Un encuentro abierto de fotografía

Festival Santander Photo
Fundación Santander Creativa. Enclave Pronillo
C/ General Dávila, 129A. Santander
Del 19 al 28 de mayo de 2017

La quinta edición de Santander Photo, que del 19 al 28 de mayo se celebra en la sede de Fundación Santander Creativa, se propone un año más el objetivo de intercambiar ideas y acercar a profesionales y aficionados de la fotografía diversas propuestas. Durante nueve días, los asistentes podrán disfrutar de charlas y talleres, ademas de conocer el ganador del concurso de fotoproyecciones que, este año, celebra su tercera edición.

David Linuesa. Santander Photo 2017.

David Linuesa. Santander Photo 2017.

El festival arranca con la conferencia del valenciano David Linuesa que tiene lugar hoy viernes 19 a las 20.00 horas en Casyc. El fotógrafo valenciano también será el encargado de impartir el primer taller de esta quinta edición bajo el título ‘El multimedia fotográfico. Proceso de lectura, creación y relación en fotografía, audio y vídeo’, que se centrará en mejorar la comprensión del lenguaje multimedia.

On abortion, de Laia Abril. Santander Photo 2017.

On abortion, de Laia Abril. Santander Photo 2017.

El viernes 26 se reanudarán las actividades de la mano de Laia Abril, fotógrafa y editora de la revista Colors Magazine, quien ofrecerá una charla en el Mercado de Miranda,  cuyo  eje central será su trabajo ‘On abortion’, incluido en la serie ‘Una historia de misoginia’, en la cual Abril expone una comparativa de distintas realidades relacionadas con la feminidad y la sexualidad a lo largo de la historia. Al día siguiente, la catalana impartirá el taller que durará todo el fin de semana durante el cual los asistentes podrán aprender todo acerca de la edición creativa de proyectos.

Algunos de los participantes en Santander Photo 2017.

Algunos de los participantes en Santander Photo 2017.

El 27 de mayo, en Enclave Pronillo, Raúl Hevia impartirá la ponencia ‘Leyendo libros’ en donde reflexionará sobre el mundo de los fotolibros. El asturiano afincado en Santander ha expuesto su obra en ferias tan importantes como MIA Fair o ARCO, aunque también destacan sus exposiciones individuales en el Museo de Arte moderno y Contemporáneo de Santander o en la galería pazYcomedias de Valencia, entre otros lugares. Tras la charla, se proyectarán los trabajos finalistas del tercer concurso de fotoproyecciones de entre los cuales se seleccionará al ganador.

El festival se clausurará el 28 de mayo con el taller práctico ‘Perfecta fotografía imperfecta’, impartido por el santanderino David Montero. El artista compartirá sus conocimientos con los alumnos con el objetivo de lograr que sus fotografías vayan más allá, sin quedarse en el mero aspecto técnico.

Santander Photo es un vehículo para ir más allá y descubrir nuevas formas de hacer, difundir y promover la fotografía, un lugar en donde descubrir artistas y mostrar proyectos, en donde los asistentes puedan conocer otras formas de proyectar sus ideas. Para más información: https://www.santanderphoto.es/

Cartel con el programa de Santander Photo 2017.

Cartel con el programa de Santander Photo 2017.

Danae N

Lo bello y lo triste de Máscara Humana

(Sin título) Máscara Humana, de Pierre Huyghe
(Untitled) Human Mask: Película en color, con sonido estéreo, 19 min.
Museo Guggenheim
Abandoibarra Etorbidea, 2. Bilbao
Hasta el 16 de junio de 2017

‘(Sin título) Máscara Humana’, la obra cinematográfica del creador interdisciplinar Pierre Huyghe, toma como referencia un breve video doméstico de youtube titulado ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’ En él se muestra cómo un macaco disfrazado con una máscara blanca, semejante a las del teatro Noh, con peluca y con un vestido de niña, sirve las mesas para deleite y regocijo de los clientes del restaurante Kayabuky al norte de Tokyo. El restaurante, una tradicional casa de sake, emplea a dos monos, Yat-chan y Fuku-chan, como camareros, en concreto el macaco del vídeo es Fuku-chan. (https://www.youtube.com/watch?v=JzZz9geEBjo)

