Vida oculta, insumisión al nazismo

Vida oculta (Título original: A hidden life)
Director: Terrence Malick
Reparto: August Diehl, Valerie Pachner…

Se estrenó el pasado 7 de febrero y no creo que dure mucho más en la cartelera actual a pesar de tener una calidad cinéfila infinitamente superior a esa media donde impera mucha morralla comercial que aporta bien poco al séptimo arte. Así que todo aquel que aprecie el buen cine en pantalla gigante debería ser raudo y veloz en visionarla.

Escena de «Vida oculta» con August Diehl, Valerie Pachner

De “Vida oculta” decir en primer lugar que había que verla sí o sí por tratarse del director Terrence Malick. La puesta en escena y la belleza de la fotografía eran motivos, a priori, suficientes en una filmografía que cuenta con emblemáticos títulos como “Malas tierras”, “La delgada línea roja”, “El árbol de la vida”…

En esta ocasión el cineasta tejano ha basado su argumento en hechos reales, los de un labriego austriaco que en el 2007 acabó reconocido como mártir católico por negarse a colaborar con los nazis debido a cuestiones de fe en los tiempos en que su país fue anexionado al III Reich y Hitler era tratado casi como un mesías.

Cartel de la película «Vida oculta» («A hidden of life») de Terrence Malick

Destacar pues que los cimientos y la esencia de esta “A hidden life” residen claramente en la conciencia del campesino Franz —con un más que sobresaliente August Diehl en ese papel— y en su negativa a rendir culto y fidelidad a alguien impuesto por otro pueblo que, desde su moralidad, estaba suplantando a Dios. A partir de esa mirada y de ese posicionamiento comienza un proceso que le lleva a ser encarcelado.

Escena de «Vida oculta» con August Diehl

A nivel general se podría decir que uno de los aspectos más interesantes de esta película reside en el minucioso tratamiento evolutivo de esa conciencia, permitiendo al espectador alojarse en ella y comprender —o al menos aceptar— cada una de sus respuestas, priorizando el sacrificio y la dignidad personal aunque repercuta negativamente en su persona o en su familia.

Escena de «Vida oculta» con Valerie Pachner

Pero la peli de Malick va más allá de la mera objeción de conciencia cuando profundiza en la insumisión, al negarse a realizar gestos simbólicos y prestaciones sociales sustitutorias. Es en esa deriva cuando se produce la gran recepción de críticas desde su entorno más próximo por un supuesto talante egoísta e insolidario que no entiende motivos para eximirle de responsabilidades sociales, en este caso obligaciones militares. Y es ahí también cuando el amor y la fidelidad de su esposa emergen por encima de cualquier adversidad.

Escena de «Vida oculta» con August Diehl.

Paralelamente a todo ello se confirma la belleza de las imágenes dotando de deslumbrante esplendor y relevancia al campo, al cielo, a las montañas, a los ríos… y en definitiva a la madre naturaleza con voces en off, pasajes lentos y solemnes o pequeños grandes detalles de vida cotidiana repletos de lírica visual. Por todo ello y por mucho más absténganse de esta especie de vía crucis aquellos que necesiten un cine acelerado y más acorde a los estresantes tiempos en que vivimos. Para el resto, para los que todavía no lo hayan hecho, disfruten de ella una minoría selecta.

Juanjo Mestre

‘Hasta que la boda nos separe’. Pura «dramedia»


‘Hasta que la boda nos separe, de Dani de la Orden
Cines Kinépolis Valencia
Avinguda de Francisco Tomàs I Valiente, s/n, 46980 Paterna, Valencia
6 de febrero de 2020

Los cines Kinépolis Valencia acogieron el 6 de febrero el preestreno de ‘Hasta que la boda nos separe’, la nueva comedia dirigida por Dani de la Orden (‘Barcelona nit d’estiu’, ‘El pregón’, ‘El mejor verano de mi vida’). La proyección estuvo presentada por dos de sus protagonistas: Álex García (‘La novia’, ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’, ‘Si yo fuera rico’) y Silvia Alonso (‘Es por tu bien’, ‘Durante la tormenta’, ‘Perdiendo el este’).

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Cómo se consigue este elenco de actores y esa comedia coral, con tanta gente conocida en la gran pantalla? ¿Cómo surgió esta gran oportunidad? 

Álex García: “Cuatro meses antes, durante el rodaje de ‘Itus’, Dani de la Orden me dejó caer que funcionaría muy bien con Belén Cuesta. Fue pasar esos meses, y ya estaba en la sala de ensayos con ella y con Silvia Alonso, mi pareja de ficción oficial, ya desde hace 10 años’’.

Silvia Alonso: “También funcionó el azar, porque al ser una producción tan enorme, con Atresmedia y otras grandes productoras detrás, era de esperar que ese azar y esa magia diesen como resultado esta gran película. Fue así porque debía ser así, y ahora no me lo imagino de otra manera’’.

  • Antes habíais colaborado en varias series, pero no en cine, ¿cómo ha sido volver a trabajar juntos en la gran pantalla? 

AG: “Pues una experiencia fantástica, porque además estábamos en mi tierra, en Tenerife, yo en el rodaje me lo pasé genial. Había justicia poética, y a nivel personal estamos hablando de que me tocó trabajar con una actriz que conoce a mis padres, a mi perro. Silvia aparte de ser una gran compañera, es ese tipo de amiga que puede venirse a mi casa a dormir, con la que puedes tener conversaciones personales a diario, por eso los miedos los compartíamos, pero las risas más aún’’.

SA: “A mí cuando me llegó el guion no tenía nada claro. Sí que es verdad que conocía a mucha gente, muchos de ellos cercanos a mí. Además, es una maravilla porque cuando el alma es bonita, cuando lo disfrutas al máximo, cuando te lo pasas bien y conoces a los actores y se trabaja con ese “todos a una”, la comedia va sola.  Si la energía está ahí, es realmente una maravilla’’.

La actriz comenta que Álex y ella volverán a ser pareja en su próxima película. “Lo mejor es que nosotros ya tenemos una base, nos conocemos, sabemos lo que nos pasa, nos miramos y ya sabemos lo que piensa el otro. Pero, sin duda, lo que más me gusta de esta película es que sea de temática cómica’’, ya que, como dejó patente en una foto que publicó en redes sociales hace varios meses, quería interpretar una comedia, ya que ambos habían trabajado en dramas durante un largo tiempo, concretamente en ‘Tierra de lobos’ y ‘Tiempos de guerra’. 

