VI Visiones Contemporáneas en el Domus Artium 2002

VI Visiones Contemporáneas, de Playtime Audiovisuales
DA2 – Domus Artium 2002
Av. de la Aldehuela, s/n, Salamanca
Del 15 de febrero al 17 de mayo de 2018

El jueves 15 de febrero comienza la sexta temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel y Natalia Piñuel) que tiene su espacio de exhibición en DA2 – Domus Artium 2002, en la ciudad de Salamanca, cuyos contenidos se desarrollarán hasta el 17 de mayo de 2018.

La nueva temporada se inicia con el decimosexto ciclo, que estará dedicado a la artista visual, Rosana Antolí, a la que seguirán los ciclos que  se dedicarán a la cineasta Diana Toucedo y terminará el año con Dora García, quien, además, dará una master class en el museo.

Visiones Contemporáneas. Makma

Durante esta andadura comenzada en 2013, el proyecto se ha convertido en un referente dentro de la exhibición audiovisual en España, apostando siempre por artistas comprometidos con su tiempo, que se arriesgan tanto formal como conceptualmente. Hasta la fecha, son 15 los artistas que han tenido su Visiones Contemporáneas, ofreciendo un amplio espectro del panorama audiovisual contemporáneo español: Félix Fernández, Alex Reynolds, Chus Domínguez, Albert Alcoz, Arrieta y Vázquez, Laida Lertxundi, Left Hand Rotation, Eli Cortiñas, Víctor Iriarte, Regina de Miguel, Lois Patiño, Momu & No Es, Eloy Domínguez Serén, Las Chicas de Pasaik y María Ruido.

Rosana Antolí cuenta con una producción multidisciplinar que abarca dibujo, pintura, escultura, vídeo, performance y media art. Para la presente edición, Visiones Contemporáneas se ha centrado en sus últimos trabajos en vídeo relacionados con el movimiento de los cuerpos.

En estas obras la artista trabaja en torno del concepto de loop, de repetición, interrelacionando la danza y la performance con la imagen, transitando entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones.

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

En su obra se encuentra un equilibrio entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Antolí cuenta historias y se interesa por el relato, pero no de una forma tradicional, sino haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

Rosana Antolí se perfila como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. En 2015 es galardonada con la beca Multiverso, concedida por la Fundación BBVA y el año pasado, fue premiada con la beca para jóvenes creadores, Generación 2017 de Fundación Monte Madrid, y el premio del Festival Loop, afianzándola como una de las mejores artistas visuales de la actualidad.

Más información en www.playtimeaudiovisuales.com

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

 

Dirección femenina: coraje de mujer

La librería, de Isabel Coixet (Goyas a Mejor película, dirección y guión adaptado)
Verano 1993, de Carla Simón (Goyas a Mejor dirección novel, actor de reparto y actriz revelación)
Premios Goya
Sábado 3 de febrero de 2018

“Lo que más valoro de un ser humano es la virtud que comparte con dioses y animales: el coraje”. Estas son las palabras del Sr. Brundish, personaje de ‘La librería’, que dirige a su interlocutora la Sra. Green, protagonista de la película, para añadir a continuación: “Y usted Sra. Green posee esa cualidad en abundancia”.

Fotograma de 'La librería', de Isabel Coixet.

Fotograma de ‘La librería’, de Isabel Coixet.

Y verdaderamente hay que tener mucho coraje no sólo para abrir una librería en un pueblo pequeño de la costa norirlandesa en los años cincuenta, sino también para colocar en el escaparate y recomendar abiertamente la lectura de la polémica obra de Vladimir Nabokov, ‘Lolita’.

Un estado de ánimo que comparte Frida, la niña protagonista de la opera prima, ‘Verano 1993′, de Carla Simón. En ella, relata el valor de la citada Frida, una niña de seis años, para adaptarse a su nueva vida tras la muerte de su madre. ‘Verano 1993′ narra la experiencia de un duelo vivido con llanto silencioso, inocente y valiente.

Fotograma de 'Verano 1993', de Carla Simón.

Fotograma de ‘Verano 1993′, de Carla Simón.