Pierre Huyghe, como ha declarado en varias entrevistas, quedó fascinado, tras ver el video, por el espíritu, la rareza y la ambigüedad de cómo los humanos y los animales se relacionaban. Gran parte de la obra de Huyghe está atravesada por una perspectiva biológica, antropológica y entomológica. De tal modo que sus representaciones artísticas, desde las instalaciones hasta sus exposiciones, se conforman como biotopos donde observar la estructura, el funcionamiento, la distribución y la relaciones entre los seres vivos que los habitan.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

En estos espacios, humanos, animales, plantas, etc… se presentan, se desplazan, como imágenes oníricas, a veces siniestras, con máscaras que aluden a la metamorfosis y al antropomorfismo. Sólo traer a colación algunas de sus obras, como son las películas: ‘Streamside day follies’ (2003) y ‘The host and the cloud’ (2010), donde humanos y animales están caracterizados por máscaras, y ‘A way in untitled’ (2012), donde una de las esculturas del jardín (Untitled. Liegender Frauenakt) es un cuerpo de mujer desnudo con una cabeza cubierta de avispas y hormigas, y un galgo, llamado Human, que deambula con una pata pintada de rosa. Un galgo que, al igual que en el video, deambuló, como si fuese un visitante más, por el Centro Pompidou en la  retrospectiva dedicada al artista en el  2013.

La fuerza de la obra de Pierre Huyghe, como sugiere Jean Baudrillard, surge de “haber comprendido …(que) las imágenes se han convertido en máscaras de una forma de ventrílocuo universal”. La máscara, como imagen o como reflejo del “otro” -animal o humano, real o ficticio-, es el artificio a través del cual este artista francés lleva cuestionando y reflexionando acerca de las ceremonias y rituales sociales, la repetición y la alienación de los modos de trabajo, los ciclos de la naturaleza, la complejidad de la inteligencia y comunicación no humana, tal y como declaran con unanimidad los críticos y comisarios de sus exposiciones.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Esencia poética

‘(Sin título) Máscara humana’ no sólo tiene como referente de inspiración el video casero de youtube ‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, tal y como ya hemos apuntado, sino que además establece relaciones intertextuales con él. La obra de Huyghe alude de manera explícita e implícita a elementos narrativos del texto de youtube: las acciones mostradas, el protagonista y su caracterización -el macaco Fuku-chan-, así como el espacio donde se ubica. Ahora bien, la película de Huyghe se eleva, a modo de asunción, por encima de esas reminiscencias narrativas.

La película ‘(Sin título) Máscara humana’ exhala una esencia poética que la hace digna de estar en la sala de un museo. Una esencia poética que proviene “no de la cosa presentada, sino de su representación”, tal y como el crítico cinematográfico André Bazin se preguntaba en su libro ‘¿Qué es el cine?’ Una representación que surge de la plástica de la imagen y de la metáfora creada por el  montaje.

‘Fuku-chan monkey in wig mask, works restaurant!’, el video de youtube, sólo presenta un suceso de la realidad, mientras que  ‘(Sin título) Máscara humana’ representa ese suceso ante la pantalla con vuelo estético. Un vuelo estético dibujado con el trazo, por una parte, de una cámara que se desliza sigilosamente tras los pasos abruptos y torpes del protagonista, Fuku-chan, y que se va deteniendo para no interferir en sus constantes y repetitivos movimientos, a la distancia prudente que cualquier biólogo mantendría ante la especie observada; por otra, de una iluminación acuosa y verdosa, con tonos claroscuros, que simula el escenario de un sucio acuario; y, por último, de un montaje visual y auditivo que evoca soledad, incertidumbre, melancolía,  miedo, desolación.

‘Lo bello y lo triste’, título de la novela del  escritor japonés y Premio Nobel de literatura Yasunari Kawabata, concentra de manera poética la esencia de la película de Pierre Huyghe. La belleza de las imágenes provoca un sentimiento siniestro al desvanecerse los límites entre lo humano y lo animal, entre lo real y lo ficticio, entre lo animado y lo inanimado. Todo se fusiona. La máscara, de teatro Noh, borra la animalidad de Fuku-chan. El espacio desolado del interior y el exterior del restaurante, a causa del terremoto de Fukushima, desvanece los límites de lo animado, de la realidad, para con-fundirse con lo inanimado, de la ficción.