Álex manifiesta que “Respecto al salto a la gran pantalla, hoy en día hay series que se ruedan mejor que la mejor película que has rodado, y películas que se ruedan peor que la peor serie que has hecho’’, por ello ambas plataformas se han unificado dando lugar a grandes producciones, ya se trate de series o de películas, ya que ambas tienen equipos espectaculares para su elaboración.

  • ¿Os sentís más cómodos en algún género en concreto? ¿En qué género creéis que funcionáis mejor?

SA: “Todo parte de una base, de que en ambos géneros se trabaja de una manera muy parecida. El ritmo, las circunstancias y el código cambia, pero lo que tiene que ocurrir es que en las comedias aparezca mucho drama, y que en los dramas haya algo que te haga reír’’. La actriz expone que el punto de partida es el mismo, pero que es muy importante la recepción del público, “Ya que es el espectador quien dice: ¡ay! ¡Este actor siempre hace películas de comedia, películas dramáticas…! Pero al final yo creo que todos tenemos el impulso y el deseo de hacer ambos géneros, además yo disfruto mucho haciéndolos, y me encanta que me den la oportunidad de cambiar’’.

AG: “A mí me encanta estrenar comedias porque la gente sale con la cara que le brilla, y eso es una sensación maravillosa. Si la película es buena, si funciona el papel que has interpretado, notas una energía mucho más brillante y especial, levantas el ánimo de la gente, y quiero pensar que con esta peli pasará. También creo que el drama funciona bien, porque la gente sale tocada. Eso sí, aunque reflexionen y le den vueltas a lo que han visto, lo reciben de una forma más oscura que una comedia. 

En conclusión, podría decir que mi película ideal sería una “dramedia’’, en la que abordemos un verdadero conflicto social, pero con sentido del humor. Un ejemplo de esto sería lo que se quería conseguir Dani de la Orden en ‘Litus’, que es un drama con varios puntos de comedia, pero con conflictos mucho más desarrollados. La forma de trabajar es la misma siempre, teniendo en cuenta que lo que importa es cumplir no solo lo que quiere contar el director, sino también cómo lo quiere contar, y yo intento llevarlo al máximo siempre’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Os veremos en televisión próximamente? 

SA: “La verdad es que Álex lo pasó fatal y se quedó seco por la dieta y los hábitos que tuvo que llevar durante el rodaje de ‘Antidisturbios’, la serie que se estrenará próximamente, dirigida por Rodrigo Sorogoyen. Ya he patrocinado tu serie, ahora te toca a ti’’.

AG: “Pues ella va a estrenar una película con María León y Victoria Abril, y será una de las primeras incursiones que haga Silvia en el drama. Aunque esta película es un poco dramedia, como he dicho antes, creo que ver a estas actrices juntas debe ser simplemente un regalo’’.

  • ¿Alguna de las escenas que grabasteis fue arriesgada?

AG: “Pues mira grabamos varios días en un apartamento que sale en la película, totalmente real e increíble; yo no sabía que Tenerife tuviera tanto poderío económico, la verdad. Las vistas desde ese mirador eran espectaculares y la piscina, en la que, por supuesto me bañé, era brutal. Ahí grabamos una escena en la que me tenía que caer varias veces, pero bien’’.

“Como escenas de riesgo me quedo con la del barco. Sinceramente, fue un verdadero cuadro. Porque claro, ¿cómo manejas y metes a todo el equipo técnico en un barco tan pequeño? Pues Dani de la Orden tuvo solución: puso al equipo de producción a mover el barco con unas palancas enormes, como si de un barco pirata se tratase, mientras otros tiraban agua con una manguera. Muchos compañeros se marearon y estuvieron a punto de vomitar. Consiguieron un barco realmente asqueroso, enano, con telas y olor a pescado muerto, y para mí es una de las peores escenas que he rodado nunca. Yo que estaba en mi puerto, en mi isla, estaba en una situación surrealista, y mis compatriotas decían: ¡ay, marinero de agua dulce! Pero ¿qué pasa, que te mareas? ¿es que llevas mucho tiempo en la península, o qué? Solo te digo que estuvimos grabando esa escena tres días’’.

SA: “¡Madre mía! Esa escena…Hubo momentos en los que se tuvo que ir medio equipo técnico. A la ayudante de dirección la perdimos, se tuvo que quedar en reposo ocho horas de lo mala que estaba. Y claro, tú como actriz debes permanecer recta, sin moverte, para hacer la escena, pero claro…en ese barco era prácticamente imposible no moverse’’.

AG: “En el caso de otro director seguramente se habría cortado, pero no, Dani no. Dani es como que tiene una especie de coraza de titanio reforzado y si ve a un actor muriéndose, le dice: “¿podrás rodar mañana, Álex? Tú puedes, ¿no? Va, tú puedes con esto.’’ Te pone en tu propio tejado la pelota. Y así estuvimos toda la película: planteándonos situaciones imposibles y diciéndole que sí porque le queremos y porque queríamos hacer una película así de gamberra, pero la verdad es que tienes que tener un poco de inconsciencia para hacerla’’.

  • ¿Cuál sería el mensaje que querríais transmitir con esta película? Y en el amor, ¿uno debería guiarse por el corazón, o por la cabeza?

SA: “El mensaje sería: ¿eres capaz de ir al cine el 14 de febrero con tu pareja y hablar de una manera tranquila de los personajes? Esta película es una contraoferta al amor romántico’’.

AG: “Yo creo que el mensaje de la película sería: las historias de amor que nos han narrado de pequeños son una falacia, y lo que nos han contado del amor romántico de las películas Disney con princesas y dragones, no existe. Y si crees en ello, estás destinado al fracaso’’, pues esto es una comedia, pero al final lo dice Belén Cuesta: “La vida al final te da más tortazos que lo que has vivido… Esta peli puede abrir más los ojos que cualquier otra comedia romántica, porque puede hacerte encontrar el amor de verdad, con lo que ello conlleve’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • ¿Sois de bodas sencillas, o complicadas, como en la película? 

