Carolina y Mike, rock alternativo en Veles e Vents

Carolina Otero & Mike Grau
+ Primo
9 de noviembre
20:00 H.
Edificio Veles e Vents
Marina de València, Muelle de la Aduana S/N, València
Presentación ‘Superfruit’
Entradas 4 € anticipadas (www.eventbrite) y 5 € taquilla

Carolina Otero y Mike Grau 1

Mike Grau y Carolina Otero

Otro de los más interesantes eventos musicales que se acumulan durante el próximo fin de semana en la capital del Turia es la presentación en directo de “Superfruit”, el interesantísimo disco con el que han sorprendido a propios y extraños Carolina Otero y Mike Grau, un trabajo paralelo pero con cierta relación a la labor que ambos desempeñan al frente de sus bandas respectivas, The Lil’ Knife y Mad Robot.

Carolina Otero y Mike Grau 3

Cartel de presentación de “Superfruit”, el nuevo álbum de Carolina Otero & Mike Grau

Ocho canciones, y seguramente alguna más que se una al magno evento, componen una obra que sigue la línea independiente y alternativa de nombres americanos como Breeders, Pixies o Pavement, con buenas dosis de distorsión guitarrera pefectamente coordinadas con bellas melodías otoñales.

Carolina Otero y Mike Grau 2

Carolina Otero y Mike Grau en uno de sus últimos conciertos

“Tied to you” fue el buenísimo temazo de presentación previa pero es que las restantes “Night wolves”, “Bad times”, “Our way”, “Grey” o “Body” tienen un nivelazo similar.

Todo soledad, todo pasión, todo deseo, todo luminosidad. Ah, y con una exquisitez de versión como es “Lovesong”, el temazo de Robert Smith que fue incluido en el “Disintegration” de The Cure en 1989. Pues eso, altamente recomendables.

Juanjo Mestre

Lagartija Nick y Radiadores, dos platos del mejor caldo ibérico

Lagartija Nick + Los Radiadores
9 de Noviembre a partir de las 22:30 h
Loco Club
c/Erudito Orellana nº 12 de Valencia
Entradas: 15 € anticipada (Wegow aquí) y 18 € en taquilla

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Antonio Arias, M.A.R. Pareja, Juan Codorniu y Eric Jiménez

Dos platos del mejor caldo musical ibérico, esa es justamente la sensación previa a este evento. Y es que tanto Lagartija Nick como Los Radiadores representan notablemente esa facción del rock español que se mueve por actitud, talento y compromiso, demostrando que son portadores de una esencia rocanrolera con respectivos universos personales ajenos a lo más mediocre comercial.

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Los Radiadores: Raúl Tamarit, Perrín Muchacho Bass, El Metralla y El Joven

Abrirán fuego los valencianos comandados por Raúl Tamarit. Con toda seguridad sonará “Si sale cruz”, el tema que precisamente hoy 6 de noviembre acaba de salir del horno y que sirve de preludio al inminente nuevo EP que en breves fechas verá la luz bajo el sugerente título de “Puño en alto”.

Junto a las nuevas canciones es de lógica suponer que se incluyan en el repertorio temas de sus recomendables álbumes anteriores como “Los perros ladraron” (2017), “Gasolina, santos y calaveras (2015) y “Manual de supervivencia (2013).

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Portada nuevo Ep de Los Radiadores: “Puño en alto”

Después, a buen seguro que otra vez los granadinos, con esa vuelta de la formación original que lidera Antonio Arias, mantendrán el pabellón alto para demostrar no solamente que tienen uno de los más potentes e intensos directos del panorama musical español sino que su último álbum “Crimen, sabotaje y creación” es uno de los mejores discos que se han parido por estos lares en los últimos diez años.

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M.A.R. Pareja, Antonio Arias, JJ. Machuca, Juan Codorniu y Eric Jiménez

En ese mencionado último álbum se hallan elaboradas canciones de marcado posicionamiento social como “La leyenda de los hermanos Quero”, “Soy de otra Andalucía”, “Mapa de Canadá, “La soledad es política”,”Europa, Europa”… junto a temas de tendencias más místicas como “Analema”, “La canción del tiempo”, “La ira de noviembre”, “El teatro bajo la arena” o “Exilio/adagio”. Además, las incluidas en “El testamento del sol”, su más reciente publicación en formato EP, también apuntan claramente a formar parte del setlist.

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Cartel concierto Loco Club: Lagartija Nick + Los Radiadores

Pues eso, me quedo corto si digo que es un concierto altamente recomendable. Los que hallan visto en los últimos años el poderío que atesoran estas dos bandas en directo saben de lo que estoy hablando. Y los que no ya pueden armarse de ilusión y de valor.

Juanjo Mestre

La feria MARTE se afianza en su V edición

MARTE, Feria de Arte Contemporáneo de Castellón
Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón
Avda de la Mare de Déu del Lledó 50, Castellón
Del 15 al 18 de noviembre de 2018

MARTE, la Feria de Arte Contemporáneo de Castellón, impulsada por la Diputación de Castellón, abrirá las puertas de su quinta edición del 15 al 18 de noviembre de 2018 en el Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón. En palabras de sus directores, Enrique Bocángelus y Joan Feliu, “este año hemos trabajado para conseguir afianzar y posicionar la feria dentro del circuito del arte nacional con una importante selección de galerías y unos contenidos que incluyen acciones con artistas de primer nivel. Además, mantenemos nuestro compromiso con el coleccionismo proponiendo una feria acorde con las necesidades de los pequeños coleccionistas o aquellos que están pensando en iniciarse.”