'(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Un sentimiento siniestro que, obviamente, connota cierta  melancolía.  Una tristeza que, al igual que la obra de Kawabata, perturba al hacer visible que la máscara humana no cubre la angustia de la vida. Un sentimiento que la obra de Pierre Huyghe concentra en el primer plano de los ojos de Fuku-chan que se atisban tras la máscara. La última imagen bella y triste de ‘(Sin título) Máscara Humana’.

Fotograma de '(Sin título) Máscara Humana', de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Fotograma de ‘(Sin título) Máscara Humana’, de Pierre Huyghe. Museo Guggenheim Bilbao.

Begoña Siles

Adelantado se engalana de nuevo

‘Plasma Pool’ de Folkert de Jong, ’Tristes Topiques’ de Ting Ting Cheng y ‘Why Animals Travel’ de Fuentesal & Arenillas
Galería Luis Adelantado y Boiler Room
C/ Bonaire, 6 Valencia
Inauguración: miércoles 25 de enero, 2017, a las 20h

La galería Luis Adelantando vuelve a apostar por una triple apertura donde podremos disfrutar de tres interesantes proyectos artísticos entre los que se establecen relaciones creando así un recorrido expositivo interesante y que no nos dejara indiferentes.

En primer lugar, presentan ‘Plasma Pool’ el nuevo proyecto de Folkert de Jong en el que nos habla del concepto de colisión entre el hombre y la naturaleza. Esta relación se refleja —según el artista—, en las historias de ciencia ficción, y la inteligencia artificial. Se trata de una propuesta en la que se mostrarán una serie de esculturas en bronce, con referencia al cuerpo humano, se presentarán algo distorsionadas, modeladas por el bronce caliente, dado su paso por la fundición. En diálogo con estros fragmentos de vida, encontraremos animales de un bronce dorado impoluto, en un ejercicio cargado de sinergias.

De Jong otorga una fuerte carga simbólica y de significado a estas obras. El oro, como metal precioso que posee un estatus superior sobre el resto de metales, simboliza en ellas la pureza y la inmortalidad. Pero, también nos mostrará la otra cara de la moneda; representando a su vez, el egoísmo humano y la explotación.

En esta relación de extremos, el artista encuentra la oportunidad de resucitar una nueva obra que viene de lugares dispares, como el ave fénix. Los animales dorados emergen como vencedores sobre un mundo material, destrozado por la violencia humana.

En diálogo con las esculturas, encontramos dibujos, que giran en torno a la idea de conflicto, la colisión y la interferencia. Algunos de ellos dirigen nuestra mirada hacia lo infinito, en alusión a la red de constelaciones que pueblan el universo. Otros, nos recuerdan en su complexión a unas súper dimensionadas manchas de Rorschach, que manifiestan el encuentro directo entre el cuerpo y la tinta, como medio artístico.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Plasma Pool de Folkert de Jong. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

En segundo lugar,  podremos observar ‘Tristes Tropiques’ la segunda exposición individual de la artista taiwanesa Ting-Ting Cheng. La exposición incluye los más recientes trabajos de la artista, que fueron realizados durante una residencia artística en Brasil, entre los años 2015 y 2016.

El título de la muestra es homónimo al del libro Tristes Tropiques del antropólogo y estructuralista francés Claude Lévi-Strauss, publicado en 1955, quien documentó su viaje a Brasil, donde realizó una serie de destacados estudios de antropología. A pesar de su formato de diario de viaje, el libro explora su interés por la filosofía, la sociología, la geología y la historia de Sudamérica, a través de una perspectiva antropológica europea.

Durante su estancia en Brasil, Cheng se influenció e inspiró en los análisis críticos que Lévi-Strauss realizó del país. Irónicamente, encontró una conexión entre la colonización y la antropología. En sus constantes viajes de una a otra punta del país, se evidencia la intención de atrapar el momento, de conocer la cultura en primera persona.