Oda a la creación

‘La librería’ y ‘Verano 1993′ son una oda al coraje para vivir, para creer y crear en la vida. Un coraje que las dos directoras han transmitido a sus personajes femeninos y a sus respectivas historias. Un coraje exhalado de la intensa y personal mirada creadora de ambas realizadoras. Así, la experimentada mirada de Isabel Coixet -16 películas reconocidas y premiadas a nivel nacional e internacional- y la novel de Carla Simón han conseguido conmover al público, a los miembros de la Academia de Cine español y a los miembros de los jurados  de diversos festivales.

Un impetuoso valor creativo que supera cualquier impedimento que la industria cinematográfica pueda imponer a las mujeres, demostrando que  cuando la creación está adherida a las entrañas angustiosas del creador, ésta consigue derribar todas las barreras hasta ofrecer la obra al mundo.

Ahora bien, se deberían impulsar ciertas políticas sociales, económicas y educacionales para que ese tránsito sea menos abrupto y el camino de la creación fuese menos intrincado y más llano en su andadura. De ese modo, probablemente, más mujeres se animarían a adentrarse por esa senda de la creación y, con ello, quién sabe, tal vez habría más mujeres nominadas y galardonadas en los festivales.

Fotograma de 'La librería', de Isabel Coixet.

Fotograma de ‘La librería’, de Isabel Coixet.

Begoña Siles

Humans Fest: ¿los derechos humanos en peligro?

Humans Fest
Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 9 al 18 de febrero de 2018

Javier Vilalta, director de Humans Fest, el Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos que celebra del 9 al 18 de febrero su novena edición, avisó del peligro que se corre por la vulneración de esos derechos universales de forma sistemática en muchos lugares del mundo, incluyendo a España. “Tenemos que ser críticos y la situación no es halagüeña”, dijo, tras subrayar el hecho de que “está pasando ahora” en nuestro país “la cadena perpetua revisable”. Y agregó: “Tenemos más información y cada vez más miedo”.

Esa relación entre medios de comunicación y el miedo que generan algunas de sus noticias, principalmente relacionadas con las personas migrantes, es uno de los diversos temas que aborda un festival con alrededor de 49.000 euros de presupuesto (“ahora tan solo hay 1050 en caja”, ironizó su director), organizado por la Fundación de la Justicia y que cuenta como patrocinador principal con Caixa Popular. Precisamente su director de Negocio y Marketing, José María Company, se refirió a Humans Fest como “algo más que un festival”.

Cartel de 'Secuestrando el Tíbet', de Jaime Chavarrías. Humans Fest.

Cartel de ‘Secuestrando el Tíbet’, de Juanma Chavarrías, en Humans Fest.

Y, desde luego, algo más que un festival de cine: “El cine es una excusa para hablar de derechos humanos”, reconoció Vilalta. Abel Guarinos, director general del Institut Valencià de Cultura, aludió al certamen como “uno de los pocos festivales que unen ética y estética”. La ética, más bien moral, quedaba reflejada en ese carácter “comprometido” de su programación, que el propio director del festival ratificó al definirlo como “una herramienta de cohesión, un vehículo que remueva conciencias”. De la estética se ocupó Vilalta al subrayar “la calidad, el contenido y el mensaje” de las 10 películas documentales que integran la programación, el 50% de las cuales estaba dirigido por mujeres, “sin haber discriminación positiva”, apostilló.

Un festival “hecho por personas”, en régimen “cooperativo” y, sobre todo, dado el escaso presupuesto, a base de una “vitalidad” que el propio Vilalta reconoció que no era “sostenible” con el paso del tiempo: “No podemos basarnos en el voluntariado”. El equipo de Humans Fest lo integran 40 de esos profesionales voluntariosos, capaces incluso de hacerse cargo de la producción propia del festival: en esta ocasión, el documental ‘Marhaba’, de Emilio Martí, cuyo viaje a un campo de refugiados en Grecia lo financió Caixa Popular, corriendo con el resto de los gastos el propio Martí.

De izda a dcha, José María Company, Abel Guarinos, Enma, Javier Vilalta y José Luis Moreno. Imagen cortesía del Institut Valencià de Cultura.

De izda a dcha, José María Company, Abel Guarinos, Neus Fábregas, Javier Vilalta y José Luis Moreno. Imagen cortesía del Institut Valencià de Cultura.

