Seis artistas comparten residencia en el C3A

C3A Centro de creación contemporánea de Andalucía
C/ Carmen Olmedo Checa s/n
Córdoba
Hasta el 2 de febrero de 2020

Seis artistas, seis proyectos, un espacio común. La secuencia de apellidos que recoge el título de la exposición da cuenta de su idea central: atender a la singularidad de los proyectos realizados por los artistas que han estado en residencia en el C3A.

Una de las piezas de gran formato de Cristina Ramírez. Imagen cortesía C3A

Una residencia es un laboratorio donde ensayar nuevos procesos y un lugar de encuentro donde establecer nuevas alianzas. Estar en residencia supone tomar distancia con respecto a la propia obra y abrir un tiempo de reflexión y experimentación. En última instancia, los proyectos presentados hacen patente su empeño común por hacer del arte un espacio de pensamiento propio.

Una de las piezas de gran formato de Marta Beltrán. Imagen cortesía C3A

Los dibujos de Marta Beltrán llevan a cabo una lectura sintomática de las imágenes de la mujer en la cultura moderna. Beltrán se apropia de imágenes del cine y la literatura con el fin de hacer emerger el inconsciente que atraviesa los rostros, los gestos y los escenarios. Crisis, el proyecto elaborado por Paco Chanivet, aborda la idea central del género del horror, el miedo a la existencia de un mundo totalmente desconocido, mediante la transformación del espacio expositivo.

Pieza de Paco Chanivet. Imagen cortesía C3A

Los trabajos de Paloma de la Cruz continúan su exploración de la identidad a partir de las culturas materiales de la higiene corporal y la ropa íntima. Paños de abluciones consiste en una serie de esculturas cerámicas decoradas con motivos de lencería.

Instalación de Paloma de la Cruz. Imagen cortesía C3A

El proyecto reciente de Enrique del Castillo investiga las características tímbricas del sonido óptico, es decir, el sonido que se produce cuando una célula fotosensible lee las opacidades de una película fílmica en movimiento y, mediante un altavoz, las traduce a sonidos.

Instalación de Enrique del Castillo. Imagen cortesía C3A

Antonio R. Montesinos presenta una obra que privilegia la idea del cuidado no sólo entre seres de diferente naturaleza, sino entre seres naturales y elementos artificiales.

Instalación de Antonio R. Montesinos. Imagen cortesía C3A

Los paisajes oceánicos que Cristina Ramírez exploran la incapacidad para articular una respuesta frente al horror.

A la derecha, uno de los océanos de Cristina Ramírez. Imagen cortesía C3A

Ramírez aborda esta imposibilidad a través tanto de la histórica hostilidad que el ser humano siente frente al océano como de la violencia que los elementos abstractos ejercen sobre el ámbito de la representación.

Por su parte, Antonio R. Montesinos ejercerá de comisario en «Between debris and things» colectiva que el Centre del Carme Cultura Contemporánea de València inaugurará el 14 de febrero de 2020, y que ha sido uno de los proyectos seleccionados para el programa de comisariado V.O. del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

En cuanto a Paco Chanivet, es uno de los últimos fichajes de Espai Tactel y se estrena en la galería con una exposición colectiva que se inaugura el 24 de enero del presente 2020 en Valencia.

Y por otro lado, las dos artistas que aportan dibujo a la muestra, Cristina Ramírez fue la ganadora de la II edición del Premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA, mientras que Marta Beltrán lo fue de la III edición.

Javier Sánchez Martínez

La Historia Natural, no lo es tanto

Ernesto Casero.
‘Una Historia no tan Natural’
Comisariada por Laura Benítez Valero
CCCC Centre del Carme Cultura Contemporània
Calle Museo, 2.
València
Hasta el 2 de febrero de 2020

‘Una historia no tan natural’ de Ernesto Casero, es uno de los proyectos seleccionados por ESCLETXES, convocatoria de apoyo a la investigación y la producción artística para individuos o colectivos dedicados a la creación contemporánea (Generalitat Valenciana, Consorcio de Museos) que se ocupa de propuestas que están en vías de investigación y necesitan un impulso económico para su producción. Según las bases de dicha convocatoria, los proyectos deben tener como objetivo experimentar e innovar en el ámbito de la creación. En este caso, se trata de uno de entre los seleccionados (seis en dos años).

Realizado minuciosamente por Ernesto Casero (Valencia, 1977) con la solvencia que atesora tanto en lo que se refiere a técnicas diversas para el dibujo como a la hora de trabajar el concepto, Casero afirma que en la cuna de la civilización judeocristiana, la vieja Europa y sus colonias, -a lo largo de los de siglos- siempre se ha referido al resto de especies animales como a “La bestia frente al hombre”  en contraste con la idea de que todas las criaturas del planeta son, en este sentido, como los humanos: sencillamente seres vivos, aunque diferentes, con los que compartir y mantener el equilibrio del hábitat.

«Una historia no tan natural» de Ernesto Casero. Imagen parcial de la exposición. Fotografía, Vicente Chambó.

Así, al entrar en sala se percibe la inevitable llamada a una reflexión sobre la idea del sometimiento de las especies animales frente a la convivencia y respeto hacia el resto de estos seres por parte de los humanos, todo ello después de indagar en la base histórica, espiritual, cultural y social de los diferentes pueblos, sus tradiciones y singularidades.

Para sumergirse en esta “Historia Natural” que oportunamente plantea estas diferentes formas de relación con la Naturaleza, Casero ha creado y se apoya en piezas a modo de instalación y esculturas que lucen en el centro de sala, además de los dibujos –algunos- producidos a partir de collages analógicos que ponen de manifiesto un proceso lento, elaborado trazo a trazo, con el que el artista plantea que “Dios crea a los animales y las plantas para que los humanos los utilicen en su cultura patriarcal”, según transmite la Biblia, en contraste con culturas de creencias animalistas, en las que se pone de manifiesto que el resto de las especies de seres vivos de la naturaleza reciben tratamiento de parentesco con respecto a los humanos: hermano, primo, tío, incluso madre.