En conclusión, Cheng genera su propia guía de viaje a través de su propuesta artística, en la que podemos encontrar fotografía, vídeo, pintura e instalación, a través de los cuáles examina los conceptos de viaje, sur, conocimiento, ficción y resistencia, trazando un recorrido tanto del país, como de su relación con él.

Y por último, en la siempre innovadora sala Boiler Room se expondrá ‘Why Animals Travel’ de los andaluces Fuentesal & Arenillas. Se trata de un proyecto de investigación basado en su experiencia dual como creadores de forma antagónica, y el estudio de la traslación. Del dibujo expandido y de su desterritorialización. Trabajando con materiales propiamente destinados al dibujo, los cuáles son despojados de su función original y dotados de un nuevo concepto, manteniendo el paralelismo de la materia pero desplazando todos sus componentes a un nuevo territorio.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

Why Animals Travel de Fuentesal & Arenillas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado.

‘Why Animals Travel’ describe los desplazamientos periódicos de su trabajo artístico, ciclo experimental y búsqueda constante. Narran la realidad adquirida por su proceso de vida, viaje, trabajo, tiempo, formación, como reflejo de su momento actual. Les interesa la idea de adaptación, desterritorialización y holismo.

Hablar de la desterritorialización les remite necesariamente a la obra de dos filósofos: Gilles Deleuze y Felix Guattari, quienes utilizan éste concepto en su filosofía, y para los cuales, tiene un sentido especialmente positivo: la apertura para lo nuevo, la línea de fuga como momento de salida de una antigua territorialidad y de construcción de un territorio nuevo.

Doce artistas transitando por doce Sendas

Sendas. Exposición colectiva
Galería Fariza
C / Urkijo, 27. Las Arenas (Vizcaya)
Hasta el 20 de octubre

La galería Fariza dio la bienvenida al mes de octubre con la exposición colectiva  Sendas. Clemente García, Dolores de Loma, Iñaki Torres, Fuensanta Ruiz Uríen, José Luis Pacheco, Lucía Higueras, Luis Pardo Martínez, José Luis Flórez de Uría, Miguelina Roldán, Rovira Rusiñol, Wakizashi y Juan María Estancona son los protagonistas de esta exposición. Doce artistas, doce estilos, doce formas de ver una misma realidad.

Las obras, de dimensiones variadas, se entremezclan en un pequeño espacio, en donde el visitante puede sumergirse en diferentes universos, tan distintos como sus artistas.

Inauguración de 'Sendas' en la galería Fariza. Fotografía: Danae N.

Inauguración de ‘Sendas’ en Fariza. Imagen cortesía de la galería.

Esculturas y pinturas de todos los estilos conviven en una galería pequeña que cuenta con pocos meses de vida pero que busca concentrar diferentes puntos de vista en un solo lugar.

Paisajes y retratos, mar y tierra, realidad e interpretación, colores y texturas…una combinación de elementos con la que se busca representar aquello de en la variedad está el gusto.

Obra de Iñaki Torres en la exposición 'Sendas' de la galería Fariza.

Obra de Iñaki Torres en la exposición ‘Sendas’ de la galería Fariza.

Video de la exposición ‘Sendas’ realizado por Néstor Navarro:

Exposición Sendas from Makma on Vimeo.

Danae N.

 

‘Desaparición’ o el límite epitelial de Vicente Talens

‘Desaparición’, de Vicente Talens
Galería mr.pink
Guillem de Castro 110, Valencia
Del 30 de septiembre al 18 de noviembre de 2016
Inauguración: viernes 30 de septiembre, a las 20.00h

Recordemos que en julio Vicente Talens hizo desaparecer una galería. Un acto de ilusionismo matérico de actuación breve que introducía una propuesta conceptual expandida, el principio de algo más grande. Una intervención que nos llevaba ya entonces hasta su nueva exposición en la galería mr.pink que podremos ver a partir del día 30 de septiembre.

Imagen de la pieza 'El bloque', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la pieza ‘El bloque’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.

