XII ‘M’zora Caravane’, un puente virtual entre culturas

XII Encuentros ‘M’zora Caravane’
LA ESPIRAL, Arte y Cultura Contemporánea
Edición especial virtual con más de 30 artistas internacionales
Lunes 21 y martes 22 de septiembre
Sábado 19 de septiembre de 2020

Consolidados como un proyecto de naturaleza global en el ámbito del arte contemporáneo, los encuentros ‘M’zora Caravane‘, organizados por el colectivo LA ESPIRAL, Arte y Cultura Contemporánea, y que desde 2009 sitúan a la ciudad de Larache (Marruecos) como epicentro artístico internacional, materializa su duodécima edición mediante un cronograma virtual de actividades que concitará, durante los días 21 y 22 de septiembre, la presencia de más de un treintena de artistas provenientes de países como España, Francia, Bélgica, Holanda, Inglaterra, Venezuela, Marruecos y Camerún.

Una edición especial que, como consecuencia de la COVID-19, traslada al ámbito telemático la diversidad creativa que ha venido singularizando sus prácticas colaborativas en el Cromlech de M’zora (Comuna de Ayacha) –conocido como ‘Equinoccio de Creación en M’zora’ hasta 2016– y en el yacimiento arqueológico de Lixus (hasta la actualidad), dentro de la región Tánger-Tetuán-Alhucemas, al noroeste de Marruecos.

De este modo, ‘M’zora Caravane’ prosigue atendiendo a la línea de entendimiento transfronterizo, conocida como ‘Línea SuR-NoRtE’, instituida en “nexo vivo de unión entre culturas, en crecimiento sostenido durante once años, fruto de las cuales es la creación de multitud de obras de arte actual, de diversas disciplinas artísticas”, asevera el artista Emilio Gallego, comisario y coordinador general de los encuentros.

Un lugar de confluencias “conectadas bajo las mismas ideas a nivel internacional y que pueden ser entendidas en su heterogeneidad como una sola obra que refleja un espíritu contemporáneo de creación colaborativo, sensible a las necesidades y urgencias de nuestro planeta hoy, que sirve de puente entre culturas, creciendo en el tiempo y extendiéndose a diversos territorios de África y Europa”.

Un puente de actuación que, además de en Marruecos, ha asentado su desarrollo en países como Francia (Residencia artística Caza d’Oro en Le Mas d’Azil y Galería Vanessa Quanq en París), en España (Salas Municipales y Museo Florencio de la Fuente en Requena, salas de exposiciones de Utiel, Venta del Moro y Chera) o Bélgica (Museo L de Lovaina la Nueva y dos veces en la Galería Triangle Bleu de Stavelot), entre otros lugares en los que se siguen aglutinando participantes de muy diversos orígenes y culturas.

‘El increíble viaje de las plantas’, de Lucía Loren. Fotografía cortesía de ‘M’zora Caravane’.

En consecuencia, la duodécima edición de ‘M’zora Caravane’ cuenta con artistas de referencia internacional como los españoles Alberto y Carlos García-Alix, el belga Charley Case, los marroquíes Aziz El Amrani, Hassan Echair y Salima Abdel Wahab, la holandesa Robin Kolleman, el francés Ad-Ec o las venezolanas Amanda Nobregra y Perla Ortega, entre otros, con quienes proseguir implementando una llamada de atención sobre las carencias y necesidades de las sociedades actuales, sobre aspectos como la libre circulación de las personas o la convivencia pacífica entre los pueblos, comprometidos con la igualdad de género, el respeto al medio ambiente y la justicia social.

Además de los artistas mencionados y gracias al patrocinio de la Embajada de España en Rabat-AECID, este año se amplía la participación en los encuentros, con la incorporación de nuevos artistas como Lucía Loren, José Luis Serzo, Fanny Galera, Sandra López (Habemus Danza), Mouhcine Rahoui o Naoual Bâzzi, éstos dos últimos en colaboración con el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán.

Objetivos que conforman la idiosincrasia de los encuentros, cuyos asentamientos habituales en el yacimiento arqueológico de Lixus y el Cromlech de M’zora (Larache) contribuye a apoyar y difundir, igualmente, “una tradición de tolerancia y convivencia histórica de las tres culturas en la zona norte de Marruecos, ayudando a dar continuidad a los lazos de amistad y hermandad que nos siguen uniendo”, recuerda Gallego, para quien ‘M’zora Caravane’ “pone de manifiesto la existencia de una cultura común a los diversos países ribereños del Mediterráneo, fruto de una la larga relación fraguada a través de los tiempos”.

Un solidificado vínculo “que hace que compartamos importantes usos y costumbres, que se reflejan en ciertos aspectos del patrimonio o en la dieta mediterránea, por ejemplo”, concluye el comisario.

Obra de Alberto García-Alix presente en los encuentros. Fotografía cortesía de ‘M’zora Caravane’.

‘M’zora Caravane’, organizado por el colectivo LA ESPIRAL, Arte y Cultura Contemporánea (España), y la colaboración especial de la asociación Pateras de la Vida (Marruecos), cuenta con el patrocinio de la Embajada de España en Marruecos–AECID y la Fundación Baleària, el apoyo del Instituto Cervantes, el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán, la Municipalidad de Larache, la Delegación del Ministerio de Cultura de Marruecos, la Comuna de Ayacha, el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, y las asociaciones LARACHE EN EL MUNDO (Marruecos), ATELIER DE CINEMA (Marruecos), Fundación LA NACELLE (Bélgica), Foundouk ZELJOU (Marruecos), CHARIF IDRISSI por el Desarrollo y la Ciudadanía (Marruecos), Asociación LOUKKUS de Tourisme Dourable (Marruecos), SAMBALARAXE (Marruecos) y TREN DEL FUTURO (Suecia).

PROGRAMA

(*) El horario que se refleja a continuación para cada acto, es el de la zona horaria de Marruecos, una hora más en el caso de la zona de Madrid-Bruselas (Europa).

Lunes, 21 de septiembre

Para participar en la presentación en Zoom:
https://zoom.us/j/97669272887?pwd=emNVeVE0bFh0TFpFbHZMa0Y5b2xDUT09
ID de reunión: 976 6927 2887
Código de acceso: QXY5Ng

De 09:00 a 12:00: “M’zora arco del cielo: del neolítico al presente”. Taller virtual a cargo de Khalil Belaziz.
Colegio Público de M’zora y niñas y niños de Larache.

17:30: Presentación oficial de la web de los encuentros, con la obra creada por las y los artistas participantes entorno al lema ‘Mediterráneo: Puente o Muro’.

‘Museo del Silencio’, de Fred Chemama. Fotografía cortesía de ‘M’zora Caravane’.

De 18:00 a 19:30: Presentación de ‘M’zora Caravane 2020-21’ y encuentro en el Foundouk Zeljou transmitido de modo virtual
Con Faissal Cherradi, experto en en patrimonio y representante del Ministerio de Cultura del Reino de Marruecos; Francisco Borja Morate, Consejero de Cultura de la Embajada de España en Rabat; Abdelalem El Hana, alcalde presidente de Comuna de Ayacha; Dolores López Enamorado, directora del Instituto Cervantes de Argel; Mehdi Zouak, director del Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán; Majid el Karkri, vicepresidente del Consejo Municipal de Larache; El Hachmi Jbari, presidente de Larache en el Mundo; Fouad Akhrif, Asociación Pateras de la Vida y Emilio Gallego, artista cofundador de los encuentros en M’zora y coordinador ‘M’zora Caravane’. Moderador:Majid Amahroq, equipo de coordinación de ‘M’zora Caravane’.

19:30: Concierto de música, transmitido de modo virtual, con Sambalaraxe, Los Rebeldes y No name group.