“Vivimos momentos complicados”, señaló Vilalta, refiriéndose no a esa precariedad presupuestaria, sino a la vulneración de los derechos humanos objeto del festival. Vulneración que afecta a las personas refugiadas, a quienes poseen una orientación e identidad sexual diferente y a cuantos se desplazan a otros países huyendo de la guerra o el hambre. Neus Fábregas, Regidora de Cooperación del Ayuntamiento de València, que colabora por segundo año en el festival, conminada a que cerrara su intervención con una frase, dijo: “Espero que los derechos humanos se puedan conseguir y que se sume la gente a su lucha”.

El cine “comprometido” que podrá verse en la Filmoteca de Valencia, sede de la sección oficial de largometrajes, cuenta con un estreno mundial: Forgotten Childhood, de la iraní Reza Farahmand. También habrá dos estrenos en España: Complicit, de Heather White (EEUU), y Freedom for the Wolf, de Rupert Russell (Alemania). Juanma Chavarrías también presentará en primicia mundial su documental ‘Secuestrando el Tíbet’, película producida junto a Samuel Sebastian, en torno a la beligerancia china sobre el territorio vecino, objeto de esa vulneración de los derechos humanos de cuya carta se celebran los 70 años, y a los que dedica el festival atención especial en esta su novena edición.

La incorporación por primera vez del teatro a la programación de Humans Fest, la subrayada presencia de directoras al grueso del cartel y la variada procedencia de las películas, hasta de nueve países aunque principalmente de Europa, son aspectos sobresalientes de un certamen al que tanto Guarinos como Company desearon larga vida. El Premio Pau i Justícia, otro de los elementos destacables del festival, ha recaído este año en Silvia Munt, en reconocimiento a su activismo e implicación social y, claro está, a su “trayectoria como artista comprometida con los derechos humanos”. La actriz y directora recogerá el premio en la gala inaugural del festival que se celebrará el 9 de febrero en la Filmoteca. “Somos frágiles”, recordó Vilalta, en alusión a esos derechos humanos amenazados.

Cartel de Marhaba.

Cartel de Marhaba, de Emilio Martí, en Humans Fest.

Salva Torres

Llámame por tu nombre, una exquisitez fílmica

Call me by your name (Llámame por tu nombre)
Dirección: Luca Guadagnino.
Intérpretes: Armie Hammer, Timothée Chalamet, Michael Stuhlbarg, Amira Casar.
Género: drama.
País: Italia
Año: 2017

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Timothée Chalamet y Armie Hammer, los dos principales protagonista de ‘Call me be your name’

Había leído algunos elogios en las redes sociales pero no las tenía todas conmigo, eso de un drama romántico no es algo que me seduzca inicialmente y, además, pensaba que era una más que se sumaba al filón de películas con romances homosexuales de los últimos tiempos. Sin embargo, conforme avanzaba la cinta de Luca Guadadigno caía rendido completamente a su adaptación cinematográfica de la novela de André Aciman.

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Nos ubicamos. Verano del 83 en un pueblecito del norte de Italia. Elio es un adolescente de 17 años que en la casa de campo familiar dedica su ocio a leer libros, tocar el piano o zambullirse en el río. En dicha residencia coincide con el americano Oliver, recién llegado como temporal ayudante de su padre, un experto en cultura grecorromana. A destacar que tanto Timothée Chalamet como Armie Hammer están sublimes, bordan respectivamente sendos papeles.

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Seguramente la gran clave de “Call me by your name” sea que la relación que mantienen ambos jóvenes posee una pureza insólita, desarrollada a fuego lento, tratada con una admirable naturalidad, donde en ningún momento hay desdichas o terceros factores que repercutan negativamente en ella. Además, con una belleza lírica extraordinaria, consigue integrar plenamente al espectador tanto en el lugar donde se desarrolla la acción como en esa encantadora, sensible, profunda y emocional historia, de esas que pasan una o dos veces en la vida, si es que alguna vez pasan a lo largo de todo el transcurso existencial. Eso sí, aunque no contenga escenas de sexo manifiesto, este peliculón no es recomendable para homófobos y afines, incluidos esos que abundan más de lo que pensamos y que no se reconocen como tales pero que les incomoda que dos personas del mismo sexo se besen, se toquen, se follen o, simplemente, se cojan de la mano.

