a su juicio, en la película de Berlanga, “todos los personajes son malas personas”. Y dentro de ese mundo de “maquinitas malvadas”, los hombres “son igual de malos que las mujeres, pero infinitamente más torpes”, asegura. Le sorprende esa deriva de Berlanga cada vez que realiza sus películas fuera de España: como pasa en La boutique, rodada en Argentina, o Tamaño natural, en Francia. “Cuando sale de España todo resulta más desabrido; desaparece el lado humano que ves en sus otras películas”.

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, pone el acento en algo que vincula a una y otra película: la aparición de ciertas obras de Antonio Saura, hermano del cineasta, en ambos textos. En concreto, obras de la serie Brigitte Bardot, icono sexual de los años 60 y 70, que el pintor realiza quebrando su imagen seductora para que aparezca cierto desgarro de su figura. “Por utilizar la frase del poeta Rilke, cuando dice que lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar, diríase que en ambas películas aparece el fantasma femenino ligado con la muerte”.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

“Todo deseo remite al fantasma del otro”, apunta Siles. Fantasma que “desemboca en la destrucción” cuando el sujeto “es incapaz de alcanzar al sujeto que hay detrás de ese imaginario”. Precisamente de Antonio Saura, cuya obra viene a coincidir en ambas narraciones, se ocupa Maite Ibáñez, doctora en Historia del Arte, que hablará de la “pintura rebelde” del artista aragonés, del que se cumplen ahora 20 años de su fallecimiento. Pintura rebelde que vuelve a rimar con ese carácter insurgente de Mayo del 68, que alcanza a nuestros días.

El crítico de cine Jorge Castillejo abordará La boutique desde la óptica de la guerra de sexos. Como se recoge en el Berlanga Film Museum, creado por Rafael Maluenda bajo la coordinación del propio Castillejo, la película narra la estrategia perversa de una madre (Ana María Campoy) que hace creer a su yerno (Rodolfo Beban) que su mujer Carmen (Sonia Bruno) padece una enfermedad terminal, con el fin de que el joven playboy deje sus amoríos y se centre en su esposa.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

El director de cine Óscar Aibar (Platillos volantes, El Gran Vázquez o El bosque) incidirá en el humor de la dupla Berlanga Azcona y su influencia en los directores actuales, de los que él mismo se considera un buen ejemplo. “Invierte el humor de directores como Mario Monicelli, maestro de la comedia a la italiana, para adaptarlo a la psicología española”, señala quien se halla en estos momentos dirigiendo uno de los capítulos de la serie televisiva Cuéntame.

Paco Belda, por su parte, en tanto director de fotografía que ha trabajo con Carlos Saura (“me gusta más hablar de Cinematographer o Dirección Fotografía que de director”), rastreará la luz que emplea en sus películas el autor de Peppermint Frappé, La caza, Cría cuervos o Bodas de sangre. Para ello, se servirá de imágenes creadas por José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de la fotografía de la película analizada en las jornadas de la Cátedra Berlanga. Dos días de ponencias, charlas, coloquios y proyecciones, en torno a esas diferencias entre lo masculino y lo femenino, entre lo clásico y lo moderno, tan difíciles de articular en la sociedad posmoderna.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Salva Torres

La diferencia sexual en La boutique y Peppermint Frappé

Cátedra Berlanga
XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Palacio de Colomina
C / Almudín, 1. Valencia
Lunes 3 y martes 4 de diciembre de 2018
Inscripción: besileso@uchceu.es / salvatm@telefonica.net

“Allí donde reinaba el bienestar, también había una insatisfacción profunda”. Lo apuntó el sociólogo Edgar Morin para describir el contexto de Mayo del 68, sorprendido por esa paradoja. Allí donde la prosperidad económica había eliminado las penurias por la más estricta supervivencia, tenía lugar la aparición de cierta infelicidad producida por un hastío desconocido: el que provocaba la seguridad y el ambiente confortable de los hogares burgueses. Y, con él, la irrupción de una violencia que amenazaba con destruirlo todo.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

Llevamos 50 años tomando nota de ese hastío, en el contexto apacible de la sociedad del bienestar. Un hastío que evitamos, del que pretendemos desprendernos, por distintos medios vinculados al consumo trufado de emociones fuertes que nos hagan vivir experiencias únicas. Experiencias que en el ámbito privado de las relaciones humanas conllevan, también, esa búsqueda de placer que, con el tiempo, deviene confortable, en rima con lo aburrido. “Tanto hablar del sexo, el sexo, y al final el sexo qué es, un aburrimiento”, señala Ricardo, el protagonista de La boutique.

