PREMIOS DE ADQUISICIÓN MISLATA 2017

Convocante: Ayuntamiento de Mislata
Dotación: 15.000 euros en premios
Plazo de admisión: hasta el 28 de septiembre
Modo de presentación: online

PREMIOS DE ADQUISICIÓN MISLATA 2017
COMPROMISO SOCIAL EN LAS ARTES VISUALES

¿Qué es?
Los Premios de adquisición Mislata 2017. Compromiso social en las artes visuales es una iniciativa de la Biennal de Mislata Miquel Navarro convocada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mislata.
La convocatoria tiene como objetivo seleccionar diez obras, otorgando un primer premio de adquisición con una dotación de 7.000€ y un segundo con 6.000€. Las ocho obras restantes recibirán una ayuda de 250€ para cubrir las necesidades generadas por la participación.
Las diez obras formarán parte de una exposición en la sala de exposiciones del Centre Cultural de Mislata durante los meses de diciembre de 2017 y enero de 2018.

¿Qué características deben de tener las obras?
La convocatoria prestará una especial atención por aquellas obras que demuestren un compromiso social asociado a la igualdad de
género. El formato es libre pero éstas deberán ir ancladas a la pared y contar con al menos 60 cm en uno de sus lados.

¿Cuándo acaba el plazo?
El día 28 de septiembre de 2017.

¿Cómo?
Aportando la información requerida en los anexos de las bases que están a disposición AQUÍ

¿Quién forma parte del jurado?
Alba Braza
Comisaria de la Biennal de Mislata Miquel Navarro.

Semíramis González
Codirectora de JustMad9, comisaria independiente y bloggera.

Lorena Martínez de Corral
Directora de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación Coca-Cola
Juan Manuel Sainz de Vicuña (DA2 de Salamanca).

Ángela Montesinos
Crítica de arte y presidenta de AVCA Asociación Valenciana de Crítica de Arte.

Alicia Ventura
Directora de la Colección DKV y comisaria independiente.

1. OBJETO
1.1. Las presentes Bases tienen por objeto regular el proceso de selección y concesión de los premios y ayudas a las y los artistas que deseen
participar en la convocatoria Premios Adquisición Mislata, 2017- Compromiso Social en las Artes Visuales.
1.2. Es finalidad de la presente convocatoria favorecer, ayudar y promocionar el trabajo de aquellas y aquellos artistas visuales en activo,
dando cabida a todo tipo de propuestas innovadoras y representativas de las últimas tendencias artísticas.
1.3. La convocatoria de los Premios Adquisición Mislata 2017- Compromiso social en las Artes Visuales tiene como propósito:
a) Exponer un máximo de diez obras en la Sala Municipal de Exposiciones del Centre Cultural de Mislata.
b) Ampliar la colección de fondos artísticos municipales con la adquisición de dos de las diez obras expuestas en dicha exposición.
c) Otorgar ocho ayudas en concepto de honorarios de artista, que, a su vez, cubran las necesidades generadas por la participación en la exposición
de las propuestas que resulten seleccionadas.
d) Realizar una publicación que recoja las obras seleccionadas.
1.4. La publicación de las presentes Bases se realizará de acuerdo con lo establecido en el artículo 20.8 de la Ley General de Subvenciones.
2. RÉGIMEN DE CONCESIÓN.
Los Premios Adquisición Mislata 2017- Compromiso social con las artes visuales, incluyen dos premios y ocho ayudas de acuerdo con los
principios de publicidad, transparencia, objetividad, igualdad, no discriminación y mediante el procedimiento de concurrencia competitiva.
3.- MARCO NORMATIVO
Los premios y ayudas de la convocatoria de los Premios Adquisición Mislata 2017- Compromiso social en las Artes Visuales, se concederán
en concepto de subvención y se regirán por estas Bases, por la Ley de Haciendas Locales, por la Ley General de Subvenciones 38/2003, de
17 de noviembre, por el Real Decreto 887/2006 de 21 de julio, por las Bases de Ejecución del Presupuesto Municipal de 2017 y por la Ordenanza
de Subvenciones del Ayuntamiento de Mislata.
Los premios y ayudas concedidos mediante esta convocatoria no precisan de su notificación a la Comunidad Europea.
4.- CUANTÍA, FINANCIACIÓN, PAGO Y JUSTIFICACIÓN
La dotación presupuestaria adscrita al pago de los premios y ayudas de los Premios Adquisición Mislata 2017- Compromiso social en las
Artes Visuales asciende a 15.000 € y se efectuará con cargo a la aplicación presupuestaria 3340.481 del Presupuesto Municipal vigente para
el año 2017.
A los premios y ayudas que las/los galardonadas/os y participantes percibirán, respectivamente, se aplicará la retención legal fiscal vigente.
Las/los beneficiarias/os deberán presentar certificaciones de estar al corriente con Hacienda, con la Seguridad Social y con el Ayuntamiento
de Mislata.
La justificación de la concesión de los premios y ayudas se considerará realizada en la fecha que se detalla en la base 11.4, de esta convocatoria.

5.- PUBLICIDAD
Se dará publicidad de esta convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia y en la Base de Datos Nacional de Subvenciones, de acuerdo con
los artículos 9.3 y 20.8. de la citada Ley 38/2003, General de Subvenciones, así como en la web municipal www.mislata.es.
6.- PARTICIPANTES
6.1. Podrán participar las personas físicas y jurídicas, mayores de edad, sin límite de la misma, de cualquier nacionalidad o lugar de residencia.

6.2. La participación podrá efectuarse de forma individual o colectiva, siempre que los y las participantes cumplan el requisito que se detalla
en el apartado 6.1.
6.3. Cada participante, grupo o colectivo que desee concurrir en la convocatoria podrá presentar únicamente una obra. El envío de más de una
solicitud por persona física, jurídica o agrupación para presentar diferentes obras, o el envío de solicitudes de diferentes personas que presenten
más de una obra, serán consideradas causa suficiente para la exclusión de dichas solicitudes.
7. CARACTERÍSTICAS QUE DEBEN REUNIR LAS OBRAS PRESENTADAS Y REQUISITOS DE PARTICIPACIÓN.
7.1 Los Premios Adquisición Mislata 2017-Compromiso Social en las Artes Visuales tendrán especial atención por aquellas obras presentadas
que demuestren un COMPROMISO SOCIAL ASOCIADO A LA IGUALDAD DE GENERO. Las obras presentadas mantendrán su independencia
en cuanto a estilo e investigación respecto de la producción del artista homenajeado en la Biennal de Mislata “Miquel Navarro”.
7.2 Los Premios Adquisición Mislata 2017-Compromiso social en las artes visuales están dirigidos a seleccionar un total de diez obras, de las
cuales dos serán adquiridas por el Ayuntamiento de Mislata y ocho recibirán una ayuda económica por participar en la exposición.
7.3. El formato de las obras es libre pero éstas deberán tener como características ir ancladas a la pared y no tener una dimensión menor de
60 cm. en al menos uno de sus lados.
7.4. La dotación económica de cada premio y ayuda incluirá todos los gastos que pudieran derivarse en concepto de honorarios, producción,
transporte y cesión de derechos de reproducción de la obra.
7.5. El Ayuntamiento de Mislata pondrá a disposición de las/los artistas los servicios de montaje y desmontaje de las obras, acondicionamiento
de sala, seguros pertinentes y documentación fotográfica de la exposición.
7.6. Las y los artistas cuyas obras resulten premiadas y seleccionadas asumirán el compromiso y la responsabilidad de hacer llegar la obra con
una antelación de 12 días a la fecha de inauguración prevista en el apartado 17.2. de estas bases.
8.- DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR
8.1. La presentación de solicitudes deberá ajustarse a las siguientes indicaciones, estará debidamente cumplimentada en cada anexo y deberá
incluir la documentación adicional que se solicite en ellos:
8.1.1. Anexo I: DATOS PERSONALES, CURRÍCULUM VITAE Y TRAYECTORIA ARTÍSTICA DE LOS PARTICIPANTES.
8.1.2. Anexo II: FICHA TÉCNICA E IMAGEN DE LA OBRA

8.1.3. Anexo III: DECLARACIÓN DE AUTORÍA.
8.1.4. Anexo IV: DECLARACIÓN RESPONSABLE DE ESTAR AL CORRIENTE CON EL CUMPLIMIENTO DE LAS OBLIGACIONES
CON LA AGENCIA TRIBUTARIA Y FRENTE A LA SEGURIDAD SOCIAL Y NO ENCONTRARSE INCURSOS EN NINGUNA DE LAS
PROHIBICIONES PARA SER BENEFICIARIOS DE SUBVENCIONES PÚBLICAS, CONFORME ESTABLECEN LOS ARTÍCULOS 13.2
y 13.3. DE LA LEY GENERAL DE SUBVENCIONES.
9. FORMA Y PLAZO DE PRESENTACIÓN
9.1. Las solicitudes de participación en la convocatoria convocatoria Premios Adquisición Mislata, 2017 –Compromiso Social en las Artes
Visuales, se presentarán telemáticamente mediante envío al mail: mailto:biennal@mislata.es, pudiéndose remitir la documentación exigida
con servicios como WeTransfer o similares.
9.2. Las solicitudes deberán de ir acompañadas de todos los documentos que se especifican en la base 8.1. de esta convocatoria.
9.3. El plazo de presentación de solicitudes se iniciará al día siguiente de la publicación de la convocatoria en el Boletín Oficial de la Provincia
y finalizará el día 28 de septiembre de 2017.
9.4. En caso que se demore la publicación, el plazo será de diez días hábiles desde la publicación en el BOP. Cuando el último día de presentación
sea inhábil, se entenderá prorrogado al primer día siguiente.
10. SUBSANACIÓN DE LAS SOLICITUDES
10.1. Transcurrido el plazo de una semana desde la fecha de remisión de la solicitud, se contactará con la persona inscrita para confirmar que
la documentación ha sido descargada correctamente y que la inscripción se ha efectuado con éxito. En caso de no recibir notificación alguna,
las/los interesadas/os deberán ponerse en contacto con la organización.
10.2. Revisadas las solicitudes, se notificará a las/los interesadas/os que no reúnan los requisitos exigidos o que no aporten la documentación
necesaria que subsanen la falta, o acompañen los documentos preceptivos, en el plazo máximo de diez días, con la indicación de que, en caso
de no hacerlo, se considerará como desistida su petición de participar, de conformidad con el artículo 68 Ley 39/2015, de 1 de octubre, de
régimen jurídico de las administraciones públicas y del proceso administrativo común.
11. RESOLUCIÓN DE LA SELECCIÓN DE OBRAS Y DE CONCESIÓN DE LOS PREMIOS Y AYUDAS.
11.1. Para la preselección y valoración inicial de los proyectos presentados, el Ayuntamiento de Mislata ha nombrado a Alba Braza, profesional
cualificada en el sector y responsable, a su vez, de las tareas de coordinación de la convocatoria. Dicha profesional asumirá también el
comisariado de la edición.
11.2. Se constituirá una comisión de evaluación encargada de la baremación de los proyectos presentados de acuerdo con los requisitos exigidos
en la presente convocatoria, que emitirá dos actas: una que recoja los 10 trabajos seleccionados y otra que detalle cuales de entre ellos
son los ganadores de los premios.
11.3. La resolución de los 10 trabajos seleccionados se efectuará según lo dispuesto en el apartado 12.3. de las bases de esta convocatoria, a
fin de que cada artista remita las obras que formaran parte de la exposición de las obras ganadoras y seleccionadas en la convocatoria Premios
Adquisición Mislata 2017- Compromiso Social en las Artes Visuales, según lo dispuesto en estas bases.
11.4. Los premios se harán públicos el día de la inauguración de la exposición y la resolución se efectuará según lo dispuesto en la base 12.4.
de esta convocatoria.
11.5. Las y los artistas seleccionados deberán de rellenar un documento de aceptación del premio o ayuda que les fueran concedidos.
12.- ÓRGANO COMPETENTE PARA LA INSTRUCCIÓN, RESOLUCIÓN DEL PROCEDIMIENTO Y DIFUSIÓN DEL VEREDICTO.
12.1. Para la valoración de las obras propuestas se nombrará una Comisión de Evaluación o jurado que estará compuesto por: cuatro invitadas
externas expertas en el ámbito del arte contemporáneo. Su nombramiento se hará público en la página web del Ayuntamiento de Mislata (www.
mislata.es). Integrarán también esta Comisión de Evaluación Alba Braza (comisaria de la Biennal) y una/un representante del Ayuntamiento
de Mislata, que tendrá voz, pero no voto. Actuará como instructor del procedimiento el técnico de cultura del Ayuntamiento de Mislata.
12..2. El Jurado actuará como órgano colegiado a los efectos de elaborar los informes finales de valoración correspondientes debidamente
motivados, así como los dos modelos de actas que se detallan en el apartado 11.2. de las bases de esta convocatoria, que se elevarán al órgano
instructor. En base al veredicto, el órgano instructor formulará el informe técnico para la resolución. La propuesta de resolución será elevada
al órgano municipal competente, que será quien resuelva el procedimiento. Dicha resolución será inapelable.
12.3. La propuesta de resolución de las y los artistas seleccionada/os será notificada a las y los interesados de forma individualizada y se difundirá
mediante la publicación en el Tablón de Anuncios y página web del Ayuntamiento: www.mislata.es
12.4. La propuesta de resolución referida a los premios y selección de obras se difundirá mediante la publicación en el Tablón de Anuncios y
página web del Ayuntamiento: www.mislata.es, una vez efectuado el acto inaugural de la exposición.
12.5. La comisión evaluadora estará facultada para resolver cualquier cuestión no prevista en estas bases. Su decisión será inapelable.
13.- CRITERIOS PARA LA VALORACIÓN DE LAS OBRAS.
Considerando que la puntuación máxima a otorgar a cada obra será de 10 puntos, se establece el siguiente baremo para la selección de las
propuestas finalistas:
• Currículum Vitae del o de la solicitante (Anexo 1). Máximo: 1 puntos
• Calidad artística de la obra y claridad de su explicación en el dossier presentado ( Anexo II). Máximo: 6 puntos
• Adecuación de la propuesta a la convocatoria (Anexo II). Máximo: 3 puntos
14.- PREMIOS, AYUDAS Y DOTACIÓN ECONÓMICA.
14.1. Los premios y ayudas que podrá conceder la Comisión de Evaluación o jurado de la convocatoria de los Premios Adquisición Mislata,
2017- Compromiso Social en las Artes Visuales, son:
• 1r PREMIO- ADQUISICIÓN DE OBRA por importe de 7.000 euros.
• 2º PREMIO-ADQUISICIÓN DE OBRA por importe de 6.000 euros.
• 8 AYUDAS con una dotación económica de 250 euros, destinadas a cubrir todas aquellas necesidades generadas por la participación en la
exposición y los honorarios de artista.
14.2. Dichas cantidades serán abonadas en un único pago estando sometidas a las retenciones establecidas por la legislación fiscal.
14.3. El pago a los/los premiados/as y seleccionados/as se efectuará mediante transferencia bancaria con cargo a la aplicación presupuestaria
3340.481 del presupuesto del Ejercicio Económico 2017.
14.4. Tanto los premios como las ayudas mencionadas se pagarán a cada artista, una vez hecha pública la resolución de la convocatoria y
cumplimentada la ficha de alta de terceros. Para proceder al pago, las/los beneficiarias/os deberán presentar certificaciones de estar al corriente
con Hacienda , la Seguridad Social y con el Ayuntamiento de Mislata.