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Cartel de Call me by your name, la película de Luca Guadagnino

Más cosas. Me pareció impresionante el tratamiento realista de aspectos tales como la pasión, la atracción, las dudas internas, las miradas, los gestos, la ansiedad o el deseo carnal desbordado de esos años adolescentes entre la timidez, la inocencia y la autosuficiencia. Y, por encima de todo, la escena de la masturbación con el melocotón, de las que marcan un antes y un después en el cine, en este caso por el paso del rubor o del sofoco a la aceptación, a la transigencia, hasta llegar al amor más inmaculado, sin dominio ni sumisión.

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Por cierto, una banda sonora exquisita, con John Adams, Ryuichi Sakamoto, Sufjan Stevens, con perlas ochenteras como el “Words” de F.R. David, el “Love my way” de Psychedelic Furs…

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Ah, y para rematar la película queda el diálogo final entre el padre y el hijo, debería pasar a los anales del séptimo arte como ejemplo de sabiduría, tolerancia, actitud y civismo paternal. No acaba ahí la cosa, ese primer plano final del inconmensurable Thimothée Chamalet en el papel de Elio es de una grandeza y emoción desorbitadas. “Llámame por tu nombre” es Elio/Oliver u Oliver/Elio… Al final consiguen colarnos en sus vidas, en su inolvidable historia de amor verdadero.

Juanjo Mestre

Peliculón: Tres anuncios en las afueras

Tres anuncios en las afueras
Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Año: 2017
Director: Martin McDonagh
Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes, Abbie Cornish…

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Hacía bastante tiempo que no disfrutaba en el cine de una peli americana con tanta calidad. Me consta que, además de los Globos de Oro, a “Tres anuncios en las afueras” le están lloviendo abundantes piropos, tanto entre la crítica especializada como en las redes sociales o, ya puestos, incluso entre esos íntimos de un servidor que han sabido escoger un rato de ocio con el visionado de esta perla del séptimo arte.

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Sam Rockwell y Frances McDormand

Su director Martin McDonagh retrata brillantemente la América profunda a partir de una mujer que, en Ebbing (Missouri), exige justicia para el esclarecimiento de la violación y muerte de su hija. Estamos hablando de Frances McDormand, cualquier elogio se queda corto, la de Illinois borda su papel acaparando extraordinariamente el protagonismo con su obsesiva sed de venganza y su coherente reivindicación. A ella se añade el sublime trabajo de Sam Rockwell y de Woody Harrelson, completando una tripleta para la gloria.

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Woody Harrelson y Frances McDormand

Sí, es posible que algunos detalles paralelos como la novia del ex-marido, la relación del poli malo (después bueno) con su madre o esas exageradas cartas del sheriff pequen de cierta carencia de autenticidad, pero por otra parte no menguan en absoluto el resultado final y hasta incluso aportan aspectos paralelos morbosos.

Por supuesto, y por encima de todo, resulta tan importante como interesante que en estos tiempos revueltos y “trumposos” se recupere un cine de calidad que, desde una perspectiva tan real, racional y activa, atienda temas esenciales como la reivindicación de los derechos civiles, el racismo…

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Cartel promocional película “Tres anuncios en las afueras”

“Tres anuncios en las afueras” es capaz de conjugar crudeza, ternura y humor negro. En ella se constata el desencanto de una América rural frustrada y resentida, en este caso alejada de ese utópico sueño americano que tantas veces les (nos) han vendido. Para colmo una excelente banda sonora y… me encantó el diálogo del inesperado final.

Juanjo Mestre

Dilema criminal en tono hilarante

Todos queríamos matar al presidente, de Ana Ramón Rubio
Reparto: Ana Caldas, Jaime Reynolds, Fede Rey, Juan Manuel Gurillo,
María Albiñana
Producción: Miguel Cañizares
España. 2017

‘Todos queríamos matar al presidente’, de la directora Ana Ramón Rubio, confluye en el inicio con un suceso de la novela ‘Crimen y castigo’, de Fiodor Dostoyevski. Un elemento narrativo, también, origen  de varias  películas del director Woody Allen, como  son ‘El sueño de Cassandra’ (2007), ‘Delitos y faltas’ (1989), ‘Match Point’ (2005) y ‘Scoop’ (2006).

En ambos relatos, ‘Crimen y castigo’ y ‘Todos queríamos matar al presidente’, la trama se desencadena tras el asesinato de un ser vil, mísero y despreciable, y el  dilema moral que plantea dicho asesinato.

Fede Rey en una imagen de la webserie 'Todos queríamos matar al presidente', de Ana Ramón Rubio.