Precisamente tomando como referencia esta película de Luis García Berlanga, en diálogo con Peppermint Frappé, de Carlos Saura, ambas de 1967, la Cátedra Berlanga aborda esa paradoja del bienestar ligado al hastío y la violencia. Películas enmarcadas en ese periodo de rebeldía juvenil, hoy de nuevo celebrado, con las que se pretende someter a debate la tensión que se percibe entre lo masculino y lo femenino, el orden apacible y la necesidad de violentarlo.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

Las XVIII Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico de la Cátedra Berlanga reúne a diversos expertos y profesionales del audiovisual en el Palacio de Colomina de Valencia, durante los días 3 y 4 de diciembre, con el fin de arrojar algo de luz sobre tan espinoso asunto. Las jornadas están organizadas por la Universidad CEU Cardenal Herrera, el Institut Valencià de Cultura y la Fundación Aisge, en colaboración con la Asociación Cultural Trama y Fondo.

El catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, Jesús González Requena, abrirá el encuentro con la ponencia ‘Máquinas crueles’, en torno a la película ‘La boutique’, plagada de personajes cuyas intenciones malévolas darán pie a toda una serie de maquiavélicos desencuentros. Luis Martín Arias, profesor de la Universidad de Valladolid, planteará su análisis de ‘Peppermint Frappé’ como un diálogo entre lo clásico y lo moderno, “lo viejuno y lo cool” asociado a la propia bebida como metáfora de las propias relaciones personales que se establecen en la película de Saura.

Fotograma de 'La boutique', de Luis García Berlanga.

Fotograma de ‘La boutique’, de Luis García Berlanga.

El crítico de cine Jorge Castillejo se centrará en la guerra de sexos que en su opinión subyace en el film de Berlanga, mientras que el director de cine Óscar Aibar pondrá el acento en la influencia que la dupla Azcona-Berlanga ha ejercido en los directores españoles actuales, entre los cuales se incluye a él mismo, seguidor de ese humor “ácido, inteligente y que ha elevado el costumbrismo español a obra de arte”, según sus propias palabras.

Paco Belda, director de fotografía en ‘Jota de Saura’, dibujará el perfil de la luz que caracteriza el universo del autor de ‘La Caza’, rastreando la huella de quienes han contribuido con su trabajo a subrayar ese aspecto de sus películas, como José Luis Alcaine, Teo Escamilla, Vittorio Storaro o el propio Luis Cuadrado, encargado de esa fotografía en ‘Peppermint Frappé’. La doctora en Historia del Arte, Maite Ibáñez, destacará la obra de Antonio Saura, hermano del cineasta, que aparece en ambas películas de las jornadas, para mostrar el carácter rebelde de su pintura, en rima con el propio espíritu de Mayo del 68 que actúa como trasfondo.

Para todos aquellos interesados en participar en las jornadas de la Cátedra Berlanga, deberán inscribirse en las siguientes direcciones de correo: besileso@uchceu.es o salvatm@telefonica.net. Las plazas se adjudicarán por riguroso orden de inscripción, la cual es gratuita y con derecho a certificado de asistencia.

Fotograma de 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.

Fotograma de ‘Peppermint Frappé’, de Carlos Saura.

“Nunca estamos vacunados frente a la violencia”

I Ciclo sobre Cine y Terrorismo
Cines ABC Park
C / Roger de Lauria, 21. Valencia
Días 19, 22 y 26 de noviembre de 2018

Manuel Gutiérrez Aragón presentó, en el marco del I Ciclo sobre Cine y Terrorismo, organizado por la Fundación Manuel Broseta, su película ‘Todos estamos invitados’, un film que relata a través de historias entrelazadas el impacto de la banda terrorista ETA en el País Vasco durante los años 90. Gutiérrez Aragón insistió en el importante papel del celuloide como herramienta de denuncia ante el terrorismo y el gran reto que supuso rodar la cinta cuando la banda terrorista todavía seguía en activo.