Así, resulta interesante indagar en cuestiones propias de diferentes etnias y pueblos con las mencionadas tradiciones animalistas, como por ejemplo la del pueblo asháninca, el más extendido y numeroso de la Amazonia, que no dispone en su vocabulario de una palabra para definir a “la naturaleza” pero en cambio, si contempla dar a los animales el referido trato de parentesco que en la tradición fabulística oral está tan presente al referirse a otras especies: “hermana serpiente”, “hermana tortuga” o “tío tigre”, por ejemplo, costumbre presente también en la tradición oral Bön, animista,  tibetana y milenaria.

Y entrando en este territorio reflexivo en referencia al trato de parentesco, Casero cita a Jeremi  Narby,  antropólogo  que indaga sobre la inteligencia en la naturaleza y se refiere a las etnias que contemplan a los animales como parientes, con lo que a modo descriptivo, dicha relación sí está presente incluso en las construcciones verbales y gramaticales de estos pueblos, cuya supervivencia ha ido en descenso demográfico de manera inversa a la colonización de Occidente, que siglo a siglo, los ha ido marginando, probablemente porque se mimetizan y conviven con la naturaleza de forma no invasiva, muy al contrario de lo que la idea colonial ha representado para los viejos pueblos de Europa.

Ernesto Casero plantea otras formas de contar la historia natural con dibujos y piezas escultóricas. Centro del CarmenCultura Contemporánea. València.
‘Una historia no tan natural’ de Ernesto Casero. Grafito y carboncillo sobre papel. Fotografía, Vicente Chambó.

Llama la atención también, el planteamiento que propone ‘Una historia no tan natural’ en el punto del eurocentrismo llevado al extremo por la exhibición de piezas de taxidermistas en los museos de historia natural, que en el inconsciente común, lucen a modo de trofeo de la mano del todopoderoso hombre dominador de la Bestia. 

Cuando un hombre quiere matar un león, se llama deporte; cuando un león quiere matar a un hombre se llama ferocidad”

George Bernard Shaw

Reflexiva propuesta expositiva en la que el preciosismo del dibujo supera la excelencia de la fotografía para contar otro relato no escrito sobre esta historia no tan natural, la que se refiere a la relación de los humanos con el resto de seres vivos, cómo se ha escrito y de qué manera se imparte desde la docencia.

Vicente Chambó

‘El día más corto’ se hizo aún más corto


La ruta más corta
Día internacional del cortometraje
Granissat Estudi Creatiu
Calle Lepanto, 14, 46008 València
21 de diciembre de 2019

L’ Estudi Granissat de València acoge seis cortometrajes de animación durante el día más corto del año, en este caso, fue el sábado 21 de diciembre. De hecho, el festival recibe el nombre ‘El día más corto’ justamente por esta razón de coincidir con el solsticio de invierno.

Durante la velada, tanto los más pequeños como los propios adultos disfrutaron de una serie de cortometrajes de animación y diseño gráfico que pretendían educar en valores, divertir y, sobre todo, que todo el público encontrase la moraleja.

Niños y adultos disfrutando de la proyección de cortometrajes. Fotografía: Irene Valdés.

Desde personajes fabricados con cartón y papel, hasta otros diseñados con tecnología digital, se mostraron historias de todo tipo que dejaron a los más pequeños con ganas de más, y a los adultos, pensativos.

Entre sus autores encontramos a la directora Rosa Peris que, con su hermana, Mercedes Peris, dieron a conocer el proyecto que estuvo a las puertas de la nominación de los Goya, y en el que se aprecian los movimientos de sus personajes realizados con lápiz en combinación con herramientas de programas de edición y animación. En este cortometraje no hay diálogo entre personajes ni voz en off, pero simplemente, no la necesita, los bocetos y escenas que la componen hablan por sí solos, aparte de la música que acompaña y los efectos de sonido que la caracterizan.

Fotograma del cortometraje ‘Tututu’, de las autoras y hermanas Rosa y Mercedes Peris. Fotografía: Irene Valdés.

Otro de los cortometrajes, de Andreu García, bajo el título ‘La ballena y la gambita’, está realizado mediante materiales que podríamos encontrar cualquiera de nosotros por casa para hacer manualidades, y pretende enseñar varias lecciones. La primera de ellas, que con cualquier objeto o material, podemos crear un teatrillo; y que a pesar de que las personas seamos de una forma con determinado carácter, se puede cambiar y mejorar la actitud y comportamiento, y por último, que tu peor enemigo puede convertirse en tu mejor aliado y compañero de aventuras.

Asimismo, mediante el cortometraje perteneciente a Silvia Mañes titulado ‘Cazando gamusinos’, nos damos cuenta de que la familia es lo más importante y que, a pesar de que a veces tengamos que sufrir acontecimientos que no nos gustan, estando juntos siempre saldremos adelante. Mediante imágenes de animación, vemos como un niño intenta cazar gamusinos y, no solo eso, sino que también lucha contra ellos para poder recuperar el colgante que su padre tiene igual que él.

Por otro lado, ‘El camello Kabul’, de Andreu García muestra mediante materiales tan sencillos como lo son el papel, el cartón o el fieltro, entre otros, y con técnicas de papiroflexia, una buena cantidad de moralejas. Ejemplo de ellas es que cuando una persona se burla de otra lo hace por envidia o indiferencia; que cuando te propones hacer algo y lo intentas día tras día, consigues tu objetivo. Por último, también refleja la importancia de la familia, no solo en personas, sino también en animales, concrétamente en camellos.

Fotograma del cortometraje ‘El camello Kabul’, de Andreu García. Fotografía: Irene Valdés

Del mismo modo, en ‘Bita y Cora’, un corto de Vicente Mallols, se muestran niños, animales y extraterrestres, además de las nuevas tecnologías a través de personajes aparentemente hechos con plastilina. El objetivo de la protagonista es ir al planeta Ciruela para hacer nuevos amigos y explorar nuevos lugares, pero se quedan sin energía en la nave. Sin embargo, aparecen los “elms’’, de los que podemos decir que tienen luz propia, tanto literalmente porque brillan, como porque ayudan en todo momento a la niña a conseguir energía de una piedra preciosa, y se hacen amigos. Aquí vemos como un desconocido puede aportar inseguridad al principio, pero en cuanto te regala un poco de confianza, puedes considerarle una persona buena que te ofrece su ayuda sin pedirte nada a cambio. 

Mercedes Peris presentando el cortometraje ‘Tututu’. Fotografía: Irene Valdés.

Finalmente, inmersos en fechas navideñas, ‘Vs. Santa’, de Raúl Colomer y Aitor Herrero, fue la guinda del pastel. En este corto vemos como, en Nochebuena, una niña solitaria está jugando en su casa cuando descubre un regalo de Santa Claus. Al rechazarlo comienza una batalla con Santa, que intentará con todas sus fuerzas que la pequeña acepte un regalo. Tras el destrozo de toda la casa de la niña y la tristeza que siente Santa Claus, éste último le da el mejor regalo que ella podría tener: estar con su padre -que es piloto de avión- durante las navidades. Sin embargo, este acto tan aparentemente bonito… traerá consecuencias algo adversas, pues ¡es Santa quien pilotará los aviones!

Sin duda, el día más corto del año se hizo aún más corto, y eso sí: largo en didáctica, pues la gente de diversas edades pudo disfrutar de una actividad diferente que lleva aparejada una sonrisa. La recompensa llegó en forma de fuertes aplausos para los creadores de los cortometrajes.

Irene Valdés

75 recomendables discos del 2019

Como viene siendo costumbre, otro año más desde Makma no queremos que pase el 2019 sin dejar una serie de recomendaciones discográficas por parte de quien ha estado durante todo el año escribiendo y publicando sobre la más reciente cosecha musical.

Por encima de todo me gustaría remarcar en el ámbito anglosajón británico a Michael Kiwanuka y en el americano a Ezra Furman, ambos con dos estilos muy diferentes pero de enorme calidad e intensidad respectiva, el primero con un estilo más neo-soul y el segundo más enfocado hacia una especie de queer-punk. Y a nivel nacional el donostiarra Rafael Berrio, quien nunca nos falla con obras extraordinarias. Sobre los tres un servidor ha escrito a lo largo del año, tanto en este medio como en el Exile Sh Magazine.

Del notable elenco restante decir que siempre es difícil sintetizar lo más destacable de una añada a nivel musical, que los gustos subjetivos siempre implican parcialidad, que siempre se queda alguien fuera que no debería, pero así he establecido un orden a partir de las sensaciones y emociones recibidas tras la experiencia de muchas horas de audición.

1 – EZRA FURMAN – Twelve nudes (Chicago, USA). Talento y crudeza, todo liberación. Enorme. Obra maestra.

2 – MICHAEL KIWANUKA – Kiwanuka (Londres, Inglaterra). Se consolida definitivamente como lo mejor que hay actualmente de neo-soul.

3 – RAFAEL BERRIO – Niño futuro (Donostia, España). La profundidad lírica del donostiarra no tiene comparación en ningún lugar del mundo.

4 – DAVE KUSWORTH & LOS TUPPER – Cinderella’s shoes (Birmingham, Inglaterra). El británico ha conseguido con los cántabros su mejor disco desde los Bounty Hunters.

5 – WIVES – So removed (New York, USA). Tremendo artefacto con grandes influencias como Lou Reed, Pixies, Sonic Youth…

6 – LAGARTIJA NICK – Los cielos cabizbajos (Granada, España). La desolación, el horror y la barbarie humana en el centro de una obra extraordinaria.

7 – AMY LAVERE – Painting blue (Memphis, USA). Melancolía y armonía en este extraordinario susurro celestial.

8 – THE ROVES – All those freaks (Londres, Inglaterra) . Tesoro británico atípico que desborda melancolía y sofistificación.

9 – DOUG TUTTLE – Dream road (Massachusetts, USA) . Repite con otro excelente artefacto de jangle-pop bucólico y cósmico.

10 – DADDY LONG LEGS – Lowdown ways (New York, USA). Tremendo. Pub-rock y rhythm&blues con el influjo de Flamin Groovies, Dr.Feelgood…

11 – MARK MULCAHY – The gus (Connecticut, USA). El de Miracle Legion y su personal mirada a las influencias de Lou Reed, Rem y Jeff Buckley.

12 – LUTHER RUSSELL – Medium cool (Los Ángeles, USA) . Otra demostración de que es uno de los mejores alumnos de Alex Chilton y de Paul Westerberg.

13 – BETTER OBLIVION COMMUNITY CENTER – Better Oblivion Community Center (Los Ángeles, USA). Mucha química en este dueto formado por Conor Oberst y Phoebe Bridgers.

14 – LOS FUSILES – ¿Quién le escribe al Coronel? (Sevilla, España). Pertenecen a la  mejor escuela rocanrolera nacional, con influencias de Gabinete Caligari o Burning.    

15 – GOSPELBEACH – Let it burn (Los Ángeles, USA). Notables melodías de Brent Rademaker con el complemento del tristemente fallecido Neal Casal.

16 – SON VOLT – Union (Illinois, USA). Nunca falla la calidad en la banda de Jay Farrar, esta vez con mayor activismo y compromiso social.

17 – YOLA – Walk through fire (Bristol, Inglaterra). Exquisito country soul de la vocalista de Phantom Limb, producido por Dan Auerbach.

18 – NEIL YOUNG – Colorado (Toronto, Canadá). El más grande continúa facturando grandes discos y haciendo gala de sinceridad y credibilidad.

19 – ROBERT FORSTER – Inferno (Brisbane, Australia). Nos vuelve a seducir con su misteriosa pureza melódica el antiguo líder de Go-Betweens.

20 – THE DREAM SYNDICATE – These times (Los Ángeles, USA). Nuevo episodio de oscura psicodelia velvetiana en la banda del gran Steve Wynn.

21 – DATURA4 – Blessed is the boogie (Fremantle, Australia). La culminación de una gran trilogía en este proyecto del ilustre Dom Mariani.