Este año MARTE reunirá las siguientes secciones: MARTE Curated, coordinada por Nacho Tomás Gil, y MARTE Social, MARTE Lab, MARTE Orbital, MARTE Orbital Expedition y MARTE Editorial, coordinadas por Lidon Sancho.

MARTE Curated ha sido comisariada por Avelino Sala y Fernando Gómez de la Cuesta que, junto al coordinador general Nacho Tomás Gil, han seleccionado los siguientes artistas: Daniel Domingo Schweitzer de Shiras Galería (Valencia), Marcelo Viquez de Punto (Valencia), Simón Arrebola de Herrero de Tejada (Madrid), Nicolás Laiz Placeres de la Galería ATC (Tenerife), Iván Franco de Piramidón Centre d’Art Contemporani (Barcelona), David Delgado de DDR Art Gallery (Madrid), Laura Salguero de La Gran (Valladolid), Rita Sala de Olivart Art Gallery (Barcelona), Mariana Sarraute de Addaya Centre d’Art Contemporani (Alaró, Baleares), Javier Aldarias de Silves Arte Contemporáneo (Huércal- Overa, Almería), Rubén Rodrigo de Espacio Nuca (Salamanca), Cristina Ramírez de Híbrida Gallery (Castellón), Roger Sanguino de Art-Room Sitges (Barcelona), Cristina Toledo de la Galería Pep Llabrés (Palma de Mallorca), Xavi Muñoz de L&B Contemporary Art (Barcelona), Rebeca Plana de Menuda Galería (Castellón), José M. Doñate de Naranjas con Arte (Castellón), Beatriz Palomero, María del Carmen Díez y Masaur de Est-Art (Madrid) y el proyecto invitado de Jorge García de la galería Gema Llamazares (Gijón).

MARTE. MAKMA

En esta sección se incluye también la exposición de Enrique Marty, artista invitado de este año. Marty, uno de los creadores más valorados del arte español contemporáneo, cuenta en su curriculum con una exposición individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS). La compleja obra de Marty se caracteriza por la representación inmisericorde del mundo que le rodea, del que acentúa sus aspectos mas absurdos y angustiosos. En sus trabajos explora lo siniestro de la condición humana, para lo cual muestra lo cotidiano y familiar llevado a lo grotesco. Los protagonistas de sus instalaciones, muchas veces sacados de su entorno inmediato, y las escenas que nos presenta pierden su tranquilizador aspecto cotidiano para mostrarnos situaciones violentas, absurdas y malditas. De esta manera el creador salmantino consigue que lo familiar resulte inquietante y extraño.

MARTE Social, uno de los principales ejes de la feria desde sus inicios, tiene por objeto la acción reinvindicativa y transformadora de la conciencia social a través de propuestas artísticas del arte contemporáneo. Este año cuenta con el apoyo de la Obra Social “la Caixa” que hace posible y reconoce la importante labor que realiza la feria en el ámbito social.

La sección posee este año una mirada femenina, no solo por la obra de artistas mujeres, sino por las temáticas que se afrontará. Un ejemplo es la muestra ‘Porque te quiero’, compuesta por dos piezas de videoarte de Gabriel Andreu y Cristina Núñez.

Siempre dentro de MARTE Social, la artista Verónica Ruth Frías realizará por primera vez la performance colectiva ‘Art Now’, con la que quiere dar visibilidad a la mujer dentro del mundo del arte. Su acción nos recuerda hechos como que hayamos tenido que esperar hasta el año 2016 para que el museo más importante de España, el Museo del Prado, con más de dos siglos de historia, acoja la primera retrospectiva de una mujer.

En esta ocasión reunirá un grupo de mujeres del sector cultural de Castellón que se subirán a una pila de libros vinculados a su actividad profesional y en la que tendrán que mantener el equilibrio. Una acción en la línea con el trabajo de Frías, que muestra su profundo compromiso con las problemáticas de género.

Imagen de la performance 'Art Now', de la artista Verónica Ruth Frías. Fotografía cortesía de MARTE.

Imagen de la performance ‘Art Now’, de la artista Verónica Ruth Frías. Fotografía cortesía de MARTE.

Además, gracias al apoyo del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, se podrá ver ‘La Deriva de un gesto post-romántico’, la instalación de Hugo Martínez-Tormo que, a través de la unión del arte con la tecnología, pretende dar visibilidad a una nueva situación socioeconómica en la que se hace hincapié en la cantidad de residuos que acaban esparcidos por las costas de mares y océanos.

MARTE Lab, en colaboración con Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana y de la UJI, propone un interesante calendario de actividades. El viernes tendrá lugar la mesa redonda “Macro-coleccionismo y micro-coleccionismo” que reunirá a Alberto Urgel, José Luis López Moral y Jaime Sordo; y la conferencia “Marketing de artista” impartida por Christina Aguado. El sábado se realizará la charla ‘Austeridad y diversidad: maneras de sobrevivir como artista’, de la mano de Simon Zabell. Terminará el domingo con ‘La hora del té en Marte’, que organizará un taller para niños entre 4 y 9 años con María Rosa Martínez Fabregat.