Martes, 22 de septiembre

Para participar en la mesa de debate en Zoom:
https://zoom.us/j/94961629690?pwd=WitRZ0xVeDNKNzNnSXBEMHFOUCtTZz09
ID de reunión: 949 6162 9690
Código de acceso: 710819

18:00: En el Foundouk Zeljou, retransmitido virtualmente:
Mesa redonda sobre la actividad de los encuentros y del trabajo de Pateras de la Vida.
Con la participación de Ahmed Acharki, delegado del Mº de Cultura del Reino de Marruecos; Nawfal Chaoui, concejal de Cultura de la Municipalidad de Larache; Sergio Barce Gallardo, escritor y fundador de Larache en el Mundo; Abdul Hamdouchi, presidente de la Asociación Pateras de la Vida; Martin Van der Belen y Manuela de Tervarent, Fundación LA NACELLE; Abdeslam Serroukh, poeta y gestor cultural de ‘M’zora Caravane’; Youssef Jbari, presidente de la Asociación Tren del Futuro; Sandra López, artista y coordinadora adjunta de ‘M’zora Caravane’; y Emilio Gallego, artista cofundador de los encuentros y coordinador de ‘M’zora Caravane’.
Moderador: Fouad Akhrif, representante de Pateras de la Vida y miembro del equipo de coordinación de ‘M’zora Caravane’.

20:00: Transmisión virtual: Proyección de videocreaciones/películas de los artistas.

• ‘SABIR. Acto primero’ (6:57 min), video-performance, Habemus Danza, 2020. Dirección de Sandra López, con Amanda Nóbrega, Marina Ayan, Ángela Cantón y Perla Ortega. Música original de Salima Abdel Wahab.

• ‘We are all in the same boat, we are all migrants…’ (5:05 min), 2018. Dirección, fotografía y texto de Thomas de Wouters. Sonido y montaje video de Nathan de Wouters.

• ‘Painting Boxe’ (5:34 min.). Realización de Charley Case & Manuela de Tervarent. Boxeo y pintura, Salvador Tomnyuy. Texto de David Essome. Música / Calimba, Mourad Belouadi.

M’zora Caravane
‘Proyecto para un puente’, obra de José Luis Serzo presente en los encuentros. Fotografía cortesía de ‘M’zora Caravane’.

MAKMA

Tomar medidas para vivir del arte

#MAKMAArtistas #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Marta Pérez Ibáñez | Tomar medidas para vivir del arte. La profesionalización del artista como vía para su supervivencia
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Martes 25 de agosto de 2020

La transformación del papel que el artista (aunque somos conscientes de la necesidad de que el lenguaje sea inclusivo y no sexista, optaremos por utilizar la forma masculina del término “artista” como forma neutra para economizar en el lenguaje, sin renunciar por ello a nuestro respeto por la igualdad entre géneros) ha jugado en el sistema del arte en España durante las últimas décadas ha sido rápida, profunda y ha tenido consecuencias evidentes, tanto para el sistema en sí mismo y sus mecanismos de desarrollo como para el surgimiento de nuevos agentes, herramientas y canales de conexión entre las diversas partes que lo componen.

La situación profesional y laboral de los creadores ha tendido siempre a la precariedad, situación que se ha visto agudizada por la crisis económica que se inició en 2008. Para definir con claridad cómo defender los derechos de este sector, cómo equipararlos al del resto de trabajadores y profesionales en nuestro país, y adecuar su reconocimiento social e institucional a la importancia de la producción artística en el desarrollo cultural español, ha sido imprescindible ahondar en la realidad del sector.

Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Para ello, desde 2013 –fecha en la que empezó a evidenciarse el cambio de paradigma que se apreciaba en el mercado español del arte y en su relación con el resto de agentes del sistema–, iniciamos una investigación que evolucionó desde las características de las nuevas galerías españolas nacidas durante la crisis, y continuó con el desarrollo de un profundo estudio sobre la situación económica y profesional de nuestros artistas –’La actividad económica de los/las artistas en España. Estudio y análisis’, Pérez Ibáñez, M. y López-Aparicio, I. (Fundación Antonio de Nebrija 2017). Segunda edición revisada y ampliada, publicada en 2018 por la Editorial Universidad de Granada–, que contribuyó a crear una conciencia social sobre la necesidad de optimizar la situación del sector, y aportó datos imprescindibles para la redacción del nuevo Estatuto del Artista, cuyo texto fue aprobado por unanimidad en el Congreso de los Diputados en 2018.

Durante la última década, el mercado laboral en España ha mostrado los signos de un profundo deterioro al que el sector de la producción artística no es ajeno. La actual situación laboral de los trabajadores culturales presenta claros signos de precariedad, y especialmente en el caso de los artistas plásticos y visuales, con altos niveles de autoempleo, baja retribución, inestabilidad y poca tasa de afiliación a los sistemas de seguridad social de los distintos países.

En los últimos años y debido a la crisis, deben ejercer un papel de autogestión, comunicación y promoción profesional, simultaneándolo con la producción artística, aun mostrando un alto nivel de aceptación de su situación y de su identidad como artista y una visión positiva de su trabajo, a pesar de la precariedad.

A este respecto, el libro de Remedios Zafra ‘El entusiasmo’, publicado en 2017 por Anagrama, abunda en la idea del artista y del trabajador cultural que, en un escenario de precariedad y desilusión, valora sin embargo la libertad y la creatividad como algo transformador, mientras la vocación y el placer por crear son instrumentalizados por un sistema que los avoca a la ansiedad y la frustración.

En países como España, la especial virulencia de la crisis provocó el cierre de numerosas galerías entre 2010 y 2012, con lo que la fuente de ingresos de muchos artistas procedente de la comercialización de la obra se vio seriamente perjudicada, compartiendo muchos rasgos del concepto de “precariado” que plantea Standing y el “biotopo artístico” de Pascal Gielen.

Además, la ausencia de un reconocimiento institucional de la figura profesional del artista o de un estatuto que regule su actividad, de un censo que cuantifique a los profesionales de este sector y sus condiciones laborales, la baja afiliación a asociaciones profesionales –única estructura de protección laboral–, más el deterioro general del sistema del arte, hacía imprescindible el mencionado estudio para aventurar modos de actuación y optimización de recursos a medio y largo plazo.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Nuestra investigación, que contó con el aporte desinteresado de datos de más de 1.100 artistas en una encuesta exhaustiva, permitió analizar numerosos aspectos de la actividad artística en nuestro país, desde datos generales del colectivo, hasta aspectos específicos de su condición profesional y del rendimiento económico de su actividad, con especial interés en la relación actual entre los artistas y los distintos agentes del mercado del arte y los cambios sintomáticos apreciables en dicha relación.

Así, los datos cuantitativos resultantes del estudio, apoyados por un largo proceso de observación y contraste cualitativo de dichas conclusiones en continuo diálogo con artistas y otros agentes, nos llevaron a centrar nuestras conclusiones en los tres aspectos fundamentales que determinan la actual situación de los artistas en España respecto del sistema del arte, y que se pueden resumir así:

  1. La mayoría de los artistas españoles no puede mantener su actividad artística como principal fuente de ingresos, por lo que debe disponer de fuentes alternativas que le permitan subsistir: en ocasiones, dichos ingresos alternativos proceden de otras actividades asociadas a la creación, como la docencia artística, los ingresos por ayudas, subvenciones, honorarios de artista o trabajos de comunicación, comisariado, etc. No obstante, la actividad expositiva no ha cesado, por lo que son los artistas con sus propios recursos económicos, además de su tiempo, experiencia y creatividad, quienes mantienen la oferta artística que se expone en galerías y centros de arte, aun a pesar de no poder rentabilizar el trabajo realizado. La venta de obra, aunque sigue siendo la fuente principal de ingresos, demuestra no aportar a los artistas ingresos suficientes para mantenerse económicamente.
  2. Los artistas jóvenes presentan ciertas novedades en su relación con los distintos agentes del mercado y del sistema del arte: los nuevos modelos de negocio en las galerías de arte y en la forma de gestionar la comercialización de la obra, muestran que en efecto se puede detectar un cambio de paradigma significativo, con dinámicas diferentes orientadas a objetivos distintos, que requieren estrategias también distintas. En algunos casos, este cambio de gestión, utilizando nuevos canales de difusión y comunicación, muy relacionados con las nuevas tecnologías, parten de los artistas más jóvenes, aquellos que identificábamos como nacidos profesionalmente en la crisis.
  3. Existe un perfil de artista resiliente que ya desarrollaba satisfactoriamente su actividad en los años anteriores a la actual crisis y que, habiendo sufrido el menoscabo que supone el cierre de sus galerías de referencia y el descenso significativo en sus ingresos, ha sabido reconducir su carrera y sobrevive, por tanto, gracias a la actividad artística: es precisamente este grupo de artistas mayores de 40 años quienes, en gran medida, han demostrado que se pueden modificar las estrategias y los objetivos y reorientar las dinámicas para seguir manteniendo la actividad artística como fuente de ingresos. La necesaria adaptación a la complicada situación del mercado del arte en España hacen que la subsistencia del artista sea difícil, precaria, insegura e incierta. No obstante, como vemos, se mantienen constantes la actividad creadora y el compromiso.