Una vez más, entrelazando ficción y realidad, Talens pone en cuestión los límites de la realidad más literal a través de un conjunto de piezas excepcionales, muy diferentes técnicamente, interrelacionadas, precisamente, a través del concepto que da título a la exposición: la desparición como punto de unión, principio y fuga de obras que son mucho más de lo que parecen.

Entrar en esta exposición es entrar en el amplio imaginario creativo de Vicente Talens, en su particular iconografía bien conocida, pero también en planteamientos que ponen de manifiesto esa vasta mirada de artista, que cuestiona cualquier imagen suscitada en la realidad cotidana y la extrae para componerla y descomponerla, dentro de ese universo creativo que se ha ido tejiendo a lo largo de los años, las experiencias, las influencias, las lecturas, los encuentros azarosos y la práctica artística.

Imagen de la obra 'Malas influencias', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Malas influencias’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.

‘Desaparición’ es una propuesta multidisciplinar, donde encontraremos desde el cuestionamiento de los márgenes actuales de consumo y mercantilización, tanto de los propios objetos como del arte mismo, como alusiones a diferentes personajes, figuras y artistas que han marcado el universo Talens, desde Zigmunt Bauman, Jarvis Cocker, Jean Giraud o Achielle Bonito Oliva, incluyendo una pieza que nos lleva directamente a uno de las grandes artistas que primero usa la desaparición como forma de depuración ulterior espiritual y pictórica, Kazimir Malévich, o la articulación de otra de las piezas presentadas al modo de Joseph Kosuth; todo esto marcado por una apelación constante a la desaparición. La desaparición como tumba, límite, principio, final, materia y camino; toda una meditación en torno a la huella, al vacío, al rastro, al cuestionamiento de los límites incluso epiteliales, a la caducidad de todo, a lo que queda de los otros y de nosotros, a la fugacidad de la existencia.

Y todo esto sin dejar de lado ese espíritu vital, luminoso, lleno de colorido y de humor, relacionado con esa mirada fascinada y profunda que parece impregnar todo lo que nos muestra Vicente Talens.

Si ‘Desaparición. Pieza n.01′ fue el principio y el fin del primer acto, ‘Desaparición’ es la obra teatral completa.

Fotograma del vídeo 'La piel', de Vicente Talens, perteneciente a 'Desaparición'. Fotografía cortesía de la galería.

Fotograma del vídeo ‘La piel’, de Vicente Talens, perteneciente a ‘Desaparición’. Fotografía cortesía de la galería.

 

Las trampas de la memoria

Dystopia, de PanicMap
Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Del 16 al 18 de septiembre de 2016

La tecnología siempre es un arma de doble filo, especialmente en el mundo del arte. Igual ayuda a potenciar la expresividad del artista que puede contribuir a anularla, como ocurre en tantos filmes que son una mera sucesión de trucos y efectos especiales sin apenas sustancia. Cuando se trata de las artes escénicas lograr una armoniosa conjunción entre arte y tecnología es un asunto delicado. Un osado experimento que muy pocos se arriesgan afrontar. La compañía valenciana PanicMap, creada por Juan Pablo Mendiola y Margarita Burbano en 2012, ha demostrado estar muy capacitada para ello. Pero siempre desde el pánico, el vértigo, el miedo a la página en blanco, de ahí su nombre. “Un pánico que hay que solventar a base de trazar un mapa, una hoja de ruta”, dice Mendiola.

Tras el éxito obtenido con su primer montaje, Harket y tras cuatro años de intenso trabajo regresan a los escenarios con Dystopia protagonizada por Cristina Fernández y Ángel Fígols que inicia mañana la nueva temporada de Las Naves.  Tres únicas funciones hasta el domingo. Tres ocasiones de ver algo diferente sobre el escenario.

Cartel de Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Cartel de Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

“Dystopia es un viaje emocional de dos personajes en el que nada es lo que parece”, dice Mendiola. “Un laberinto de espejos en el que se ven atrapados y que distorsiona su identidad. La obra reflexiona sobre la memoria. Sobre la necesidad que a veces tenemos de crear una realidad paralela a la auténtica cuando no estamos satisfechos con nuestros propios recuerdos, cuando aquello que nos rodea se descompone a trozos, cuando nuestro presente nos parece un futuro distópico de nuestro pasado. El protagonista se adentra en un laberinto de espejos emocional, en el que le cuesta reconocerse”.