15. OBLIGACIONES DE LOS BENEFICIARIOS
15.1. Cada premio y ayuda concedidos se considerará definitivamente adjudicado cuando el Ayuntamiento de Mislata reciba la aceptación
escrita por parte de la ganadora o ganador. En caso de no ser así se perderá la condición de premiado/a o de artista seleccionado/a.
15.2. Las y los premiadas/os o seleccionadas/os adquirirán el compromiso de cumplir con los plazos establecidos en los apartados 7.6, 17.2 y
20 de estas bases.
15.3. Deberán presentar documento de alta a terceros que será proporcionado por la organización, declaración responsable y certificados de
estar al corriente con las obligaciones de la Seguridad Social y Hacienda Pública.
16. SUSPENSIÓN Y REVOCACIÓN DEL PREMIO
El incumplimiento por parte de los premiados y seleccionados de las obligaciones expresadas en el apartado anterior de la presente convocatoria
que hagan inviable el proyecto, permitirá que los premios y ayudas puedan ser revocados previo informe motivado de los responsables
del proyecto y previo al trámite de audiencia del interesado, reintegrándose las cantidades que se hubieran percibido.
17.- INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS SELECCIONADAS Y PREMIADAS.
17.1. El montaje de la exposición será coordinado y supervisado por la comisaria de la convocatoria.
17.2. La inauguración de la exposición está prevista para el día 1 de diciembre de 2017 y su clausura para el día 31 de enero de 2018.
18.- PUBLICACIÓN DE CATÁLOGO
18.1. Para mayor difusión de la convocatoria, el Ayuntamiento de Mislata editará un catálogo con las obras premiadas y seleccionadas que se
editará y presentará durante el año 2018.
18.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva los derechos de publicación y reproducción de los materiales gráficos que se deriven de la exhibición
de los trabajos premiados o seleccionados en todos aquellos soportes elegidos para promocionar la difusión de la Biennal Miquel Navarro
de Mislata en cualquiera de sus ediciones.
19. ACEPTACION DE LAS BASES
19.1. El hecho de concursar supone la total aceptación de las presentes bases, quedando el Ayuntamiento de Mislata para dirimir cualquier
eventualidad no prevista en ellas.
19.2. En caso de incumplimiento de este compromiso, por razones de causa mayor, será potestad del Ayuntamiento de Mislata tomar la decisión
que estime conveniente al respecto. Su decisión será inapelable.
20. DEVOLUCIÓN DE LAS OBRAS SELECCIONADAS.
Las obras seleccionadas deberán ser retiradas durante un período máximo de 10 días a partir de la fecha de clausura de la exposición.
21.- PRERROGATIVAS
21.1. El Ayuntamiento de Mislata podrá solicitar información sobre la obra durante su fase de selección.
21.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva el derecho a prorrogar el periodo de exhibición de las obras premiadas.
21.3. El Ayuntamiento de Mislata se reserva la posibilidad de suspender la convocatoria siempre que existan causas mayores.
22. PROTECCIÓN DE DATOS
En virtud de la Ley Orgánica 15/1999, de 13 de diciembre, de protección de datos, le informamos que los datos de carácter personal facilitados
por los participantes serán incorporarados a un fichero. Para el ejercicio de sus derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición,
podrán dirigirse por escrito al registro general del Ayuntamiento de Mislata(Ayuntamiento de Mislata, avenida Gregorio Gea, 34, 46920,
Mislata, (Valencia).
INFORMACIÓN
CENTRO CULTURAL DE MISLATA
Tel. 963 990 370, 963 990 375 y 673379609 (de 8.30h a 14.30h)

+ INFO Y BASES COMPLETAS

La pintura de Javier Lorenzo

Javier Lorenzo
Llotja de Sant Jordi
Plaça Espanya. Alcoi (Alicante)
Del 11 de junio al 30 de julio de 2017

Es Javier Lorenzo (Alicante, 1950) artista de larga y fecunda trayectoria, como demuestran sus más de cuarenta exposiciones individuales y las innumerables colectivas en las que ha participado tras más de cuatro décadas como profesional. Toda una carrera dedicada a pintar y a crear sus composiciones, encuadres o atmósferas. En definitiva, a dar vida dentro del cuadro. En cuanto a su relación con Alcoi, cabe reseñar que anteriormente expuso en la Galería Crida (1978) y en el Centre Cultural (1991), por lo que nos encontramos ante la tercera ocasión en la que la obra de Javier Lorenzo se muestra individualmente en esta ciudad, en una sala de enorme personalidad como es la Llotja de Sant Jordi.

Y es precisamente esta localidad la que, desde el siglo XIX, ha llevado a lo más alto del panorama artístico su renombrada escuela de pintura, a través de unas prolíficas generaciones de artistas locales iniciadas con Antonio Gisbert -que llegó a ser director del Museo del Prado y cuya obra ‘Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga’ sirvió de imagen de la exposición ‘El Siglo XIX en el Prado’- junto con Plácido Francés, Ricardo Navarrete, Lorenzo Casanova, Emilio Sala, Fernando Cabrera, Francisco Laporta y todos sus discípulos. Y ya en el siglo XX, y citados en orden cronológico, Rigoberto Soler, el arquitecto Miguel Abad Miró, Castañer, Saura, Polín Laporta, Mila Santonja, Mario Candela, Rafael Aracil, Llorens Ferri o Antoni Miró, por citar solo a unos pocos de los muchos artistas que han surgido desde la industrialización de la ciudad.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Javier Lorenzo se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia; realiza sus primeras exposiciones individuales en Alicante, en las desaparecidas galerías Set i Mig y Galería 11, en 1975 y 1977. En esa primera etapa y hasta los 80, su obra se movía dentro del ámbito de la abstracción, trabajando también el collage. Generalmente, y debido a la formación académica, la trayectoria de un artista transcurre desde la figuración hasta la abstracción a través de la reducción de elementos, colores o formas pero, en esta ocasión, una vez que Lorenzo llega a esa forma de expresión artística -final del camino para muchos creadores y punto de no retorno-, vuelve nuevamente a la figuración. Un paso a la inversa, apoyado por una vuelta al objeto y a su realidad cotidiana, temáticas con las que el autor se siente cómodo.

Para este pintor, que afirma que no se considera artista, cada cuadro es un reto y alterna tres o cuatro obras a la vez para jugar con los tiempos de secado. Su producción anual no excede de más de seis u ocho obras. En sus composiciones utiliza preferentemente el formato cuadrado o el cuadrado áureo, basado en la teoría de la proporción áurea del matemático italiano Leonardo de Pisa, Fibonacci (c-1175- c.1250) y de cuya aplicación han resultado obras consideradas técnicamente perfectas como el ‘David vencedor de Goliat’ (c.1610) de Caravaggio, ‘Las Meninas”’(1656) de Velázquez, ‘Construcción en rojo y ocre’ (1931) de Joaquín Torres García o la ‘Leda atómica’ (1949) de Dalí, entre otras muchas; por tanto, un formato muy utilizado a lo largo de las diferentes etapas de la Historia del Arte.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Una mirada al pasado nos descubre que, por un lado, el secado más lento y la posibilidad de realizar correcciones junto con una mejor conservación del color, contribuyeron a que los pintores flamencos de finales del siglo XIV y principios del XV se decantaran por la técnica del óleo frente al fresco o el temple. Por otra parte, desde el siglo XVI y por influencia de los pintores venecianos, se va a utilizar la tela como soporte porque ofrece una serie de ventajas frente a la tabla, entre ellas el menor precio y peso, así como la posibilidad de realizar obras de mayor tamaño sin necesidad de recurrir al encolado.

Y precisamente Javier Lorenzo, pintor de oficio aprendido a lo largo de los años y con un excelente dominio de la técnica, trabaja con maestría el óleo aunque también se ejercita en el dibujo y la acuarela. Mezcla el color en la paleta y lo aplica una vez que ha conseguido el matiz que busca. Utiliza veladuras, superponiendo capas de colores oscuros sobre otras opacas más claras, hasta seis o sietes capas de veladuras, con las que consigue dar sensación de luminosidad, densidad, profundidad y transparencia a su pintura y captar la atmósfera de la obra. La calidad del resultado es indudable.