Parece evidente, por tanto, que a fin de mantener la actividad artística como fuente de ingresos que permita la supervivencia del artista –algo a lo que todo creador, como profesional, tiene derecho– es necesario incorporar a dicha actividad aquellas que le acerquen a la situación del mercado y del sistema a mayor escala. La imagen del artista en su estudio, dedicado por completo a la creación, ha dejado paso a un perfil nuevo, más profesional, más global, más conectado con el mundo a través de las nuevas tecnologías; un artista que define su imagen de marca, que gestiona su carrera de forma mixta y mantiene abiertos todos los canales, que establece relaciones con aquellos agentes y en aquellas circunstancias que le son más propicias. Un artista, en suma, que se ha convertido en centro decisor y prescriptor, en un elemento fundamental en el sistema del arte.

arte, Marta Pérez Ibáñez
Marta Pérez Ibáñez durante su seminario ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, impartido en el seno de los ‘Encuentros Cañada Blanch en el Sporting’ (junio de 2019). Foto: Jose Ramón Alarcón.

Marta Pérez Ibáñez

Este artículo fue publicado en MAKMA ISSUE #02, revista especial en papel con motivo del sexto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2019.

Little Review Dadá: Revistas & Mujeres

#MAKMAArtistas #MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Ximo Rochera | Little Review Dadá: Revistas & Mujeres
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Jueves 6 de agosto de 2020

Hablar de Dadá exige desviar la mirada a Nueva York, año 1915: en el bar de la Modern School –centro gratuito en el que se instruía sobre filosofía, literatura, pintura y sindicalismo, con profesores como Emma Goldman, Isadora Duncan o Jack London, y cuyo lema era “¡Ni premios ni castigos!¡Ni jurados!”– están reunidos Man Ray, Beatrice Wood, Francis Picabia y Marcel Duchamp, y comienzan a dar forma a Dadá.

Según el cineasta Hans Richter, Dadá tenía vínculos con el ¡da, da! esloveno (sí, sí, en castellano), aunque el propio Tristan Tzara, en su revista Dadá (1917-1921), publicaba su manifiesto dadaísta y aseguraba que Dadá no significaba nada. Oficialmente –Wikipedia dixit– se creó en 1916 en Zurich, en el Cabaret Voltaire, por el escritor Hugo Ball, aunque me pregunto si algo tendría que ver Emmy Hennings –poetisa y performer creadora de la revista Revolution, dueña de Cabaret Voltaire y pareja de Ball–.

Dadá era un movimiento creador que unificaba las “viejas vanguardias”: cubismo, expresionismo, futurismo, constructivismo, cubismo órfico… “Dadá es un misil dirigido a la cabeza”, concepto que utilizó Walter Benjamin para definir el movimiento artístico. En los ‘Soirées dadá’, en Cabaret Voltaire, la provocación a los asistentes era constante. Era fácil ver a Mary Wigman danzar con movimientos extraños de su cuerpo, retorciéndose y arrastrándose por el suelo –principio de la danza contemporánea–, o a Sophie Taeuber bordando líneas geométricas y coloridas –en los años 30 publicó su diario constructivista ‘Plastique’–.

Dadá, Ximo Rochera,
Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Zurich y Barcelona, además de Nueva York, se establecieron como centros neurálgicos del dadá. Barcelona estaba repleta de artistas exiliados como Robert Delaunay, Marie Laurencin, Olga Sacharoff o Arthur Cravan, y espías como Mata Hari o Martha Richer. También Arthur Cravan –sobrino de Oscar Wilde, poeta, boxeador y viajero– creó su propia revista, Maintenant (1912-1915), y editó cinco números en París.

Dadá tuvo lugar en una época en la que las mujeres comenzaron a tener un rol más activo, no solo en los ámbitos políticos y sociales, sino también artísticos. Marinetti, editor de la revista Poesía (1905-1909), publicó en Le Figaro, el 20 de febrero de 1909, su manifiesto futurista: “Queremos glorificar la guerra… y el desprecio por la mujer (…) queremos defender los museos, las bibliotecas, combatir el moralismo, el feminismo…”.

La misoginia es algo que siempre ha estado presente en los movimientos de avant-garde artísticos. El género y la identidad son transgredidos en Dadá y también en el surrealismo.

Emma Goldman mostraba sus amantes en público y se enfrentaba a la policía; Emmy Hennings utilizaba su cuerpo como soporte dadá; Mina Loy escribió un manifiesto feminista inédito hasta su muerte, en 1966; Isadora Duncan era una artista libre que defendía la emancipación de la mujer a través de la protesta y de la liberación sexual.

Mabel Dodge Luhan era una activista wobbly precursora y mecenas de la revista The Masses (1911-1917); Winnifred Efferman (Bryer) fue una escritora y mecenas involucrada en revistas lésbicas y feministas, fundó la revista de cine Close-up (1927-1933) y financió la apertura de la librería Shakespeare and Company en París; Elsa von Freytag-Lorinhoven fue descrita en la revista The Little Review (1914-1929) como “la única persona viviente en el mundo que se viste dadá, ama dadá y vive dadá”; la dadásofa Hannah Höch fue una figura fundamental en el dadá berlinés.

Realizó fotomontajes dando una nueva visión de la mujer en torno a su identidad sexual –irónicamente representaba a la novia como un maniquí o un niño–, sus personajes eran ambiguos. Höch, precursora del punk, denunciaba la imagen frívola que transmitían algunos medios de la mujer liberada; Beatrice Wood –la mamá dadá– combinaba la cerámica y el dibujo en sus obras, fundó la revista The Blind Man junto a Henri-Pierre Roché y Marcel Duchamp. Roché se jugó en una partida de ajedrez el futuro de la revista con Picabia: quien perdiese dejaba de editar.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

Picabia pudo continuar editando 391 (1917-1924) mientras The Blind Man (1917) finalizaba en el número 2 con una defensa de ‘La Fuente’ de Duchamp. El resultado de la partida de ajedrez se publicó en la revista de un solo número Rongwrong –Picabia también publicó Cannibale (abril-mayo, 1920)–; Suzanne Duchamp fue una de las pocas artistas visuales femeninas de las que se ha documentado como participante del movimiento dadá.

De alguna forma, Marinetti, con su manifiesto misógino, hizo de acicate de ese movimiento reivindicativo de las mujeres. Valentine de Saint Point contestaba a Marinetti con su manifiesto de la mujer futurista, publicado en la revista Lacerba el 25 de marzo de 1912: “Es absurdo dividir la humanidad en hombres y mujeres, pues se compone solo de feminidad y masculinidad. El übermensch está compuesto al mismo tiempo de elementos masculinos y femeninos”.

También Mina Loy escribió su manifiesto feminista el 15 de noviembre de 1914, que envió manuscrito a su amiga Mabel Dodge Luhan, en el que expresaba la necesidad de realización de la mujer a través de una “Demolición Absoluta”.