SA: “Yo es que yo no soy de bodas, directamente. Pero hemos estado en una muy potente, y es que yo creo que, si te casas, te casas a muerte, das todo y ya está. Con todo.

AG: “Esa boda en la que estuvimos fue una auténtica barbaridad. Una boda en la que habían alquilado un castillo para celebrarla allí. Bueno, pues os voy a contar una anécdota. En el castillo reservaron una habitación especial para los novios. Mi pareja se iba a las 7:00h de la mañana y tenía que mantenerme despierto. Yo duré demasiado. Los coches que nos llevaban y nos recogían, fueron saliendo, despedí a mi pareja y, al día siguiente había una chuletada. Bueno pues yo de repente me levanto…bueno, no, yo no. Me despertó uno del servicio en la suite nupcial de los novios, y yo sin saber dónde ni por qué estaba allí durmiendo. La boda era de un director de cine que nunca me ha contrarado, yo creo que no me lo perdonó y por eso nunca me llama. Pero vamos, que si te casas, lo haces a lo grande y tiras la casa por la ventana para que surjan anécdotas’’.

SA: “La boda fue maravillosa, nadie pudo comer. El novio tenía un altavoz enganchado a un cable, y en el segundo plato ya estaba mandándonos bailar a todos. La situación en la que te encontrabas era que mientras comías, bailabas, bebías. Bueno, yo solo te digo que a las 19:00h de la tarde yo ya estaba pedo y subida a una silla dándolo todo’’.

Silvia Alonso y Álex García en el preestreno de la película ‘Hasta que la boda nos separe’ – Fotografía: Irene Valdés.
  • Dani de la Orden tuvo muy buen ojo a la hora de la elección de los actores, se ve mucha química en pantalla, y eso se consigue con el éxito del director pero también con vuestro trabajo, ¿pensáis que es así?

AG: “Para nosotros fue simplemente una suerte, porque si te toca un compañero egoísta o que va a lo suyo, eso que te pierdes en ese rodaje; pero si te toca un compañero disfrutón, generoso, que es lo que teníamos nosotros, compañeros geniales, es una gozada. Te voy a confesar que fuimos casi cada noche al karaoke de Tenerife, y Adrián Lastra cantó ópera, o sea que te puedes imaginar la química y feeling que teníamos entre todos nosotros…’’

SA: “La verdad es que no fue un rodaje nada fácil, ni físicamente, ni por las condiciones. En esa casa maravillosa que se ve en pantalla hubo mucha gente que se accidentó, era todo súper surrealista, y a nivel de producción era como que teníamos todas las papeletas para perder los nervios en todo momento, pero a pesar de todo eso, y gracias a que nos llevásemos tan bien y fuésemos “todos a una’’, yo estaba meada de la risa en ese barco mochambroso del que hemos hablado antes, e incluso queríamos repetir las escenas una y otra vez. Y eso es lo que surge como resultado cuando hay buen feeling’’.

Irene Valdés.

Ciclo de cine polaco inédito en La Filmoteca de Valencia

Ciclo de cine polaco actual
Filmoteca de Valencia
Plaza de Ayuntamiento, 17. Valencia
Del 5 al 18 de febrero de 2020

La Filmoteca presenta una nueva edición del ciclo de cine polaco actual, que se inauguró el miércoles 5 de febrero con la proyección de ’53 guerras’ (2017) de Ewa Bukowska. Como cada año, el Instituto Polaco de Cultura en Madrid organiza una muestra itinerante para dar a conocer en las filmotecas españolas películas polacas de reciente producción que no han sido estrenadas en nuestro país. En esta edición la muestra se compone de siete de largometrajes de ficción y un documental.

La aldea de las vacas nadadoras, de Katarzyna Trzaska. Imagen cortesía de Filmoteca.

En el ciclo destaca la presencia femenina, no solo porque ocho de las películas seleccionadas están dirigidas por mujeres, sino también por los temas tratados en ellas: ’53 guerras’, ‘Los pájaros cantan en Kiwali’ (2017) de Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze; ‘Torre. El día luminoso’ (2017) de Jagoda Szelc; y ‘Fuga’ (2018) de Agnieszka Smoczynska, son retratos de mujeres que viven situaciones complejas.

El ciclo también incluye producciones de cine histórico como ‘El mayordomo’ (2018) de Filip Bajon o ‘El correo de Varsovia’ (2019) de Wladyslaw Pasikowski, además de ‘Rock’n Roll Eddie’ (2019), una película familiar de aventuras. El documental está representado en esta edición por ‘La aldea de las vacas nadadoras’ (2019) de Katarzyna Trzaska, que trata con fina ironía el encuentro de un grupo de ‘neohippies’ con los habitantes de una comunidad rural.

El ciclo se proyecta en la Filmoteca de València del 5 al 18 de febrero y cuenta con el patrocinio del Instituto Polaco de Arte Cinematográfico y está producido por la productora ‘Mañana’.

Torre. El día luminoso, de Jagoda Szelc. Imagen cortesía de Filmoteca.

Adú: deshumanización, dolor y supervivencia

Título: Adú
Director: Salvador Calvo
País: España.
Reparto: Moustapha Oumarou, Adam Naourou, Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Miquel Fernández, Zayiddiya Dissou, Jesús Carroza, Ana Wagener…

Zayiddiya Dissou y Moustapha Oumarou en sus papeles de hermanos Alika y Adú.

La segunda película de Salvador Calvo tras «1898. Los últimos días de Filipinas» —ópera prima que generó polémica en el 2016 por tratar el mito de los soldados resistentes en la iglesia filipina de Baler— parece destinada a asentar definitivamente al director madrileño.

Ya metidos en harina con «Adú» es de obligada indicación que en el film convergen tres historias paralelas en el tiempo y que todas ellas tienen como telón de fondo la miseria, la deshumanización, la supervivencia y el continente africano.

Escena Adú. Con Anna Castillo y Luis Tosar.