Le gusta leer poesía y busca la inspiración en el simbolismo de Arthur Rimbaud (1854-1891), el lenguaje desnudo y coloquial de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) o el misticismo de San Juan de la Cruz (1542-1591). Entiende sus creaciones como un poema al que va quitando elementos hasta depurar cada obra, invitándonos a descubrir el entorno que le rodea: retratos, paisajes, flores o pequeños detalles que captan su atención. Con un trazo minucioso y un rico y variado cromatismo crea composiciones extraordinariamente realistas. El resultado nos muestra la sabiduría pictórica, la precisión y el buen hacer de un Javier Lorenzo entendible y cercano.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja de Sant Jordi.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja de Sant Jordi.

Temáticamente, y en un primer grupo de obras, se encuentran pequeños objetos, animales o flores que le acompañan en su quehacer diario. Le interesan las transparencias del vidrio y el agua así como la refracción de la luz en esos jarrones que acogen pequeños ramos de rosas o claveles o incluso una única flor que atrae la luz y centra el foco de atención del espectador. El resultado es aparentemente sencillo pero no está exento de dificultad, pues requiere un estudio previo del espectro cromático, de la refracción y descomposición de la luz blanca, natural o artificial, así como de las variaciones que produce al traspasar el vidrio, de las distintas sombras que refleja y que contribuyen tanto a modelar los objetos como a crear el volumen de la obra.

Otro grupo temático lo conforman sus paisajes, rurales o marinos, inspirados en los lugares por los que camina, entornos que siente próximos y en los que se recrea. Busca dejar constancia de un momento determinado de luz o cualquier variación atmosférica. Recuerdan la obsesión de los pintores a plein air por captar el momento, de detenerlo, como si de una fotografía se tratara.

Artistas que comenzaron a salir al exterior -mayoritariamente desde mediados del XIX- a tomar sus apuntes del natural, interesados en apresar cualquier cambio atmosférico y que nada tenían que ver con las obras realizadas en el interior de un estudio. Como podemos ver en estas pinturas, el sol cegador de mediodía, un chubasco, el atardecer, un paisaje nevado o la variación lumínica de cada estación acaparan el interés del autor, que consigue plasmarlos en sus lienzos con una excelente aplicación de las veladuras, en un alarde de técnica y con una gama cromática muy rica en matices en la que dominan los azules, verdes, ocres o grises.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Sobresale el tratamiento que da a los celajes: nubes, nubarrones, nieblas, neblinas, lluvia, chubascos o cielo raso, con el máximo de luminosidad, se abren paso sobre esos caminos que llevan al infinito, resultando así composiciones de profundas perspectivas. La armonía entre luces y sombras crea en nuestra mente la misma sensación que la luz verdadera.

Quizás el Javier Lorenzo más reconocible lo encontramos en las composiciones en las que aparecen sus protagonistas, mayoritariamente de espaldas, que pueden dar la sensación de enigmáticas figuras dentro de la obra pero son, precisamente, las personas que tiene más cerca: su familia, amigos o él mismo. Todos retratados de espaldas y en diferentes paisajes. Pinta a las personas de su entorno, las que le acompañan en el trascurrir de la vida y las que, por medio de la postura, juegan a introducir al espectador dentro de la obra porque tienen el mismo campo de visión haciéndonos así partícipes del paisaje y de las actividades que están realizando.

Para el autor son como las figuras secundarias de las grandes composiciones manieristas que aparecen de espaldas y acaparan el foco de luz de la obra. De la mano de Javier Lorenzo nacen retratos íntimos y personales, de rico colorido. En unas ocasiones, los fondos son planos y brillantes, monocromos, en los que el recurso de la gradación cromática o una pequeña sombra dotan a la obra de sensación de profundidad. En otras ocasiones, las figuras forman parte de una gran atmósfera, como ya hemos comentado anteriormente al hablar de los paisajes, pero todas las obras tienen la impronta de este pintor alicantino.

Podemos encontrar algunas semejanzas con las obras del gran artista del romanticismo Caspar David Friedrich (1774–1840), dotadas de lirismo y evocación, con enorme carga simbólica y alegórica. El pintor alemán presenta a sus personajes frente a la inmensidad de naturaleza, con un amplísimo campo de visión que se extiende hacia el infinito.

En definitiva, las obras de esta exposición transmiten oficio, técnica depurada y expresión profunda e íntima de sentimientos y emociones, plasmados a través de la pintura de Javier Lorenzo.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Obra de Javier Lorenzo. Imagen cortesía de Llotja Sant Jordi.

Pilar Tébar
Associació Valenciana de Crítics d’Art

Hoy finaliza el plazo del Premio de Dibujo DKV-MAKMA

Convocante: DKV Seguros y MAKMA
Dotación: 5.000 euros
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 23 de junio de 2017

BASES PREMIO DE DIBUJO DKV SEGUROS / MAKMA
BECA DE PRODUCCIÓN Y EXHIBICIÓN DE DIBUJO INÉDITO

Descripción
DKV Seguros y MAKMA convocan la III edición del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA con el objetivo de premiar la producción de un proyecto expositivo inédito inspirado en un relato para todos los públicos, utilizando el dibujo contemporáneo como técnica básica.

Espíritu de la convocatoria
El objetivo principal del Premio de Dibujo DKV Seguros – MAKMA es fomentar la producción y difusión del trabajo de artistas noveles a través de una convocatoria anual abierta a la participación de cualquier ciudadano de nacionalidad española que cumpla los requisitos especificados en el apartado condiciones de participación. Los participantes deben presentar una propuesta de proyecto expositivo que acredite su capacidad para llevar a cabo una exposición monográfica en el espacio expositivo del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad, MUviM, en la ciudad de Valencia (véase documento adjunto).
El jurado seleccionará un proyecto ganador que será premiado con una dotación económica de 5.000 € y la realización de una exposición según la propia propuesta presentada por el autor de dicho proyecto. Este proyecto tiene entre sus objetivos servir de experiencia cultural incluso a público en familia, generando anualmente un contenido específico que facilite una aproximación didáctica al arte a personas de cualquier edad.
Los participantes presentarán contenidos inspirados en el universo del relato para todas las edades. Esta condición no obliga a la literalidad ni debe suponer cortapisa para el desarrollo creativo del proyecto. El objetivo de la convocatoria, es fomentar el dibujo contemporáneo y dar a conocer al autor del mejor proyecto reconocido por el jurado dentro de la citada temática.
Los contenidos pueden ser realizados con cualquier tipo de técnica y presentados en cualquier tipo de soporte siempre que su creación comprenda el empleo del dibujo en cualquiera de sus variantes.

Funcionamiento de la convocatoria.
Presentación de propuestas.
(10/04/2017 – 23/06/2017)
Las propuestas expositivas deben presentarse, de acuerdo a lo estipulado en el apartado “Condiciones para la participación”, entre las 8:00 h del 10 de abril de 2017 y las 24:00 h del 23 de junio de 2017.

Comunicación al ganador.
Un jurado formado por expertos elegido por las entidades organizadoras, seleccionará la propuesta premiada. El fallo será notificado individualmente a los ganadores así como a los medios de comunicación antes del día 30 de junio de 2017.

Producción de la exposición.
(01/07/2017 – 01/12/2017)
Desde el conocimiento del fallo del jurado, el premiado dispone de cinco meses para producir el proyecto expositivo propuesto. Durante todo este proceso, el premiado será asesorado y guiado por los profesionales de las entidades organizadoras. Para la producción de su obra, el premiado dispondrá de la dotación económica de los 5.000 € del premio con los que cubrirá sus honorarios y los gastos de producción. Asimismo, dispondrá de un equipo para el montaje de las obras y la instalación de los diferentes elementos de la exposición. El día 30 de noviembre de 2017 el galardonado debe tener la obra lista para la realización de la exposición. El premiado será el responsable del proceso de producción, y deberá aportar un proyecto completo de exposición, contando para el montaje, con la dirección, coordinación y organización de una persona acreditada por parte de los organizadores.

Exposición.
(14 de diciembre de 2017 a 14 de enero de 2018)
La organización hará pública la fecha concreta de inauguración de la exposición el día 29 de junio, junto con el fallo del jurado.

Condiciones para la participación
La organización solo tomará en consideración aquellas propuestas que cumplan estrictamente con todas y cada una de las condiciones siguientes:
- La convocatoria está abierta exclusivamente a la participación de artistas nacidos a partir del 1 de enero de 1977 y de nacionalidad española. En caso de colectivos, todos los miembros del mismo deberán cumplir los requisitos.
- El proyecto debe:
Ser original, inédito, específico y adaptado al espacio. No se admitirán en esta convocatoria aquellos trabajos que hayan sido editados, expuesto, publicados o premiados anteriormente, por tratarse de una producción específica.
Circunscribirse a la temática establecida en estas bases.
Emplear técnicas artísticas vinculadas al dibujo.
- El autor del proyecto ganador:
Cederá una selección de las obras presentadas en la exposición a la Colección DKV, sin que ello suponga una contraprestación económica adicional a la dotación del premio. La selección se realizará por parte del Comité asesor de la Colección DKV, de acuerdo a las características de la obra y valorando las sugerencias del propio autor. DKV Seguros tendrá prioridad en la adquisición de las obras incluidas en la exposición. Para concretar esta donación, el artista entregará las obras seleccionadas en el almacén de la Colección DKV y firmará con DKV Seguros los documentos pertinentes.
Cederá a MAKMA y DKV Seguros los derechos de comunicación pública de las obras del proyecto con fines promocionales, para la incorporación a la web, fines didácticos y de investigación.

Muchedumbre I, de Cristina Ramírez, galardonada en la pasada edición

Muchedumbre I, de Cristina Ramírez, galardonada en la pasada edición

Criterios de valoración
Los proyectos serán valorados por un jurado formado por personas relevantes del mundo del arte y la comunicación en función de los siguientes criterios:
- Calidad artística de los proyectos presentados.
- La viabilidad técnica de la propuesta en cuanto a su ejecución en función de los plazos y el presupuesto.
- La originalidad en la aproximación del proyecto a la temática propuesta: “un relato para todas las edades”
- Se valorará el grado de innovación del proyecto en cuanto a la adaptación a posibles actividades relacionadas. Especialmente si son didácticas.
- La capacidad para combinar las técnicas tradicionales de dibujo con técnicas contemporáneas.

Jurado
La valoración y selección de la obra premiada corresponde a un Jurado compuesto por expertos en la materia y elegido por DKV Seguros y MAKMA. La composición del jurado de esta edición es la que sigue:
- Alicia Ventura, comisaria de exposiciones y asesora del Proyecto ARTERIA DKV.
- Vicente Chambó, Editor, fundador y director de El Caballero de la Blanca Luna y cofundador de MAKMA.
- Inmaculada Corcho, Directora del Museo ABC de dibujo e ilustración.
- Óscar Alonso Molina, comisario y crítico de arte.
- Juan Bautista Peiró, Asesor de la Colección DKV.
- Antonio Alcaraz, Director del Departamento de Dibujo de la FFBBAA San Carlos. (UPV)
- Rafael Company, Director del MUvIM
Las decisiones del jurado son inapelables.
Teniendo en cuenta la calidad de las obras presentadas, el jurado podrá declarar el premio desierto.

Exoneración de responsabilidad
DKV Seguros y MAKMA quedan exentos de toda responsabilidad que pudiera derivarse de los posibles errores existentes en los datos facilitados por los premiados, inexactitudes de los mismos o imposibilidad de identificación. Igualmente quedarán exentos de responsabilidad en caso de error en la entrega de cualquier premio siempre que éste se deba a causas fuera de su control o a la falta de diligencia del ganador.
Asimismo, los organizadores quedan exonerados de cualquier responsabilidad legal derivada del contenido de la obra presentada, haciéndose responsable el autor de la observación del marco legal relativo a los contenidos artísticos.