El paso de más de cien años desde que se creó Dadá y la demanda de un espacio propio para la mujer no parece que haya servido para que una búsqueda en Google sobre Dadá nos muestre a las mujeres que no solo estuvieron en el movimiento, sino que lo crearon.

Es relativamente fácil encontrar a Hugo Ball como fundador de Dadá sin que se nombre a Emmy Hennings, o descubrir ‘La Fuente’ de Marcel Duchamp sin que se pueda acceder a Elsa von Freytag-Lorinhoven; ver la apuesta imagen deportiva de Arthur Cravan sin que imaginemos el rostro de Mina Loy, las fotografías de Raoul Hausmann sin Hannah Höch, o las esculturas de Jean Arp sin los bordados de Sophie Taebeur.

There is no Life or Death / Only activity / And in the absolute / Is no declivity.
There is no Love or Lust / Only propensity / Who would possesess / Is a nonencity.
There is no First or Last / Only equality / And who would rule / Joins the majority.
There is no Space or Time / Only intensity, / And tame things / Have no inmensity

Este poema de Mina Loy fue editado en la revista Camera Work, de Alfred Stieglitz, en 1914, y finalizo con la traducción de la última estrofa, a modo de reflexión sobre el lugar que ocupa la mujer en los anaqueles, tanto físicos como de códigos binarios, hoy en día: “Lo domesticado / carece de inmensidad”.

Dadá
‘Dada damen. 100 jahre dada Mujeres Dadá celebran el centenario del Cabaret Voltaire en la explanada de la estación central de Zurich’ (2016), de Pere Sousa.

Ximo Rochera

Premio Internacional de Carteles MAKMA al MuVIM

Convocante: MAKMA
Dotación: 7.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 31 de julio de 2020

Premio Internacional de Carteles MAKMA al MuVIM
Comunicación/ Incomunicación

El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas

Comunicar, anunciar, instruir, notificar, manifestar, transmitir. Incomunicar, ocultar, omitir, boicotear, enmudecer. Dos polarizadas temáticas tan antagónicas como radicalmente contemporáneas, a partir de las que reflexionar acerca del individuo y su entorno íntimo, social, cultural y político. Entorno sacudido (las circunstancias obligan) por una pandemia que este año nos ha forzado al confinamiento en casa. Es ahí, entre las cuatro paredes de nuestros hogares, donde más se ha puesto en evidencia la necesidad de comunicarnos, al tiempo que sufríamos la incomunicación. No es oportunismo, sino la oportunidad por antonomasia para reflexionar en torno a tan áspera experiencia, que nos ha conmovido a todos obligándonos, más que nunca, a repensar nuestras formas de vida. El cartel, que viene de muy lejos, se antoja como una de las mejores formas para sintetizar las múltiples contradicciones que nos asolan hoy en día.

Bases

MAKMA Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea convoca la primera edición del Premio de Carteles, con el lema ‘Comuniación/Incomunicación. El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas’, cuya exposición tendrá lugar en el MuVIM, Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat.

  1. La convocatoria está abierta a cualquier persona, tanto a título individual como colectivo, sin límite de edad y con las restricciones e incompatibilidades previstas en la legislación vigente.
  2. Los carteles deben ser inéditos, específicos y adaptados a los requisitos técnicos y temáticos que se indican en las presentes bases. Cada participante podrá presentar hasta tres propuestas diferentes.
  3. Los carteles podrán realizarse empleando cualquier técnica o procedimiento pictórico, fotográfico, digital o mixto. En cualquier caso, todos los carteles se reproducirán en papel, dentro de un formato 50 x 70 cm. con orientación vertical.
  4. Para su valoración por parte del jurado, se enviará un archivo en formato JPG con un volumen no superior a 5 MB. En caso de resultar seleccionado, se requerirá el archivo en alta resolución para su reproducción.
  5. Los archivos se enviarán hasta las 23:59 h. del 31 de julio de 2020 por correo electrónico a convocatorias@makma.net indicando: nombre, apellidos, dirección, teléfono, correo electrónico y fotocopia del DNI, pasaporte, tarjeta de residencia u otro documento legal de identificación.
  6. Los carteles seleccionados formarán parte de una exposición que tendrá lugar en el MuVIM a finales de 2020, con posterioridad a la finalización de la pandemia. Las propuestas premiadas se darán a conocer con ulterioridad a la apertura del museo.
  7. El jurado estará formado por profesionales de reconocido prestigio en el ámbito del diseño, las artes visuales y la cultura contemporánea. Su composición se comunicará tras la deliberación.
  8. Se otorgará un primer premio dotado con 5.000 euros, y dos accésit de 1.000 euros cada uno.
  9. La participación en esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases. El fallo del jurado será inapelable.
  10. Los autores/as tanto del cartel premiado como de los accésit cederán a MAKMA y al MuVIM los derechos de reproducción y comunicación pública del mismo.
  11. MuVIM y MAKMA recibirán una copia firmada, cada uno, de la obra premiada.

FAQ Preguntas frecuentes

¿Tiene que figurar en el cartel el lema ‘Comunicación/Incomunicación. El cartel como mapa y territorio ilustrado de las contradicciones humanas’?
No es necesario. El lema, su subtítulo y el texto introductorio de las bases son la referencia conceptual y temática para crear el contenido del cartel, pero no es necesario que figuren en su composición. De ser obligatorio, se hubiera incluido en las bases un epígrafe específico con las indicaciones pertinentes.

¿Debo incluir los nombres de MAKMA, el MuVIM o sus logotipos?
No, tal y como se indica en las bases, no se requiere la inclusión de estos elementos.

¿Puedo presentar un cartel en horizontal?
No, en las bases se indica la obligatoriedad de la orientación vertical.

¿Es necesario enviar el archivo original en PDF?
No, en la fase de selección de propuestas solo se ha de enviar una imagen JPEG para su valoración por parte del Jurado.

¿Si mi imagen es demasiado pesada para ser enviada por e-mail, puedo recurrir a plataformas como WeTransfer?
No, el tamaño máximo admitido del archivo JPEG es de 5MB y su envío es exclusivo por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net

¿Podemos presentarnos como colectivo?
Sí, es posible presentarse como colectivo. En este caso deberá adjuntarse los datos personales de todas las personas integrantes: nombre, apellidos, dirección, teléfono, correo electrónico y fotocopia del DNI, pasaporte, tarjeta de residencia u otro documento legal de identificación.

El artista en aislamiento (II): ÓS GAT

#MAKMAEntrevistas | El artista en asilamiento (II)
Ós Gat
Miércoles 27 de mayo de 2020

Un día más es un día menos. Así, aunque cada vez parece estar más cerca la puerta de salida, el aislamiento ha puesto en nuestro interior todo tipo de sensaciones y emociones que hierven con más intensidad a cada día que pasa. Estas sensaciones no son más que respuestas que muchas veces no sabemos o no somos capaces de descodificar. Y no es de extrañar: la fascinación de vivir una hiperrealidad ha hecho olvidarnos de nuestra realidad interior, que muchas veces pide ser escuchada.

Y ¿qué mejor forma de descifrar estos mensajes que el arte, acostumbrado a deambular entre nuestras preocupaciones y tratar de darles forma y sentido? Para ello, desde Makma, nos hemos puesto en contacto con Ós Gat, una joven ilustradora valenciana de 21 años, estudiante de Bellas Artes, que bajo su seudónimo realiza un arte muy personal e intimista que está triunfando en las redes sociales.

Después de la primera entrega de ‘El artista en aislamiento‘ en el que explorábamos el mito del artista que trabaja encerrado en su estudio, nos sentamos a charlar telemáticamente con la joven ilustradora para ver cómo es su actividad creadora y cuáles son sus reflexiones acerca del arte.

‘Tirachinas’, de Ós Gat.