Fede Rey en una imagen de la webserie ‘Todos queríamos matar al presidente’, de Ana Ramón Rubio.

Así, en ‘Crimen y castigo’ el origen de la novela se halla en la muerte de una vieja usurera. Una vieja descrita, por uno de los personajes, como “achacosa, necia, estúpida, mala, un ser que no es útil a nadie, sino por lo contrario hace daño a todo el mundo”. Y, en ‘Todos queríamos matar al presidente’, la historia se inicia con el asesinato del presidente del gobierno. Un presidente descrito por todos los personajes como un ser corrupto, lujurioso, ruin, pusilánime, oportunista, soez. Un presidente caracterizado por una falta de ética tanto en el ejercicio de su actividad política, como en su vida privada.

Por tanto, ambos personajes, la vieja y el presidente, activan el instinto asesino de sus compatriotas. El estudiante, uno de los personajes de la novela de Dostoyevski, dice: “(…) en cuanto a esa maldita vieja, sería capaz de matarla y robarle sin el menor escrúpulo de conciencia”.

Imagen de la webserie 'Todos queríamos matar al presidente', de Ana Ramón Rubio.

Imagen de la webserie ‘Todos queríamos matar al presidente’, de Ana Ramón Rubio.

Una camarera, uno de los personajes de la webserie de Ana Ramón Rubio, señala: “Lo que deberíamos hacer es aprovechar este momento que Dios nos ha dado para cargárnoslo”. Pero ese deseo de llevar a cabo un acto criminal plantea en los personajes de ambos relatos una disyuntiva moral: ¿es justificable el asesinato de un ser maligno, que es un azote para sus semejantes?

La respuesta dada por los personajes es de una clarividencia instintiva: sí, puesto que dicho asesinato será un bien para la humanidad. Una respuesta sustentada en el hecho de que el acto criminal no va a tener ninguna consecuencia policial, ni judicial para quien lo comenta.

Ahora bien, que el asesinato de la vieja usurera de ‘Crimen y castigo’ y el asesinato del presidente de ‘Todos queríamos matar al presidente’ no tenga, en principio, consecuencias policiales, no supone que no tenga efectos en los personajes. Todos sabemos que Raskolnikov, el protagonista de Dostoyevski, es invadido por una terrible “angustia de culpabilidad” que domina su espíritu hasta la locura.

Cartel de 'Todos queríamos matar al presidente', de Ana Ramón Rubio.

Cartel de ‘Todos queríamos matar al presidente’, de Ana Ramón Rubio.

Y ¿qué impresión va a causar en el ánimo de Rosana, la protagonista de la webserie, la muerte del  presidente? Rosana, al contrario de Raskolnikov, no queda atrapada en la tela de la culpabilidad y el remordimiento, sino en el miedo de poder ser descubierta y condenada por asesinato. Un miedo que le lleva a comportamientos y pensamientos disparatados y absurdos.

En este punto, la rítmica comedia de Rubio se bifurca del intenso drama de Dostoyevski. Pero, como dice muy bien Woody Allen, la comedia es tragedia más un poco de tiempo; sólo hay que esperar el momento oportuno para que la tragedia se convierta en comedia.

‘Todos queríamos matar al presidente’, la segunda premiada wedserie de Ana Ramón Rubio, tiene un ritmo trepidante que procede de todos los elementos estéticos y narrativos del relato. La puesta en escena, la interpretación, los diálogos, la música, el montaje, se amalgaman para sostener el hilarante suspense de la historia en cada capítulo, de los cuatro presentados en el preestreno en la Fábrica de Hielo de Valencia. Rubio ha conseguido que el drama del suspense de ‘Todos queríamos matar al presidente’, como la de su primera webserie, ‘Sin vida propia’, se acople al tono hilarante de la comedia.

Imagen de 'Todos queríamos matar al presidente', de Ana Ramón Rubio.

Imagen de ‘Todos queríamos matar al presidente’, de Ana Ramón Rubio.

Begoña Siles

Tras la verdad de ‘RIDE’, de Neus Flores

‘RIDE’, de Neus Flores
Cortometraje de docu-ficción
Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), 2018

Con el apoyo de Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), la periodista y agente cultural Neus Flores ha emprendido el rodaje de su ópera prima, ‘RIDE’, cortometraje de docu-ficción -o cinema veritée- basado en hechos reales y que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.

En tanto que proyecto en curso, ‘RIDE’ cuenta con un dietario de filmación en Facebook –en cuyo perfil se pueden encontrar contenidos, vídeos y enlaces del making of, además de una cuenta de crowdfunding en Kickstarter, en la que colaborar mediante donaciones, a cambio de merchandising, follow ups y experiencias con el equipo de rodaje, estando prevista su culminación durante la primavera del 2018, con el fin de ser proyectado a partir del verano en diversas salas y festivales.

‘RIDE’ se postula como un viaje por las emociones, un trayecto por la vida de dos mujeres (madre e hija, interpretadas por Mari Arveheim y Alba Manobens Flores, respectivamente) que pasan por una etapa de crecimiento propio y de enfrentamiento a nivel familiar, para terminar uniéndose a nivel personal a través de las vicisitudes de su recorrido por la Costa Brava.

El desencuentro entre ellas se inicia en el ámbito del hogar durante un desayuno cotidiano y desemboca en un club nocturno, donde Emma (la madre) encuentra a Alex (su hija, aún menor de edad) bailando a cambio de dinero.

Alex decide irse de casa tras la virulenta reacción de su madre y Emma es consciente de que si deja marcharse a su hija la perderá para siempre; por este motivo decide irse con ella a lo largo de un viaje por la costa catalana -durante el que se encontrarán con diversos personajes que les harán crecer a nivel personal y emocional, hasta llegar a mejorar su relación y entenderse de nuevo.

‘RIDE’ es un viaje desde la oscuridad emocional y física, hasta encontrar la luz y el optimismo que mejorará la relación de estas dos mujeres para siempre, al final de su viaje y dentro del marco incomparable de la casa museo Dalí, en Port-Lligat (Cadaqués, Costa Brava).

“Una road-movie inspirada en ‘Thelma &Louise’ y ‘Little Miss Sunshine’, que no dejará indiferente a nadie”, en palabras de su directora, Neus Flores.

Neus Flores. Makma

Valencia acoge el fin de rodaje de la webserie ‘¡Tócate!’

¡Tócate!, webserie valenciana
Dirigida por Victoria Avinyó
Protagonistas: María Albiñana, Nuria López, Marina Gutiérrez y Patricia Teruel
Enero de 2018

La webserie valenciana ‘¡Tócate!’ ha grabado el lunes 8 de enero la última de las secuencias de su primera temporada. El restaurante Vinotinto, situado al lado del Teatro Olympia de Valencia, fue el escenario escogido por el equipo técnico para rodar la última secuencia de la serie.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la organización.

Equipo técnico y artístico de la webserie ¡Tócate!. Imagen cortesía de la dirección.

Protagonizada por María Albiñana (‘Sin vida propia’, ’Todos queríamos matar al presidente’), Nuria López, (‘Miki’, ‘Didi Hollywood’), Marina Gutiérrez (‘El caso Borne’, ‘The livinguers’) y Patricia Teruel (‘La que se avecina’, ‘Menú equivocado’), ‘¡Tócate!’ cuenta la historia de cuatro mujeres treintañeras con formas diferentes de ver la vida y el sexo, en donde lo único que les une es su amistad.

El proyecto, dirigido por Victoria Avinyó, también cuenta con la colaboración de los actores Alfredo Montesinos, Vicente Aparicio y Jorge de Guillae, quienes dan réplica a las protagonistas, y la actuación especial de María Almudéver.

‘¡Tócate!’ se ha grabado entre Alcàsser, Picassent y Valencia, gracias a la colaboración de establecimientos como Café Volander o el restaurante Vinotinto, quienes se han prestado como escenario de cine. El equipo técnico ya trabaja en el proceso de post-producción y su futura distribución a lo largo de 2018.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

Jorge de Guillae, Marina Gutiérrez, María Albiñana, Patricia Teruel y Nuria López, en una imagen de la webserie ¡Tócate! Imagen cortesía de la dirección.

Straub y Huillet, la revolución era esto

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet
Ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Hasta el 8 de febrero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca el ciclo ‘Hacer la revolución es volver a colocar en su sitio cosas muy antiguas pero olvidadas’, sobre la pareja de cineastas franceses Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, que se inauguró con la proyección el 9 de enero del cortometraje ‘Machorka-Muff’ (1962) y del mediometraje ‘No reconciliados’ (1964).