MARTE Orbital Expedition es la sección de la feria que sale del Auditorio y propone exposiciones en distintos puntos de la provincia de Castellón. Este año se podrá disfrutar de las muestras: ‘Máxima recorre abismos. Selección de la colección César Monzonís’, en el Convent de Vila-real, ‘Sincronías de Manuel Bru’, en el CompArte NH Mindoro de Castellón, ‘LA. Selección de la colección Lluís Carda’, en la Llotja del Cànem ubicada en la Universidad Jaime I de Castellón, el proyecto de Marta Beltrán en el Espai Cultural Obert Les Aules de Castellón y ‘In its right place. Selección de la colección José Luís Huerta’, en el MACVAC de Vilafamés.

Por último, MARTE Orbital reunirá distintos espacios institucionales y proyectos especiales entre los que se encuentran: el servicio de restauración de la Diputación provincial de Castellón, las becas Habitat Artistic del Ayuntamiento de Castellón, el MIAU, el MACVAC y Sublime. También en este espacio, un año más, la feria ofrece a través de su Premio la posibilidad a dos artistas sin galería, uno local y otro nacional, de exponer su obra. Este año el Premio Marte Artista Provincia de Castellón ha sido para Alejandra de la Torre y el Premio Marte Nacional para Antonio Guerra.

www.feriamarte.com

Facebook: MARTEFIAC
Instagram: @feriamarte
#yosoymarciano #feriamarte #feriamarte2018

Horarios
Jueves 15 de noviembre. inauguración y pase de prensa a las 19h (por invitación)
Viernes 16 de noviembre y sábado 17 de noviembre, de 12h a 14h – de 17h a 21h
Domingo 18 de noviembre. De 11h a 14h

Imagen de la obra 'Soft Cockney', de Enrique Marty, artista invitado de la presente edición. Fotografía cortesía de MARTE.

Imagen de la obra ‘Soft Cockney’, de Enrique Marty, artista invitado de la presente edición. Fotografía cortesía de MARTE.

 

 

Compromiso de Albert Girona con AVVAC

Comunicado de los Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

En un ambiente general de entendimiento y buena disposición, el pasado día 19 de septiembre de 2018, tuvo lugar una reunión con Albert Girona, secretario autonómico de Cultura y Deportes y Rafael Tormo y Lluci Juan, representantes del Grupo de Coordinación de Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló – AVVAC -.

En esta reunión se pasó revista a temas que desde AVVAC se consideran de urgente consideración y se barajaron diversas soluciones, haciendo entrega al secretario autonómico de un decálogo con las principales líneas de actuación y reclamaciones en las que la asociación viene trabajando.

Así mismo, se le entregó de nuevo en mano el comunicado enviado por AVVAC a la Consellería en 2015, donde ya se denunciaba la falta de valoración de los artistas visuales en la Comunidad Valenciana. En él se señalaba la marginación sufrida en la participación en iniciativas de cambio que se estaban poniendo en marcha. Expresamos, entonces y ahora, el malestar por la falta de consideración a la hora de hacer un amplio tratamiento del sector y que en ningún momento se ha contado con el colectivo, como ámbito de experiencia y amplia capacidad para aportar soluciones, señalando la ausencia de representación en la toma de decisiones a la hora de legislar, en especial en el Plan Estratégico de Cultura.

En este sentido, Albert Girona, en nombre de la Consellería, se comprometió a comunicar nuestras impresiones a la directora de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga, como encargada de convocar la mesa sectorial, con el fin de que dispongamos de un ámbito apropiado para tratar nuestra problemática y reivindicaciones (estatuto del artista, participación en la toma de decisiones, plan estratégico, etc.)

También constatamos, como una de las tareas importantes pendientes de abordar la necesidad de que todas las entidades, públicas o privadas, que soliciten ayudas o subvenciones a la Administración Pública tengan como uno de los requisitos indispensables el cumplimiento del ‘Manual de Buenas Prácticas’ del sector. De este modo, se induciría a resolver uno de los males endémicos a los que las/los artistas nos enfrentamos día a día. Sobre este tema hay multitud de ejemplos: galerías que internacionalizan sus propuestas sin que los artistas tengan un contrato firmado, ayuntamientos que no pagan los honorarios de las exposiciones, concursos con cláusulas abusivas, etc.

Albert Girona manifestó, ante la situación expuesta, la voluntad de su departamento de respetar la representación de las/los artistas, asumiendo la necesidad de tender a la aplicación de las buenas prácticas en el sector. De este modo, se  comprometió  a estudiar fórmulas para solucionar el reciente conflicto planteado por AVVAC, al haber sido marginada su representación en el Consejo del IVAM, buscando fórmulas de inclusión de la representación profesional.

Igualmente y, también, respecto al IVAM, se acordó activar con celeridad la firma de un convenio que lleva atascado demasiado tiempo y que, entre otros asuntos, impide la entrada libre al museo de las/los artistas miembros de este colectivo profesional, dándose la paradoja de que pueden entrar al Museo Reina Sofía en Madrid o al Louvre en París, pero no al IVAM.