“Siempre se le ha reprochado al cine español la falta de películas que reflejen el punto de vista de la víctima de terrorismo y suplir esta carencia era nuestro principal objetivo al rodar esta cinta”, explicó el cineasta cántabro, reiterando que ésta y otras ficciones ayudan a mantener vivo el recuerdo de una época ante una nueva generación de jóvenes que no vivieron la violencia terrorista. “Ganamos la batalla del terror, pero ahora tenemos que ganar la batalla de la memoria, porque nunca estamos del todo vacunados frente a la violencia”, concluyó.

Fotograma de 'Todos estamos invitados', de Manuel Gutiérrez Aragón.

Fotograma de ‘Todos estamos invitados’, de Manuel Gutiérrez Aragón.

El académico y director de cine Manuel Gutiérrez Aragón, la Consellera de Justicia, Gabriela Bravo y el presidente de la Fundación Profesor Manuel Broseta, Vicente Garrido, fueron quienes inauguraron el ciclo, con la colaboración de la D.G. de Reformas Democráticas de la Conselleria de Justicia. Se trata de una iniciativa que se celebra durante los días 19, 22 y 26 de noviembre y que busca, en palabras de Garrido, “desarrollar una conciencia ciudadana unánime que ayude en la lucha permanente contra esta lacra en nuestra sociedad”.

Por su parte, Gabriela Bravo reiteró el apoyo de los poderes públicos a todas aquellas iniciativas vinculadas a entidades de víctimas del terrorismo que trabajan por seguir visibilizando su realidad. “En España, el terrorismo dividió a la sociedad vasca, rompiendo familias y amistadas. Perpetuar la memoria es la mejor manera de que no se repitan estos hechos, y es nuestra responsabilidad como gobernantes seguir trabajando por conseguir una justicia restaurativa, en la que los terroristas pidan perdón ante el daño causado a las víctima y a la democracia”, declaró la consellera.

De izda a dcha, Manuel Gutiérrez Aragón, Bravo, Vicente Garrido. Imagen cortesía de la Fundación Manuel Broseta.

De izda a dcha, Manuel Gutiérrez Aragón, Bravo, Vicente Garrido. Imagen cortesía de la Fundación Manuel Broseta.

Además de la película dirigida por Gutiérrez Aragón, el jueves 22 de noviembre se proyectó ‘La noche más oscura’, un film sobre el yihadismo que relata la caída de Bin Laden, el hombre más buscado del mundo. En esta ocasión, el debate correrá a cargo de Jesús A. Núñez Villaverde, codirector del Instituto de Estudios sobre Conflictos y Acción Humanitaria (IECAH) y experto en esta  materia.

Por último, el lunes 26 cierra el ciclo el thriller ’71′, una gran producción sobre el terrorismo del IRA que azotó Irlanda del Norte en la década de los 70. En esta ocasión, será la profesora de Filosofía del Derecho de la Universidad de Jaén y experta en IRA, Agata Serranò, la invitada al coloquio.

Sobre la Fundación Profesor Manuel Broseta

Tras el asesinato del profesor Manuel Broseta Pont el 15 de enero de 1992 y en respuesta al terrorismo que sacudía a la España contemporánea, algunas de las instituciones políticas, empresariales y sociales más representativas de la Comunidad Valenciana promovieron la creación de la Fundación Profesor Manuel Broseta con el fin de mantener viva su memoria y trabajar en la defensa de los valores democráticos.

Testigo de su actividad son los seminarios y jornadas de temática jurídica o los Premios Convivencia que cada año la Fundación entrega a personalidades, entidades o colectivos de reconocida trayectoria que se han distinguido por su defensa de la libertad, la justicia, la convivencia y el respeto al pluralismo ideológico.

De izda a dcha, Vicente Garrido, Gabriela Bravo y Manuel Gutiérrez Aragón. Imagen cortesía de la Fundación Manuel Broseta.

De izda a dcha, Vicente Garrido, Gabriela Bravo y Manuel Gutiérrez Aragón. Imagen cortesía de la Fundación Manuel Broseta.

‘Ce Magnifique Gâteau!’, la animación al poder

‘Ce Magnifique Gâteau!’ y ‘Converso’
Premios La Cabina
Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Del 14 al 24 de noviembre de 2018

El mediometraje belga de animación ‘Ce Magnifique Gâteau!’ y el documental español ‘Converso’ se alzan con el máximo galardón de la XI edición de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València al recibir el premio a Mejor Mediometraje de Sección Oficial y Amalgama. Esta última edición del festival ha estado organizada por el Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y Diputació de València, y ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular.

Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina

Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina

‘Ce Magnifique Gâteau !’ (Marc James Roels & Emma de Swaef. Bélgica, 2018), ganadora del Premio a Mejor Mediometraje de Sección Oficial, mezcla el stop-motion y la África colonial del s. XIX para narrarnos las historias de 5 personajes diferentes: un rey perturbado, un pigmeo de mediana edad que trabaja en un hotel de lujo, un fracasado empresario en una expedición, un portero perdido y un joven desertor del ejército. Es la primera vez que una animación consigue el máximo reconocimiento en los once años del festival. Las marionetas que dan vida a los personajes y todos los decorados están hechos enteramente de lana. El film también se ha llevado el premio a Mejor Diseño de Producción y Dirección de arte.

La moldava ‘Salix Caprea’ (Moldavia, 2017. 34 min.) se ha alzado con los premios a Mejor Dirección y Mejor Guión, ambos para Valeriu Andriuta.

Cross. Imagen cortesía de La Cabina.

Cross. Imagen cortesía de La Cabina.

El jurado de Sección Oficial, formado por Fran Ruvira, Carmen Errando, Borja Soler y Mari Mantela, también ha destacado las interpretaciones del mediometraje ‘Cross’ (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min) otorgando el Premio a Mejor Actriz y Mejor Actor a sus protagonistas: Liv Henneguier Damien Bonnard. ‘Cross’ también ha sido galardonada con el premio a Mejor Fotografía.

El premio a mejor banda sonora es para la animación francesa ‘The Man-Woman Case’ (Anaïs Caura, Francia, 2017. 44 min.), webserie animada que relata la historia real de Eugene Falleni, uno de los primeros transgénero de la historia contemporánea condenado por asesinar a su mujer en Australia en los años veinte.

Converso. Imagen cortesía de La Cabina

Converso. Imagen cortesía de La Cabina

Por su parte, el jurado de Amalgama, compuesto por Víctor García, Chema García Ibarra y Leonor Díaz ha otorgado el máximo galardón a ‘Converso’ (España, 2017), un mediometraje que habla de cariños, ausencias, vacíos y distancias. David Arratibel dirige este documental de 60 minutos para tratar de entender cómo su familia se convirtió a la fe católica.

El mediometraje “Retour à Genoa City” (Benoît Grimalt, Francia, 2017. 30 min) se ha alzado con el premio a Mejor Montaje. Mientras que el film valenciano “[M]otherhood” (Inés Peris, Laura García, España, 2018. 58 min.) ha sido galardonado con el Premio Barreira A+D a Mejor Guion.

Cristina Chumillas, Didac Ballester y África Pitarch, jurado del Premio a Mejor Cartel, han decidido ensalzar el diseño del mediometraje “Das Gestell” (Philip Widmann, Alemania, 2017. 30 min).

Salix Caprea. Imagen cortesía de La Cabina.

Salix Caprea. Imagen cortesía de La Cabina.

PALMARÉS COMPLETO
Millor Cartell: Das Gestell (Philip Widmann, Alemania, 2017. 30 min)
Millor Migmetratge Amalgama: Converso (David Arratibel, España, 2017. 60 min.)
Millor Muntatge Amalgama: Benoît Grimalt por Retour à Genoa City (Benoît Grimalt, Francia, 2017. 30 min)
Millor Guió Escuela Barreira Arte y Diseño: Laura García Andreu, Inés Peris, Pura Requena por [m]otherhood (Inés Peris, Laura García, España, 2018. 58 min.)

SECCIÓ OFICIAL
Millor Migmetratge: Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef. Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Direcció: Valeriu Andriuta por Salix Caprea (Moldavia, 2017. 34 min.)
Millor Guió: Valeriu Andriuta por Salix Caprea (Moldavia, 2017. 34 min.)
Millor Fotografia: Noé Bach por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Actriu: Liv Henneguier por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Actor: Damien Bonnard por Cross (Idir Serghine, Francia, 2018. 43 min)
Millor Disseny de Producció: Emma De Swaef, Marc James Roels por Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef, Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Direcció d’Art: Jean-Marc Ogier por Ce Magnifique Gâteau ! (Marc James Roels & Emma de Swaef, Bélgica, 2018. 44 min.)
Millor Banda Sonora Original: Pierre Oberkampf por “The Man-Woman Case” (Anaïs Caura, Francia, 2017. 44 min.)

Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina.

Ce Magnifique Gâteau! Imagen cortesía de La Cabina.