El resultado es un teatro radicalmente contemporáneo que indaga en nuevos lenguajes, sin dejar por ello de buscar la emoción y la reflexión del espectador. Con técnicas innovadoras  construye sobre el escenario historias e imágenes  atractivas y sorprendentes.

A la escenografía convencional se suman proyecciones de mapping 3D y vídeo en directo “que permite transformar el espacio tanto a nivel plástico como emocional”, señala Mendiola. “Mi objetivo es buscar un diálogo entre tecnología y emociones. Lo tecnológico es frío y son los actores los que calientan el ambiente. En este caso, tanto Cristina como Ángel se desdoblan en un auténtico tour de force. Se puede decir que los he exprimido a fondo”, bromea el director.

Ambos mantienen un intenso duelo interpretativo en escena, proyectándose  en unos papeles de gran exigencia emocional y física. Los protagonistas se trasladan a diferentes lugares y momentos interactuando con los elementos visuales que los envuelven en el escenario y descubriendo poco a poco los límites de su propia realidad. En suma, Dystopia profundiza en la búsqueda de un lenguaje multidisciplinar en el que se entrelazan dramaturgia, danza, live cinema y video mapping para dar forma a un rompecabezas escénico.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Mendiola se inició en Teatre de l’Horta con Roberto García y más tarde montó un par de obras para Maduixa. PanicMap nació en plena crisis y a partir de ahí todo ha ido si no a mejor, sí al menos no a peor. “La sensación que tenemos es que la crisis va remitiendo, aunque tampoco se acaba de ver el sol”, comenta. “Nos encontramos en un impase, esperando a Godot. Hay esperanza pero también cierto recelo. El cambio de gobierno se ha traducido en un diálogo más abierto, lo que se podría llamar ‘escucha activa’ por parte de las instituciones y somos conscientes de que se han dado pasos hacia delante.  Se ha incrementado el presupuesto que apoya la cultura pero todavía hay que mejorar su formulación y distribución”.

Una vez estrenada en Valencia Dystopia seguirá el circuito habitual de festivales como Harket. Con su primer montaje PanicMap recorrió parte de la geografía nacional pasando por varios festivales.  Estuvo en Fira Tàrrega, TAC de Valladoli, Burgos Escena Abierta, MADferia, Danza Xixón y Mostra de Teatre d’Alcoi. Tambien recibó el Premio BBVA de Teatro al mejor espectáculo y a la mejor actriz, Cristina Fernández.

“Cuando actuamos en teatros de gran aforo como El Principal de Valladolid hicimos subir el público a escena, unas 150 personas para crear mayor intimidad y proximidad ”, recuerda Mendiola, que también recibió el Premio Max al mejor espectáculo infantil de 2015 por Dot, de Maduixa Teatre, y la candidatura como mejor autor revelación por Harket.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Inmersión en ‘Dystopia’

“Sé lo que necesitas. Un leve balanceo. Un pequeño impulso que te ponga en movimiento.” Se abre el telón y aparece un fragmento del rincón de una habitación inacabada en medio de ninguna parte. Los espectadores se adentran en un bucle emocional en el que memoria, realidad y ficción están en constante lucha. Los personajes también en continua construcción. ¿Qué haces cuando crees vivir en un presente que no es el que te pertenece?

Transformamos los recuerdos y construimos una realidad propia, alternativa.  Al transformar nuestra memoria alteramos también nuestra identidad. ¿Qué margen de error hay entre la realidad y lo que recordamos de ella? “No tienes una grabadora sobre los hombros. Lo siento. No eliges un cassette, le das al play y reproduces exactamente lo que has vivido.”

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Dystopia, de PanicMap. Imagen cortesía de Las Naves.

Bel Carrasco

Curso de Animación en ESAT

Master de Animación
Creado por Keytoon Animation Studio
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia
A partir de octubre. Curso 2016 / 2017

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia ofrece un curso creado por Keytoon Animation Studio, que comenzará el mes de octubre. En este posgrado se unen un estudio con 12 años de experiencia en el sector de la animación profesional y una entidad educativa con más de 20 años de experiencia en la enseñanza de nuevas tecnologías, por lo que los alumnos aprenderán de profesionales de primer nivel de ambos sectores.