Por último, la representación de AVVAC comentó con el Secretario Autonómico la importancia capital que desde el colectivo concedemos a la elaboración del Estatuto del Artista, como medio de avanzar en la urgente mejora que requieren las condiciones de las/los artistas. En este sentido, nuestra asociación, como integrante de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC), informó que está trabajando en la elaboración de un borrador que recoja toda la compleja problemática del sector de las artes visuales y que sirva para implementar las recomendaciones aprobadas recientemente por el Congreso de los Diputados con respecto al Estatuto del Artista.

Desde AVVAC nos parece un avance esta reunión y celebramos la buena disposición encontrada en la representación institucional, si bien, tendremos que ir constatando paso a paso, que esta percepción se va plasmando en hechos.

Rafa Tormo, Lluci Juan y Albert Girona durante un instante de la reunión. Fotografía cortesía de AVVAC.

Rafa Tormo, Lluci Juan y Albert Girona durante un instante de la reunión. Fotografía cortesía de AVVAC.

AVVAC

 

 

 

Ciclo Popular Songs, con The Wave Pictures, Anna Calvi…

Ciclo Popular Songs
The Wave Pictures, 16 Toneladas, 11 de octubre
Anna Calvi, Rambleta, 13 de octubre
Javiera Mena, Loco club, 26 de octubre
We Are Scientists, Rambleta, 31 de octubre
Elvis Perkins, 16 Toneladas, 21 de noviembre
Escape-Ism, Loco Club, 22 de noviembre

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The Wave Pictures

Los de la promotora Tranquilo Música, incombustibles desde el año 1996 en contratación, producción y promoción de conciertos en la ciudad de Valencia, vuelven a la carga por segundo año consecutivo con el ciclo “Popular Songs”, ideado ese nombre a partir del extraordinario duodécimo álbum que en el 2009 grabó el grupo Yo La Tengo.

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Cartel Ciclo Popular Songs – The Concept

El título secundario para este nuevo serial del 2018 es “The Concept”, rindiendo tributo con el mismo a la mítica canción que daba inicio al fundamental “Bandwagonesque” que publicaron los Teenage Fanclub en 1991.

Entre Octubre y Noviembre serán seis nombres de contrastada experiencia y calidad los que se distribuirán este año en tres salas (Loco club, 16 Toneladas y La Rambleta).

El prolífico trío británico The Wave Pictures será encargado de encender la mecha el 11 de octubre en la Sala 16 Toneladas. La banda comandada por Dave Tattersall presentará su decimosexto álbum “Brushes with happiness”. Sus recomendables directos siempre sorprenden y rara vez decepcionan a algún asistente.

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Anna Calvi

Por su parte Anna Calvi, digna heredera de nombres como Patti Smith o PJ Harvey, vuelve después de cinco años sin grabar un álbum de estudio para presentar un emocional y reciente disco que lleva por título “Hunter”.

La tercera propuesta de este ciclo es la chilena Javiera Mena y su personal electro-pop para pistas de baila. Presentará “Espejo”. Para finiquitar el mes de octubre el duo experimental americano We Are Scientists quiere continuar manteniendo el éxito de sus anteriores trabajos con el más reciente “Megaplex”.

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Javiera Mena

Ya pasado el ecuador de noviembre, concretamente el día 21, tendremos al cantautor folk Elvis Perkins y justamente un día después el original y experimental rock primitivo de Escape-Ism será el encargado de cerrar esta excitante segunda edición de “Popular Songs” presentando su más reciente “The lost record”.

Juanjo Mestre.

Manu Blázquez gana el premio DKV Seguros / MAKMA

D759 in B minor de Manu Blázquez
Premio DKV Seguros/MAKMA 2018

Concluyó la resolución del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA reconociendo como ganadora la obra D759 in B minor de Manu Blázquez. El objetivo de esta convocatoria es premiar a un proyecto expositivo inédito inspirado en un relato para todos los públicos, utilizando el dibujo contemporáneo, además de fomentar la producción y difusión de artistas emergentes.

D759 in B minor toma como referencia la Sinfonía Inacabada de Schubert, una obra romanticista que, como su nombre indica, no fue terminada debido a la muerte del compositor. La suposición de que no estuviera acabada se debe a que solo se compone de dos movimientos, cuando lo normal era que las sinfonías constaran de cuatro, aunque en este caso no se encuentra evidencia de que Schubert tuviera en mente otros dos movimientos.

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez ganadora del premio DKV Seguros Makma

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez ganadora del premio DKV Seguros MAKMA.

Blázquez, a partir de este proyecto, da un estado físico a la sinfonía austriaca. Las notas musicales y pentagramas quedan transformados en rectángulos negros que le dan a la obra un aire minimalista, pero sobre todo abstracto. La sucesión de estos rectángulos, a primera vista, podría parecer que no guardan un sentido, pero si se observa con detenimiento puede vislumbrarse un procedimiento a la hora de posicionarnos. El artista parte de la propia definición de la palabra “nota”, en concreto a partir de estas acepciones: Acción y efecto de notar, escritura musical y sistema de signos convencionales que adopta para expresar conceptos matemáticos, físicos, químicos, etc.