Fotograma de 'No reconciliados', de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘No reconciliados’, de Straub y Huillet. Imagen cortesía de la Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub (1933) conoció a Danièle Huillet (1936-2006) en 1954. Se casaron en 1959 y trabajaron siempre unidos bajo la firma Straub-Huillet. La pareja de cineastas es una referencia fundamental en el ámbito del cine y del arte contemporáneo desde comienzos de los años sesenta.

Cómplices distantes de una parte de la ‘nouvelle vague’ francesa (Rivette, Godard, Moullet) y periféricos respecto al nuevo cine alemán, Straub-Huillet realizan sus primeras películas entre Alemania, Italia y Francia, lo que caracteriza una filmografía rodada en tres países y lenguas diferentes. En ese sentido, plantean una reflexión sobre la historia, la identidad y las fronteras europeas. También se apropian de otros lenguajes artísticos (dramas, novelas, músicas, partituras y pinturas) de diferentes momentos históricos, que interpretan en el presente como un acontecimiento crítico.

Fotograma de 'El novio, la actriz y el proxeneta', de Straub y Huillet.

Fotograma de ‘El novio, la actriz y el proxeneta’, de Straub y Huillet.

En el cine de Straub-Huillet, textos, obras e imágenes forman parte de una secuencia que describe una pedagogía revolucionaria de la cultura y de la historia a lo largo del tiempo. Tras el fallecimiento de Danièle Huillet en 2006, Jean-Marie Straub ha continuado trabajando y defendiendo una poética del cine como ruptura y revelación.
Organizado por el Museo Reina Sofía en colaboración con Filmoteca Española y comisariado por Manuel Asín y Chema González, el ciclo incluye quince películas de Straub-Huillet, así como nueve cortometrajes dirigidos por Jean-Marie Straub, tras el fallecimiento de su mujer.

La retrospectiva, que podrá verse hasta el 8 de febrero, se inicia con las dos primeras películas de la pareja de cineastas: ‘Machorka-Muff’ es un cortometraje de 18 minutos, basado en un relato corto de Heinrich Böll sobre la falsa paz de la reconstrucción y el rearme de Alemania, y ‘No reconciliados’ es uno de los títulos más importantes del cine alemán de los últimos cincuenta años y se centra sobre tres generaciones de una familia de arquitectos que viven los cambios sociales y políticos de Alemania entre 1914 y 1954.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Homenaje por el centenario de Melville

Centenario Melville
Filmoteca de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 28 de noviembre de 2017 al 14 de enero de 2018

El Institut Valencià de Cultura presenta en la Filmoteca un ciclo de homenaje a Jean- Pierre Melville con motivo del centenario de su nacimiento, que se inauguró el martes 28 de noviembre con la proyección de ‘Bajo el nombre de Melville’ (2009), de Olivier Bohler.
Este documental biográfico reúne entrevistas, material de archivo y fragmentos de las películas de Melville para intentar explicar el impacto emocional que tuvieron la Segunda Guerra Mundial y la carrera militar del director francés en su filmografía.

Fotograma de El último samurai, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de El silencio de un hombre (Le samurai), de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Organizado en colaboración con el Institut Français y la Jean-Pierre Melville Foundation, el ciclo reúne nueve de las trece películas de Jean-Pierre Melville, que podrán verse en copias digitales restauradas. Entre las películas que podrán visualizarse en diciembre figuran clásicos como ’24 horas en la vida de un payaso’ (1946), ‘El silencio del mar’ (1949), ‘Bob, el jugador’ (1955), ‘León Morin, sacerdote’ (1961), ‘El confidente’ (1962), ‘El ejército de las sombras’ (1969) y ‘Círculo rojo’ (1970).

Fotograma de 'Le cercle rouge', de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Fotograma de ‘Le cercle rouge’, de Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Se trata de una oportunidad única de disfrutar del estilo singular de un cineasta que este año habría cumplido 100 años y que fue considerado el padre espiritual de la ‘nouvelle vague’ francesa y un maestro absoluto del denominado género ‘polar’ o policíaco francés.

Es particularmente interesante que el ciclo pueda verse en paralelo al que la Filmoteca dedica al cine negro clásico, pues esto hace posible comparar y entender aún mejor el ejercicio de apropiación y destilación de los códigos del género que Melville llevó a cabo en muchas de sus películas.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.

Jean-Pierre Melville. Imagen cortesía de Filmoteca de Valencia.