Máster de Animación. Imagen cortesía de ESAT.

Máster de Animación Keytoon ESAT. Imagen cortesía de ESAT.

El curso está dirigido a toda persona que tenga inquietudes por el mundo de la Animación 3D y  orientado tanto a personas que ya tengan experiencia en el sector y quieran mejorar, como a todos aquellos que empiezan esta nueva aventura desde cero.

El Máster tiene una duración de dos años. En el primer año el alumno aprenderá todo lo necesario para empezar a convertirse en un profesional de la animación y, durante el segundo, se realizará por parte del alumnado un cortometraje de animación siguiendo los mismos estándares y estructura de trabajo que en grandes productoras de cine tales como Disney, Pixar, Dreamworks, etc. Terminará su formación siendo un profesional completo y de pleno derecho con un proyecto que lo respalda.

Master de Animación de Keytoon Studio / ESAT.

Master de Animación de Keytoon Animation Studio / ESAT.

Los miedos de Russafa Escènica van en autobús

Video promocional de Russafa Escènica 2016
Rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual
Del 15 al 25 de septiembre en Valencia

Como ya es habitual en Russafa Escènica, el festival ha realizado un vídeo promocional para dar visibilidad a su sexta edición, que lleva por título ’Miedos’ y que se desarrollará en Ruzafa, Valencia del 15 al 25 de septiembre.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Rodado por Quatre Films con la colaboración EscaparateVisual y dirigido por Jerónimo Cornelles, director artístico de Russafa Escènica, el vídeo tiene como protagonistas una representación de actores y actrices de las 21 compañías que presentarán sus propuestas en el festival, además del proyecto Invernadero.

El spot, que sirve como carta de presentación de la cita, conecta con el lema de este año y juega con la imaginación. Gracias al acuerdo de colaboración entre Russafa Escènica y EMT Valencia, el vídeo tiene la peculiaridad de que ha sido rodado en uno de los autobuses de la empresa municipal de transportes que recorre la línea 4 y que ha sido totalmente personalizado para el festival con la imagen corporativa de Russafa Escènica.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

Imagen del video promocional de Russafa Escènica 2016 rodado por Quatre Films en colaboración con EscaparateVisual.

En palabras de Cornelles, “a pesar de que el lema de este año sea miedos, la organización y las compañías llegamos sin miedo, aunque a veces el camino sea difícil. Y no lo tenemos porque creemos en este proyecto y porque sabemos que su llegada está cargada de cosas positivas. Porque el miedo paraliza, y porque nosotros estamos en continuo movimiento”.

RUSSAFA ESCÈNICA 2016 – "PORS / MIEDOS" from Quatre Films on Vimeo.

Joan Jonas en la Fundación Botín

Joan Jonas: caudal o río, vuelo o ruta
Sala de Exposiciones de la Fundación Botín
C / Marcelino Sanz de Sautuola, 3. Santander
Hasta el 16 de octubre de 2016

La artista estadounidense Joan Jonas (Nueva York, 1936), pionera en la práctica de la performance, el cine experimental y la vídeo-instalación, es la protagonista de la exposición Joan Jonas: caudal o río, vuelo o ruta, que acoge la sala de exposiciones de la Fundación Botín en Santander del 25 de junio al 16 de octubre de 2016. La muestra ha sido comisariada por Benjamin Weil, director artístico del Centro Botín.

La creadora estadounidense presenta una nueva instalación multimedia, concebida específicamente para su exhibición en la Fundación Botín, que lleva a cabo en colaboración con quince jóvenes artistas internacionales, seleccionados por la propia Joan Jonas para participar en el Taller de Artes Plásticas de Villa Iris, que tuvo lugar del 6 al 24 de junio de 2016.

Un trabajo en el que la artista profundiza en su investigación sobre la compleja relación del ser humano con la naturaleza y el medio ambiente, un tema que ha sido una preocupación constante a lo largo de su trayectoria.

La nueva pieza se muestra junto a una selección de videos que documentan cinco de las más relevantes performances que la artista ha ejecutado en los últimos quince años: Lines in the Sand (2002); The Shape, The Scent, The Feel of Things (2004-2006); Reading Dante (2007-2010); Reanimation (2012); y They Come to Us without a Word (2015).

Este conjunto de obras brinda al visitante una perspectiva única del universo creativo de esta figura fundamental de la vanguardia neoyorquina de finales de los años sesenta y comienzo de los setenta.

Joan Jonas. Fundación Botín.

Reanimation, de Joan Jonas. Fotografía de Moira Ricci por cortesía de la artista y Gavn Brown’s Enterprise. Centro Botín.

A continuación, video de la exposición realizado por Néstor Navarro:

Joan Jonas III from Makma on Vimeo.

Héroes del cáncer

La belleza del cuerpo diferente. Masectoart, de Toni Balanzà
Museo de Ciencias Naturales
Jardines de Viveros
C / General Elio, s/n. Valencia
Hasta el 7 de enero de 2017

La batalla de la vida deja muchas cicatrices. Más o menos ocultas o visibles, más o menos dolorosas y cauterizadas son como medallas que se otorgan a los héroes de la supervivencia. Algunas cicatrices cuentan historias de superación que bien pueden servir de ejemplo y motivo de esperanza a quienes pasan por el mismo trance. Como los que aparecen en la muestra, La belleza del cuerpo diferente. Masectoart, que se expone en el Museo de Ciencias Naturales situado en los Jardines de Viveros. Incluye más de 30 fotografías de mujeres mastectomizadas, y también un par de hombres, Juan y Pedro, que han posado ante la cámara de Toni Balanzà a lo largo de los últimos cuatro años. La exposición se realiza en colaboración con la asociación Vivir como antes y se puede visitar hasta el 7 de enero.

Además de profesional de la fotografía, vídeo y multimedia, Balanzà es óptico en  Benimámet. Una de sus clientes operada de un tumor de mama le pidió que le hiciera una  foto para un calendario solidario en el que participaban otras mujeres en su misma situación. Con el apoyo de su esposa, Ana García, fallecida a causa de un tumor cerebral en 2014, Balanzà prosiguió con entusiasmo la tarea de plasmar en imágenes fotográficas la belleza de los cuerpos diferentes.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

En 2012, presentó en Kir Royal Gallery de Valencia el primer fruto de su trabajo, la exposición Mujeres mastectomizadas. Una de las fotografías expuestas que representa a una torera con capote obtuvo la calificación de “obra fotográfica excelente” por parte de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y la Imagen (Fepfi), y fue seleccionada para formar parte de la Colección de Honor de FEPFI 2012 y del libro ‘Un año de luz 2012′. En 2015, el antropólogo italiano, Giaccomo del Bechio, la usó para ilustrar una de sus libros destinado a estudiantes de medicina.

“Tras el éxito de la primera exposición más mujeres operadas a causa de un cáncer de mama se ofrecieron a ser fotografiadas por mí”, comenta Balanzà. “También dos hombres que conocí a través de los oncólogos de La Fe interesados en el proyecto. Debido a su presencia tuve que cambiar el nombre, y en vez de Mujeres mastectomizadas, se llama Mastectoart”.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

Balanzà está realizando un documental que incluye entrevistas de 20 minutos con mujeres que han pasado por esta experiencia para compartir sus sufrimientos y esperanzas con otras que pasan por el mismo trance. Antes de posar ante su cámara, las modelos son maquilladas por un equipo de estilistas que se encarga también de darles un masaje relajante para que se encuentren a gusto en la sesión en la que se desnudan ante el mundo.

Toni Balanzà es presidente de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de Valencia (AFPV) y organizador de dos de las 12 ediciones del Premi de Fotografia Professional de la Comunitat Valenciana  Ha sido vicepresidente de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y la Imagen que ha representado ante la Junta Directiva de la Federación Europea de Fotógrafos Profesionales.

Recientemente ha participado, junto a un centenar de escritores y poetas, en la maquetación del libro ‘El camino del corazón solidario’, cuyo objetivo es recaudar fondos para Casa Caridad de Valencia.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Toni Balanzà. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco