Curso de Animación en ESAT

Master de Animación
Creado por Keytoon Animation Studio
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia
A partir de octubre. Curso 2016 / 2017

La Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de Valencia ofrece un curso creado por Keytoon Animation Studio, que comenzará el mes de octubre. En este posgrado se unen un estudio con 12 años de experiencia en el sector de la animación profesional y una entidad educativa con más de 20 años de experiencia en la enseñanza de nuevas tecnologías, por lo que los alumnos aprenderán de profesionales de primer nivel de ambos sectores.

Máster de Animación. Imagen cortesía de ESAT.

Máster de Animación Keytoon ESAT. Imagen cortesía de ESAT.

El curso está dirigido a toda persona que tenga inquietudes por el mundo de la Animación 3D y  orientado tanto a personas que ya tengan experiencia en el sector y quieran mejorar, como a todos aquellos que empiezan esta nueva aventura desde cero.

El Máster tiene una duración de dos años. En el primer año el alumno aprenderá todo lo necesario para empezar a convertirse en un profesional de la animación y, durante el segundo, se realizará por parte del alumnado un cortometraje de animación siguiendo los mismos estándares y estructura de trabajo que en grandes productoras de cine tales como Disney, Pixar, Dreamworks, etc. Terminará su formación siendo un profesional completo y de pleno derecho con un proyecto que lo respalda.

Master de Animación de Keytoon Studio / ESAT.

Master de Animación de Keytoon Animation Studio / ESAT.

Lo barroco y lo simbólico: “Gods, Animals and Death”

Josep Tornero. “Gods, animals and Death”. Processi 143.
Real Academia de España en Roma
Hasta el 30 de septiembre de 2016

Una propuesta interesante que invita a la reflexión podemos encontrarla en el proyecto “Gods, animals and Death” que forma parte de la exposición ”Processi 143” en la que Josep Tornero ha participado apostando por una visión introspectiva y personal que busca hacer florecer en cada espectador aquello que lleva dentro, sombras y múltiples formas que surgen de un mismo objeto representado.

La exposición ha sido realizada por diversos artistas dotados de la beca de pintura de la Real Academia de España en Roma. “Gods, animals and Death” profundiza en lo barroco y lo dionisíaco, buscando aspectos como la metamorfosis y la memoria a través de un juego de apariencias donde la imagen adquiere un dinamismo espectral. Estas imágenes evocan ideas que llevan al espectador a reconocer la materia original a través de una imagen distinta, fruto de la “desfiguración de la figura” que realiza el artista, la alteración de unas imágenes que parecen moverse y transformarse.

Las obras presentadas en formatos y dimensiones variadas, son tratadas con técnicas de claroscuros y la predominancia de ausencia de color en pos de una gama de grises que refuerzan la simbología de los elementos tratados, conformando un lenguaje subjetivo y estimulante para el imaginario del espectador. En ocasiones se añaden tonos aislados en trazados vaporosos que refuerzan el carácter enigmático de las mismas. Un juego de formas que investiga en las posibilidades de la desfiguración de la materia para lograr una interpretación desde lo real en algunos casos, o desde lo imaginario. Este proyecto de investigación resulta interesante para aquellos que deseen descubrir aquellas experiencias que el artista es capaz de despertar en cada uno de nosotros.

El tratamiento de elementos cotidianos a través del desenfoque y la presentación de puntos de vista subjetivos que destacan elementos concretos del objeto representado, hace de estas obras unas que nos muestran parte de la mirada de Tornero pero a su vez conceden plena libertad interpretativa al impactar en nuestra consciencia individual y emociones más íntimas. Esta mirada del artista se nos muestra a través de la selección de las escenas representadas y su forma de trabajarlas que dotan de importancia a aspectos que pueden pasar desapercibidos pero que cobran fuerza y protagonismo, articulando un interesante diálogo que conforman nuevas imágenes y nuevas experiencias.

Fotografía de una de las obras de Josep Tornero en "Gods, Animals and Death".

Fotografía de una de las obras de Josep Tornero en “Gods, Animals and Death”.

Tornero extrae de escenas y objetos cotidianos un lenguaje simbólico a través de un abandono de la imagen sujeto a un azar formal, creando como él denomina espectros “nuevos pero a la vez familiares”. Según el propio artista apunta, su trabajo “desemboca en el interés por el tránsito de la imagen, su movimiento implícito y su metamorfosis, capaz de retornar desde diferentes contextos ante la preocupación del elemento matérico de la pintura como síntoma, emitido a veces desde lo real, o como movimiento centrífugo y dispar, emitido desde lo imaginario”.

Josep Tornero (Valencia, 1973) estudió en la Escola Superior de Ceràmica de Manises y posteriormente en la Facultad de Bellas Artes Sant Carles de Valencia, (2004). En Murcia realizó el Máster de Producción y Gestión Artística (2010) en la facultad de Bellas Artes de esa ciudad y en febrero de 2016 finalizó su tesis doctoral. La amplia trayectoria académica y el trabajo artístico de Josep durante estos años, avalan los diferentes procesos creativos que emprende, es evidente.

La exposición estará vigente hasta el 30 de septiembre del 2016 por todos aquellos que visiten Roma y deseen conocer el talento que artistas españoles trasladan a otros países.

Citas extraídas del ‘statment’ del proyecto “Gods, animals and Death”.

Obra de Josep Tornero.

Obra de Josep Tornero en ‘Gods, animals and death’.

Raquel Andrade

Nada de gluten y mucha música

Sweet Violas en la III edición Cultura Sin Gluten
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
C / Quevedo, 10. Valencia
Martes 21 de junio, 2016, a las 19.30h

En el marco de la III edición de Cultura Sin Gluten y coincidiendo con el Día Internacional de la Música, se celebra en el valenciano museo MuVIM un concierto innovador de la mano de Sweet Violas, grupo conformado por los y las violas de la Orquesta de Valencia.

Para todos es evidente que Bach, Mozart y Beethoven eran virtuosos del teclado, pero solo unos pocos saben que también fueron buenos violas. Desconocida e imprescindible, nacida en el XVI, la viola es el único instrumento de la familia de la cuerda que no cesa de evolucionar día tras día en forma, tamaño y sonido. Es por eso que, Sweet Violas, te propone un concierto para conocer mejor este instrumento. Interpretarán piezas de diferentes épocas y estilos con el objetivo de promocionar un tipo de música con la que no solemos toparnos. Una oportunidad única en Valencia que desde luego ningún melómano puede perderse.

El proyecto Cultura Sin Gluten, organizador principal del evento, es una asociación con un doble objetivo: por una parte, darle visibilidad a la enfermedad digestiva de la celiaquía que a más personas afecta en el territorio estatal; y por otra, acercar a un segmento de la población a la cultura y sus diferentes expresiones artísticas. La primera edición se tituló ‘La semana del celíaco’ se llevó a cabo en 2015, también el MuVIM y tuvieron lugar charlas, conferencias, talleres, visitas y, por supuesto, conciertos. La II edición tuvo lugar en Santiago de Compostela también con concierto y degustación de cervezas sin gluten. El concierto, con entrada gratuita, contará con el patrocinio de Apcel, y la colaboración de ACECOVA.

Según sus organizadores, “también queremos, junto con las asociaciones de celíacos del territorio español, realizar una llamada de atención a la clase política para que podamos contar con una ayuda a la hora de realizar la compra y la rebaja del 21% en el IVA (impuesto valor añadido) de los productos sin gluten. Una estadística del 2015 dice que únicamente en la lista de la compra, alguien que sufre la celiaquía en el estado español gasta 1.500€ más al año.”

Más información en: culturasingluten.com

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

Una mesa redonda celebrada en el marco de Cultura Sin Gluten. Imagen cortesía de la organización.

El regreso del colectivo Trashformaciones

‘Huesopiel’
Colectivo Trashformaciones
Centre Municipal de Cultura La Mercé, Burriana, Castellón
Inauguración: Jueves 12 de mayo, a las 19.30h
Hasta el 12 de junio de 2016

El colectivo Trashformaciones presenta el jueves 12 de mayo su proyecto ‘Huesopiel’ en la sala de exposiciones del Centre Municipal de Cultura La Mercé y en distintas calles del centro de Burriana. ‘Huesopiel’, cuyos preparativos empezaron el pasado fin de semana, es un conjunto de instalaciones de gran formato que reúne el trabajo elaborado por los artistas castellonenses durante los últimos años con la chatarra como materia prima, en los que han profundizado en el tratamiento de los ciclos de la materia y su vinculación con la crisis de valores de la sociedad actual. El proyecto ha sido organizado y cuenta con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Burriana.

La muestra ha sido expresamente concebida por Trashformaciones para los distintos espacios de Burriana, ofreciendo al visitante un recorrido por el casco antiguo de la ciudad, desde la sala del CMC La Mercé, pasando por la plaza Mayor, El Pla y hasta la calle Sant Vicent. La inauguración tiene lugar el jueves 12 de mayo a las 19:30 en la plaza Mayor y permanecerá abierta al público hasta el domingo 12 de junio.

Integrado por los hermanos Pablo y Blas Montoya junto a un equipo de colaboradores, Trashformaciones es un colectivo especializado en el arte del desecho con una trayectoria reconocida a nivel nacional, incluidas algunas incursiones internacionales, desde 2003. Como consecuencia del gran éxito que consiguieron con el Showroom Huesopiel presentado en su propio taller en 2011, los artistas castellonenses han sido incluidos en importantes muestras y bienales: La colectiva “Sustratos” del IVAM (2013), Bienal Incubarte de Valencia (2015), festival Intramurs de Valencia (2014 y 2015), Paranimf de la Universitat Jaume I (2013), TEST de Vila-real (2015), Feria Marte de Castellón (2014), Feria Cersaie en el pabellón de Peronda (2013)…

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Huesopiel es el resultado de esos 13 años de experimentación y reflexión en torno a los ciclos de la materia surgida en el negocio familiar, una chatarrería que los hermanos Montoya utilizan como inspiración y base de operaciones para sus creaciones artísticas. La instalación está dividida en varias zonas independientes, aunque conectadas por un juego de contrarios alrededor de los conceptos “hueso” y “piel”.

El hueso, el sustento, está representado por grandes muros de hierro compuestos por vigas de construcción cortadas y moduladas a modo de ladrillos, generando espacios, paredes, celosías, lienzos cerrados y figuras geométricas. La piel la conforman una serie de coches y motos aplastados hasta convertirse en una representación gráfica de ellos mismos. Las pieles implican superficie, dermis; expuestas a la intemperie, a la degradación, a la decadencia. Una inquietante ligereza que gana significación y potencia estética al contrastar con la imponente solidez de los muros y columnas de hierro.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Trabajos previos del proyecto Huesopiel. Imagen cortesía del colectivo.

Principales exposiciones individuales y colectivas de Trashformaciones:

  • -  INCUBARTE 7. Festival de Arte Contemponareno. Junio 2015, Valencia.
  • -  TEST. Mayo-junio 2015, El Convent de Vila-real.
  • -  MARTE. Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón,septiembre 2014, Palau de la Festa de Castellón.
  • -  IVAM. Colectiva “Sustratos”. Octubre 2013-febrero 2014, Valencia.
  • -  CERSAIE 13. Pabellón Museum Peronda. Septiembre 2013, Bologna, Italia.
  • -  Paranimf de la Universitat Jaume I. Exposición Huesopiel 3.0. Enero 2013,Castellón.
  • -  La Mutante. Colectiva. Noviembre 2012, Valencia.
  • -  Inaguración PLAS. Colectiva. Septiembre 2012, Madrid.
  • -  Hat Gallery. Exposición Huesopiel 2.0. Mayo 2012, Valencia.
  • -  Cierre Diplomado Dada 2011-12. Universidad de Arquitectura Zalua,Venezuela.
  • -  Showroom Huesopiel 2011. Presentación en taller propio.
  • -  Cinark 2010. Arquitectura de reelaboración y tectónica sostenible. Escuelade Arquitectura de la Academia Danesa de Bellas Artes. Copenhague.
  • -  Hat Gallery. Exposición Silla Libre. Feria Hábitat Valencia 2010.
  • -  Propostes Creatives 2010. Casa Polo de Vila-real.
  • -  Galería ImagenArte. Nit de l’Art 2009 de Castellón.
  • -  Galería Castalia Iuris. Castellón 2007.
  • -  Espai d’Art La Llotgeta de la CAM. Valencia 2006.
  • -  Basurama 05. La Casa Encendida de Madrid.
  • -  Drap-Art’05. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB).
  • -  Fib-Art’04. Festival Internacional de Benicàssim (FIB).
  • -  Festival Este 04. Valencia.
  • -  Contemporàni@ 2003. Espai d’Art Contemporani de Castelló.
  • -  Salón NUDE. Feria Internacional del Mueble de Valencia 2003.
  • -  III Biennal Art del Rebuig. Parque Ribalta de Castellón 2003.Para más información:www.trashformaciones.com

Michelangelo con rúbrica de Zanolari en Kir Royal

‘SZ Chapel’, de Saul Zanolari
Kir Royal Gallery
Reina Doña Germana 24, Valencia
Inauguración: viernes 13 de mayo de 2016, a las 22h
Hasta el 26 de junio de 2016

Con motivo de la primera exposición individual de Saul Zanolari en España, Kir Royal Gallery presenta algunas de las obras que retratan a personajes ilustres y modelos famosos, al igual que una selección del proyecto que lo ha mantenido ocupado desde 2012 hasta el 2015: el remake de la Capilla Sixtina de Michelangelo.

Zanolari, a través de la técnica del fresco digital, recrea en escala original, pero con su estilo único, las escenas y los personajes de la obra maestra de Michelangelo. Por lo tanto, podemos observar algunas de las Historias centrales como la Creación de Adán, en la que aparece la famosa unión de los dedos entre Adán y Dios, símbolo de la transmisión del aliento de la vida; la Creación de Eva, donde, sin embargo, las figuras de Adán y Eva se invierten en comparación con el original; el Pecado Original, con un Adán negro que solamente lleva un tanga de oro; o el Diluvio Universal, sustituido por una moderna sirena.

SAUL ZALONARI. MAKMA

La estructura de las composiciones se mantiene igual, así como otras características de la obra de Michelangelo: los cuerpos musculosos de las figuras femeninas debido al hecho de que todos los modelos fueron hombres, o la decisión de presentar los cuerpos desnudos como en la versión original, aún no censurada. Obviamente, sin embargo, el artista crea su propia versión no tanto blasfema, sino más bien irónica y maliciosa. Saul nos hace sonreír y buscar paralelismos o variaciones.

Así, los Ignudi, situados por Michelangelo en torno a las principales escenas como si las sujetasen y contemplasen, son representados por Zanolari vendados con máscaras negras como en un juego erótico. Sibilas y Profetas son los otros personajes de la composición dotados de una fuerte carga voluptuosa y sensual. Además de estos, el artista añade una mitología personal, su propio Olympo, en el que reinan el Dios Nuclear, con el símbolo del átomo en guantes y slip; el Dios Magnetismo, lanzando sus rayos en el cielo; y el Dios Gravedad, azul y con seis brazos como el dios hindú Shiva, pero con los planetas en las manos y una manzana, la manzana de Newton o, quizás, de Eva. Y, por último, en el centro de la composición, como un Dios supremo, el artista se retrata a sí mismo, Creador del Mundo y de toda su obra. Un autorretrato en el que señala con el dedo al espectador, como si cada uno de nosotros fuésemos sometidos a su juicio y no al revés, cuando el espectador juzga la obra.

Imagen promocional de la muestra, formalizada con una de las obras que forman parte de la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Imagen promocional de la muestra, formalizada con una de las obras que integran la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Un juego de miradas y perspectivas, como las de los sujetos retratados, resultados de la imaginación del artista, que construye cada pequeño detalle, de forma hiperrealista, incluyendo su imagen reflejada en cada ojo.

Saul Zanolari nace en 1977 en Mendrisio, Suiza. Desde niño se interesa en el arte y sus formas de expresión, y especialmente en la pintura. Siempre se ha sentido atraído por la estética y la forma de las cosas. En 2005 su interés se traslada de la pintura tradicional a la pintura digital. Comienza a exponer en numerosas galerías internacionales con obras donde reinventa celebridades y estrellas del pop, ahondando y exagerando algunos de sus rasgos específicos.

Instantánea de una de las obras pertenecientes a la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

Instantánea de una de las obras pertenecientes a la exposición. Fotografía cortesía de Kir Royal Gallery.

 

Música, arts i tallers per a retornar la plaça

Plaça Reservada
Plaça de Rojas Clemente, Valencia
De 11 a 15 h, 23 d’abril

‘Plaça reservada’ es una acció comunitaria que tindra lloc el pròxim 23 d’abril. Es proposa repensar l’espai de la Plaça de Rojas Clemente. L’acció se situa en el context del festival urbà Distrito 008 aquesta plaça del barri del Botànic reclama deixar de ser un pàrquing.

El matí del 23 d’abril se celebrarà una jornada festiva i combativa a la plaça de Rojas Clemente batejada com ‘Plaça Reservada’. De les 11h a les 15h aquesta plaça on es troba el  mercat amb el mateix nom, Rojas Clemente, deixarà d’estar ocupada pels cotxes que cada dia omplen la zona blava d’aparcament que la caracteritzen amb la voluntat d’omplir-se de persones que gaudeixen i repensen els espais de la ciutat.

A partir de l’organització del festival Distrito 008 en la seua 6a edició, ‘Buscando los orígenes’, que pretén la dinamització del barri d’Extramurs de la ciutat de València, la celebració de ‘Plaça Reservada’ serà una de les seues activitats més reivindicatives , ja que pretén iniciar un procés de mobilització a llarg termini  perquè aquesta no-plaça del barri del Botànic torne a ser un espai on les persones puguen interactuar, viure i compartir.

A partir de les 11h es realitzarà el taller obert a tot el públic de mapeig de la Plaça i posterior debat amb col·lectius com Fuera Túnel Pérez Galdós i el Col·lectiu veïnal Barri Botànic, organitzat per l’estudi Qrarq. A més, hi haurà tallers per a xiquets i xiquetes des de les 11h i fins les 15 de circ, fotografia i bodypaint dirigits per professors de l’escola TotArt; tallers amb llepolies de mà del Gnomo Azul i altres tallers esportius que proporcionarà el gimnàs Ronin Esport, tots ells col.laboradors implicats i veins també del districte d’Extramurs.13000200_861011204024455_4258453547922632204_n

A les 11’30h es podrà gaudir de l’espectacle de ball flamenc que oferirà el Centre Professional de Dansa València i a les 12.30h l’escola de cine i teatre Off representarà la micro obra de teatre “Una bala para Morindán”. Durant tot el matí es farà una recollida de firmes per a la defensa de la plaça com a espai per a persones i el Mercat Rojas Clemente oferirà una oferta especial de cerveses i vins artesanals.

Per a aquest esdeveniment, a banda de Distrito 008, s’hi han involucrat directament altres organitzacions, com és l’estudi d’arquitectura, disseny i idees QRARQ; les gestores culturals de PUNXA, el Mercat de Rojas Clemente i la falla que resideix a la plaça, Rojas Clemente “LA CORDÀ”.

Plaça reservada, el 23 d’abril, serà la primera de moltes accions en defensa de l’espai públic al voltant d’aquesta plaça.

El recolector Eduardo Hurtado

Recolectar, de Eduardo Hurtado
Galería Espai Tactel
C / Denia, 25. Valencia
Inauguración: viernes 15 de enero, a las 20.00h
Hasta el 26 de febrero de 2016

La exposición ‘Recolectar’ de Eduardo Hurtado podrá verse en la Galería Espai Tactel de Valencia hasta el día 26 de febrero. “El propio Eduardo Hurtado (Valladolid, 1986) presenta un proyecto de sobreexposición. Una puesta en escena autofocal e introspectiva, que tiene que ver con la mirada ajena y la propia, con la posición frente al otro, con el reflejo, los afectos y las zonas de intensidad”, según explica Juan Canela.

Recolectar, de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Recolectar, de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

La primera parte del proyecto, ‘Recolectar’, es un ejercicio expositivo, formal, metodológico y procesual, de desarrollo específico en el espacio de la Galería Espai Tactel. En esta primera parte, Hurtado trasladará el taller al espacio expositivo, generando una serie de materiales, registros y piezas específicas.

En la segunda parte, ‘Cazar’, Hurtado reinterpretará todos los restos de su trabajo y los interrogará a partir de un elemento relator del “deseo” y “la falta” (una acción fotográfica en colaboración con la artista mejicana Elssie Ansareo) en la sala de exposiciones de la Torre de Ariz, en Basauri.

'Recolectar', de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Recolectar’, de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

Finalmente, ‘Vibrar’, como nota gráfico/performativa, cerrará el proyecto en LaTaller (Bilbao). El proyecto se articula en torno a las dos exposiciones, un seminario/conferencia, un taller, una serie de conversaciones privadas (y nunca desveladas) que tensionan el proceso, dos acciones performativas cimentadas en la lectura y un reader acumulativo de textos (tanto relativos al proyecto como relacionados con la trayectoria de Hurtado).

'Recolectar', de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

‘Recolectar’, de Eduardo Hurtado. Imagen cortesía de Espai Tactel.

 

Fotografía, sexo y paraplejía

Sexo tras la silla de ruedas
Fernando Pena, psicólogo, sexólogo y director de Pornoeducativo
Finalista en el XV Concurso Mundial de Fotografía de la ONCE

La fotografía fue tomada en uno de los rodajes de Pornoeducativo, un proyecto educativo liderado por psicólogos y sexólogos de Valencia. En el rodaje que se grabaron las lecciones vinculadas con la sexualidad en personas parapléjicas. En estas lecciones un hombre parapléjico desveló de forma clara y sin tabúes varios aspectos relacionados con el sexo y la diversidad funcional.

Todas las lecciones grabadas ese día están en www.pornoeducativo.com. En ellas los psicólogos y sexólogos que dirigen los rodajes  de Pornoeducativo buscaron dar respuesta a preguntas que se formula mucha gente: ¿Puede un chico parapléjico tener una erección completa? ¿Sienten algo en el pene si su pareja lo estimula con masturbación o sexo oral? ¿Cómo sienten exactamente placer sexual? ¿Una persona parapléjica puede eyacular?

Las lecciones grabadas muestran la relación sexual completa de la pareja de una manera clara y sin tabúes. Durante el encuentro sexual ambos van comentando qué se siente y qué no se siente, además de dando consejos y pautas concretas a parejas que estén en su misma situación.

Es un material educativo de mucha utilidad porque muchas personas que se acaban de quedar parapléjicas por un accidente no tardan en preguntarse cómo va a ser a partir de ese momento su sexualidad. Surgen muchos miedos, muchas dudas y muchas preguntas. Gracias a los vídeos de Pornoeducativo estas dudas son resueltas y tanto las personas con paraplejia como sus propias parejas obtienen consejos vinculados con las relaciones sexuales.

La imagen finalista en el concurso de la ONCE muestra una de las posturas adoptadas durante la grabación, en la que se ve en primer lugar la silla de ruedas, y tras ella una cama. Sobre la cama está el chico parapléjico desnudo, y sobre él su chica también desnuda.

Esta es la segunda vez que Pornoeducativo recibe un premio de fotografía vinculado con su esfuerzo por llevar a cabo una educación sexual sin tabúes en la diversidad funcional. El primer premio fue otorgado por el Colegio Oficial de Psicólogos de la Comunidad Valenciana, gracias a una fotografía tomada con un chico tetrapléjico. En ella vimos cómo es la sexualidad en una persona que no tiene movilidad corporal del pecho para abajo.

Imagen Finalista del XV Concurso Mundial de Fotografía de la ONCE.

Imagen Finalista del XV Concurso Mundial de Fotografía de la ONCE.

Certamen TransformArte FUNDACIÓN CAJA RIOJA

Convocante: Fundación Caja Rioja
Dotación: 1.200 €
Modo de presentación: envío de obra
Plazo de admisión: hasta el 31 de octubre de 2015

VIII CERTAMEN NACIONAL Transformarte
FUNDACIÓN CAJA RIOJA
Bases 2015

La Fundación Caja Rioja convoca el VIII Certamen Transformarte Fundación Caja Rioja con arreglo a las siguientes bases.

PARTICIPANTES
Podrán concurrir a este Certamen todos los artistas residentes en España, sin límites de edad.

OBRAS
Cada artista podrá presentar al certamen un máximo de dos obras, originales e inéditas, no presentadas a otros Premios o Concursos ni incluidas en catálogos o publicaciones ni difundidas por cualquier medio, las cuáles no podrán ir firmadas. El tema y la técnica serán libres y se admitirán todas las tendencias y corrientes.

Las obras se presentarán en formato tridimensional, el tamaño de las obras no excederá los 200 centímetros de alto. La obra deberá estar realizada con materiales reciclados.

La documentación para participar en el Certamen se entregará personalmente o se remitirá por correo a:

Centro Fundación Caja Rioja-Bankia de Arnedo
Paseo de la Constitución, 60
26580 Arnedo (La Rioja)

Las solicitudes que se entreguen personalmente deberán presentarse de lunes a sábado (excepto festivos), en horario de 18:30 a 21:30 horas, consignando que van a concursar en el VIII Certamen Transformarte Fundación Caja Rioja.

La documentación necesaria para participar se presentará en dos sobres:

Uno de ellos irá abierto y deberá contener:
-Una fotografía en color de 13X18 centímetros de la obra presentada
-Título de la obra
-Materiales con los que se ha realizado la pieza y breve descripción de la técnica utilizada
-Dimensiones de la obra, se deberá indicar el alto x ancho x profundo
-Forma de envío en caso de ser seleccionada

Otro de los sobres irá cerrado, llevará el título de la obra en su exterior y la siguiente documentación en su interior:
-Fotocopia del D.N.I. o equivalente del creador y certificado acreditativo de residencia en España expedido por el respectivo Ayuntamiento (este documento será exigido únicamente a los ciudadanos no españoles).
-Dirección, teléfono de contacto y correo electrónico del autor de la obra.
-Breve historial profesional.
-Fotografía en color de 13 X 18 centímetros de dos obras diferentes del mismo autor a las que concurren a este certamen.
-Declaración firmada del autor en la que haga constar que la obra es original e inédita y la fecha de su realización.
La omisión o falsedad de cualquier dato supondrá la exclusión del certamen.

CALENDARIO
Las solicitudes para participar en Transformarte deberán ser entregadas dentro del período comprendido entre el 15 y el 31 de octubre de 2015, ambos inclusive.

Se hará una selección de obras para formar parte de una exposición; esta selección se realizará durante la primera quincena del mes de noviembre de 2015.

La exposición de trabajos seleccionados tendrá lugar del 23 de diciembre de 2015 al 21 de enero de 2016 en la Sala de Exposiciones del Centro Fundación Caja Rioja-Bankia de Arnedo, Paseo de la Constitución, 60 (Arnedo – La Rioja).

También se realizará una exposición de los trabajos seleccionados en el Centro Fundación Caja Rioja-Bankia Gran Vía, en Logroño, que tendrá lugar a principios de 2016.

El fallo de los premios se hará público a partir del 2 de enero de 2016.

PREMIOS
Se establecen un primer premio dotado con 800 € y un segundo premio dotado con 400 € que podrán declararse desiertos.

Sobre el importe de los premios se efectuarán las retenciones que procedan de acuerdo con la legislación vigente.

Las obras galardonadas con los Premios Transformarte de Fundación Caja Rioja pasarán a ser propiedad de Fundación Caja Rioja, que se reserva todos los derechos sobre las mismas, incluidos los de reproducción, no teniendo que abonar a sus autores otra cantidad que la establecida como premio.

JURADO
El jurado será designado por la Fundación Caja Rioja y su decisión será inapelable.

El jurado seleccionará de la totalidad de las obras presentadas a Transformarte aquellas que estime oportuno para que se incluyan en las exposiciones y otorgará los premios a los que hace mención el apartado anterior. Contra esta selección del jurado no cabe reclamación alguna.

ENTREGA Y RETIRADA DE OBRAS
El embalaje, transporte y seguro de las obras seleccionadas para ser expuestas serán por cuenta del concursante, tanto en su entrega como en su recogida. La organización del Certamen se compromete a dar un trato adecuado a las obras recibidas, pero declina toda responsabilidad por pérdida, extravío, desperfectos o cualquier otro daño que puedan sufrir las obras durante su transporte, almacenaje y exposición; no suscribiendo póliza de seguro al efecto que cubra riesgo alguno.

Las obras seleccionadas para participar en la exposición deberán depositarse entre el 9 y el 19 de diciembre de 2015 en el Centro Fundación Caja Rioja-Bankia de Arnedo (Paseo de la Constitución, 60. 26580 Arnedo –La Rioja-) en horario de 18:30 a 21:30 horas, de lunes a sábados, excepto festivos.

Una vez finalizada la muestra de Logroño, las obras serán retiradas en el mismo lugar y horario utilizado para su entrega en un plazo máximo de 15 días. Los autores que envíen las obras a través de empresas de mensajería, si no resultan galardonados, deberán encargarse de avisar a la empresa de mensajería para que pasen a recoger la obra en las fechas y horarios que se establecen para su retirada, la organización del Certamen se compromete a entregar la obra correctamente embalada una vez concluida su exposición. Pasados 15 días del plazo de recogida, las obras no retiradas se considerarán donadas a Fundación Caja Rioja pudiendo ésta darles el destino que estime conveniente, incluyendo el de su destrucción.

VARIOS
Los artistas participantes autorizan la mención de su nombre y reproducción de sus obras en cualquier medio, dentro de las actividades de TransformArte Fundación Caja Rioja.

La Fundación Caja Rioja se reserva el derecho de hacer modificaciones y tomar iniciativas no reguladas en las bases, siempre que contribuyan al mejor desarrollo del Certamen.

La participación en este certamen supone la aceptación total de las bases y decisiones del jurado y la renuncia a cualquier reclamación legal.

Más información y bases completas
Imagen de portada: fotografía de Arnedo, ciudad sede de la exposición de las obras del certamen.

Pinceladas colectivas, silencio administrativo

Pinceladas colectivas
Galería Imprevisual
C / Doctor Sumsi, 35. Valencia
Hasta el 11 de septiembre de 2015

Que 150 artistas se reúnan para dar forma a un proyecto que nació en 2011 con fecha de caducidad, su presentación en las jornadas de clausura de Russafa Conviu de ese año, ya merece justa consideración. No es fácil aglutinar a tanto artista, con sus egos respectivos y estilos diversos, en torno a una propuesta que arrancó mediante la creación de un cuadro obra de Miguel Ángel Aranda, al que se fueron sumando otros 20 artistas, con sus añadidos a la obra realizada en vivo y en directo durante 15 días en la Galería Imprevisual.

Obra de Miguel Ángel Aranda que dio origen a Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Miguel Ángel Aranda que dio origen a Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Las figuras o siluetas incorporadas a ‘La plaza de las artes’, título del cuadro que sirvió de germen creativo, fueron adquiriendo vida propia una vez concluido el proyecto. Así fue como, poco a poco, Pinceladas colectivas adquirió la dimensión que hoy tiene: centenar y medio de artistas interviniendo libremente esas figuras expuestas hasta el 11 de septiembre en Imprevisual, la galería en la que se gestó tamaño proyecto.

Hablamos de artistas como Gabriel Alonso, Javier Calvo, Calo Carratalá, Pepa Castillo, Javier Chapa, Raúl Dap, Rafa de Corral, Ramón Espacio, Xus Francés, Jarr, Sebastián Nicolau, Concha Ros, Ana Vernia o Vinz, del largo etcétera que nutre con sus aportaciones individuales la propuesta colectiva. Artistas en su mayoría valencianos, a los que se suman autores nacionales e internacionales, ya sean europeos o latinoamericanos. Artistas que reunidos en torno a esa plaza de las artes inicial han terminado por conformar el políptico denominado Avenida de Proyecto, cuyo conjunto se vende al precio de 46.700€.

Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Xus Francés en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Una cantidad estimada a partir de los 300€ en que se valora cada pieza por separado y con la que se pretenden sufragar los costes de producción de las figuras, de los 300 catálogos editados y pagar el trabajo de los 150 artistas que hasta la fecha han intervenido en el proyecto. Porque el proyecto, a tenor de la pasión con la que arrancó de la mano de Miguel Ángel Aranda, al alimón con Arístides Rosell, seguirá creciendo.

De hecho, las 150 figuras expuestas en una de las paredes de Imprevisual, justo enfrente del cuadro mayor que dio origen al conjunto, se dividen según los fondos de color rojo y amarillo que aparecen en los costados de ‘La plaza de las artes’. De manera que ya se piensa en su continuación, tomando ahora como referencia los tonos azul y negro que dominan el cielo y la tierra de la obra de Aranda. Una obra que viene a reflejar, mediante esa cabeza que se multiplica en todas direcciones, el carácter multidisciplinar y abarcador de todos los puntos de vista.

Obra de Vinz en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Obra de Vinz en Pinceladas colectivas. Galería Imprevisual.

Pinceladas colectivas, a pesar de la dimensión que ya tiene y del vuelo que va tomando, no ha despertado el más mínimo interés por parte del Ayuntamiento de Valencia. “Lo hemos presentado en Casas de Cultura, en La Rambleta y en diversos ayuntamientos, entre ellos el de Valencia, siempre con resultado adverso”. Y cuando se refiere Arístides Rosell a “resultado adverso”, se refiere a la nula respuesta una vez presentado el proyecto, lo que significa el acostumbrado silencio y falta de sensibilidad hacia propuestas que, como ésta y tantas otras, merecerían al menos una explicación acerca de las razones por las que se desestiman.

En cualquiera de los casos, Pinceladas colectivas sigue su rumbo porque, como señala Miguel Ángel Aranda, hay un motor que mueve el proyecto: “la pasión”. Una pasión compartida por 150 artistas a los que se van sumando otros nuevos en lo que han dado en llamar ‘Anexos’: prolongación lateral de la obra inicial que, pese al silencio administrativo, da mucho de qué hablar. Entre otras cosas, de aquello que todas esas figuras y siluetas contienen como pálpito de la heterogénea visión del mundo.

Vista de algunas de las obras de Pinceladas colectivas en la Galería Imprevisual.

Vista de algunas de las obras de Pinceladas colectivas en la Galería Imprevisual.

Salva Torres