La figura de Ós Gat nació en la calle realizando graffitis por los rincones de Valencia y, aunque hoy se dedique al arte digital, añora sus inicios como artista urbana en los que su estudio no estaba encerrado entre cuatro paredes, ya que, como asegura, es una experiencia totalmente diferente: “tienes otros tiempos, a veces tienes que ser rápida, no es como estar en casa, que te puedes tomar las cosas con calma. Además, hay muchos factores externos que intervienen en el proceso de una forma u otra, como el tiempo, la superficie, la gente, etc. Pero al final eso es lo que lo hace interesante y diferente, no lo tienes todo tan controlado y los resultados son muy diversos.”

A día de hoy acostumbra a trabajar en la intimidad de su habitación, lugar donde se siente más cómoda y a gusto para liberar sus pensamientos y sentimientos, confirmando el mito del artista que se aisla en su estudio refugiándose del mundanal ruído. En este sentido, el confinamiento por el que atravesamos no le ha supuesto ningún obstáculo para continuar con sus ilustraciones.

Sin embargo, sí que ha incidido en ellas, al causar ciertas sensaciones en el interior de la artista: “Al principio me generó un poco de ansiedad, me agobiaba sobretodo la incertidumbre de no saber qué iba a pasar. Luego se fue pasando esa sensación de angustia, pero la incertidumbre sigue ahí. En mis ilustraciones casi siempre se refleja cómo me siento, y de una forma u otra, en las que he ido realizando desde que empezó la cuarentena se puede apreciar esto.”

‘Apretada’, de Ós Gat.

En sus dibujos resaltan los colores pastel sobre un fondo blanco y el uso de metáforas, frases hechas y juegos de palabras, de forma que simpatizan y conectan fácilmente con el público. Así, ha creado todo un universo onírico donde conviven humanos, plantas y animales, que a veces se entremezclan originando criaturas fantásticas, manifestando la relación orgánica entre el ser humano y la naturaleza.

Las cariñosas formas y colores seducen rápidamente al espectador que, al realizar una segunda lectura, se topa con un mensaje crítico, algunas veces directo y conciso, pero otras sutilmente sugerido que, junto con los recursos textuales, impregnan las ilustraciones con tintes poéticos. El feminismo se alza como uno de los pilares fundamentales de su obra, en la que constantemente cuestiona los roles de género y los estereotipos establecidos. Así, muchas veces, encontramos personajes transgénero o andróginos que invitan a un debate sobre el concepto de identidad.

‘Crece’, de Ós Gat.

Pero también reflexiona acerca de la identidad propia: la reivindicación del amor propio como mujer se hace presente en todas las ilustraciones. “Es fundamental incluir el feminismo en el arte, no solo por la visibilización que da, sino también por el hecho de ocupar espacios donde hasta hace relativamente poco no se han podido tratar estos temas y se ha invisibilizado a las mujeres”, asegura. “Hay que reclamar los espacios que se nos han negado durante años.”

‘8M’, de Ós Gat.

El ecologismo, la relación del ser humano y su entorno, es otro de los temas que trata la artista. Considera que “hay que ser críticos con los problemas que sufrimos hoy en día, y el arte es una buena forma de darles voz y visibilidad.” Sin embargo, tammbién esclarece que la protesta en el arte no es una obligación: “no todo el arte debe tener esa función, el arte por el arte, simplemente la función estética y otras temáticas no reivindicativas me parecen perfectamente válidas y las disfruto igual.”

En este sentido, antes que por su reivindicación, las ilustraciones de Ós Gat destacan por la expresividad de sus pensamientos y emociones. Ella misma nos explica: “considero que mi obra sí debe tener el compromiso de ser consecuente con los temas que creo importantes, y por tanto verse reflejados en ella. Pero puede que sea porque las ilustraciones que hago son muy personales y mi manera de pensar va implícita en ellas.”

Sus ilustraciones son un espejo, un espejo del alma en el que la artista cristaliza sus pensamientos y esculpe su ámbito emocional con absoluta sinceridad. “En ellas pretendo representar emociones y sentimientos, reivindicando su expresión de manera pública en una sociedad que nos priva de mostrarnos tal y como somos.”

‘Rapada’, de Ós Gat.

Muchas veces, por miedo al que dirán, tendemos a guardar nuestros sentimientos y emociones en nuestro interior, como si se tratasen de un objeto viejo preciado del que no queremos deshacernos, pero no encontramos un lugar para él, dejándolo arrinconado acumulando polvo. De alguna forma, Ós Gat, a través de sus ilustraciones, les quita el polvo y los ilumina, encontrándoles un sitio donde exponerlos. Y es que el aislamiento emocional, con el paso del tiempo, resulta más violento que el aislamiento físico.

Porque no hay duda que el arte es un lenguaje, incluso uno de los más eficaces a la hora de expresar los sentimientos y emociones y así lo testifica la joven ilustradora: “me permite expresarme de una forma que, de no ser así, a veces no sabría cómo verbalizarlo.”

‘Siempre bien’, de Ós Gat.

A través de sus obras, la ilustradora realiza un profundo ejercicio de introspección. Coloca la oreja en su vientre, corazón y cabeza, y se escucha a sí misma; voltea los ojos hacia dentro y se observa. Y después de un viaje navegando por sus entrañas, vuelve al lápiz para plasmar aquello que ha visto y escuchado.

El arte es casi una excusa para poder expresarse y conocerse, incluso, nos comenta: “No me gusta definir lo que hago como arte, me parece un poco pretencioso. Aún estoy formándome y aprendiendo.” Aunque prácticamente nadie dudaría de su cualidad artística, la obra de Ós Gat destaca por la honestidad y la fidelidad consigo misma que desprende.

‘Discomfort zone’, de Ós Gat.

Probablemente, la búsqueda de sinceridad que transmite ha hecho que su obra goce de gran popularidad en una red social como instagram. Y es que ¿hay algo más auténtico que ser fiel a uno mismo? “Mi intención a la hora de hacer las ilustraciones es expresarme. Son para mí, y luego las comparto. Era así al principio cuando no las veía nadie y lo es también ahora.”

Pau Tronch.

Conociendo a Javirroyo

Encuentro con Javier Royo
Video entrevista
Confinados Covid19

Javier Royo, etiquetado como humorista gráfico, nos concede unos momentos en estos tiempos de pandemia para descubrir mejor su obra y a él mismo.

Abierto, sincero y dispuesto a no dejarse abatir por ninguna piedra del camino, Javier Royo consigue causar un gran furor entre el público ¿su secreto? La síntesis; nos confiesa que, en una sociedad capaz de visualizar más de cien imágenes por minuto, aquello que marca es lo directo, los trazos sencillos que él mezcla con textos.

Javirroyo – My Charm School
Ilustración de Javirroyo

Sus primeros pasos se inician en un barrio obrero de Zaragoza, devorando comics infantiles, hasta que llegaron a sus manos las páginas underground de los años 80, donde violencia, sexo y drogas, son los protagonistas. A los 23 años, ya pudo subsistir de sus ideas y proyectos y, a día de hoy, ha conseguido ser editor en El Estafador, dirigir la empresa de vinilos decorativos Chispum, escribir 15 libros y dar forma al vegetal más peligroso de todos los tiempos: La Cebolla Asesina.

La cebolla asesina #3 (Subterfuge Comix)
La cebolla asesina. Cómic nº3. Javier Royo Espallargas

Últimamente, su arma principal reside en las ilustraciones; considera que se trata de un arte emergente y que aún no ha llegado a su pico más álgido, pero que ya empieza a tener mucho peso en el mundo del arte. Dichas ilustraciones se suelen inspirar en la actualidad, destacando por la forma de despertar a la población a través del ingenio; critica aquello que no considera justo con el humor, cuyos límites se encuentran en el contexto, en la ética y en la moral: “el humor reside en el plano cultural, hay que saber cuándo utilizarlo, y la única norma que me autoimpongo es que siempre tiene que ir a por los de arriba, nunca utilizarlo contra las minorías, contra los desfavorecidos y, en ningún momento, atentando contra los derechos humanos”.

Javirroyo: «Los hombres somos víctimas del patrón de macho que nos ...
Ilustración de javirroyo en su libro Homo Machus.

Para él, el universo artístico está plagado de definiciones y atributos que pueden provocar un estancamiento en la trayectoria de un artista. Según Javier “un artista tiene que sentirse feliz con lo que realiza, independientemente que sea por encargo o por cuenta propia, ambos forman parte de su día a día”. Y es que, en esta realidad dinámica, engullida por la tecnología, rebosante de publicidad e imágenes, a un artista ya no se le puede colgar la etiqueta de genio o artesano, ha ido evolucionando hasta lo que podría ser una hibridación. Por otra parte, nos subraya la importancia de una formación teórica en todos aquellos que se van a dedicar a la creación de arte, pues «solo si conoces a los grandes, puedes aprender de ellos y acabar creando tu propio estilo«.

Como pincelada final, nos subraya la importancia de las redes sociales en su trabajo, así como la débil línea entre utilizarlas, y acabar siendo súbditos de ellas. También se dirige a aquellos artistas principiantes para darles un pequeño consejo: se pueden perder muchas cosas con el paso de los años, pero la imaginación y la creatividad son un bien que nunca desaparece; hay que pasear por las ciudades con determinación y autoestima, creyéndonos capaces de todo, aunque los edificios se vayan derrumbando por los lados. Como manifestó Javier Royo antes de finalizar la videoconferencia, al mirarnos al espejo tenemos que pensar: “Encantado de haberme conocido”.

Tamara Pérez

Retos y oportunidades de la realidad virtual

‘Realidad virtual. Construyendo el presente del diseño, el arte, la arquitectura y el entretenimiento’, de Julia Galán y Francisco Felip
Editorial Tirant Lo Blanch (Colección Plural , 2020)
Sábado 23 de mayo de 2020

La diversificación y el uso generalizado de las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) han contribuido a pasar de una cultura material a otra basada en la información, posibilitando el tránsito hacia una Sociedad de la Información. En ella asistimos a una progresiva desmaterialización y deslocalización, donde las tecnologías digitales se afianzan como instrumentos para la gestión, creación y distribución de informaciones, jugando un papel esencial en las actividades sociales, culturales y económicas.

Estas transformaciones digitales nos enfrentan al reto de formar a personas para vivir y trabajar en entornos altamente dinámicos, por lo que las competencias digitales se revelan necesarias para una mejor empleabilidad y para poder aprovechar mejor las oportunidades de emprendimiento. Por extensión, es posible constatar que las TIC han redefinido también el escenario en el que las prácticas del arte, el diseño, la arquitectura y el ocio venían desarrollándose, abriendo nuevos caminos y posibilitando nuevas formas de creación y de expresión formal.

Diseño automovilístico Ford con Grevity Sketch (Ford Motor Company, EEUU, 2018). Imagen cortesía de los autores.

Dentro de las TIC, la realidad virtual (RV) se ha consolidado como un nuevo entorno perceptivo, una nueva forma de presentar y experimentar visualmente objetos y entornos en los que el individuo queda inmerso en un mundo creado digitalmente. Este lenguaje visual está redefiniendo muchas de las prácticas actuales en diversos ámbitos, fomentando la interdisciplinariedad y la participación colaborativa, abriendo multitud de disciplinas creativas a otras formas distintas de entenderse y practicarse.

Numerosos son los ámbitos en los que la realidad virtual está aportando nuevas formas de trabajar, de relacionarse y de crear. En la actualidad artistas y laboratorios de referencia están ahondando en el potencial discursivo de este lenguaje, como el grupo Augmented Environments, el GVU Center en el Georgia Institute of Technology, el Mixed Reality Lab de Singapur, el HIT Lab en Washington DC o el Institute of Computer Graphics de Austria, por citar sólo algunos de los más relevantes.

Instalación 74BC (Hyperstudio, 2019). Imagen cortesía de los autores.

Desde hace poco ya existen plataformas cuyos objetivos vendrían a ser los del museo (catalogar, coleccionar, conservar y exhibir) pero en el ámbito digital, como el Digital Museum of Digital Art (DiMoDA) de Alfredo Salazar-Caro y William Robertson, o el FLOAT Museum de Ben Vance y Kate Parsons. De forma paralela, Acute Art Virtual Reality, creada en 2017 por Dado Valentic, es la primera plataforma británica para presentar proyectos de arte contemporáneo realizados con RV, presentando trabajos de artistas tan conocidos como Ólafur Eliasson, Jeff Koons, Marina Abramović o Anish Kapoor, entre otros. El arte que utiliza la RV necesita de la participación activa del espectador, quien, en primera persona, con su interacción, con su mirada y con su movimiento, decide la escena, la perspectiva o incluso la narratividad. De esta interactividad deriva la variabilidad de la obra, haciéndola única para cada experiencia.

La realidad virtual tiene diversas aplicaciones también en el ámbito empresarial, ayudando a posicionarse con ventaja respecto a la competencia. Una  de ellas es la posibilidad que ofrecen algunas empresas de formar a sus trabajadores a través de un entorno en RV que recrea situaciones de riesgo. En ellos, los operarios se sienten como si estuvieran en su entorno de trabajo frente a la incidencia que deben solucionar, pudiendo practicar hasta llegar a la correcta solución del problema, disminuyendo así los accidentes laborales y ahorrando en costes de formación.

Rodaje de una película en RV (Alejandro González Iñarritu, 2017). Imagen cortesía de los autores.

También en el ámbito del diseño, el uso de la realidad virtual en un entorno controlado (un showroom, por ejemplo), permite al usuario experimentar visualmente el producto integrado en un entorno habitual de uso, siendo percibido de forma más natural que a través de una mera imagen bidimensional. El uso de esta tecnología en el sector cerámico o de mobiliario ofrece al cliente una experiencia interactiva única y personal, que le permite poder cambiar en tiempo real el entorno o las características visuales del producto, como el color o la textura superficial, permitiendo a las empresas mostrar todo su catálogo de colores y texturas visuales del producto sin disponer de modelos físicos. De igual forma, el uso de la RV durante la fase de diseño conceptual ayuda a los diseñadores en el proceso de selección de los acabados antes de producirlos. Conscientes de estas ventajas, muchas empresas ya han integrado la tecnología de RV en el proceso de diseño y comunicación del producto.

Existen múltiples interconexiones entre el campo del diseño y del arte que establecen influencias mutuas. Una de ellas está relacionada con el campo del marketing del producto, donde muchas veces las presentaciones de los productos están influenciadas por diversos lenguajes artísticos contemporáneos. En este sentido, recientes estudios han demostrado la importancia de la imagen en la presentación de los productos, estudiando la influencia de la forma y cómo la geometría visual del producto influye en la percepción de su calidad, o cómo la sensación de novedad transmitida por la forma de un producto influye en la preferencia del consumidor sobre el mismo. 

Simulación de conducción con guantes hípticos (Nissan y Haptx, 2019). Imagen cortesía de los autores.

Es por ello que algunas investigaciones ya están trabajando en estudiar las ventajas de los entornos virtuales para presentar productos frente a las imágenes convencionales, al permitir al usuario una mayor interactividad con el producto, una mejor comprensión o incluso una personalización del mismo. De igual forma, se está investigando en el potencial de hibirdar sensaciones visuales y hápticas en la realidad virtual, añadiendo objetos reales en las escenas virtuales para enriquecer la experiencia con sensaciones táctiles, que pueden producir una aproximación al entorno o al producto muy similar a la real, y aportar algunas ventajas respecto a otros medios de presentación. 

El presente libro ofrece una visión integradora sobre la actualidad de la realidad virtual, haciéndose eco de la creciente relevancia que está teniendo en los campos del diseño, el arte, la arquitectura y el entretenimiento. A lo largo de cuatro capítulos se aborda cada uno de estos temas, analizando avances tecnológicos significativos, investigaciones pioneras, proyectos relevantes, e iniciativas y casos de éxito que permiten entender el momento actual, las direcciones hacia las que se avanza, y tomar conciencia de los retos y oportunidades que esta tecnología de visualización plantea en cada uno de estos campos.

Portada del libro. Imagen cortesía de los autores.