Aceptación de las bases
La simple participación en este proyecto supone la aceptación de estas bases en su totalidad. DKV Seguros y MAKMA se reservan el derecho de interpretar o modificar las condiciones del presente concurso en cualquier momento, e incluso de anularlo o dejarlo sin efecto, siempre que concurra causa justificada para ello. En todo caso, se comprometen a comunicar por esta misma vía las bases modificadas, o en su caso, la anulación del concurso en su conjunto, de forma que todos los participantes tengan acceso a dicha información.

Protección de datos
Se informa al solicitante que los datos personales recogidos serán incorporados a las bases de datos de MAKMA, responsable del fichero, con domicilio en Calle En Borràs, 16, Bajo. Derecha. Valencia, y serán tratados con la finalidad de atender y gestionar la solicitud de participación formulada. Los datos recabados han de cumplimentarse obligatoriamente, pues de otro modo no podría ser atendida la solicitud.En cualquier momento, el participante podrá ejercer sus derechos de acceso, rectificación, cancelación u oposición dirigiéndose al correo convocatorias@makma.net y concretando su solicitud.
El participante garantiza la autenticidad de todos aquellos datos que comunique, y se compromete a mantener actualizados los mismos durante el período de duración de la convocatoria, siendo responsable de todos los daños y perjuicios ocasionados por la aportación de datos incompletos, inexactos o falsos.

Presentación de propuestas
- Nombre, fotocopia DNI por ambas caras y datos de contacto (dirección completa, e-mail, teléfono).
- Currículum del artista (máximo 300 palabras)
- Dossier con la propuesta de proyecto expositivo debidamente desarrollado incluyendoal menos:
- Título del proyecto
- Memoria escrita: descripción del proyecto.
- Justificación de su aproximación a la temática propuesta.
- Documentación visual de las obras propuestas en PDF.
- Propuesta de adaptación del proyecto al espacio expositivo.
- El envío de todo ello se realizará obligatoriamente por correo electrónico a la dirección convocatorias@makma.net.

En el asunto debe indicarse el nombre de la convocatoria y del participante.
Toda la información deberá presentarse obligatoriamente en un único PDF. Las imágenes de las obras pueden enviarse además en JPEG para una correcta valoración.

A continuación se ofrecen algunos consejos para la presentación de propuestas:
a) Los participantes no están obligados a presentar el total de la obras a exponer. Es suficiente con aportar un número suficiente de piezas que permitan al jurado valorar la calidad del contenido y el significado del mismo. Es fundamental que las imágenes sean de gran calidad para poderse evaluar. La convocatoria prevé el plazo de producción de 5 meses indicado anteriormente para desarrollar el cuerpo expositivo.
b) El formato de la memoria es libre, pero debe atender a los criterios establecidos más arriba.
c) Siendo las técnicas de dibujo las protagonistas del proceso creativo, se valorará el uso libre del conjunto de la sala y el empleo de todo tipo de técnicas para la reproducción-exhibición de las obras.

BASES_PREMIO_DIBUJO_DKV-MAKMA_2017-8

Información y consultas
Para cualquier información adicional o consultas sobre la convocatoria se puede contactar con: convocatorias@makma.net o en el teléfono 963916678 – 670421982 Los resultados de esta convocatoria de carácter abierto serán anunciados en www.makma.net y mediante comunicado a los medios de comunicación y redes sociales. La participación de esta convocatoria implica la aceptación de las presentes bases.

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78 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas

Convocante: Ayuntamiento de Valdepeñas
Dotación: 28.000 euros
Modo de presentación: envío de la obra
Plazo de admisión: hasta el 14 de julio de 2017

BASES

PREMIOS
MEDALLA DE ORO DE LA EXPOSICIÓN instituida por el Excmo. Ayuntamiento de Valdepeñas, dotada con 15.000 euros, a una de las obras presentadas al certamen, ya sea de la sección de pintura o de escultura. FONDO DE ADQUISICIÓN DE OBRA
Excmo. Ayuntamiento de Valdepeñas. 15.000 € Excma. Diputación Provincial de Ciudad Real. 7.000 € Francisco Delgado ABOGADOS. 3.000 € Obra Social “La Caixa”. 3.000 €
La organización de la Exposición pondrá a disposición del Mecenazgo de la ciudad de Valdepeñas la obra seleccionada por el jurado que podrá ser adquirida por el mismo.

1. Se admitirá obras de pintura y escultura. Las obras de pintura tendrán unas dimensiones mínimas de 100 x 81 cm. y máximas de 250 cm., en cualquiera de sus dimensiones. Las de escultura no excederán de 2 m. de altura. 2. El número máximo de obras que podrán presentar los participantes será de DOS, que no hubieran sido presentadas a este certamen, ni premiadas en cualquier otro. 3. La obra premiada con la MEDALLA DE ORO DE LA EXPOSICIÓN quedará en poder del Museo Municipal de Valdepeñas, y las obras adquiridas por otras entidades quedarán en poder de éstas. 4. Serán responsabilidades del jurado calificador:ç a) Rechazar aquellas obras que no se ajusten a las bases de esta convocatoria. b) Seleccionar aquellas obras que consideren de un mayor interés para ser exhibidas. c) Deliberar y decidir sobre los premios de esta convocatoria. Dicho jurado está facultado para declarar desierto el premio MEDALLA DE ORO DE LA EXPOSICIÓN y conceder las menciones honoríficas que estime oportunas. Todas las decisiones del jurado serán inapelables. 5. El artista galardonado con las MEDALLA DE ORO DE LA EXPOSICIÓN, no podrá optar a ella en los dos certámenes siguientes, pero sí a participar en el Fondo de Adquisición de obra. 6. Las obras se presentarán en el Pabellón Ferial “Esteban López Vega”, (Avda. del Vino, s/n. 13300 Valdepeñas, Ciudad Real), de lunes a viernes, de 10:00 a 13:30 y de 18:00 a 20:30 horas, o se enviarán a través de cualquier medio de transporte que garantice su entrega en la citada dirección. El plazo de recepción de obras será del 26 de junio al 14 de julio de 2017. Los gastos de envío correrán por cuenta de los autores. Solicitud de bases e información:
En el teléfono 926329200 Ext. 158 ó 167 Correo electrónico cultura@valdepenas.es En la página web
www.valdepenas.es
. En el blog:

http://culturavaldepenas.blogspot.com

7. Cada autor deberá haber firmado sus obras, y llevará reseñado al dorso: el nombre, apellidos y domicilio completo del autor, título, dimensiones, fecha de ejecución y procedimiento o materia empleada; asimismo deberá adjuntar un archivo digital con la imagen de las obras presentadas, con calidad suficiente para su reproducción, currículum vitae y D.N.I. De no aportar el material gráfico reseñado, en caso de ser seleccionada la obra, no figurará en el catálogo. Se hará constar obligatoriamente el remite completo y teléfono del artista para devolver aquellas obras que hayan sido enviadas por agencia de transporte. 8. Con todas las obras seleccionadas se realizará un catálogo del Certamen, en el que se imprimirá la obra expuesta. A tal efecto los autores seleccionados cederán los derechos de reproducción y exhibición a favor de la entidad organizadora. 9. La participación en el concurso se hará por medio del boletín de inscripción que va unido a las bases. Dicho impreso se entregará debidamente firmado y cumplimentado. 10. Todos los cuadros se presentarán sin enmarcar, siendo preferible presentarlos con un junquillo o listón con una anchura no superior a 2 cms. El Ayuntamiento de Valdepeñas no responderá de la pérdida, deterioro o sustracción de las obras que sean entregadas, aún cuando esto se produzca por caso fortuito o de fuerza mayor, siendo de cuenta y riesgo del autor de la obra los daños que por cualquier causa pudieran sufrir las mismas durante el tiempo que permanezcan en posesión del Ayuntamiento de Valdepeñas. El concursante podrá contratar, por su cuenta, la clase de seguro que ampare los riesgos aludidos anteriormente, sin que pueda reclamar al Ayuntamiento de Valdepeñas cantidad alguna por dicho concepto. 11. Con las obras seleccionadas se organizará una exposición que será inaugurada el día 27 de agosto de 2017 en el Centro Cultural “La Confianza” (Real, 9). En este acto se hará entrega de la Medalla de Oro de la Exposición. 12. El jurado se reunirá en la fecha prevista por la organización y no admitirá excepción alguna, en cuanto al plazo señalado para la recepción de obras. El fallo del jurado calificador se hará público una vez firmadas las actas, y en su defecto en el acto de apertura de la exposición. El jurado de admisión podrá ser el mismo que el de calificación. 13. Al premio y adquisiciones, si las hubiere, se les aplicará las retenciones legales vigentes. 14. Las obras no seleccionadas se retirarán: • Del 1 al 18 de agosto (de lunes a viernes), en el Pabellón Ferial “Esteban López Vega” (Avda. del Vino, s/n), mediante la presentación del Recibo-Resguardo que se dio en el momento de su recepción. Las recibidas a través de cualquier medio de transporte se devolverán por la misma agencia, siempre a portes debidos, durante el mes de agosto. No se comunicará la fecha de devolución a los autores. • A partir del 3 de octubre en el Centro Cultural “La Confianza” (Real, 9). 15. Si en el plazo máximo de tres meses, a partir de la clausura de la exposición, no se hubieran retirado las obras por parte de sus autores se entenderá que renuncia a su propiedad y pasarán a formar parte del Patrimonio Municipal de la Ciudad de Valdepeñas. 16. La participación en el presente certamen supone la aceptación de las presentes bases. La interpretación de las mismas corresponde al Jurado. La información se irá colgando en www.valdepenas.es y en el blog http://culturavaldepenas.blogspot.com

Imagen de portada: Las Estancias del Capitán, de Emilio González Sainz galardonado en 2015

32º Premio BMW de pintura

Convocante: BMW España
Dotación: 43.000 euros
Plazo de admisión: hasta el 27 de julio 2017
Modo de presentación: online

BASES DEL 32º PREMIO BMW DE PINTURA

El 32º Premio BMW de Pintura queda convocado de acuerdo a las siguientes bases:

Categorías:

1. El 32º PREMIO BMW DE PINTURA incluye las cuatro (4) categorías siguientes:

- Premio BMW de Pintura

- Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica

- Premio a la Innovación

- Premio BMW al Talento más Joven

2. Las presentes bases son comunes a las cuatro (4) categorías del 32º PREMIO BMW DE PINTURA, con las especificaciones particulares que se establecen más adelante para cada una de ellas.

Entidad Organizadora:

3. La organizadora del 32º PREMIO BMW DE PINTURA es la sociedad BMW Ibérica, S.A., con domicilio social en Avda. de Burgos, nº 118, CP 28050, Madrid, y NIF A-28713642.

Condiciones de Participación:

4. El 32º PREMIO BMW DE PINTURA, en sus cuatro (4) categorías, tiene ámbito nacional, pudiendo participar en el mismo, de forma gratuita, los pintores españoles o extranjeros residentes en España, mayores de 18 años, a salvo de la edad requerida para participar en el Premio BMW al Talento más Joven, tal como consta más adelante.

No obstante lo anterior, no podrán concurrir a la presente edición del 32º PREMIO BMW DE PINTURA quienes, en cualquier edición anterior, hubieran obtenido el Premio BMW de Pintura. Los ganadores en ediciones anteriores de la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica, así como del Premio BMW al Talento más Joven, no podrán optar tampoco a dichos premios; sin embargo, podrán concurrir al Premio BMW de Pintura y al Premio a la Innovación. En particular, los ganadores del Premio BMW al Talento más Joven podrán concurrir al Premio BMW de Pintura y al Premio a la Innovación siempre que sean mayores de edad en la fecha límite de envío de las obras.