La notación es la clave que da forma y sentido a esta obra, en este caso, una notación científica que se une con la música. Las notas son traducidas como números y los números van siendo colocados en orden, quedando en ocasiones separados entre sí dando una forma final que podría recordar a la notación que encontramos en un organillo o una pianola, aunque no se busque ese fin. En la obra de Blázquez se recogen un total de 14 grupos de instrumentos. Este tipo de notación tiene como fin romper visual y estéticamente con el lenguaje gráfico establecido.

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez ganadora del premio DKV Seguros / MAKMA

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez ganadora del premio DKV Seguros / MAKMA

El proyecto nació producto de una Beca de producción y estancia concedida por Kulturkontakt Austria en Viena, y será presentado en el MUVIM tras serle concedido el  premio DKV Seguros – MAKMA entre los meses de diciembre (2018) y febrero (2019).

Manu Blázquez (Valencia, España-1978) que desde sus inicios se ha interesado por el dibujo técnico y el grafiti, cursó estudios en la Universitat Jaume I de Castellón. Más tarde se trasladará a Italia donde estudiará en la Academia de Bellas Artes de Bolonia donde se diploma con la tesis Comunicazione e riproducibilità . Actualmente reside en Valencia.

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez

Detalle de la obra D759 in B minor de Manu Blázquez ganadora del premio DKV Seguros / MAKMA.

José Antonio López

Dan Baird, una fiera rocanrolera excepcional

Dan Baird & Homemade Sin
Viernes 14 de Septiembre a partir 23:00 horas
Loco Club
Calle Erudito Orellana nº 12 de Valencia
Entradas 15 € (compra tu entrada en este link)

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Hoy quiero recomendar a uno de los tipos más grandes que hay en el mundillo del rock ‘n roll por talento, calidad y actitud. Con sus 64 años es además un superviviente de mucha dignidad a través de las décadas.

Para ello resulta inevitable recordar sus primeros tiempos como vocalista, compositor y guitarrista de los Georgia Satellites, la banda americana de Atlanta que durante la década de los 80′s enarboló con grandeza y pundonor un cóctel extraordinario de rock sureño, boogie-rock y hard-rock. Seguramente muchos conocerán su gran hit popular “Keep your hands to yourself” pero no tantos aquel MiniLp de debut del 85 titulado “Keep the faith” o la fundamental trilogía de álbumes entre el 86 y el 89 (homónimo, “Open all night”, “In the land of salvation and sin”) donde el desperdicio brillaba por su ausencia.

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Dan Baird, Mauro Magellán, Warner E.Hodges y Sean Savacool.

Tras la separación del grupo grabaría en la década noventera los que considero sus mejores discos en solitario, “Love songs for the hearing impaired” y, muy especialmente, el fabuloso “Buffalo nickel”. Ya en el S.XXI y concretamente en la década 00 tuvo como acompañantes a The Sofa Kings mientras paralelamente formaba parte de otra estimable aventura musical con los Yayhoos o, posteriormente, con The Bluefields. Pero en medio de tantos proyectos es seguramente con Homemade Sin, la banda formada actualmente por Mauro Magellán a la batería, Warner E.Hodges a la guitarra y Sean Savacool al bajo, con la que más ha encontrado sintonía y perdurabilidad desde que en el 2005 publicasen “Feels so good”.

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Imagen de una de las últimas actuaciones de Dan Baird & Homemade Sin En Valencia

Dan Baird lleva un motor de puro rock ‘n roll incrustado en su cuerpo, motivo por el que no ha parado en toda su trayectoria salvo el pasado año en que una leucemia lo apartaba de los escenarios, hecho que se producía casi inmediatamente después de la publicación de “Rollercoaster”, “SoLow” y del directo “The Red Wristband Special” en Kendal (Inglaterra). Por suerte lo ha superado y ahora vuelve para presentar otro trabajo, “Screamer” que, como no podía ser de otro modo, supura una vez más esa fiereza y esa esencia rocanrolera que le caracteriza.

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Cartel de la gira por España de Dan Baird and Homemade Sin

Cuatro posibilidades hay de verle con Homemade Sin en esta gira, el 12 de Septiembre en el Museo Marítimo de Bilbao, el 13 de Septiembre en la Sala El Sol de Madrid, el 14 de Septiembre en el Loco Club de Valencia y el 15 de Septiembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona. Entre los muchos conciertos que el que suscribe ha podido ver en esta vida están los de Dan Baird en lo más alto del ranking. Por eso creo que todo amante del buen rock ‘n roll debería hacer lo posible por no perderse a estos fenómenos.

Juanjo Mestre.

Por la eterna gloria de Lou Reed, en el Dublín de Gandía

Metal Machines Musics
Canciones de Lou Reed
Viernes 31 de agosto a partir de las 23’30 horas
Pub Dublín
Carrer de la Rioja, 38, Platja de Gandia.
Entrada gratuita.

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En ese recomendable santuario de rock and roll que se halla en la comarca valenciana de La Safor, el Pub Dublin de la Playa de Gandía, está previsto que este viernes se realice un homenaje al padre del rock alternativo, nada menos y nada más que Lou Reed.