Julia Galán y Francisco Felip

Segrelles y su influencia en la ilustración americana

MAKMAArtistas | José Segrelles Albert
Jueves 21 de mayo de 2020

De su habilidad con el lápiz y una fascinante imaginación dio muestras desde muy pequeño, consiguiendo con estas dotes y facilidad natural numerosos reconocimientos y premios que lo llevaron a instalarse en Nueva York (1929 a 1932), donde alcanzó el reconocimiento internacional y donde su obra gozó del respeto y admiración de público, crítica o editoriales, dejando una visible influencia en artistas posteriores.

Encontramos las primeras influencias una década después, en los autores de las míticas portadas de las revistas pulp de ciencia ficción de los años 40. De esta primera generación de artistas influenciados por Segrelles destacamos a:

A. R. Tilburne (1887-1965), autor de la portada de la famosa revista pulp americana de terror y ciencia ficción Weird Tales en septiembre de 1944. En dicha portada podemos observar las similitudes con la obra ‘La Heroica de Beethoven’, que publicó Segrelles en 1927 en The Illustrated London News.

Pete Kuhlhoff (1903-1972), quien ilustra la portada de la misma revista pulp Weird Tales en mayo de 1945. Kuhlhoff se inspira en la obra de Segrelles titulada ‘Infierno de Dante’, que fue publicada en la revista The Illustrated London News en 1928.

Norman Saunders (1907-1989), quien ilustró en mayo de 1950 la portada de la legendaria revista pulp americana de ciencia ficción Fantastic Novels. Esa portada está inspirada claramente en la obra de Segrelles ‘Quinta Sinfonía de Beethoven’, publicada en 1927 en The Illustrated London News.

Tras esta primera generación de ilustradores influenciados por el arte de Segrelles, llegó una nueva saga de artistas norteamericanos con enorme calidad, como Roy Krenkel, Frank Frazetta, Al Williamson y Angelo Torres (quienes formaron el colectivo The Fleagles en los años 50), y también Wally Wood.

Roy G. Krenkel (1918-1983), ilustrador americano especializado en el género fantástico, que adoraba a Segrelles, como bien acreditan sus propias palabras:

«Jugaba a juegos enrevesados, jugaba con las perspectivas, la proporción, la línea y el color. Los parámetros del dibujo tomaron nuevas definiciones. Segrelles sabía cuándo, sabía dónde y sabía cómo. Tenía más que conceptos –él podía orquestar sus pesadillas!–» (‘José Segrelles–An Appreciation’ | Epic Ilustrated Marvel, Abril de 1985).

Roy Krenkel se basa en The Hanging Gardens of Babylon de 1975 en una de las obras creadas por Segrelles para el cuento ‘Historia prodigiosa de la Ciudad de Bronce’, publicada en la edición de 1956 de ‘Las Mil y Una Noches’.

Wally Wood (1927-1981), ilustrador que en los años 50 realiza la portada para el cómic ‘Strange Worlds’, basándose en la obra ‘La Guerra de los Mundos’, creada por Segrelles en la década de los 30.

Frank Frazetta (1929-2010), pintor, historietista e ilustrador estadounidense especializado en ciencia ficción y fantasía, marcando una época en trabajos como ‘El Señor de los Anillos’, ‘Conan el Bárbaro’ y ‘Mad Max’. La conocida imagen del ‘Gollum’ creada por Frazetta en 1980, nos traslada inmediatamente a los inquietantes personajes del cuadro ‘La Pesadilla’, de Segrelles.

Al Williamson (1931-2010), gran ilustrador americano de ciencia ficción, reconocido por sus ilustraciones de Flash Gordon y el cómic de ‘La Guerra de las Galaxias’. Williamson se inspira en la obra de Segrelles que fue publicada en ‘Las Mil y Una Noches’, de 1932, interpretando un pasaje del cuento ‘Alí Babá y los cuarenta ladrones’.

Finalmente apareció una tercera hornada de creadores talentosos entre los que destacan Mike Kaluta, Berni Wrightson, Barry Windsor-Smith y Jeff Jones (quienes fundaron el colectivo The Studio en los años 70), Richard Hescox y William Stout.

Cuentan como uno enseñaba al otro la obra de Segrelles, éste quedaba maravillado, la compartía con el siguiente y así sucesivamente, heredándose de esta forma la admiración por las pinturas de aquel genio valenciano adelantado a su época, cuyo mundo onírico, delirante, sobrenatural, unido a su prodigiosa técnica, hace que podamos considerarlo como el mejor ilustrador universal de todos los tiempos.

Jeff Jones (1944-2011), pintor e ilustrador muy creativo y respetado por sus compañeros americanos. En la imagen que comparamos percibimos cómo se inspira en la obra creada por Segrelles para el cuento ‘Simbad el Marino’, incluido en la edición de 1932 de ‘Las Mil y Una Noches’.

Mike Kaluta (1947), famoso pintor, ilustrador y dibujante de cómics estadounidense, nacido en Guatemala. La obra de Kaluta titulada ‘Fate of dollies lost in dreams’, pintada en 1977, claramente está basada en el cuadro ‘El muchacho que nunca tembló’, del cuento de los Hermanos Grimm ‘Juan sin miedo’, que había creado Segrelles en 1934.

Berni Wrightson (1948-2017), historietista creador del personaje de ‘La Cosa del Pantano’ y quien adaptó al cómic la película de terror ‘Creepshow’. Una de las ilustraciones de B. Wrightson para ‘Batman: The Cult’ está basada en la obra con la que Segrelles interpretó la sonata ‘La Patética de Beethoven’ y que apareció en The Illustrated London News en 1927.

Richard Hescox (1949), pintor e ilustrador estadounidense que intervino en las películas ‘E.T.’, ‘La historia interminable’ y en la serie ‘Juego de Tronos’. Su siguiente obra está inspirada en la visión de Beethoven que Segrelles publicó en The Illustrated London News en el año 1927.

William Stout (1949), autor, entre otros trabajos, del storyboard de ‘El Laberinto del Fauno’, dibujante de ‘Jurassic Park’ y el mejor embajador actual de Segrelles en EEUU. W. Stout escribió:

«Segrelles se encuentra entre los mejores artistas españoles y sin igual en su profunda imaginación. Puede ser considerado uno de los más grandes artistas místicos, de fantasía y de ciencia ficción que han existido» (‘José Segrelles–Painted Wonders of Space an Time’ | California Art Club Newsletter, verano-otoño de 2015).

El fauno creado por Stout para la película ‘El Laberinto del Fauno’, del cineasta Guillermo del Toro, también está inspirado en la obra de Beethoven que Segrelles publicó en The Illustrated London News.

Fauno de William Stout para ‘El laberinto del Fauno’.

Visto lo visto, analizada la trascendencia internacional y cómo su legado artístico es valorado fuera de nuestro país, José Segrelles representa un activo por el que reivindicar un espacio permanente más que merecido, un escaparate al que podrían acudir visitantes, amantes o investigadores e historiadores del arte del siglo XX con el fin de profundizar, estudiar y admirar su legado artístico.

José Enrique Segrelles Cortina.

José Segrelles: de València a Nueva York

MAKMAArtistas | José Segrelles Albert
Miércoles 20 de mayo de 2020

José Segrelles Albert (1885-1969) pintor, ilustrador y cartelista valenciano, nacido en Albaida, alcanzó mayor reconocimiento internacional del que se le ha atribuido en algunas décadas tras su muerte, siendo entre otras muchas cuestiones, un referente para los mejores ilustradores contemporáneos norteamericanos.

Tras triunfar en España, en 1927 aparecen sus primeras ilustraciones en la revista británica The Sketch y, posteriormente, en el número especial de navidad de la prestigiosa The Illustrated London News se publican nuevas ilustraciones con las que interpreta las sinfonías de Beethoven (1927), el ‘Infierno’ de ‘La Divina Comedia’, de Dante (1928), sus visiones de ‘Don Quijote’ (1929), ‘Las Mil y Una Noches’ (1930), ‘Sueños famosos’ (1932), la ‘Tetralogía’, de Wagner (1933), los ‘Cuentos de Perrault’ (1934) y los ‘Cuentos’, de Edgar Allan Poe (1935).