La participación en el 32º PREMIO BMW DE PINTURA comporta la plena aceptación de las presentes bases, sin excepción alguna, por lo que los participantes quedan obligados a su estricto cumplimiento en todo momento.

5. Tanto el tema como la técnica pictórica a utilizar serán de libre elección. No se podrá hacer alusión a ninguna marca comercial y de ningún modo el contenido de la obra podrá ser ofensivo, en el más amplio sentido. De hecho, la organización se reserva el derecho a no admitir las candidaturas que, según su criterio, no cumplan con las condiciones técnicas, artísticas y/o legales exigidas por el certamen, o que hieran la sensibilidad de las personas, inciten a conductas violentas, discriminatorias o contrarias a los usos sociales.

6. Cada autor podrá participar con un máximo de cinco obras que podrán ser obras independientes o formar parte de una misma serie. En cualquier caso, ningún participante podrá ser premiado por más de una obra en una misma edición. Estas obras no podrán haber sido premiadas en ningún otro certamen. Este extremo será acreditado mediante declaración jurada. Las obras se entregarán firmadas al dorso, donde figurará claramente el nombre y apellidos del artista, así como el título de la misma.

7. Los cuadros deberán estar terminados y listos para presentar físicamente en el momento de presentar la candidatura.

8. Las obras no serán inferiores a 100 x 81 centímetros ni superiores a 195 x 195 centímetros. No se aceptarán obras realizadas con técnicas digitales y en caso de ser técnica mixta se deberán especificar los materiales utilizados en la misma. En el caso de las obras requeridas para su presentación física estarán además obligatoriamente enmarcadas con un listón cuya anchura no superará los 3 centímetros visto de frente. No serán admitidas las obras protegidas con cristal. Tampoco serán admitidas las obras que requieran un armazón de metacrilato o materiales similares.

Mecánica de Participación:

9. La participación en el 32º PREMIO BMW DE PINTURA se llevará a cabo exclusivamente a través de internet. Los participantes se deberán inscribir remitiendo su candidatura a través de la página web www.premiodepintura.bmw.es. En dicha página web encontrarán un formulario a rellenar, en el que podrán adjuntar hasta un máximo de cinco (5) fotografías de cada obra que se presente al concurso (se pueden presentar un máximo cinco obras) además de la documentación referida en el punto 15 de las presentes bases.

10. El plazo de participación del 32º PREMIO BMW DE PINTURA comienza el 30 de mayo de 2017 a las 12h del mediodía (gtm+1) y finaliza el 27 de julio de 2017 a las 12h del mediodía (gtm+1). No se aceptará envío alguno fuera de dicho plazo. BMW Ibérica, S.A. se reserva el derecho a ampliar dichos plazos si así lo estimase oportuno.

11. Durante el mes de septiembre de 2017 el Jurado elegirá de entre todos los candidatos a 30 artistas que tendrán la condición de preseleccionados en el premio BMW de pintura.

La lista de los 30 preseleccionados se hará pública en la web y se notificará personalmente a los interesados.

12. La organización del Premio BMW de Pintura se pondrá en contacto con los 30 artistas preseleccionados para recoger las obras originales en el mes de septiembre. No obstante las obras deben de estar preparadas para su recogida antes del cierre de la convocatoria.

BMW Ibérica, S.A. asumirá el coste del seguro y del transporte de dichas obras. Las obras tendrán que estar debidamente embaladas. El embalaje deberá ser rígido con formato caja o similar de tal manera que permita una apertura y cierre fácil para su reutilización en el traslado a la exposición y para su posterior devolución.

13. BMW Ibérica, S.A. no se responsabiliza del eventual deterioro de las obras durante el transporte de las mismas o por motivo de un embalaje inadecuado.

14. BMW Ibérica, S.A. permite presentar un máximo de cinco (5) obras a concurso por cada participante. Además, quiere premiar las obras evaluando la potencialidad del artista. Para tal fin, los participantes deberán rellenar el formulario de inscripción que aparece en la sección “Participa” de la página web www.premiodepintura.bmw.es, acompañado de la siguiente documentación técnica:

- DNI o tarjeta de residencia en formato PDF (opcional).

- Currículum Vitae indicando la trayectoria profesional del artista en formato PDF.

- Hasta un máximo de cinco (5) fotografías de cada obra que presenta al premio en formato JPG y con un peso máximo de 3 megabytes por imagen.

- Título de la/las obra/s que presenta (opcional).

- Medidas reales de la/las obras que presenta (alto x ancho).

- Breve descripción de la/las obra/s que presenta. Máximo 1.200 caracteres espacios incluidos (opcional).

- Dossier con trabajos de los últimos años en formato PDF (opcional).

- En el caso de los participantes al Premio BMW al Talento más Joven, autorización firmada del padre, madre o tutor legal en formato PDF.

Los documentos adjuntos en formato PDF no podrán exceder los 3 megabytes de peso por documento.

De entre las candidaturas presentadas, el Jurado seleccionará aquellas que considere más adecuadas, evaluando la calidad de la/s obra/s presentadas en relación a los lenguajes del arte contemporáneo.

Fallo de los Premios:

15. El jurado que decidirá la concesión del 32º PREMIO BMW DE PINTURA seleccionará un máximo de 30 obras para su recepción física. Dichas obras podrán formar parte de la exposición final que se celebrará en Madrid al término de la convocatoria. De entre las 30 obras preseleccionadas y recibidas físicamente, el jurado elegirá en el mes de octubre de 2017 la lista de 10 finalistas, que será publicada en la página web del premio y de la que saldrán los cuatro premios principales. Los nombres de los cuatro ganadores se darán a conocer el día de la gala de entrega de galardones, que se celebrará en el Teatro Real de Madrid.

16. El fallo del jurado será inapelable.

Gala de Entrega de Galardones del 32º PREMIO BMW DE PINTURA:

17. Los nombres de los cuatro galardonados se darán a conocer en la gala de entrega de premios que tendrá lugar en el Teatro Real de Madrid y a la que estarán invitados los 10 artistas finalistas.

Dotación Económica y Fiscalidad de los Premios:

18. Dotación Económica. El 32º PREMIO BMW DE PINTURA está dotado con las siguientes cantidades para los ganadores de cada categoría:

- Premio BMW de Pintura: 25.000 euros

- Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica: 8.000 euros

- Premio a la Innovación: 6.000 euros

- Premio BMW al Talento más Joven: 4.000 euros

Ninguno de los indicados premios podrá ser dividido ni declarado desierto.

Fiscalidad:

- Serán por cuenta de los premiados todos los impuestos que graven la percepción de los premios, sin perjuicio de lo señalado en el punto siguiente respecto de la retención aplicable.

- De conformidad con la vigente legislación española, los premios objeto de este Concurso estarán, en principio, sujetos a retención del IRPF o del IRNR. BMW Ibérica, S.A., asumirá adicionalmente y como parte del premio el importe de la retención a practicar, en su caso.

- Las demás repercusiones fiscales que la obtención del premio tenga en la fiscalidad del premiado, será por cuenta de éste, por lo que BMW Ibérica, S.A., queda exonerado de cualquier responsabilidad al respecto.

Adquisición de la propiedad de las obras premiadas por la entidad organizadora:

19. Las obras premiadas en cada una de las categorías del 32º PREMIO BMW DE PINTURA pasarán a ser propiedad de BMW Ibérica, S.A. en la fecha en la que se haga público el fallo del jurado. Las dotaciones económicas indicadas con anterioridad incluyen la contraprestación que, en su caso, como cantidad alzada procedería satisfacer a los autores galardonados por la adquisición de sus obras. La adquisición de la exclusiva propiedad de las obras premiadas incluye asimismo la de cualesquiera derechos de explotación, distribución, exhibición, divulgación, reproducción, transformación, comunicación pública, etc., y, en, general cualesquiera derechos legalmente transmisibles, en su más amplia acepción y con el máximo alcance legalmente posible, que podrán ser ejercitados por BMW Ibérica, S.A. en la forma en que tenga por conveniente y sin limitación temporal o territorial alguna.

20. En cuanto que propietaria de las obras galardonadas, BMW Ibérica, S.A. se reserva el derecho a reproducir las mismas en diferentes soportes, para lo que utilizará las técnicas más apropiadas y de mayor calidad. En el caso de optar por dicha reproducción, el autor se obliga a firmar cada copia en caso de que sea necesario.

Exposición del 32º PREMIO BMW DE PINTURA:

21. BMW Ibérica, S.A. se reserva la posibilidad de celebrar una exposición en Madrid al término de la convocatoria. A tal efecto, los autores de las 30 obras preseleccionadas y cuya propiedad, de conformidad con las presentes bases, no resulte objeto de transmisión a BMW Ibérica, S.A., ceden las mismas en depósito a favor de BMW Ibérica, S.A., a título gratuito y durante el plazo de un (1) año a partir de la fecha en que se haya hecho público el fallo del jurado. Dicha cesión incluye asimismo la de los derechos de reproducción, exhibición, divulgación y comunicación pública en su más amplia acepción, durante el indicado plazo.

22. Los autores elegidos en calidad de preseleccionados tendrán la obligación de asistir a la exposición que se realice en Madrid con las treinta (30) obras seleccionadas al término de la convocatoria, en caso de que ésta se desarrolle. En caso de que un autor no asistiera de forma injustificada a la exposición antes mencionada BMW Ibérica, S.A. se reserva el derecho a excluir su obra tanto de la exposición como de la posibilidad de optar a la consecución de cualquiera de los premios.

Retirada de Obras no Premiadas:

23. Las obras no premiadas de conformidad con el apartado 16 serán enviadas al autor a la dirección que se especifique en el formulario de inscripción de la convocatoria. No se podrá cambiar la dirección orginalmente failitada en el formulario de inscripción. Dichas obras serán devueltas tras la finalización de la exposición a la que se refiere el apartado 23 de las presentes bases.

BMW Ibérica, S.A. pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero declina toda responsabilidad por extravíos, daños, robos o cualquier otro acto que se pueda producir durante su transporte, depósito o exhibición.

Condiciones de participación específicas

24. Condiciones particulares para cada categoría a concurso:

Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica:

- Será concedida a uno de los tres participantes más jóvenes de entre los 30 pintores seleccionados para participar en la exposición del 32º PREMIO BMW DE PINTURA, cuya obra tenga la mejor calidad artística y pictórica.

- La obra galardonada con el Premio BMW de Pintura no podrá ser al tiempo ganadora de la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica.

- El galardonado con la Beca facilitará, en el plazo de dos (2) meses desde la entrega del premio, una memoria del trabajo que se proponga realizar a lo largo del semestre posterior a la concesión de la Beca, en España o en el extranjero, la cual habrá de tener relación con el tema estipulado en dicha Beca.

- Del total importe con el que se dota la Beca, de conformidad con el apartado 20, el galardonado recibirá 5.000 euros al iniciar su proyecto y el resto al concluir el semestre señalado en el apartado anterior, previa presentación de la obra a la que se hace referencia en el apartado siguiente.

- Al concluir el semestre señalado, el galardonado presentará una obra que refleje el rendimiento de su investigación, el cual será cedida en propiedad a BMW Ibérica, S.A.

Premio a la Innovación:

- El Premio a la Innovación será concedido a uno de los participantes del 32º PREMIO BMW DE PINTURA, cuya obra presente un carácter creativo e innovador, tanto desde el punto de vista estético como conceptual. Se trata de premiar la búsqueda de nuevos conocimientos, de nuevos retos o nuevas soluciones pictóricas a través de la investigación.

- La obra galardonada con el Premio BMW de Pintura no podrá ser al tiempo ganadora del premio a la Innovación.

Premio BMW al Talento más Joven:

- Podrán concurrir al Premio BMW para el Talento más Joven los residentes en España cuya edad el día 27 de julio de 2017, fecha límite para la entrega y recepción de las obras, se encuentre comprendida entre los ocho y los doce años de edad.

- Cada autor podrá participar con un máximo de cinco (5) obras, que deberán ser originales y no premiadas en ningún otro certamen. La técnica a utilizar será exclusivamente dibujo con lápiz, lápiz de cera, acuarela o guache, y el soporte será papel, específico en función de la técnica utilizada. Las medidas de los cuadros no serán inferiores a 21×30 centímetros, ni superiores a 70×100 centímetros, en cualquiera de sus lados.

- Las obras que resulten seleccionadas al premio BMW al Talento más Joven deberán ser entregadas enmarcadas.

- El ganador del Premio BMW al Talento más Joven recibirá la dotación indicada en el apartado 20, que será administrada por los padres o tutor/es del ganador, con la finalidad de cultivar su talento artístico.

Más información
Imagen de portada: obra de Miki Leal, ganador de la pasada edición.

La razón cromática de Joaquín Capa en Galería 9

‘Colores abiertos’, de Joaquín Capa
Galería 9
Conde de Salvatierra 9, Valencia
Hasta el 16 de junio de 2017

Galería 9 acoge, hasta el 16 de junio de 2016, la exposición ‘Colores abiertos’, del artista santanderino Joaquín Capa, una selección de lienzos y obra gráfica enmarcada por la propia galería, reportadora de un lúcido testimonio conceptual que perfila, perseverantemente, la idiosincrasia del trabajo de uno de los excelsos e imprescindibles artistas y grabadores españoles del último medio siglo, autor de más de ochocientas ediciones de grabado a lo largo de su extensa trayectoria.

‘Colores abiertos’ supone un ejercicio reiterativo de las claves que vienen particularizando el devenir de sus inquietudes, asentando un mapa testimonial que huye, premeditadamente, de los microcosmos de la realidad no pictórica, solidifando un sostenido ejercicio de reflexión acerca los elementos y componentes esenciales de la pintura, polarizados en torno de motivos cromáticos que gozan ya de preeminencia desde la nominación de cada una de las obras, abogando por la centralidad del color que habita, verbigracia, en ‘Círculos azules color’, ‘Gris amarillo’, ‘Yellow yellow color’ o ‘Azul oro color’.

Imagen de la obra 'Seaside', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Imagen de la obra ‘Seaside’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Concebidas como un encuentro molecular con los límites de la materia, las manchas de color formulan espacios abstractos, se erigen en filtros imperfilados de la realidad, en la que habitan las geometrías euclídeas, las circunferencias que moran, como una constante, en casi toda su obra gráfica y pictórica, a la que incorpora, como una dilatada novedad, el empleo de tonos fluorescentes que, combinados con el empleo de tonos unificados del collage, posibilitan piezas como las que pertecen a la serie ‘Variante’ -’Variante Amarilla (Frankfurter Allgemeine)’, ‘Variante Amarilla (The Times)’ y ‘Variante Dos Flo (Il Messaggeri)’, a la que debe sumarse la ‘Variante’ del periódico ABC, no presente en la exposición-.

La obra, la existencia y el oficio de Joaquín Capa debe entenderse mediante un planteamiento de equilibrios entre los céfiros informalistas que rubrican sus influjos y la evolución heterodoxa de su dominio con el grabado, técnica con la que su punta seca sobre el zinc ha propiciado sus definitivos surcos como referencia incuestionable en este universal territorio de la impresión y cuyos fundamentos -en sempiterna huida de los plúmbeos academicismos- se han transformado en sostenido magisterio internacional, de América Central a la cosmpolita ciudad de Bhopal -en el centro de la India- en la que le fue premiado en su I Bienal Internacional, o sus sucesivas visitas a la Universidad de Baroda -en el centro oeste del vastísimo país asiático-, desde los albores de los años ochenta.

La relación de Capa con el grabado se gesta desde la estocástica, desde su primigenio manejo con el dibujo a plumilla en tinta china, recién cumplida su formación pictórica en la Escuela de Bellas de San Fernando -en la que sería alumno de primer curso de Antoñito López (cálido diminutivo con el que el artista se refiere al ínclito pintor de Tomelloso)-, en pleno distanciamiento de los postulados realistas que se manejaban por la gélida Meseta Central, trufada de vetustos radiodores y otros motivos de lo consuetudinario que alimentaban el manejo con los óleos.

Imagen de detalle de la obra 'Variante Amarilla (The Times)', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Imagen de detalle de la obra ‘Variante Amarilla (The Times)’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Se revelan, entonces, la figuras del grabador de orgien griego Dimitri Papagueorguiu -erigido en referencia de la técnica y sus enseñanzas desde el madrileño Estudio Boj, por el que han transitado los más ínclitos grabadores del horizonte artístico español desde 1958, Joaquín Capa entre ellos- y el artista británico Stanley William Hayter, uno de los grabadores más relevantes del siglo XX, en cuyo taller parisino -compartiendo vecindad con el conspicuo escultor suizo Alberto Giacometti- Capa, becado por la Fundación Juan March, incursiona, a mediados de los años setenta, en los territorios del empleo del color a través del aprendizaje de la técnica que porta, homónima, el también químico y geólogo londinense.

Ambas formaciones magistrales alimentan la focalización y predilección del artista santaderino durante más de tres lustros de dedicación exclusiva con las prensas, el entintado de láminas y las suaves crestas de metal que rebaban la superficie de la obra, y no sería hasta mediados de los años ochenta cuando se reconcilia con la pintura, sobre la que vuelca toda su experiencia con el grabado y a la que nutre con la interacción de texturas y el raspado como fuente de visualización de la tela, con el fin de controlar cuanto de indómito y mórbido habita en el lienzo como soporte. Existe en Capa, en consecuencia, una estrecha consanguinidad entre el grabado y la pintura, mediante una constante metodológica que impide el simultaneismo, en tanto que el artista concibe ambos territorios como oficios distintos que requieren de postulados formales antagónicos.

‘Colores abiertos’ permite, de este modo, aproximarse al oficio del sobresaliente acerbo técnico y creativo de un artista cuya perseverante inquietud por la síntesis aditiva del color ha posibilitado la génesis de un surco de abstracción que porta consigo la firma inconfundible y estilística de Joaquín Capa.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición 'Colores abiertos', en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición ‘Colores abiertos’, en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

 

Retener la mirada

Retenir la mirada, de Maria González
Espai d’Art Colón
El Corte Inglés de Colón
C / Colón 27. Valencia
Hasta el 28 de mayo de 2017

Irregulares, imperfectas e inacabadas como pedacitos de naturaleza en miniatura, así se presentan las piezas que María González expone en el Espai d’Art Colón. La artista apuesta por un lenguaje plástico centrado en destacar la poética intrínseca de la materia con la que trabaja. Para ello, selecciona materiales que por sus características y posibilidades le resulten sugerentes para darles un especial protagonismo, sin tratamientos o procedimientos que oculten su naturaleza.

Sus obras son la exaltación de la esencia. Compone con elementos como la textura y el cromatismo del papel o la tela del soporte, la densidad del pigmento, la transparencia de la acuarela y las distintas cualidades del papel japonés. En sus piezas se manifiesta la imperfección y la asimetría, la aproximación a lo no elaborado. La búsqueda de un equilibrio entre lo opaco y lo transparente, lo tosco y lo sutil, el ocultamiento y el descubrimiento. Conceptos que tienen que ver también con su manera de entender la materia y la idea de imperfección.

María González.

María González en su exposición ‘Retenir la mirada’. Imagen cortesía de CDAVC.

“Podría decirse que en mi trabajo predomina la racionalidad adaptativa: no pretendo transformar los materiales en algo que no son, pues me parecen válidos y valiosos en su estado original. Partiendo de esto, trato de emplear procedimientos que los varíen mínimamente de manera que sigan conservando su esencia, intentando establecer un equilibrio compositivo entre los distintos elementos”. La artista marca el acento en los detalles no intencionados tanto en su proceso creativo como en el resultado. Lo orgánico enraíza con la sencillez y sutileza de una obra que aparenta estar en constante proceso, inacabada e imprecisa.

Las composiciones de la autora se basan en conceptos opuestos buscando el equilibrio entre luz y oscuridad o transparencia y opacidad. Sensaciones que consigue transmitir con pintura aguada que desdibuja la textura contrastando las zonas más rotundas y saturadas de algunos de sus cuadros. La materia es importante en la obra de esta joven artista que busca que el material transmita lo que le interesa sin tener que modificar su esencia. Juega con los distintos gramajes del papel buscando opacidades distintas que den la sensación de diferentes planos.

El material que utiliza le permite incidir de maneras distintas tanto en los teñidos previos como durante la elaboración de la composición. O en los cortes de la fibra en tiras que dejan entrever lo que hay debajo. Los equilibrios entre pesos visuales de la textura del papel o el soporte mismo compensan la sensación más tosca de la pintura negra con las sutilidades de algunas piezas, dando la sensación de impermanencia, con líneas abiertas que salen del límite del cuadro, casi como invitando a continuar con la mirada, como si en cualquier momento fueran a desplazarse hacia otro lugar. Sensación que provoca con esos cortes del papel que dejan que las fibras se relacionen entre ellas y se fusionen encajando de nuevo como si de otro papel se tratara integrando formas; incorporando la personalidad de cada uno de ellos para partir de esos detalles como eje de las composiciones. Digamos que a María le seducen los materiales y adecua sus ideas en un constante diálogo inducido por lo que descubre.

El proceso creativo es más intuitivo que planeado. Su trabajo se desarrolla en una casa donde los espacios quedan distribuidos por zonas. En la planta baja los materiales para hacer los bastidores y los marcos, es decir, los útiles de montaje y, en el patio interior, con una parte cubierta y otra al aire libre, pinturas, pigmentos y látex. María pinta en el patio. Le gusta estar en contacto con la luz natural del exterior y rodeada de sus materiales. Su obra es orgánica con referentes, tanto en las texturas como en el color, a la naturaleza pero también a otros artistas como Rafael Calduch o Pierre Soulages.

Un momento durante la inauguración de Retener la Mirada. Imagen cortesía CDAVC.

Un momento de la inauguración de ‘Retenir la mirada’. Imagen cortesía CDAVC.

En coherencia con la filosofía de su trabajo y con el espacio en el que trabaja, los colores se los fabrica ella misma con pigmentos naturales. Mezcla el pigmento con el látex controlando las proporciones buscando una textura terrosa y mate. El pan de oro atenuado con el negro para aplacar los brillos. La gama de color siempre rondando los tonos tierras, rojo matizado con marrón, ocres y blancos rotos.

González no trata de representar nada concreto y esto le permite cierta libertad, en el sentido de dejarse llevar por la expresividad de los materiales. Despojada de la razón que intenta racionalizar para comprender, se aleja de lo narrativo, pues piensa que “compite en importancia con lo visual, dado que casi estamos más acostumbrados a razonar que a contemplar abierta y conscientemente”. De alguna manera al ser la protagonista la expresión, contemplar la obra de María requiere de ese tiempo necesario para observar los detalles, para paladear las texturas, para buscar y descubrir en cada recorrido visual un nuevo detalle que pasó inadvertido.

María es una joven tranquila y serena; sus composiciones combinan, sin ornamentos, diferentes elementos que la autora explica así: “Contrariamente a lo que advertimos en nuestra cultura, los orientales aceptan, incluso aprecian y encuentran belleza y serenidad en la fugacidad de la vida y la impermanencia de la existencia de todo cuanto habita nuestro mundo”. El XVII Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia ha supuesto un cambio en su vida, una proyección en su trabajo, la inyección de motivación y seguridad en sí misma para afrontar nuevos retos. Esta exposición acoge un proyecto preparado para la ocasión. El premio le permite formarse para quizás, en un futuro, dedicarse a la docencia pero sin dejar de pintar. De momento prefiere esperar, comprobar qué camino sigue su futuro profesional que, aunque repleto de incertidumbres, también está lleno de ilusión e inseguridades propias de la juventud.

Detalle de una las piezas de Retener la Mirada. Imagen cortesía CDAVC.

Detalle de una las piezas de ‘Retenir la mirada’. Imagen cortesía CDAVC.

Paloma Palau Pellicer

Pepe Gimeno, de la expresión a la estructura

Al Hilo del Pensamiento, de Pepe Gimeno
Galería Mr. Pink Av. Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: jueves 4 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 15 de junio de 2017

Los trazos, líneas y colores que habitan el mapa del inconsciente del diseñador gráfico Pepe Gimeno, del estudio GimenoGràfic, han traspasado de la mente al lienzo y son los protagonistas de la exposición ‘Al Hilo del Pensamiento’ que exhibirá la galería de arte Mr.Pink de Valencia del 4 de mayo al 15 de junio.

Este espacio creativo, abierto al arte de vanguardia y a tendencias y disciplinas artísticas nuevas, dará cabida al lenguaje poético de las pinturas y esculturas concebidas por Pepe Gimeno, diseñador gráfico de referencia en la Comunitat Valenciana y cuyos últimos trabajos incluyen la imagen del Circuit Ricardo Tormo y de la Plaça de Bous de València.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

La exposición se articula en tres bloques: ‘El Gesto’, una recopilación de trazos o dibujos en blanco y negro sobre papel; ‘La Estructura’, una colección de esculturas nacidas de materiales de desecho; y ‘La expresión’, un trabajo pictórico sobre lienzo a partir de las estructuras que contienen sus esculturas.

‘El Gesto’, parte introductoria de la exposición, incluye una serie de dibujos que, según el autor, “responde a un ejercicio del verano de 2010. Armado con un pincel y con la mente en blanco, plasmaba sobre un papel lo que me dictaba el inconsciente. La mano fluía ligera y libre creando líneas y manchas en las que tomaban forma mis sensaciones. El pincel reproducía imágenes y estructuras que pasaban veloces por mi mente. El ejercicio lo repetí innumerables veces. Mi inconsciente quedó reflejado minuciosamente en el proceso”, explica el diseñador. El resultado son un conjunto de imágenes figurativas y estructuras abstractas difíciles de crear racionalmente. “Son, en su conjunto, una respuesta primaria y contundente a preguntas complejas que verbalmente me era imposible contestar”, según Pepe Gimeno.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

En ‘La Estructura’, que mantiene el pulso de sus colecciones anteriores como ‘En 59 fragmentos’ y ‘The Green bag’, retoma el uso de los desechos para crear esculturas que establecen un diálogo fluido y rico entre los elementos que las conforman. “Lo que me lleva a desarrollar estas obras es una continua búsqueda de estructuras. Estructuras narrativas que cuenten historias, que planteen conflictos y que describan situaciones y vivencias. Mi intención es que las formas de los diferentes elementos que combino se relacionen y establezcan un diálogo fluido y rico entre ellas”, explica el autor.

Por último, y sin duda la parte más renovada de la obra plástica de Gimeno, se presenta ‘La Expresión’, un conjunto de lienzos en las que reinterpreta las estructuras de sus esculturas. “Me preguntaba si podría trasladar los conceptos que contienen estas estructuras tridimensionales a las dos dimensiones. Quería, apoyándome en la experiencia gestual desarrollada años antes, recoger en un plano la expresión que me transmitían las esculturas. Recrear el diálogo que plantean y la emoción que me producen desde un punto de vista nuevo, desde una mirada nueva”, añade el diseñador.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

XIII Certamen Unicaja de Artes Plásticas

Convocante: Fundación Unicaja
Dotación: 60.000 euros para bolsa de compra
Modo de presentación: envío de documentación
Plazo de admisión: hasta el 30 de junio de 2017

Para esta nueva etapa del Certamen Unicaja de Artes Plásticas, la Fundación Unicaja amplía la dotación destinada a la compra de obras propuestas por el jurado y la establece en 60.000 euros, además, el jurado seleccionado está compuesto por relevantes personalidades vinculadas al mundo del arte. El plazo de presentación de trabajos está abierto hasta el 30 de junio. Tanto las obras seleccionadas como las adquiridas por la Fundación Unicaja en la XIII edición del Certamen se recogerán en un Catálogo y compondrán una exposición itinerante que recorrerá diferentes ciudades.

Así, la nueva edición del Certamen Unicaja de Artes Plásticas, está protagonizada por dos novedades, la ampliación de la bolsa de compra de obras propuestas por el jurado que estará dotada con 60.000 euros, y por el Jurado del galardón. En este sentido, la Fundación Unicaja ha contado con un jurado muy atento a las nuevas manifestaciones artísticas, dado que están vinculados a organismos y centros de reconocida relevancia y prestigio. Los miembros del jurado de la XIII edición del Certamen son: Braulio Medel, Presidente de la Fundación Unicaja; Mariano Vergara, Vicepresidente de la Fundación Unicaja y Director ejecutivo de Esirtu Gestión Cultural; José María Luna, Director de la Fundación Picasso-Museo Casa Natal, así como del Centre Pompidou Málaga y Museo Ruso de Málaga; Manuel Borja-Villel, Director del Centro Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía; José Luis Pérez Pont, Director Gerente del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana; y Juan Francisco Rueda, Profesor – Doctor en la Universidad de Málaga, Crítico de Arte y Comisario de exposiciones.

Al XIII Certamen Unicaja de Artes Plásticas podrán concurrir artistas mayores de edad y residentes en la Unión Europea, que podrán presentar un máximo de tres obras, cualquiera que sea su modalidad. Tanto el tema como la técnica de las obras serán libres. La documentación a presentar (consultar bases del Premio*) y el boletín de inscripción pueden remitirse a la siguiente dirección: Museo Unicaja Joaquín Peinado-Fundación Unicaja, Plaza del Gigante, s/n. 29400 – Ronda (Málaga), indicando en el sobre: Para el XIII Certamen Unicaja de Artes Plásticas.

En sus más de 20 años de historia, al Certamen Unicaja de Artes Plásticas se han presentado más de 11.500 obras de las cuales se han adquirido 128 obras de 115 artistas distintos. Entre los artistas premiados figuran nombres de relevancia tales como Joaquín Ivars, Francisco Peinado, Gonzalo Torné, Pilar Albarracín, Elena Asins, Nono Bandera, Julio Pardo, Pablo Genovés, Alberto García Alix, Dora García, Paloma Gámez, Chema Lumbreras, entre otros.

A la XII edición del certamen concurrieron cerca de 560 artistas nacionales e internacionales que presentaron un total de 2.232 obras. De ellas, el jurado del XII Certamen Unicaja de Artes Plásticas eligió 27 obras de igual número de artistas, entre las adquiridas por la Fundación Unicaja para ser objeto de una bolsa de compra, que alcanzó los 50.000 euros.

Bases completas y más información

La introspección en tránsito de Rosa Padilla

‘El alma en tránsito’, de Rosa Padilla
Casa del Cable
Sala de exposiciones
Av.Marina Española 6, Jávea
Hasta el 23 de abril de 2017

En la Casa del Cable, en Jávea, cerca del mar que ella ha mirado, vivido y pintado tanto, cuelga su última obra la artista Rosa Padilla (Valencia, 1949). Esta entrevista tiene lugar semanas antes de la inauguración en su estudio de Valencia. Es una mañana soleada y la luz se cuela tamizada en el local en el que –entre botes de pintura, pinceles, bastidores, cartones…–, descansan ya, apoyados en las paredes, los cuadros que pronto viajarán a la exposición.

Mientras me va mostrando uno a uno sus lienzos más recientes, nos sumergimos en una charla que fluye como su pintura; introspectiva, lírica y serena. Sus palabras traducen el ejercicio previo de reflexión y análisis de sus propios sentimientos y en su obra, lo esencial se crece frente a lo anecdótico y en su búsqueda por atrapar y transmitir visiones que salen del alma, su iconografía más íntima se alía con el color y emerge espontáneamente componiendo en las telas paisajes a golpe de trazos evocadores, ritmos, equilibrios y emociones. Brochazos contundentes, pinceladas enérgicas y firmes irrumpen en sus cuadros frente a otras más delicadas y sutiles creando composiciones en las que alegría y belleza comparten, como en la poesía y en la vida, espacio con el dolor, la rabia y la tristeza.

‘El alma en tránsito’, ¿por qué has elegido este título para la exposición?

Se me ocurrió a partir de leer una frase de Samuel Bresson relacionada con el proceso creativo que hacía referencia a lo que puedes transmitir al observador mediante tus obras, el sentimiento de emoción que a través de un cuadro puedes provocar. Hablaba Samuel Bresson de “el alma en tránsito” y me gustó porque mi obra no es premeditada sino que es una obra creada a partir de rasgos emocionales, directa y que intenta expresar mis vivencias.

¿En qué momento pictórico te encuentras?, ¿cómo te has enfrentado al reto de llevar a cabo esta exposición?

Creo que es un buen momento después de haber superado etapas de mi vida bastante difíciles donde la enfermedad ha tenido un protagonismo importante y ha hecho que me detuviera en varias ocasiones impidiéndome desarrollar algunos proyectos. Ahora tengo más tiempo, más energía y los años te dan un bagaje desde el que puedes reflexionar y analizar lo que has hecho, corregir errores y analizar la evolución de tu trabajo. Todas las experiencias son importantes, tanto las buenas como las malas, de todas se aprende y todo conforma un “legado vital” que es lo que realmente se transmite.

Imagen de una de las piezas presentes en la exposición. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de una de las piezas presentes en la exposición. Fotografía cortesía de la artista.

Esta nueva etapa vital se refleja en tus últimos cuadros en los que la pintura se ha desprovisto de capas, se ha hecho más etérea, más ligera y luminosa…

Sí, es que la vida y la pintura están estrechamente relacionadas. Personalmente también me he desprendido de muchas cosas materiales. Si realmente lo que más queremos son las personas y… ¡es inevitable que vayan desapareciendo! Cuando perdí a mi madre tuve una sensación de claridad acerca de lo material que nunca olvidaré, cualquier problema me parecía minúsculo comparado con su ausencia. En la pintura también se refleja ese afán de eliminar lo superfluo y atrapar la luz, lo esencial.

Has sido siempre muy coherente en tu trayectoria artística, has seguido siempre un estilo que te identifica perfectamente, ¿te sientes cómoda cuando definen tu obra como “abstracción lírica”?

Sí, porque es una abstracción del paisaje que me rodea y lírica porque de alguna manera narra mis emociones, las cosas que veo a través de mis sentimientos en una labor de introspección.  Realmente me considero fiel más que a un estilo a una forma de hacer, pienso que cada un tiene su propio lenguaje y es en el que se debe profundizar, pulir y evolucionar sin perder nunca la curiosidad y el interés por seguir indagando nuevas propuestas.

No se puede hablar de tu obra sin hablar de mar, ¿siempre ha sido así?, ¿concebirías vivir lejos del mar?

Me sería realmente difícil. Bueno, cuando era muy pequeña veraneaba en un sitio de montaña, en La Cañada, hasta los doce o trece años, pero como a mi padre le gustaba el mar y le encantaba pescar siempre nos escapábamos a El Saler, a El Perelló, o algunas noches al Puerto donde “tiraba las cañas” mientras mis hermanos y yo cogíamos gambas. A veces íbamos unos días a Tavernes de la Valldigna  donde teníamos familia. En La Cañada pasábamos temporadas porque veraneaban sus amigos pero nunca quiso comprar nada allí, siempre alquilábamos. Cuando un día conocimos Moraira, mis padres dijeron: “aquí sí” y fue cuando adquirieron el terreno e hicimos una casa y ya se convirtió en nuestro destino. Luego, cuando conocí a Moncho, mi marido, ya fue “mar adentro”, porque él es un amante de la navegación y me contagió esa pasión. Al principio pasaba mucho miedo en el barco…

…y ahora te has convertido en una experta marinera.

Es muy bonito, me llena de sensaciones especiales, en varios de mis cuadros reconozco la costa vista desde el mar, muchos horizontes, amaneceres, puestas de sol…

En algunas de tus últimas exposiciones en el Museo del Ruso de Alarcón, en Doce Islas… pudimos ver algunos collages que reflejaban paisajes más introspectivos, ligados a tu familia o a estados de ánimo relacionados con momentos vividos felices y también dolorosos.

Eran trabajos de mesa, dibujos y collages. Me gusta hacerlos porque ahí no sueltas de golpe la expresión sino que son más meditados, más íntimos y es otro tipo de técnica porque es muy diferente trabajar sobre el papel que trabajar sobre la tela. Los formatos también condicionan mucho, el formato grande te permite accionar de otra manera, el formato pequeño te recoge y te invita a probar técnicas, componer.  Me gusta mucho utilizar el collage, me abre un mundo de posibilidades.

Han escrito textos sobre tu obra importantes críticos como Juan Ángel Blasco Carrascosa, Rafael Prats Rivelles, Wences Rambla, Francisco Agramunt…, también el gran pintor Michavila, ¿crees que en general se ha entendido bien tu obra o que hay aspectos de los que aún no se ha hablado?

Guardo esos textos como tesoros. Sí, puede ser que falte profundizar, decir algunas cosas. Yo también he ido madurando con los años y afianzando paso a paso mi trabajo.

¿No te has sentido nunca dirigida, ninguna galería o marchante ha intentado marcar tu trayectoria?

Nunca he tenido marchante, llevo muchos años con Galería Thema, casi desde sus inicios, su directora y yo somos amigas y alguna vez me ha dicho que le gustaba una etapa más que otra pero mi evolución es mi evolución aunque eso signifique vender menos. Nunca podría pintar algo que no surja de la más absoluta sinceridad, a veces da vértigo no saber qué puede pasar pero ahí está la emoción y la magia. Me siento completamente libre haciendo lo que hago y hago lo que me gusta, procuro estar informada, visitar exposiciones, ferias y museos, es necesario conocer las tendencias y lo que hacen los artistas, todo aporta y enriquece.

Imagen general de la exposición 'El alma en tránsito', de Rosa Padilla. Fotografía cortesía de la Casa del Cable.

Imagen general de la exposición ‘El alma en tránsito’, de Rosa Padilla, comisariada por Marisa Giménez. Fotografía cortesía de la Casa del Cable.

¿Qué importancia ha ejercido en tu obra el pintor Joaquín Michavila?

Joaquín Michavila fue mi profesor en la asignatura de Dibujo Decorativo cuando estudiaba Bellas Artes en San Carlos. Guardo un cariñoso recuerdo y una profunda admiración como profesor, artista y persona. Escribió un texto para una de mis primeras exposiciones. Siempre he sido admiradora de su obra que sin duda ejerció una gran influencia en mis primeros pasos hacia la abstracción.

Además de Michavila, ¿qué referentes tienes?

Otros referentes fueron los pintores del grupo El Paso que configuraron la vanguardia española de posguerra, Manolo Millares, Antonio Saura, Manuel Viola etc. El Museo de Arte Abstracto de Cuenca, iniciativa de Fernando Zóbel, fue uno de los lugares fetiche en mi recuerdo.

¿Sigues en contacto con compañeros de Bellas Artes?, ¿tu vida se mueve en ambientes artísticos?

Durante años no he tenido la suerte de tener a mi alrededor gente ligada al mundo del arte. Iba más por libre. Ahora, sin embargo, estoy en un grupo en el que disfruto, compartimos muchas inquietudes artísticas, muchos momentos buenos, mucho cariño. La verdad es que de mi generación salió gente interesante pero cada uno después de la carrera tiró por su lado. Sí conservo contacto con un grupo de compañeros capitaneados por nuestra querida amiga Francisca Lita Sáez. Hace unos años compartí un periodo interesante con la galerista y amiga Pilar Marcellán, la pintora Helga Dietrich y la ceramista y escultora Marisa Herron, juntas visitábamos exposiciones, viajábamos a Madrid para ver la feria de Arco y nos reuníamos periódicamente. Fue una etapa bonita pero por unas cosas u otras fuimos poco a poco dejándolo.

Con la artista Marisa Casalduero también tuviste mucha amistad. En el 2015, al cumplirse dos años de su muerte, vuestra obra compartió espacio en una bonita exposición en Moraira…

Sí, con Marisa Casalduero tuve mucha amistad, la conocí siendo alumna mía en el colegio donde yo daba clases de dibujo. Cuando terminó la carrera vino a decirme que había acabado, recuerdo ir a su primera exposición, procuraba acudir cada vez que me llamaba. Había mucho cariño entre nosotras, mucha conexión, nos gustaban las mismas cosas. La culminación fue la exposición que hicimos en Moraira, lugar tan querido por las dos, pero unos años antes hubo una casualidad que nos unió más; un día viniendo de Moraira me suena el teléfono y era ella para decirme: “Rosa, ¡que tu hijo sale con mi sobrina, que somos familia! A raíz de ahí, retomamos el contacto, nos veíamos más, hablábamos por whatsapp, que entonces empezaba a utilizarse, y quedábamos para ir a ver las exposiciones en El Carmen, en el IVAM, disfrutábamos mucho. En esa época conocí a varios de sus amigos que hoy lo son también míos. Otras de mis alumnas también artistas a las que tengo un especial cariño son Cristina Alabau y Rocío Villalonga.

Tus años como profesora, ¿qué aportaron a tu formación como pintora?

Mucho, el trabajo me obligaba a reciclarme año tras año. Tuve que ponerme las pilas, por ejemplo con el dibujo técnico que no me gustaba nada. Empecé queriendo enseñar y transmitir lo que yo más dominaba, el dibujo artístico. Yo quería enseñar a dibujar, incluso a las que no sabían dibujar, y buscaba los procedimientos para que de alguna manera pudieran disfrutar aprendiendo. Aparte, me sirvió para documentarme mucho, fue cuando empecé a ir a Cuenca, a buscar en libros, a estudiar las vanguardias, la Bauhaus que me interesaba mucho, quería contar a mis alumnas todo aquello que a mí no me habían enseñado, todo eso que yo no había vivido. Poderlo transmitir y hablarles de lo importante que era la creatividad, el poder desarrollar ideas, expresarse con libertad.

En el año 2009, mostraste tu obra en una gran muestra en La Gallera titulada “La magia de lo casual”, ¿qué supuso para ti esta exposición?

Pues absolutamente supuso una motivación, porque cuando estás transmitiendo, lo que quieres es que tu obra llegue al máximo número de gente o al menos que se te dé cobertura, que la gente lo pueda ver, que te conozcan. No tanto que se te reconozca como que se te conozca, el reconocimiento vendrá o no, pero sí, fue fundamental para mí, cuando expuse en La Gallera ya tenía 52 años y era la primera exposición realmente importante que yo hacía en toda mi carrera y llevaba pintando desde los veinte años, empecé la carrera con 16 años y mis primeras muestras las hice mientras estudiaba.

Un instante de la inauguración de la exposición 'El alma en tránsito', de Rosa Padilla, comisariada por Marisa Giménez. Fotografía cortesía de la Casa del Cable.

Un instante de la inauguración de la exposición ‘El alma en tránsito’, de Rosa Padilla, comisariada por Marisa Giménez. Fotografía cortesía de la Casa del Cable.

¿Crees que muchas veces las instituciones valencianas se olvidan de artistas comprometidos con su obra que llevan trabajando tantos años?

Pues, yo creo que sí, pero a veces es estar en el lugar idóneo, conocer a la gente adecuada. Yo no culpabilizo solamente a las instituciones, yo pienso que hay gente que tiene más oportunidades porque se maneja mejor en esos ambientes, tiene más facilidad. Yo quizás, en ese sentido, he estado más alejada, más apartada y a veces cuando he querido solicitar esos espacios institucionales, el procedimiento era complicado, no lo ponían fácil. Ahora con las nuevas tecnologías, piden presentar todo en unos formatos en los que a veces yo me pierdo, menos mal que cuento con la ayuda de amigos, como en este caso la de Juanra Bertomeu que me facilita tanto las cosas.  Me acuerdo, hace años, que para participar en concursos tenías que prepara unos dosieres que para mí suponían un esfuerzo. A mí que me pidieran meterme un mes en un cuarto a pintar murales o a hacer lo que sea, pero manejar el ordenador… A esa burocracia, a ese papeleo, se refería una artista, creo que Rebeca Plana, cuando decía que a veces a los artistas para llegar a algún sitio nos hacen hacer casi una oposición. Eso y la competitividad que hay a veces te desmotiva.

A lo largo de tu carrera, ¿te has sentido arropada por tu entorno, por tu familia?

Sí, siempre me apoyaron. Yo desde muy pequeña siempre estaba con un lápiz en la mano, me pasaba horas dibujando, además tenía un déficit atencional –lo descubrí décadas más tarde– y a mí en esa época eso me acomplejaba y pensaba ¿por qué me cuesta tanto estudiar? Y claro, ese complejo se me iba, se me diluía, con los buenos resultados en dibujo –sacaba matrículas–, en el colegio me encargaban hacer los murales… Mis padres vieron pronto que tenía facultades y a los diez años me apuntaron a clases particulares en el piso en el que enseñaba la misma profesora del colegio, allí empecé a pintar mis primeros cuadritos, copias al óleo …y después me matricularon en Barreira en verano, cuando acababan las clases. Yo vivía en la calle Salamanca y Barreira estaba muy cerca, en la Gran Vía. Luego, la casualidad hizo que años después fuera compañera de Vicente Barreira y de su mujer, Esperanza, en la carrera de Bellas Artes.

Yo no he estado rodeada de personas que fueran entendidas, de gran cultura artística. Mi familia y mis amigos han pertenecido a otro mundo pero siempre les ha gustado, han entendido y apoyado mi trabajo, –no les ha quedado otro remedio, no han sido muy objetivos… –. La ayuda de Moncho, mi marido, ha sido fundamental para mí. Recuerdo, hace tiempo, cuando expuse en Luxemburgo, que nos alquilamos una furgoneta, cargamos los cuadros y allá que nos fuimos. Siempre viene conmigo, me ayuda a colgar, siempre para arriba, para abajo. No le ha importado nunca que yo me pasara el tiempo que fuera metida en el estudio pintando.

Tienes dos hijos y cinco nietos, ¿ves a alguno de ellos siguiendo tus pasos?

Sí, a mi nieta Laura, es idéntica a mí. Me identifico muchísimo con ella. Le encanta dibujar y lo hace muy bien. Con seis años compone cuentos en tres dimensiones recortando y pegando materiales. Tiene muchísima imaginación.

Tras esta exposición, ¿cómo ves el futuro?, ¿cuáles son tus próximos retos?

Voy a experimentar un momento de cambio, nos vamos a vivir a Moraira. Si antes vivíamos aquí e íbamos mucho a Moraira, a partir de ahora Moraira será mi casa pero seguiré viniendo a la ciudad porque lo que tengo aquí no lo voy a dejar. Ahora que por fin he encontrado gente con la que comparto gustos, que conectamos tan bien, que hacemos tantos planes juntos… eso no lo quiero perder. Esos lazos son importantes. Mi rutina variará, el estudio de Valencia, en el que he trabajado siempre tan a gusto, pasará a ser básicamente almacén y el estudio de Moraira tendrá todo el protagonismo. Espero que esta nueva etapa sea fructífera, me enfrento a ella con ilusión.

La artista Rosa Padilla y la comisaria Marisa Giménez durante un instante de la entrevista. Fotografía cortesía de la artista.

La artista Rosa Padilla y la comisaria Marisa Giménez durante un instante de la entrevista. Fotografía cortesía de la artista.

Marisa Giménez