22 – DANNY O AND THE ASTROTONES – Introducing… (Londres, Inglaterra). De los mejores discos rockabillys facturados en los últimos años.

23 – CHARLY RIVERBOY – Riverboy (Sevilla, España). Excelente debut en solitario de Carlos Yáñez, paralelo a su banda The Milkyway Express.

24 – STEVE GUNN – The unseen in between (Pensilvania, USA). Mucho talento y calidad en una trayectoria cada vez más asentada.

25 – BANTASTIC FAND – Somebody’s world (Cartagena, España). Folk-rock que dignifica todavía más la herencia de Dylan, Petty, Prine…

26 – BARRENCE WHITFIELD SOUL SAVAGE ARKESTRA – Songs from The Sun Ra Cosmos (Florida, USA). Espectacular homenaje al músico de jazz experimental Sun Ra.

27 – MAD ROBOT – Punk me, kiss me, fuck you (València, España). Rabia, sinceridad, distorsión y melodías adictivas del mejor noise-pop.

28 – THOSE PRETTY WRONGS – Zed for Lulu (Los Ángeles, USA). Orfebrería melódica por el dúo formado por dos ilustres como Luther Russell y Jody Stephens..

29 – NICK ENG – Long shot (Nevada, USA). Melodías dulces y pegadizas, en la línea de Raspberries, Phil Seymour…

30 – MENDIZÁBAL – Disparo revelador (València, España). Indudable calidad melódica y rica lírica en castellano del eusko-valenciano.

31 – GLEN CARDIER – Wild at heart (Sydney, Australia). Incombustible cantautor australiano que podría ser un cruce entre Bruce Springsteen y Willy DeVille.

32 – 091 – La otra vida (Granada, España). Veinticuatro años después han vuelto en estudio con la intensidad de antaño.

33 – THE LEMON CLOCKS – Between time and space (Estocolmo, Suecia). Los sueco-americanos mantienen su brillante línea psicodélica y espacial en este cuarto álbum.

34 – EXFAN – Exfan (Castellón, España). Actitud, crudeza  y cálidas melodías entre el noise-pop, el shoegaze y el post-punk.

35 – PETER PERRETT – Humanworld (Londres, Inglaterra). Otra demostración de que mantiene la llama sagrada de Lou Reed y Tom Verlaine.

36 – THE SEASONGS – Destellos (Madrid, España). Luminosas melodías, contagiosos estribillos, aromas sixties.

37 – EVAN THOMAS WAY & THE PHASERS – Long distance (Oregon, USA). La aventura paralela en solitario del compositor de The Parson Red Heads. Todo armonía

38 – STAR TRIP – Salto al vacío (València, España). Guitarras y voces en perfecta armonía. De la escuela de los escoceses Teenage Fanclub.

39 – THE MUFFS – No holiday (Los Ángeles, USA). Disco póstumo tras la muerte de Kim Shattuck. Todo frescura a pesar de la nota agridulce.

40 – OSCAR BRIZ – El soroll del nostre pas (València, España). Elaboradísimas melodías que demuestran el estado de madurez del compositor de L’Alcudia.

41 – THE LONG RYDERS – Psychedelic country soul (Los Ángeles, USA). El retorno en estudio, 32 años después, de la mítica banda de Paisley Underground.

42 – BB SIN SED – La dirección que no tomo (Barcelona, España). Gran retorno que muestra la vertiente más cruda e inconformista de los catalanes.

43 – ROBYN HITCHCOCK & ANDY PARTRIDGE – Planet England (Londres, Inglaterra). Dos históricos de la new wave perfectamente compenetrados en estas suculentas melodías.

44 – BABY SCREAM – Things u can say to a stranger (Buenos Aires, Argentina). Continúa acumulando grandes canciones el orfebre estilista pop Juan Pablo Mazzola.

45 – CHOCOLATE WATCHBAND – This is my voice (California, USA). Tremendo retorno de la pionera banda de garage y proto-punk.

46 – POPRAVINAS – Willy nilly (Santa Mónica, USA)Powerpop y alt-country entre influencias de The Replacements y Old 97’s.

47 – LOS ETERNOS – Vientos solitarios (A Coruña, España). Muy buen disco de raíces americanas cantado en castellano.

48 – THE GOLDEN RAIL – Sometimes when (Melbourne, Australia). Buen pop melódico en la línea de Go-Betweens, Triffids, Church….

49 – PETER BRUNTNELL – King of Madrid (Kingston upon Thames, Inglaterra). Continúa atesorando grandes y emocionantes melodías.

50 – PAUL ZINNARD – Superfin (Madrid, España). Más canciones repletas de calidad por Carlos Oliver, con el influjo de Petty o Cracker.

51 – THE MAUREENS  – Something in the air (Utrecht, Holanda). Exquisito pop melódico guitarrero en el tercer álbum de los holandeses.

52 – ANA BÉJAR – Everything i say (Jerez, España). Enormes versiones de Nick Cave, Beachwood Sparks, Vic Chesnutt y Donna Summer.

53 – ÒSCAR BRIZ – That old feeling (València, España). Soberbias adaptaciones de clásicos de jazz como Harry Warren, Cole Porter, Nat King Cole…

54 – GERMÁN SALTO – Our lady of the wind (Madrid, España). Pura orfebrería son las nuevas perlas discográficas del madrileño.

55 – ZEBRA HUNT – Trade desire (Seattle, USA). Notable trabajo de jangle-pop que sigue la estela de The Feelies, The Bats, Luna, The Clean…

56 – THE HILL FREQUENCIES – 4000 miles from Mississippi (Málaga, España). Firme promesa de este dúo que practica un hill country blues.

57 – SCOTT GAGNER – Hummingbird (San Francisco, USA). Notables melodías con influencias de The Posies o Elvis Costello.

58 – THE FORRESTERS – About you (Sidney, Australia). Excelsas melodías, preludio de un gran álbum por el histórico Anthony Bautovich.

59 – VIOLENT FEMMES – Hotel last resort (Wisconsin, USA). La banda de Gordon Cano recupera las mejores virtudes de sus primeros tiempos.

60 – THE RUBINOOS – From home (Berkeley, USA). Con la producción de Chuck Prophet estos powerpoperos ganan todavía más en frescura.

60 – THE BOYS WITH PERPETUAL NERVOUSNESS – Dead calm (Glasgow, Escocia). Notables melodías del dueto escocés/español formado por Andrew Taylor y Gonzalo Marcos.

61 – MOTEL MIRRORS – Gotta rhythm (Memphis, USA). Espectaculares revisiones de clásicos por el supergrupo de John Paul Keith, Amy LaVere y Will Sexton.

62 – DAVID WOODARD – Everything in between (Nashville, USA). Gran promesa entre influencias de Teenage Fanclub, Nick Lowe, Elvis Costello…

63 – LE GRAND MIÉRCOLES – Lone gunman theory (València, España). Entre reggae, western y rocksteady ha vuelto este estupendo cuarteto.

64 – THE BLENDOURS – Wrong generation (Iowa, USA). Frescos y contagiosos, entre influencias de Everly Brothers, Buddy Holly o Jonathan Richman.

66 – THE FLESHTONES – Layin’ pipe (New York, USA). Cualquier novedad de los fabulosos de Queens siempre es bien recibida.

67 – GENT DEL DESERT – Això s’ha d’intentar (València, España). Folk-rock muy personal en valenciano, con versiones de Squeeze, Costello, Steely Dan…

68 – THE UNSWEPT – Minor blemishes (Chicago, USA). Notables melodías de esta banda inglesa afincada en Chicago.

69 – ANDREW TAYLOR – Somewhere to be (Glasgow, Escocia). El cantante de Dropkick siempre con sus melodías guitarreras repletas de dulzura y armonía.

70 – FERNANDO GARCÍN – Days of the fall (sin detenerse) (València, España). El trovador valenciano con su particular universo, entre jazz, chanson francesa, folk…

71 – JOE BENOIT – Greetings from Forest Hills, NY (New York, USA). Powerpop melódico con influencias de Matthew Sweet, Weezer, Replacements…

72 – DIESEL PARK WEST – Let it melt (Leicester, Inglaterra). Rock and roll fresco y de calidad, al estilo clásico stoniano.

73 – MOLLY ALPHABET – Broken record (Pennsylvania, USA). Exquisitas melodías que suman con alta nota a la escuela femenina de country.

74 – THE REVERBERATIONS – Changes (Portland, USA). Buen revival de pop psicodélico sixtie con brochazos de garage.

75 – THE DATES – Ask again later (Nevada, USA). Powepop melódico con influencias de Teenage Fanclub, Greenberry Woods, Big Star, Raspberries…

¡Feliz 2020!

Juanjo Mestre

“HAMLET” POR UN SOLO TITIRITERO

“Hamlet” de Bambalina Teatre Practicable
Espectáculo en gira

Después del gran éxito que obtuvieron sus dos montajes más recientes; “La Celestina” y “Fausto”, la compañía Bambalina Teatre Practicable estrenaba el pasado 7 de agosto en el festival Sagunt a Escena “Hamlet”, una de las tragedias shakespeareanas más conocidas.

En la nueva producción, dirigida por Jaume Policarpo, se imponía una considerable limitación técnica al reducir el elenco a un único actor/manipulador, Jorge Valle, que debía asumir la interpretación de los numerosos personajes que recogía la adaptación de Policarpo.

Jorge Valle destacaba por la expresividad de su interpretación; sus manos pasaban de conformar un personaje a otro con una sorprendente agilidad y su voz se adaptaba y modulaba ante una sucesión constante de títeres. Pero la dificultad de mantener durante una hora y media una representación de un ritmo tan trepidante, y de abarcar la manipulación de diez marionetas, se volvía excesiva para un solo actor. De este modo, todo entraba en un cierto código humorístico que desdibujaba necesariamente la carga trágica y la profundidad de la obra y sus personajes. Por otro lado, el considerable esfuerzo físico y psíquico del intérprete, provocaba una especie de angustia en el espectador, una sensación que iba aumentando progresivamente, y que solo parecía acabar con el final de la representación y el descanso del actor.

Fotografía tomada de la representación de «Hamlet» de Bambalina Teatre Practicable.

La escenografía se articulaba como una especie de carrusel giratorio, conformado por una estructura metálica y sencillamente adornado por unas tiras de tela que cubrían el techo. El dispositivo contaba con una especie de barra central de la que colgaban los títeres cabeza abajo, de tal modo que Valle tan solo necesitaba elevarlos y colgarlos de unos enganches superiores para que el público los viera. Jaume Policarpo, también escenógrafo de la obra, nos presenta un mundo giratorio, una estructura que no deja de dar vueltas de un lado a otro entorno a un mismo eje. Es casi un tiovivo, un carrusel en el que no se avanza hacia ninguna parte. Tan solo en ciertos momentos, los personajes pueden salir de esa rueda infernal, e incluso observar su giro desde fuera.

Vista de la escenografía creada por Polisario para «Hamlet».

Durante la representación, eran frecuentes los juegos entre realidad y ficción, se señalaba que aquello que estaba ocurriendo en escena era en verdad una historia, una narración contada por un actor. Este mismo juego está en la obra de Shakespeare, hay una ficción y una realidad que se confunden, que se entremezclan; la ficción es a veces un modo de clarificar y mostrar la realidad, una realidad que es al mismo tiempo un fingimiento y una mentira. Tan solo en un momento, Valle se despega del títere, ya no confiere su voz a una marioneta, a una máscara, ya no hay un rostro que se oculta tras un rostro, es Hamlet dejando la comedia.

Fotografía tomada de la representación de «Hamlet» de Bambalina Teatre Practicable.

La compleja restricción que se impuso Policarpo, a pesar de estar llevada con sorprendente maestría dada la hazaña impuesta, tal vez se volvió un reto de excesivo riesgo, que implicó la perdida de aspectos fundamentales de la obra en favor de una proeza que, al fin y al cabo, tampoco aportaba un valor significativo. Puede que, en un deseo por esencializar la sumamente compleja tragedia shakespeareana, abarcándola desde la simplicidad más absoluta, se haya acabado perdiendo en la esencialidad misma de la obra que tanto se perseguía.