Ahora bien, tanto la historia de la caza furtiva con Luis Tosar como defensor de los elefantes junto a su indisciplinada hija (Anna Castillo), así como la del juicio a la Guardia Civil melillense por la muerte de un refugiado congoleño en un salto masivo a la valla fronteriza, son meras comparsas bien dosificadas de la estremecedora historia principal que reside en la huida y éxodo de Adú (Moustapha Oumarou), un niño camerunés de seis años, primero con su hermana Alika ( Zayiddiya Dissou) y después con Massar (Adam Naourou), un chaval adolescente que le ofrece ayuda desinteresada y con el que traba dependencia y una sincera amistad.

Adú, el niño protagonista encarnado por Moustapha Oumarou.

La historia de Adú es tremenda, por desgracia más común de lo que debería y de lo que nos gustaría. No duden en olvidarse previamente de los parlanchines y charlatanes, muchos de ellos grandes «patriotas», y sus críticas negativas al cine español. Ni caso, es un orgullo que esta película sea española, le da mil vueltas a la gran mayoría de la cartelera, es profunda, tiene intriga, posee secuencias extraordinariamente conmovedoras, le pone rostro al drama de la inmigración, provoca solidaridad, empatía y es real como la vida misma, tanto como que 70 millones de personas se desplazaron en el 2018 a la búsqueda de un mundo mejor y la mitad eran niños.

Y por eso que su mensaje llega a lo más hondo del alma tampoco duden en llorar todo lo que haga falta, sin contención, con emoción. Seguro que no se arrepentirán de Adú.

Juanjo Mestre

‘La Quedada’ audiovisual cumple tres años

Jueves, 6 de febrero de 2020
Apertura de puertas a las 22h.
Mítico Cobalto Pub (Tetería Tisana)
c/Moret, 6. València

Desde hace tres años, un equipo diverso de amantes del séptimo arte se reúne en el mítico Bar Cobalto, la actual Tetería Tisana. Lo hacen, como viene siendo habitual, el primer jueves de cada mes, con el fin de realizar una pieza audiovisual y proyectar la filmada el mes anterior. Los promotores del proyecto señalan que “desde hace tres años existe un espacio en la ciudad de las flores, de la luz y del amor, donde se habla de cine, se ve cine y se hace auténtico cine de guerrilla” Denominan a su proyecto La Quedada de Cine Independiente, un lugar que aglutina a técnicos, actrices, directores y guionistas que unen sus conocimientos y virtudes para alcanzar el reto “de rodar algún corte de buen cine a quemarropa en una tarde”.

La precariedad de medios no supone un cortapisa para culminar con éxito sus rodajes, que se materializan en breves piezas ingeniosas, “rodadas con lo puesto y por instinto”. En ocasiones trabajan con guión, otras sin él, con más o menos pre o posproducción, a veces con una cámara réflex 4k, otras con el móvil…todo vale, no tienen excusas para no crear, para no filmar. En definitiva, La Quedada se consolida como un taller audiovisual participativo abierto a cualquier persona y público. Cada noche tiene lugar un nuevo encuentro creativo “donde el que una tarde fue director, al mes siguiente se encarga de la iluminación y con el tiempo acaba siendo el actor de moda”, en palabras de los organizadores.

El próximo jueves  se proyectará “364 días de fiesta” un cortometraje “con pocos planos”, que se suma los trabajos producidos con anterioridad, como “Jackman”, “El jeta”, “La taberna del cobalto”, “Ostias como penes”, «Macarril bici» o el videoclip de la banda londinense Mr. Sánchez titulado “Aventuras”.

Más información:
Grupo de WhatsApp “La Quedada”, administrador Sr. Plátano: 637 663 169
YOUTUBE (Puedes ver todos los trabajos de la quedada en el canal de YouTube)

En portada: Fotograma de «Macarril Bici» (2019)

Almodóvar, según el propio Almodóvar

‘Almodóvar, la película de su vida’, de Ladis García
Ubik Café
C / Literato Azorín, 13. València
Sábado 8 de febrero de 2020, a las 13.00h

El libro ‘Almodóvar, la película de su vida’ es el guion que Pedro Almodóvar nunca escribirá. Porque el director manchego ha repetido en infinidad de ocasiones que no quiere que nadie escriba su biografía, ni vivo ni muerto. Quizás, ‘Dolor y Gloria’, su última película, es lo más cercano que el realizador ha escrito sobre sí mismo. 

La obra, elaborada por el periodista Ladis García, es un análisis exhaustivo de la vida pública y publicada de Pedro Almodóvar. El trabajo del valenciano recoge los testimonios, múltiples, que el propio director ha ido dejando ya desde sus inicios, a finales de los 70, en el mundo del teatro, la música y el cine; un relato muy interesante, lleno de matices, ya que no ha existido a lo largo de su carrera mejor promotor de su vida y de su obra que él mismo. Y eso que su trayectoria profesional, jalonada de éxitos jamás alcanzados por ningún director español y muy pocos a nivel internacional, ha dado motivos para escribir grandes odas.

Antonio Banderas en un fotograma de ‘Dolor y gloria’, de Pedro Almodóvar.

Pero la visión que Almodóvar ha tratado de dar de sí mismo se ha visto confrontada por la opinión publicada sobre su vida y carrera profesional. Sus batallas dialécticas con periodistas, políticos e, incluso, algunos actores han llenado páginas de periódicos y minutos de radio y televisión. Unas batallas que han dejado momentos dignos de ser destacados. Al igual que grandes textos sobre los múltiples logros cosechados tras sus 21 películas. Lo cierto es que el director de cine lleva 70 años protagonizando una vida pública única e irrepetible a la par que una vida publicada polémica y controvertida. Ladis García pretende que todo ello quede reflejado en esta obra.

“Sí, soy completamente bisexual… Los críticos de cine de este país están más desprestigiados que los directores de prisiones… Daría dinero por tener fe en cualquier tipo de Dios… Mi objetivo es conquistar Rusia, y espero tener más suerte que Napoleón o Hitler… Hace muchos años que no me drogo… El Papa es un asesino múltiple…”. Solo un personaje del calibre y la trascendencia de Pedro Almodóvar es capaz de aglutinar tal número de afirmaciones. Unas opiniones que lo han convertido en centro de la polémica durante los últimos 40 años. 

Fotograma de ‘Dolor y gloria’, de Pedro Almodóvar.