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Interior Pub Dublín de Gandía

Pero lo mejor del tema son los músicos que se van a encargar de tan magno evento ya que aseguran el disfrute generalizado. Hablamos de Oscar E. Briz, Pau Miquel Soler, Silvia Martí y Xavier Boronat que, para la ocasión, se harán llamar Metal Machines Musics en honor al controvertido y habitualmente denostado álbum que publicó el Gran Maestro neoyorkino en 1975.

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Escenario Pub Dublín de Gandía

Se intuye pues que el cuarteto recibirá el indomable espíritu del tito Lou, de John Cale, de Sterling Morrison y de Maureen Tucker, e interpretarán algunos de los fabulosos temas de The Velvet Underground pertenecientes al período entre 1967 y 1970.

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Cartel concierto Metal Machine Musics by Lou Reed

Por supuesto no faltarán clásicos de los 70 pertenecientes a míticos álbumes como “Transformer”, “Coney island baby” o “Berlin”. Ojalá se sumen a la causa perlas de los 80′s o 90′s y alguna sorpresa de ese extraordinario disco que este año ha cumplido 40 años, el “Street Hassle”.

Pues eso, una ocasión única, no me cabe la menor duda, ideal para despedir el caluroso mes de Agosto.

Juanjo Mestre.

Adiós a Miguel Ángel Campano

Miguel Ángel Campano Mendaza (Madrid, 1948-Cercedilla, 2018), Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996, destacó principalmente por sus obras pictóricas pertenecientes a la llamada renovación de la pintura española, en los años ocheinta.

Artista pictórico reconocido internacionalmente y cercano a pintores como Miquel Barceló, Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto o José María Sicília, nos deja con tan solo 70 años.

Miguel Ángel Campano. Sabari Malai, 1997. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Miguel Ángel Campano. Sabari Malai, 1997. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

En su primera etapa, en los años setenta, su obra se inicia desde el automatismo surrealista evolucionando hasta la abstracción geométrica, donde crea obras que recuerdan a Gustavo Torner o a Gerardo Rueda. Más tarde, de la abstracción evoluciona a un realismo total practicando así, por una parte, la pintura abstracta y, por otra parte, el realismo naturalista.

Imagen obra 'Mistral I' (1981), Miguel Ángel Campano.

Imagen obra ‘Mistral I’ (1981), Miguel Ángel Campano.

Se formó en estudios de Arquitectura, en Madrid, y Bellas Artes, en València. Fue seleccionado en las exposiciones ’1980′, en la Galería Juana Mordó, y ‘Madrid. D.F.’, en el Museo Municipal de Madrid, que tuvieron lugar en la década de los ochenta, donde se clasifica entre los artistas jóvenes más significativos de cara a la nueva década.
Su lugar de residencia principal fue Francia, donde profundizó en el Action Painting. Vivió durante un largo período de tiempo entre París y Soller (Mallorca) aunque sus últimos años de vida tuvieron lugar en Madrid, donde continuaba su producción.
Sus pinturas se encuentran en importantes colecciones privadas y públicas, en España y en el extranjero. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) sería un evidente ejemplo, el cual le dedicó una exposición retrospectiva en el Palacio de Velázquez con obras realizadas entre los años 1991 y 1996. También destaca su presencia en el Centro Pompidou de París, en el British Museum de Londres, en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, en los museos de Bellas Artes de Bilbao y Barcelona y, también, en la Fundación Juan March.

De este modo, el artista se ha ido de entre nosotros pero sus obras pictóricas permanecerán a modo de recuerdo.

El artista Miguel Ángel Campano.Fotografía de Jordí Avellá.

El artista Miguel Ángel Campano.Fotografía de Jordí Avellá.

Cristina Tro Pacheco

“Si una calla, todas sangraremos”

Otredad y feminismo en ‘Speculum’, de Sükran Moral

Entramos a una sala iluminada y encontramos a una mujer tumbada en una camilla de reconocimiento ginecológico: el torso y cabeza cubiertos con un plástico y los pies –adornados por un elegante calzado de tacón– ya apoyados en los estribos; entre sus piernas abiertas reposa un televisor por el que van circulando imágenes que parecen arbitrarias y sin sentido, en una constante vorágine y caos.

No, no nos encontramos en un sueño propio del automatismo psíquico, si no que hemos entrado en el reivindicativo y fascinante universo de la artista turca Sükran Moral; específicamente, en una de sus más conocidas performances, ‘Speculum’, que repitió y reinventó entre los años 1996 y 1997 y que me dispongo a explicar en las siguientes líneas desde el principio del feminismo y la otredad, un rasgo, este último, que a menudo hemos eludido desde nuestra acomodada idiosincrasia occidental.

Imagen de la obra 'Speculum Rosso', de Sükran Moral.

Imagen de la obra ‘Speculum Rosso’, de Sükran Moral.

La primera de esta provocadora serie fue ‘Speculum Rosso’, expuesta en el Studio Oggetto de Milán en 1996, cuyas imágenes correspondían a entrevistas y programas en los que se hablaba de homosexualidad, del placer femenino y la necesidad de romper los tabús, para terminar con una pantalla en rojo mantenida durante 60 segundos antes de recomenzar la emisión; dicha lámina simbolizaba la sangre femenina, que nos persigue constantemente a lo largo de nuestra vida y evolución como mujeres: desde la pérdida de nuestra virginidad (rotura del himen), pasando por la menstruación, el parto y finalizando en el (por desgracia, tan universal) feminicidio. Moral muestra que la vida de la mujer está rodeada por la violencia y la sangre incluso desde un punto de vista metafísico, ya que se le exige la adopción de un rol inferior al hombre y cualquier intento de ruptura de esta otredad es castigada con el ataque físico y psicológico. En palabras de la propia artista, “a la mujer se la desangra desde que nace hasta que muere”.

Pero, ¿por qué utilizar un televisor? No sólo se trataba de la interacción y el dinamismo de las imágenes con el espectador, también redundaba en la importancia de este electrodoméstico indispensable en cualquier hogar –fuera este occidental u oriental–. El televisor, que era un artilugio extraordinario, ofrecía información al público que lo observaba y, del mismo modo, Moral parte de su sexo (establecido como un instrumento de valor inferior) para ofrecer una revelación al mundo. Según la propia artista, “la historia del arte está hecha toda de hombres y penes, ¿por qué no comenzar a darle primacía a las vaginas, ese eterno olvidado? (…) La sociedad tiene un odio particular hacia las mujeres y las niñas; es hipócrita y medieval. Temen el orgasmo femenino. Temen a las mujeres que tienen relaciones sexuales, y más a las mujeres que han estado con muchos hombres y lo han disfrutado”.

Moral trata de establecer una conversación entre su cuerpo (en una situación de indefensión) y el cuerpo del público asistente, los espectadores, que reaccionan escandalizados o curiosos. Como diría Susana Sanz, “suscriben el espectáculo y la representación que se hace de sí mismos como algo normal, de manera que el uso del propio cuerpo es la vía que tiene el individuo/artista para revelarse”.

De este modo, Moral pasaría de ser “el bárbaro”, el Otro, a ser el dominador de la otredad, empleándola en su propio beneficio para transmitir un mensaje, precisamente como nos revelan Edward W. Said en ‘Orientalismo’ y Homi K.Bhabha en ‘El lugar de la cultura’. Dado que la artista redirecciona la visión, el objeto de contemplación que satisface la curiosidad exótica colonizadora ya no será “el bárbaro”; el que era considerado el Otro es el que pasa a controlar la mirada, objetualizando al que tradicionalmente se creía en su derecho de observar. De esta manera, se cumplen las peores pesadillas del colono/hombre que reacciona con la amenaza o la indignación.

Imagen de 'Speculum & Obitorio', de Sükran Moral.

Imagen de ‘Speculum & Obitorio’, de Sükran Moral.

En su primera reinvención de esta pieza, ‘Speculum & Obitorio’, expuesta en 1997 en el Museo Laboratorio di Arte Contemporánea (MLAC) de Roma, Moral sustituye las imágenes de entrevistas y programas televisivos por escenas de sus propias performances, incluyendo ‘Hamman’, una performance realizada en 1997 en una sala de baños turca para hombres, en la que entró a pecho descubierto para fotografiarse ante la estupefacción y horror de los usuarios. No dudó en aumentar la provocación de estas estampas al incluir un burdel, un hospital psiquiátrico para mujeres y un lugar destinado al acondicionamiento de cadáveres para su posterior sepelio; de esta forma, Moral establece una relación entre el nacimiento, el placer, la muerte y el entierro, que trata de causar repulsa en quien observa la pieza.

Y a estas alturas seguramente podrías preguntarte, querido lector… “¿por qué esta relación?” En su novela ‘Apocalypse’, Sükran Moral traza una línea paralela entre el proceso de creación de una idea y la maternidad que resulta muy aclaratorio: “El nacimiento de una idea es como el alumbramiento de un niño, ambos han surgido del placer de la madre, pero tan sólo el segundo es respetado y aceptado por la sociedad. El primero, por desgracia, está condenado al rechazo y la sepultura”.

Además y, precisamente, como dijo en una de sus entrevistas, este es su tema favorito: el poder y las mujeres. “Porque el poder siempre somete a las mujeres. Si sometes a las mujeres, has sometido a la sociedad. Un hombre puede decir que la mujer lo había provocado y se le aplicarán atenuantes. Matar a una mujer sale barato. Nos estamos alejando de la ciencia, la cultura, estamos abrazando las ideas del Medievo, la mediocridad. Ahora, si una mujer está embarazada, desde el hospital se lo hacen saber a su marido o sus familiares para que impidan que aborte… Están creando otro modo de ver, contrario a la libertad de las mujeres”.

Imagen de 'Speculum & Istanbul', de Sükran Moral.

Imagen de ‘Speculum & Istanbul’, de Sükran Moral.

La segunda y última reinvención de este trabajo no tarda en aparecer; será ‘Speculum & Istanbul’, creada para la 5º Bienal de Estambul, en 1997. Su novedad aquí será el uso de unos zapatos de salón con un tacón mayor y la colaboración de dos ayudantes, ataviadas con ropa interior negra y un plástico fino de alimentación semitransparente; la labor de ambas será mantener fija en todo momento la lona que cubre el torso de la artista.