A pesar de todo ello, y como en todas las representaciones de Bambalina que haya podido ver, conseguían momentos de una singular belleza e ingenio. Me fascinaba la forma de aprovechar el espacio y de disponer los objetos en él. Con pocos recursos simulaban un universo rico y complejo; las imágenes se perfilaban en la mente del espectador, mientras que su imaginación se desplegaba al amparo de una representación que estaba cargada de ternura y de verdad.

Sofía Torró Álvarez.

Memoria y olvido en la Bienal de Mislata

Biennal de Mislata Miquel Navarro
Premios Adquisición Mislata 2019
Diciembre de 2019

El pasado viernes 13 de diciembre de 2019 se celebró la presentación de la Biennal de Mislata Miquel Navarro de pintura y escultura en el Centro Cultural Carmen Alborch, y se realizó la entrega de los premios de adquisición a dos de los artistas participantes: el primer premio concedido a Miquel García Membrado y el segundo a Irene Grau, cuyas obras pasarán, ahora, a formar parte de la colección pública del Ayuntamiento de Mislata.

La Biennal tiene como objetivo principal promocionar el trabajo de artistas visuales en activo de cualquier nacionalidad, dando cabida a todo tipo de propuestas. Este año, como en ediciones anteriores, la exposición se centra en el compromiso social en las artes visuales. Sin embargo, incorpora una novedad establecida en las bases del concurso: la reflexión entorno al concepto de memoria y olvido.

Un jurado profesional –formado por Alba Braza (comisaria de la exposición), Isabel Tejero y Ester Alba Pagán– se encargó de la selección de las diez obras (de las 308 presentadas este año) que figurarían en la exposición de esta Bienal. A la hora de escoger las obras, el jurado tuvo en cuenta el curriculum vitae del participante, la calidad artística de la pintura o escultura, la claridad de su explicación, adjuntada en el dosier del proyecto presentado, y la adecuación de la propuesta a la convocatoria.

Sin embargo, se incorporó una novedad metodológica frente a ediciones anteriores, y fue la creación de una delegación ciudadana, formada por habitantes de Mislata, que se encargaba de una parte del proceso de selección. Los ciudadanos que conformaban esta delegación eran de edades diversas y no estaban vinculados al mundo del arte. Así, de las diez obras escogidas, el jurado seleccionó cuatro finalistas y la delegación ciudadana se encargó de escoger las dos obras que recibirían el primer y segundo premio. Para ello, no se siguieron criterios estéticos, sino que se trabajo conforme a qué obras manifestaban una mayor coherencia en su planteamiento y cuales respondían mejor al concepto de memoria y olvido.

‘List of burned Books in Germany in 1933’ (2018), obra del ganador Miguel García Membrane.

La exposición se divide esencialmente en tres bloques temáticos, y entorno a ellos gira la obra de los diez participantes. En primer lugar, la memoria entorno a conflictos bélicos como el Holocausto o la guerra civil española; ejemplo de ello es la obra del ganador Miquel García Membrado, ‘List of burning Books in Germany 1933’, que parte de la lista de libros prohibidos por el régimen nazi en Alemania y quemados en Opernplatz (actualmente, Bebelplatz) la noche del 10 de mayo de 1933. También podríamos integrar en este bloque la obra del grupo Art al Quadrat ‘Les jotes de les silenciades. Mathilde canta a Avelina’, que trata de mostrar la represión que sufrieron las mujeres de líderes republicanos a manos del franquismo, o la obra de Valle Galera ‘Servilletas’, compuesta por ilustraciones que recogen los rótulos de los distintos bares o locales en los que se mantenían relaciones homosexuales durante la época franquista.

Por otro lado, se trató la memoria ecológica, aquellos parajes naturales ya perdidos o aquellos que se están perdiendo. Así, la obra de Irene Grau ‘Sobre lo que resta’ asume como pigmento las cenizas de los árboles que perecieron en los incendios de Galicia y Portugal en octubre de 2017, mientras que la pintura de Josep Tornero ‘Black Tide’ trata los desastres del hundimiento del petrolero Prestige frente a las costas gallegas el 19 de noviembre de 2002. Un caso más cercano a la Comunidad Valenciana es el que retrata Rafael Tormo i Cuenca en ‘Senyal de plenitud, el día després’, que parte de un proyecto de investigación sobre el impacto producido por la Pantanada de Tous en 1982 en las localidades más afectadas, Beneixida y La Llosa de Ranes.

‘Sobre lo que resta’ (2019), obra de la ganadora Irene Grau.

El último bloque temático que encontraremos en la exposición versa entorno a la memoria de género, y trata de visibilizar la labor femenina en distintos ámbitos. Así, encontramos la obra de Davinia V.Reina Dux ‘feminia facti’, que parte de la antigua revista Victoria Press, dirigida por un grupo de protofeministas victorianas, o ‘Pared, vicio y dependencia’, de María José Ribas Bermúdez, donde la artista rememora la fábrica de tabaco de Alicante que, con mano de obra esencialmente femenina, se convirtió en un paradigma de la lucha feminista. Por último, el grupo O.R.G.I.A presentaba una serie de fotografías, ‘Serie Verde’, que investigan sobre la masculinidad y la feminidad del tardofranquismo basándose en documentos gráficos y sonoros de la época.

De este modo, la Bienal de Mislata se propone este año recordarnos aquello que no debemos olvidar, y nos incita a utilizar el arte como un canal a través del cual investigar nuestra propia memoria, individual y colectiva, como medio para construir un futuro diferente.