Sus películas lo han transformado en un icono internacional galardonado repetidamente, en un director admirado y respetado en todo el mundo, pero eso no le ha librado de las críticas más feroces, la mayoría de ellas, curiosamente, procedentes desde España. 

Una trayectoria personal y profesional tan grandiosa, tan singular y, a la vez, tan controvertida, merecía un repaso exhaustivo. Tanto desde el punto de vista del propio Almodóvar como de aquellos que han convivido con él: familia, amigos, actores, críticos de cine, políticos… Y eso exactamente refleja este libro: una biografía apasionante como no hay otra en el panorama español. 

Portada del libro ‘Almodóvar, la película de su vida’, de Ladis García.

Arranca Humans Fest

Humans Fest
Varias sedes
Valencia 2020

El Festival Internacional de Cine y Derechos Humanos; Humans Fest, bajo el manto de la Fundación por la Justicia, celebra su XI edición, y en esta ocasión, asume como lema central la “Corrupción”, una temática que según su actual director; Samuel Sebastián “es importante porque en el cine valenciano no se ha debatido lo suficiente sobre este tema y, por tanto, debíamos comenzar este debate”. Por eso mismo, se ha decidido otorgar el Premio por el cambio Social, que ha comenzado a otorgarse este mismo año, a la AVM3J (Asociación de Víctimas del Metro del 3 de Julio) para reconocer su incansable lucha por desvelar la verdad del accidente del metro valenciano. También se hará entrega del “Premi Pau y Justicia” a Pepe Viyuela, quien, mediante su trabajo comprometido en las causas sociales, ha sabido aportar una visión más amable a realidades sociales sumamente duras.

El Festival, que celebra la nueva edición entre el 18 de febrero y el 1 de marzo pero se extiende en eventos todo el año, acogerá las distintas proyecciones y actividades en cuatro espacios: La Filmoteca, la SGAE, Octubre y la Universidad Politécnica de Valencia. Por otro lado, el programa incluye algunas exposiciones que se celebrarán en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea y La Primera.

Dentro de las novedades que se abren paso este año destaca la incorporación de la temática de ficción a la Sección Oficial de Largometrajes, en la que se proyectarán películas presentadas previamente a otros festivales mundiales tan conocidos como Venecia, San Sebastián o Karlovy Vary. Algunos de ellos serán “Woman” de Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova, “La cordillera de los sueños” de Patricio Guzmán o “System crasher” de Nora Fingscheidt. Además, por primera vez se presentará una sección competitiva valenciana, Humans VLC. Dentro de esta sección encontraremos producciones con un largo recorrido como “Makún” o estrenos como el de “Una vida, un bolso”.

Por otro lado, con lo que respecta a la Sección Oficial de Cortometrajes, contará con la proyección de cortos como “Maras” nominado a los Goya o “Exiliada”, donde se denuncian los abusos de Daniel Ortega, actual presidente de Nicaragua. Además se estrenará el documental sobre las protestas en Chile “#Chiledespierta” o el corto valenciano “Casa” de Alberto Evangelio.

fotografía de la rueda de prensa del Human Fest.

El festival, junto con la colaboración de la Universitat Politécnica y el festival “Prime the Animation! New talent film festival”, apoyará a los más jóvenes a través del proyecto Future(s) desde el que se realizarán una serie de proyecciones, principalmente de cortos de animación, que ponen de manifiesto el talento valenciano. Se debe mencionar también el Human Films Zero, un sector que comienza este año y que se preocupa por las producciones de mínimo coste para el medio ambiente. No menos importante es el programa “Mujeres del mundo” donde se proyectarán películas realizadas por mujeres de distintos orígenes con el objetivo de reivindicar la escasa presencia femenina en el mundo del cine. Además, se impulsará la campaña “Filmen elles, guanyem tots” donde se promocionan las obras fílmicas producidas por mujeres, especialmente valencianas.

En lo que respecta a las dos exposiciones previstas, el 30 de enero comenzará “Huellas en el alma” de Ana Yturralde, donde la artista realiza una retrospectiva de su propio trabajo centrándose en aquellos grupos de personas que son ignorados y excluidos. Mientras que el 19 de febrero se inaugurará “Mujeres de Cluj” de Loyola Pérez de Villegas Muñiz en La Primera, que trata la migración en Rumanía.

El compromiso del Festival con los derechos humanos parece no limitarse a unos días concretos, sino que se extiende en el calendario anual, abarcando con sus eventos propuestas en abril (como un ciclo de cine en la Filmoteca), septiembre (con una exposición en la Casa del Reloj) y octubre (con la presentación del programa Mujeres del mundo), pues, como afirma el ya mencionado Samuel Sebastián “lo que nos importa es que haya una denuncia entorno a la vulneración de los derechos humanos”.

Samuel Sebastián, actual director del Human Fest, junto al cartel de este año del Festival.

Sofía Torró Álvarez

MyFrenchFilmFestival y su cine inédito en Filmin

MyFrenchFilmFestival 2020
Unifrance
Filmin
Del 16 de enero al 16 de febrero de 2020

La plataforma de VOD Filmin será un año más sede en España de MyFrenchFilmFestival, el certamen online organizado por Unifrance que promociona en todo el mundo el cine francófono, en especial aquel que ha tenido poca visibilidad lejos de las fronteras de sus respectivos países.

La décima edición de uno de los festivales online más importantes del mundo se celebrará del 16 de enero al 16 de febrero de 2020, y ofrecerá en Filmin 11 largometrajes y 15 cortometrajes, muchos de ellos estrenados y premiados en festivales de todo el mundo, pero que todavía no habían pasado por los cines españoles.

Entre los títulos más destacados de su programación se encuentran ‘Los confines del mundo’, de Guillaume Nicloux –una historia de venganza ambientada en la guerra de Indochina en 1945– con Gaspard Ulliel y Gérard Depardieu en el reparto; ‘La caravana’, de Méryl Fortunat-Rossi y Valéry Rosier –documental belga sobre los aficionados que acuden a animar a los ciclistas en las etapas del Tour de Francia; ‘El escape’, de Emmanuel Hamon –thriller político sobre una operación de exfiltración de una mujer francesa arrepentida de haberse unido al ISIS en Siria; ‘Perdrix’, de Erwan Le Duc – presentada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes, cuenta con Fanny Ardant en su reparto; y ‘Jessica Forever’, de Jonathan Vinel y Caroline Poggi – distopía futurista y reflexión sobre la violencia–, que será una de las películas más comentadas de un MFFF2020 que no se olvida del público infantil, al que dedica una sección con 5 cortos de animación.