De las tres piezas, esta fue sin duda la más criticada, ya que trataba de reflejar (en las figuras de las dos jóvenes señoritas) el apoyo social a la marginación y discriminación, mostrando la conformidad y felicidad de una juventud que ve natural ofrecer la parte inferior de su cuerpo y cubrir aquellas características que la sociedad no admite en una mujer, como puede ser la identidad. El concepto de identidad y mimetismo, sin duda, podríamos relacionarlo con la obra de Homi K. Bhabha, ya que para el colono “un negro siempre será un negro y una mujer siempre será una mujer”. Piel y sexo son características de otredad evidentes que permiten establecer autoridad por medio del estereotipo, lo que nos lleva al falso intento de mimetismo (“que no es la simplificación de una falsa impresión, si no la negación de la comparación”) y al intento de destrucción por medio de la burla o la amenaza.

La feminidad es la única característica que la sociedad acepta en una mujer, y es por ello que Moral plantea su sexualidad desde una camilla ginecológica. En palabras de la propia artista, “en la tabla de ginecología no puedes posar mientras das a luz, no puedes ser femenina. Este trabajo, que avergüenza a los espectadores, en realidad enfatiza el voyeurismo de la comunidad, que nos ve como meros objetos de deseo o fábricas de niños. Si tenemos cualquier objetivo a mayores, la sociedad se encarga de taparlo”.

Quisiera introducir aquí dos conceptos que me parecen muy esclarecedores e interesantes, y son los de Enrique Dussel y Karen Culcasi, que establecen la necesidad del artista Otro por emplear esa otredad que se le ha impuesto para diferenciarse de la sociedad y reivindicar una situación de equidad. Por un lado, está la consideración de Enrique Dussel en ‘Europa, modernidad y eurocentrismo’, que nos presenta cómo reacciona el público que está fuera de esta otredad, viendo que “el bárbaro” (en este caso, la mujer) se está oponiendo al sistema y proceso establecido, y convirtiéndose en un obstáculo que debe ser erradicado (“bien por medio de la violencia, si fuera necesario”, bien por medio del olvido: si no se habla de la pieza o de la artista, su labor no se expande y no puede afectar al entramado social).

Por otro lado, Karen Culcasi menciona en ‘Constructing and Naturalizing The Middle East’ que es inviable que “justifiquemos la otredad por medio de nuestra supuesta superioridad, dividiendo el mundo en parcelas de otredad imaginaria, y esperar no sólo que lo acepten, si no que no haya movimientos en contra’, como el que encabeza, por medio de la expresión artística, Sükran Moral.

Por último, comenta la artista que su trabajo no es distinto del de Courbet o el de Duchamp, solo que de haber nacido varón la reacción popular sería otra: “Si un hombre fuera el artífice de mi obra, probablemente todos estarían aplaudiendo; pero esta es una sociedad machista, desde sus políticos hasta las personas más influyentes en el arte”.

Si trasladamos estas palabras a la lectura de Hal Foster en ‘El retorno de lo real’ y a su consideración del artista como etnógrafo, como vividor y transmisor en primera persona de los acontecimientos, la obra de Moral cobra un sentido histórico a mayores. Nos dice Foster que “el artista debe conocer la estructura e historia de cada cultura en profundidad, para que su mensaje sea coherente”, y nadie mejor que Moral, que sufrió maltrato por su condición como mujer, para narrar y dar constancia de estos hechos sin caer en el “narcisismo y hermetismo” del que ya nos advertía Walter Benjamin.

El trabajo de Sükran Moral refleja una otredad que a menudo evitamos, demasiado enfocados en considerar al ente Otro como el varón de color de mediana edad al que la vida en Occidente le resulta pesarosa y compleja, mientras el Yo acomodado responde a otro macho de mediana edad, en este caso de raza caucásica. La mujer es la gran olvidada por el Nosotros y el Vosotros, el objeto de adoración cuyo mutismo continuado conviene a una sociedad que involuciona por miedo a perder su única herramienta de control: el poder. Y que, evidentemente, resulta mil veces peor en los países orientales, donde una niña recién nacida es una carga hasta que ovule y pueda ser empleada como objeto de negociación en un matrimonio arreglado.

La reinvención de sus piezas nos lleva a la mismísima reinvención de la mujer a lo largo de la historia, que, pese a las adversidades y dificultades, trata de abrirse paso y reconducir su destino fuera del fetiche y las condiciones del heteropatriarcado. La mujer no se rinde, se exhibe, se sitúa al nivel del hombre y desafía los criterios impuestos empleando su propia otredad, igual que el varón negro de Frantz Fanon quiere dejar de ser esclavo y comenzar a ser amo utilizando aquello que lo hace diferente.

Sükran Moral establece un puente entre Ellas y Nosotras que debería haberse forjado en los albores del feminismo, pero cuya incorporeidad social nos cegó abruptamente; nos grita que estamos juntas en este movimiento, que las divergencias del juicio itifálico entre las necesidades de las mujeres orientales y las occidentales son nimias, que en la práctica todas somos víctimas potenciales de la violencia de género, y que “si una calla, todas sangraremos”.

Imagen de la obra 'Speculum Rosso', de Sükran Moral.

Imagen de la obra ‘Speculum Rosso’, de Sükran Moral.

Tamara Iglesias