Sofía Torró Álvarez

Majestuoso Michael Kiwanuka: destacados discos 2019

Artista: Michael Kiwanuka
Álbum: Kiwanuka
Año: 2019
Discográfica: Polydor

Michael Kiwanuka. Imagen de su página facebook

Lo de este británico de ascendencia ugandesa, vecino del Muswell Hill -el barrio de los Kinks-, con influencias musicales dispares que van desde Bob Dylan a Otis Redding pasando por Van Morrison, Radiohead, Bill Withers, Marvin Gaye…, es ya digno de tener muy en cuenta. Tenía todos los focos puestos en su tercer álbum y ha superado este examen con creces, obteniendo la mejor nota posible y convirtiéndolo en uno de los trabajos discográficos internacionales más interesantes del 2019.

Michael Kiwanuka. Imagen promocional con su último disco

Atrás quedan ya los tiempos en que Michael Kiwanuka sorprendió con el folk-soul de «Home again» (2012) o con el bombazo internacional de «Love & hate» (2016) donde certificó la posibilidad de convertirse en un artista de élite y de largo recorrido, compaginando calidad con popularidad gracias a canciones como «Cold little heart», adaptada para la banda sonora de la serie televisiva «Big little kiss», y «Black man in a white world», reconvertida en himno de lucha para la población negra estadounidense.

Portada imagen disco Kiwanuka

Ahora, con una especie de lienzo de un supuesto rey africano en la portada y un contenido asombroso nos desborda emocionalmente y nos induce a pensar de que por fin estamos ante el verdadero monarca de neo-soul.

En «You ain’t the problem», otro indudable hit en su repertorio gracias al cadencioso ritmo de funk, de rythm&blues sixtie y de ese contagioso estribillo de «la la la la la», nos habla del amor que ciega, de malos entendidos en las relaciones sentimentales y de que el tiempo cura el dolor.

Imagen de Michael Kiwanuka en videoclip «You ain’t the problem»

Incide en esa línea de forma más académica con la sensación rítmica de «Rolling», entre aires lisérgicos del R&B sixtie británico que desembocan en una tremenda melodía de tintes gospelianos como es «I’ve been dazed», donde queda bien claro que al final el amor es la respuesta.

Diversos pasajes breves de sofisticada instrumentación dotan en mayor medida a «Kiwanuka» de cierta conceptualidad, sirviendo de introducción a una solemne y sobrecogedora balada como «Piano joint (this kind of love)» con el amor otra vez de bandera contra la presión y contra los enemigos, en «Living in denial» o en ese soberbio e inquietante lamento que es «Solid ground».

Imagen Michael Kiwanuka página facebook

Pero aún queda más. «Hero» es sublime con su guitarra tan Hendrix, además de que apunta a convertirse en otro himno sobre los derechos raciales. Y por último, «Hard to say goodbye», «Final days» y «Light» son las grandes camufladas, auténticas gemas entre arreglos y coros celestiales que sirven para acrecentar la grandeza de este discazo.

Cartel de la gira española 2020 de Michael Kiwanuka

«Kiwanuka» será presentado en España dentro de su gira promocional mundial. Tres fechas del 2020 como son el 12 de mayo en Zaragoza (Sala Oasis), el 14 de mayo en Madrid (La Riviera) y el 15 de mayo en Barcelona (Razzmatazz). Tres oportunidades extraordinarias para disfrutar de este genio en directo. Ahora es el gran momento de verle.

Juanjo Mestre

Desgarrador Ezra Furman: destacados discos 2019

Artista: Ezra Furman
Álbum: Twelve nudes
Año: 2019
Discográfica: Bella Union

Ezra Furman. Imagen promocional del último álbum «Twelve nudes»

A estas alturas de la trayectoria de Ezra Furman pocos dudan de que estamos ante uno de los grandes geniecillos de las últimas generaciones rocanroleras. Dentro de ese recorrido que comenzó en el 2007 acompañado por los Harpoons ha ido madurando con canciones enormes, aunque a la mayoría de álbumes siempre les sobró algo y les faltó homogeneidad.

Portada del disco «Twelve nudes» de Ezra Furman

En base a su talento tenía que llegar tarde o temprano un álbum redondo. Lo que pocos imaginaban y lo que a más de uno puede asustar es que esa masterpiece tuviera como base y esencia el punk-rock. Ojo, «Twelve nudes» no es el típico punk de barrio ni una reproducción de clásicos británicos o americanos en ese estilo, tampoco es grunge o similares. El de Chicago prefiere definirlo como queer punk, un término que me parece muy apropiado debido a diversos factores, desde lo inusual del resultado musical a la identificación con una orientación sexual o expresión de género dentro de la diversidad LGTBI, enfocada a modificar el concepto binario de sexualidad dominante, ese que acaba estigmatizando y discriminando.

Ezra Furman. Imagen videoclip «Thermometer»

Inspirado el título en el poema «El ensayo de cristal» de Anne Carson, su contenido es un auténtico viaje desgarrador, intenso, autorreflexivo y emocional, repleto de ansiedad, temor, rabia y crudeza. Entre las piezas más demoledoras «Calm Down aka I Should Not Be Alone», «»Rated R Crusaders», «Thermometer», «Blown», «My teeth hurt» y «Trauma». Del resto adquiere mayor compromiso social en «Evening prayer aka justice», mayor actitud denunciante en «Transition from nowhere», mayor ironía patriótica en «In America» y finalmente, entre tan suculento material, emerge un imponente himno sobre el amor imposible como es «I wanna be your girlfriend».

Ezra Furman. Imagen videoclip «I wanna be your girlfriend»

Digamos que este candidato a mejor trabajo discográfico del 2019 es un auténtico grito de liberación ante la frustación. Por todo lo expuesto absténganse del mismo los puristas del rock clásico y, muy especialmente, los retrógrados, carcamales, cavernícolas y reaccionarios ultraconservadores que andan tan creciditos en los últimos tiempos. Difícilmente podrían entender la magnitud de esta obra maestra. 

Juanjo Mestre

Estremecedor Rafael Berrio: destacados discos 2019

Artista: Rafael Berrio
Álbum: Niño futuro
Año: 2019
Discográfica: Rosi Records

Imagen extraída de la página de Facebook de Rafael Berrio. En el estudio, con la grabación de «Niño futuro».

Hace poco me vi envuelto en un debate con unos kamaradas (sí, con k, como me gusta denominarles) sobre las virtudes de Rafael Berrio en una década 10 a punto de extinguirse, ya que al menos a nivel musical se tiende a analizar ese bloque cuando cambia la cifra de la decena. Nadie dudaba de la valía, talento e importancia del donostiarra pero un sector pensaba que sus principales valedores exagerábamos.

Como defensor acérrimo de Berrio me encantó que uno de mis más cercanos coincidentes manifestase en la amistosa controversia que tal vez estemos ante el mejor músico de los últimos 10 años. Reflexionando detenidamente después sobre ello llegué a la conclusión de que no me cabe la menor duda. Sí, no conozco ningún compositor, cantante o banda de pop-rock que en los últimos diez años haya parido cuatro estratosféricas obras maestras consecutivas del nivel de «1971» (2010), «Diarios» (2012), «Paradoja» (2015) o el más reciente «Niño futuro» (2019). Y ya no me refiero exclusivamente a España sino a todo el mundillo anglosajón donde más me prodigo. 

Imagen extraída de la página de Facebook de Rafael Berrio. En el estudio, con la grabación de «Niño futuro».

Vayamos a «Niño futuro». Tenía el difícil trance de estar a la altura de una «Paradoja» que, gracias a unas letras existencialistas e influencias musicales de Lou Reed, sedujo tanto a un sector de la crítica especializada como a los más fans, aumentando su popularidad dentro de la geografía estatal, aunque mejor sería hablar de prestigio pues continúa manteniéndose como músico de culto para minorías selectas.

Portada del disco «Niño futuro» de Rafael Berrio

En una admirable evolución Rafa superó el reto y «Niño futuro» apunta a convertirse también en otro clásico nacional que será reconocido en su justa medida con el transcurso del tiempo, donde ha excavado en su universo y donde ha disminuido su aparente crudeza en pro de unas melodías sumamente elaboradas y barnizadas de un sofisticado pop-rock. 

Imagen extraída de la página de Facebook de Rafael Berrio. Actuación de Rafael Berrio

La poesía de la perdición en «Dadme la vida que amo», la deriva personal en «Considerando» con el acompañamiento femenino de Virginia Pina, el examen interior en «Mi álbum de nubes del cielo», el absurdismo de «Sísifo releva a Sísifo», el estremecedor duelo de «Tu nombre», la mística de «Abolir el alma» con otra compañía femenina como Elena Setién, la negrura onírica de «El horror», las intimidades de «Las tornas cambian», el inmenso catálogo revuelto de «Niño futuro» y ese descubrimiento infantil sobre la magia en «El truco era un resorte» son argumentos suficientes para reconocer que estamos ante otro portentoso artefacto sónico de nuestro letrista más culto y más peculiar.

Como dijo otro buen amigo deberían quemar todos los libros actuales de historia de la música pop donde no aparezca Berrio. La década 10 ha sido la suya. Larga vida a Rafael Berrio.

Juanjo Mestre

El metro de València da la nota


El metro de València da la nota
Espectáculo musical en la parada de metro de L’Albereda
Interior de la entrada a la estación de Alameda
Passeig de L’Albereda
Domingo, 24 de noviembre de 2019

Hace unos días, los usuarios del metro quedaban sorprendidos por el regalo que recibían sus sentidos al encontrarse sin saberlo con un espectáculo en el subsuelo. Se trataba de un regalo tanto visual como sonoro que ponía de manifiesto el culto a las bandas de música, y al arte de acción que se profesa en estos lares. Y es que el Concierto para trenes de metro y banda es una especie de fusión con base de instrumentos clásicos, pero con mucha vocación experimental. El sonido de los andenes con público, el espacio acústico propio del metro subterráneo arqueado, las puertas que abren y cierran y todo combinado bajo la batuta de un músico polifacético como lo es Ferrer-Molina, que como los genios invisibles, firman de varias maneras y con varios nombres dependiendo de la línea de composición que realiza, y para quien los trenes emiten un «Re» sin que los afinen para ello.

El director y compositor Ferrer-Molina en plena acción. Fotografía de Nacho Ruiz.

Así fue, producido por Troppemedia con el apoyo del Instituto Valenciano de Cultura, la Diputació de València, Mostra Viva del Mediterrani, Metrovalencia y Turismo València, cincuenta músicos de la Banda de Picanya recorrieron la estación y las líneas del metro realizando una exploración acústica de un espacio público, donde el sonido de los trenes forma parte de la composición.

Músicos tocando en el metro de Alameda, Valencia – Fotografía de Consuelo Peris.

La cara de sorpresa, sonrisas y muecas sobre todo de usuarios del metro extranjeros resultaba ser un ingrediente añadido a la combinación de música inédita en espacio público, coreografía, intérpretes del más alto nivel y el arraigo a las bandas de música propias y vecinas, y que ciertamente daba la sensación de participación de la ciudadanía en un proyecto vanguardista, fresco, innovador y muy identificativo. 

Los músicos de la Banda de Picanya tocando sus instrumento cara a cara, andén con andén. Fotografía de Nacho Ruiz.

‘Concert per a Trens de Metro i Banda’ es una obra site specific para la estación Alameda de Metrovalencia, que ese día aprovechó las cualidades acústicas y lumínicas de la propia estación, integrando los sonidos cotidianos de los trenes y el sonido ambiente en la partitura que interpretaron los músicos.

Músicos reunidos con sus instrumentos y el público a su alrededor – Fotografía de Consuelo Peris.

La afinación de los trenes en RE fue el punto de partida sobre el que se añadió todo el espectro armónico, escalas pentatónicas, etc. Los glissandi de los trenes se fundieron con los de los instrumentos musicales, y viceversa. 

La pieza musical tuvo una duración de 25 minutos, durante los cuales los músicos se apearon escalonadamente en los andenes de la estación, tocaron su instrumento y desaparecieron para reaparecer más tarde en otro andén.

Los asistentes únicamente necesitaron un billete de metro para entrar en la estación y disfrutar del innovador espectáculo musical.

Parada de metro de Alameda, Valencia – Fotografía cortesía de Consuelo Peris.

Irene Valdés