Selección completa de la programación en Filmin

Gaspard Ulliel y Gérard Depardieu en una escena de ‘Los confines del mundo’, de Guillaume Nicloux. Fotografía cortesía de Filmin.

MAKMA

‘El día más corto’ se hizo aún más corto


La ruta más corta
Día internacional del cortometraje
Granissat Estudi Creatiu
Calle Lepanto, 14, 46008 València
21 de diciembre de 2019

L’ Estudi Granissat de València acoge seis cortometrajes de animación durante el día más corto del año, en este caso, fue el sábado 21 de diciembre. De hecho, el festival recibe el nombre ‘El día más corto’ justamente por esta razón de coincidir con el solsticio de invierno.

Durante la velada, tanto los más pequeños como los propios adultos disfrutaron de una serie de cortometrajes de animación y diseño gráfico que pretendían educar en valores, divertir y, sobre todo, que todo el público encontrase la moraleja.

Niños y adultos disfrutando de la proyección de cortometrajes. Fotografía: Irene Valdés.

Desde personajes fabricados con cartón y papel, hasta otros diseñados con tecnología digital, se mostraron historias de todo tipo que dejaron a los más pequeños con ganas de más, y a los adultos, pensativos.

Entre sus autores encontramos a la directora Rosa Peris que, con su hermana, Mercedes Peris, dieron a conocer el proyecto que estuvo a las puertas de la nominación de los Goya, y en el que se aprecian los movimientos de sus personajes realizados con lápiz en combinación con herramientas de programas de edición y animación. En este cortometraje no hay diálogo entre personajes ni voz en off, pero simplemente, no la necesita, los bocetos y escenas que la componen hablan por sí solos, aparte de la música que acompaña y los efectos de sonido que la caracterizan.

Fotograma del cortometraje ‘Tututu’, de las autoras y hermanas Rosa y Mercedes Peris. Fotografía: Irene Valdés.

Otro de los cortometrajes, de Andreu García, bajo el título ‘La ballena y la gambita’, está realizado mediante materiales que podríamos encontrar cualquiera de nosotros por casa para hacer manualidades, y pretende enseñar varias lecciones. La primera de ellas, que con cualquier objeto o material, podemos crear un teatrillo; y que a pesar de que las personas seamos de una forma con determinado carácter, se puede cambiar y mejorar la actitud y comportamiento, y por último, que tu peor enemigo puede convertirse en tu mejor aliado y compañero de aventuras.

Asimismo, mediante el cortometraje perteneciente a Silvia Mañes titulado ‘Cazando gamusinos’, nos damos cuenta de que la familia es lo más importante y que, a pesar de que a veces tengamos que sufrir acontecimientos que no nos gustan, estando juntos siempre saldremos adelante. Mediante imágenes de animación, vemos como un niño intenta cazar gamusinos y, no solo eso, sino que también lucha contra ellos para poder recuperar el colgante que su padre tiene igual que él.

Por otro lado, ‘El camello Kabul’, de Andreu García muestra mediante materiales tan sencillos como lo son el papel, el cartón o el fieltro, entre otros, y con técnicas de papiroflexia, una buena cantidad de moralejas. Ejemplo de ellas es que cuando una persona se burla de otra lo hace por envidia o indiferencia; que cuando te propones hacer algo y lo intentas día tras día, consigues tu objetivo. Por último, también refleja la importancia de la familia, no solo en personas, sino también en animales, concrétamente en camellos.

Fotograma del cortometraje ‘El camello Kabul’, de Andreu García. Fotografía: Irene Valdés

Del mismo modo, en ‘Bita y Cora’, un corto de Vicente Mallols, se muestran niños, animales y extraterrestres, además de las nuevas tecnologías a través de personajes aparentemente hechos con plastilina. El objetivo de la protagonista es ir al planeta Ciruela para hacer nuevos amigos y explorar nuevos lugares, pero se quedan sin energía en la nave. Sin embargo, aparecen los “elms’’, de los que podemos decir que tienen luz propia, tanto literalmente porque brillan, como porque ayudan en todo momento a la niña a conseguir energía de una piedra preciosa, y se hacen amigos. Aquí vemos como un desconocido puede aportar inseguridad al principio, pero en cuanto te regala un poco de confianza, puedes considerarle una persona buena que te ofrece su ayuda sin pedirte nada a cambio. 

Mercedes Peris presentando el cortometraje ‘Tututu’. Fotografía: Irene Valdés.

Finalmente, inmersos en fechas navideñas, ‘Vs. Santa’, de Raúl Colomer y Aitor Herrero, fue la guinda del pastel. En este corto vemos como, en Nochebuena, una niña solitaria está jugando en su casa cuando descubre un regalo de Santa Claus. Al rechazarlo comienza una batalla con Santa, que intentará con todas sus fuerzas que la pequeña acepte un regalo. Tras el destrozo de toda la casa de la niña y la tristeza que siente Santa Claus, éste último le da el mejor regalo que ella podría tener: estar con su padre -que es piloto de avión- durante las navidades. Sin embargo, este acto tan aparentemente bonito… traerá consecuencias algo adversas, pues ¡es Santa quien pilotará los aviones!

Sin duda, el día más corto del año se hizo aún más corto, y eso sí: largo en didáctica, pues la gente de diversas edades pudo disfrutar de una actividad diferente que lleva aparejada una sonrisa. La recompensa llegó en forma de fuertes aplausos para los creadores de los cortometrajes.

Irene Valdés

Todo sobre (mi) Berlanga

Trayectos (des)esperanzados: de ‘París-Tombuctú’ (Luis García Berlanga) a ‘Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar)
XIX Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico
Cátedra Luis García Belanga de la Universidad CEU Cardenal Herrera
Palacio de Colomina
Almudín 1, València
Lunes 8 y martes 9 de diciembre de 2019

Elías Durán, decano de la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Comunicación de la Universidad CEU Cardenal Herrera, inauguró las XIX Jornadas de Historia y Análisis Cinematográfico, organizadas por la Cátedra Luis García Berlanga, un proyecto que lleva varios años en pie y que pretende dar a conocer la vida y obra de Luis García Berlanga, intentando llegar a todas las generaciones posibles mediante el análisis y la comparación de sus películas con otras de directores de su misma generación, en particular, y del cine español, en general.

De izquierda a derecha: José Luis Moreno, Elías Durán, Juan Viña y César Martí. Fotografía: Eva Min.

Las jornadas contaron con personalidades como César Martí, director de contenidos de À Punt Mèdia; José Luis Moreno, director adjunto de Audiovisuales y Cinematografía del Institut Valencià de Cultura; Juan Viña, presidente de la Fundación Cañada Blanch; los analistas cinematográficos y miembros de la revista Trama y Fondo Jesús González Requena (Universidad Complutense de Madrid) y Luis Martín Arias (Universidad de Valladolid); Toni Cantó, actor y político; Rafael Maluenda, cineasta y gran conocedor de la obra de Berlanga; Javier Rioyo, periodista, escritor y cineasta, actual director del Instituto Cervantes de Tánger; y Julián Núñez, ayundante de dirección de Berlanga y Almodóvar, entre otros.

El cineasta Rafael Maluenda durante su conferencia. Fotografía: Eva Min.

Durante el acto inaugural, Juan Viña, a partir de la interrogante «¿Cuándo un trabajo se convierte en obra de arte?», que él mismo planteó, señaló que «yo, que vengo del campo de la ciencia, se me ocurrió formular esta pregunta, y para su difícil respuesta pensé en la originalidad, porque esta originalidad capta la imaginación; la segunda característica de la obra de arte es que perdura en el tiempo, y la tercera es que nos permita y nos haga ver el mundo del cine y de la ciencia».

José Luis Moreno indicó, por su parte, que «Berlanga, aparte de ser internacional e universal, es el dios del cine valenciano», y estimó que la presente temática de las jornadas eran, además, un magnífico «preámbulo antes de empezar a preparar el centenario de su nacimiento en 2021». Moreno, además, dio a conocer tres acciones que tiene pensadas para el IVC: docencia con talleres, seminarios y actividades, conferencias («hacer que el esfuerzo en el análisis de cine aumente, lo que hará que salgan nuevas interpretaciones»), proyectos científicos («mediante la exposición de la vida y obra de Luis García Berlanga») y los productos audiovisuales donde se proyectarán documentales.

Si durante las jornadas la mayoría de ponentes hablaron de las dos grandes películas del cine español protagonistas de estas –’Todo sobre mi madre’ (Pedro Almodóvar, 1999)’ y ‘París-Tumbuctú (Luis García Berlanga, 1999)’–, Jesús González Requena profundizó en la primera, haciendo un análisis minucioso de la figura de la madre y, de esta forma, de la ausencia del padre.

Jesús González Requena realizando su comparación y análisis durante las jornadas. Fotografía: Eva Min.

«Si es todo sobre mi madre, simultáneamente, es nada sobre mi padre. Para que pudiera haber algo para el padre habría que restar algo al todo originario de la madre. Sería necesario, en suma, que se produjera el complejo de Edipo, el proceso por el cual el individuo sale de esa relación originaria para nacer como persona independiente».

Por otro lado, hablemos de ‘La cuestión del padre o el padre en cuestión’. Así tituló su conferencia Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, en la que realizó una comparación entre las dos películas que se trataron en el evento, apuntando que «la sexualidad está relacionada con la soledad; soledad que queda manifestada maternalmente y en el todo para el otro».

De este modo, «dos universos y trayectos donde la paternidad y el propio marido son epidemias. Ante este eclipse, es la presencia materna, en su protagonismo femenino, quien toma las riendas. Por tanto, la herida abierta de la muerte del hijo que dio lugar al trayecto se cierra con este nuevo hijo, llenando el hueco, protagonizando esta película, el título (‘Todo sobre mi madre’), donde nada falte sobre ella y su hijo. Es ese goce femenino el que se enfrenta a la cultura patriarcal».

Además, Siles comenta que «el miedo que aparece en el cartel de Osborne al final del filme ‘Paris-Tombuctú’ está vinculado con la dialéctica del goce femenino y los valores de la sociedad moderna y, a su vez, relacionado con el surrealismo de autores como Buñuel, Dalí o Ramón Ramírez de la Serna. La sociedad le tiende las trampas suficientes para que se produzca el suicidio individual o colectivo».

Begoña Siles, directora de la Cátedra Berlanga, y Salva Torres, miembro de Trama y Fondo y director de MAKMA, durante la presentación de la ponencia. Fotografía: Eva Min.

Finalmente, como no podía ser de otra manera, acaba su ponencia con el concepto de lo berlanguiano: «Aquello que convierte las películas en crónicas de un fracaso».

Otro de los principales invitados a estas jornadas fue Toni Cantó, actor y político español, actual portavoz de Ciudadanos en Les Corts Valencianes, quien se siente un privilegiado por haber tenido una estrecha relación con Berlanga y por haber vivido una experiencia unida con Almodóvar, quien, según sus palabras, «es un director que está pendiente de todo y de todos para que absolutamente todo vaya como él quiere y que nada ni nadie se quede sin ese vistazo».

El mundo de la interpretación y de la política son tan distintos que ha sido muy curioso de sobrellevar y que no ha acabado de entender. Cuando entró en el Congreso por primera vez, en calidad de diputado, estaba haciendo una obra de teatro, de la que destaca una frase: «Los actores tenemos la memoria en los pies (poner el texto en pie, practicarlo), y ni los políticos podían entender qué hacía en un teatro ni los actores podían comprender qué hacía en el Congreso de los Diputados».

Sin embargo, nunca ha abandonado ninguno de ambos. De hecho, Cantó expone que »es difícil conseguir que el público aplauda hasta levantarse y que, si es así, ese es el mayor espectáculo que el actor puede llevarse consigo».

Toni Cantó, junto a José Enrique March (CEU), durante su ponencia. Fotografía: Eva Min.

Además, endulzó su charla mediante diversas anécdotas, una de las cuales tenía a una mosca como accidental protagonista de uno de sus planos en ‘Todo sobre mi madre’, hecho que provocó que el director manchego hiciese más caso al insecto que a su propia interpretación: «En aquel momento, a Almodóvar le encantó ese detalle, ya que la muerte estaba sobrevolando a mi personaje, y eso fue algo que valoró mucho».

Para acabar, durante el turno de preguntas, comentó que se deberían introducir materias vinculadas con la escena y la interpretación en la educación: »¿Por qué no me dieron danza en vez de educación física? ¿Habría conseguido un vehículo de expresión del que ahora carezco? Lo más grande que me ha brindado el teatro es ir conociéndome mejor a mí mismo, porque no puedes entrar en un personaje si no sabes cuál es tu persona y tu propio carácter. Lo mágico y lo bonito de la interpretación funciona cuando no estás tú y está el personaje. Sale solo, no sabes cuándo. Introduzcamos las artes y la cultura de forma más decidida y confiemos en quienes saben».

Finalmente, los #EncuentrosCañadaBlanch, patrocinados por la Fundación Cañada Blanch, contaron con la figura del periodista y cineasta Javier Rioyo, quien vino ex profeso a las jornadas desde Tánger –ciudad en la que es director del Instituto Cervantes, tras su paso por las sedes de Nueva York y Lisboa– para conversar en torno de ‘Luis García Berlanga: un mal español’.

«Yo vivo de lo que he visto, vivido y viajado. ‘Un mal español’ se me ocurrió cuando supe que acudiría a estas jornadas para hablar de Berlanga», indicó Rioyo, quien empleó irónicamente este apelativo sobre el director valenciano a propósito de la conocida respuesta del dictador Francisco Franco tras visionar ‘El verdugo’. Y es que Berlanga –quien participó con su testimino sobre la División Azul en el documental ‘Extranjeros de sí mimos’ (Javier Rioyo y José Luis Linares, 2000)– “era un ilustrísimo liberal, un hombre que no había negado nada de su pasado aunque parecía poco ejemplar. Era un hombre muy interesante, muy cercano, un guarro limpio, afectuoso sin ser ninguna pegajoso, educado sin pasarse, divertido sin contar chistes, generoso sin tener un duro, un intelectual antipedante. Era vanidoso disfrazado de gente elegantemente sencilla, sin esfuerzos, elegancia natural en sus formas, dubitativo con una ametralladora cargada, desigual, inquieto por casi todo, republicano y burgués liberal».

Javier Rioyo, junto a Jose Ramón Alarcón (MAKMA), durante un instante de su intervención. Fotografía: Eva Min.

Rioyo cuenta que Buñuel dijo, en varias ocasiones, que después de ver películas sería cineasta, y que Berlanga pronunció las mismas palabras después de leer ‘Don Quijote de la Mancha’, que fue ahí cuando pensó que el cine merecía la pena. A pesar de su proximidad generacional, inquietudes y amistad, sus caminos fueron muy alejados.

En cuanto a su relación profesional con el guionista Rafael Azcona, Rioyo considera que «Berlanga, en soledad, habría hecho cosas espléndidas, pero junto Azcona ha hecho cosas espectaculares». De este modo, si «lo que hace Valle-Inclán con el teatro es modelar un espejo cóncavo del Callejón del Gato y, después sale el esperpento, en el caso de Berlanga-Azcona es lo mismo: la realidad que trataban en sus películas era lo que pasaba en la calle».

En ese sentiddo, «Fernando Fernán Gómez también pertenece a esa tribu heredera de España de actuar en la vida y en las películas; la picaresca es nuestra manera de contar nuestro siglo más lujoso, donde el Imperio, con la miseria al lado, era lo más absoluto, así como parte de la pintura española y pintura negra, humor negro». Por otro lado, «Berlanga era un gran lector, no solo del español, sino también de otros idiomas como el francés. Un ilustrado».

Para concluir su intervención, Javier Rioyo compartió con el público una anécdota seria con un toque de humor, como habría hecho Berlanga. Cuenta que, hace unos años, durante unas ponencias con motivo del 50 anviersario de ‘¡Bienvenido, Mister Marshall!’, en las que participaba junto a Berlanga, José Luis García Sánchez y Luis Alegre, entre otros, recibieron la noticia del fallecimiento del cineasta Juan Antonio Bardem («Bardem y Berlanga se querían y se odiaban», matizó Rioyo). Al escuchar la noticia, Berlanga se quedó bloqueado, pero, de repente, pronunció las siguientes palabras: «Vámonos a algún sitio a ver el partido, que juega el Valencia».

«Sin hablar durante los 90 minutos para no pensar en ello, haciendo como que veía el partido, haciendo no sé qué y no sé cuántos… Ahí me di cuenta de que ese también era Berlanga: ‘¡Joder, tengo miedo! ¡Se acaba de morir y yo no quiero morir!’. Cuando ya había hecho la última película, y parecía que no iba a rodar más, se propuso a sí mismo buscar una nueva producción, todavía quiso seguir trabajando y seguía teniendo esas ganas de contar cosas y ver y escuchar a gente que también las contaba. Echaba de menos un mundo y se dio cuenta de que le pertenecía y ya no lo tenía: sus amigos, sus mujeres, el humor berlanguiano, Berlanga…», concluyó Rioyo.

Estudiantes de Comunicación Audiovisual de la UCH-CEU durante un instante de las jornadas. Fotografía: Eva Min.

Epílogo a unas jornadas, un año más, llenas de historias y anécdotas contadas en primera persona, que dejan huella en profesores, ponentes, oyentes y, sobre todo, en generaciones de alumnos que están estudiando para llegar a ser como nuestro cineasta valenciano por excelencia o, al menos, que se acercan cada día un poco más a la profesión. Una profesión llena de avatares y experiencias inolvidables que culminan en planos subjetivos, porque ¿qué mejor manera de expresar lo que siente el personaje desde su propio yo? ¿Acaso los futuros cineastas no van a sentir en sus pieles lo que alguna vez ha sentido ese personaje? ¿Acaso Berlanga no ha contado la realidad española desde su humor más interior? ¿Acaso el futuro cinematográfico no está en manos de los grandes emprendedores que aprenden observando y copiando a los grandes?

Irene Valdés