‘Don Quijote’, de José Segrelles, 1929.

En 1929 fue laureado con la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Barcelona por su acuarela ‘Los hipócritas’, de ‘La Divina Comedia’, y, ese mismo año, realiza su primer viaje a Nueva York, donde instala su estudio hasta 1932. Al otro lado del Atlántico aparecen sus obras en las mejores revistas neoyorquinas: Cosmopolitan, Good Housekeeping, Redbook, The American Magazine, Art Digest, Fortune, Pictorial Review, The American Weekly, Liberty, La Opinión, American Business World, La Prensa y Park Avenue Social Review.

José Segrelles en Nueva York. Imagen cortesía de Casa Museo José Segrelles.

La metrópolis de Nueva York se había convertido prácticamente en la capital del mundo. Su llegada a la ciudad le supuso un fuerte shock cultural difícil de enfrentar. Este desapego e incomodidad se refleja perfectamente en sus obras. Tan convulsa e inmensa ciudad imprimió las mismas sensaciones en otros artistas. Durante los mismos años, Lorca escribía ‘Poeta en Nueva York’.

El 15 de abril de 1931 inaugura una exposición en el Nicholas Roerich Museum de Nueva York, con excelente crítica en los medios de comunicación más relevantes, como New York Times o New York Herald Tribune.

‘Metrópolis’, de José Segrelles, para la revista Redbook (1930).

En aquellos años 30 el color azul que conseguía Segrelles se hizo famoso en Nueva York, comentándose que las mujeres encargaban trajes a las modistas y los hombres corbatas a los sastres con el inimitable “Segrelles’ blue”.

A pesar de que su producción artística supo amoldarse perfectamente a la metrópolis y su mercado, Segrelles no terminaba de acomodarse. Los compromisos en el Viejo Continente, y algunas discusiones legales con su representante neoyorquino, le hicieron volver a España. Así, en 1932 se retiró a su pueblo natal Albaida donde siguió pintando el resto de sus días.

José Segrelles dibujando en su casa. Imagen cortesía de Casa Museo José Segrelles.

La obra de Segrelles supuso una inspiración para diversas generaciones de artistas neoyorquinos, sobretodo de ilustradores de revistas. Sus influencias siguen siendo notables hoy en día, llegando a cineastas como Guillermo del Toro.

Para más información sobre este tema, cosultar: «José Segrelles y su influencia en la ilustrtación americana contemporánea» .

José Enrique Segrelles Cortina.

“Todo producto cultural debe tener un coste”

Remando en el mismo barco (III) | Testimonios de parejas dedicadas a la cultura
Con los ilustradores Lirios Bou y Pau Valls
Martes 19 de mayo de 2020

La vida se abre paso entre los escombros que ha dejado la pandemia, montañas de pérdidas humanas y económicas imposibles de calcular. Por su propia naturaleza, contumaz y resistente, la vida siempre sigue adelante. Durante las largas semanas, primero de confinamiento y ahora de desescalada —feas palabras que marcarán nuestra memoria—, muchos hombres y mujeres han cruzado ese umbral decisivo que es la paternidad, la maternidad. Lógicamente, se plantean infinidad de preguntas sobre el sentido de traer un nuevo ser a un mundo cada vez más incierto y peligroso. Pero la vida, el amor, se imponen a todas las dudas.

Una de estas parejas es la formada por los ilustradores alcoyanos, afincados en València, Lirios Bou y Pau Valls, que esperan a su primera hija, Jana, en la segunda quincena de mayo. Son jóvenes, pero su amor ha superado la prueba del tiempo porque se conocieron hace ya 15 años en la Escola d’Art i Superior de Disseny de Alcoy, donde Valls cursaba el ciclo superior de Ilustración y Bou acababa de comenzar bachillerato artístico. Poco después se mudaron a València para estudiar la carrera de Bellas Artes.

Ilustración de Pau Valls, por cortesía del autor.

Los dos se dedican a la ilustración profesionalmente, pero en diferentes facetas: “Aunque hemos trabajado para diversos clientes y tipos de encargo, nuestros perfiles difieren ligeramente”, dicen. Valls centra su trabajo en el cómic y la ilustración editorial, mientras Bou se dedica más al libro infantil y a la ilustración didáctica. Debutó hace un par de años como autora de un álbum ilustrado, ‘Ramiro el boxeador’ (Andana Editorial, 2018), por el que recibió el I Premi Llibreries Valencianes 2019 al mejor libro de literatura infantil. Una divertida historia que enseña a resolver conflictos sin violencia a través de las peripecias de Ramiro. Hijo del Tigre de Benicolleja, nieto de la Flaca Pegona, bisnieto de Puño Veloz y tataranieto de los mejores boxeadores del pasado, Ramiro entrena muy duro para colgar su retrato en el ‘Muro de los Campeones’ y que su familia se sienta orgullosa de él. Solo hay un pequeño problema: Ramiro no quiere pegar a nadie.

Por su parte, Valls ha desarrollado su carrera en varios frentes como ilustrador de libros infantiles en Anaya, Ediciones del Bullent y otras editoriales. También en la revista Camaruc. Sus dibujos de trazo limpio y elegante han ilustrado varias portadas de los suplementos de El País y proyectos solidarios como ‘Dibujos por sonrisas’. Como autor de cómic destaca su obra ‘Solo es ficción. Historias cortas en blanco y negro’.

Valls fue seleccionado, en 2008, para la XIII Bienal de Jóvenes Creadores de Europa del Mediterráneo, y para el Quinto Catálogo Iberoamericano de Ilustración, en 2014. Obtuvo el premio en la modalidad de cómic en los Premios Creación Injuve, en 2011. 

“A pesar de que habitualmente trabajamos de forma individual, muchas veces nos es imprescindible el apoyo del otro. Nos corregimos, nos damos ideas, sugerencias…, aunque debemos confesar que no siempre nos hacemos caso. Con la llegada del bebé nos hemos visto obligados a compartir estudio en casa y eso facilita esa interacción mientras trabajamos. ¡Por suerte nos llevamos muy bien y nos gustan estilos musicales parecidos!”

Ilustración de Lirios Bou, por cortesía de la autora.

A la crisis económica que inquieta a todos, en su caso se suma la preocupación de traer una persona al mundo en estos momentos tan inciertos. “En lo personal ha sido duro no tener cerca a la familia por el estado de alarma. En lo profesional, por suerte, no hemos notado todavía un gran golpe, pero sí hemos renunciado al descanso por maternidad/paternidad, y estamos aceptando encargos por miedo a que en el futuro próximo no vengan otros”.

Este último año, Bou ha compaginado su trabajo como ilustradora con su puesto en el departamento comercial de Edicions Bromera. “Esto nos permite afrontar la crisis con mayor tranquilidad, ya que dedicarse exclusivamente a la ilustración implica vivir en una inestabilidad económica constante”.

Sobre las medidas que debería implementar el Gobierno en el ámbito de la cultura, consideran “que cada sector tiene sus peculiaridades y cada uno necesitaría un tipo de ayuda diferente”. Sin embargo, “es indiscutible que una de las medidas más urgentes para todos los creadores, que ya lo era antes de esta crisis, es la regulación de la cuota de autónomos en función de los ingresos. Sería importante también desarrollar el ‘Estatuto del Artista’ y del ‘Trabajador Cultural’, un proyecto muy necesario en el que los creadores habíamos depositado muchas esperanzas”.

“Por otro lado”, añaden, “se debería crear conciencia de que todo producto cultural tiene un coste. Durante este período de confinamiento han sido muchos los creadores que han cedido obras desinteresadamente y sería muy triste que este acto de generosidad devaluara aún más nuestro trabajo de cara al futuro”, concluyen Bou y Valls.

Lirios Bou y Pau Valls. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco