Las contribuciones escultóricas de Jose Ramón Anda

‘José Ramón Anda. Causa formal y materia’
Museo Oteiza
Calle la Cuesta 7, Alzuza, Navarra
Hasta el 1 de octubre de 2017

El Museo Oteiza acoge un nuevo proyecto expositivo que revisa la obra de José Ramón Anda (Bakaiku, 1948) y analiza las contribuciones al ámbito de lo escultórico de uno de los autores más significativos del arte contemporáneo, inscrito en la segunda generación de artistas vinculados al movimiento de la llamada ‘Escuela Vasca de Escultura’, que renovó los lenguajes artísticos a partir de los años sesenta del pasado siglo.

La muestra ‘José Ramón Anda. Causa formal y materia’ presenta una selección compuesta por un centenar de obras, que incide en los procesos constructivos del artista e incluye obras escultóricas, pequeños estudios procedentes del taller del artista y piezas correspondientes a sus trabajos de mobiliario. El conjunto de su obra expresa las relaciones y enlaces que mantienen sus piezas con las principales problemáticas a las que se enfrenta la práctica escultórica en las últimas décadas del Siglo XX y concilia las referencias clásicas y las propias de las vanguardias modernas del arte y de la arquitectura, para ubicar y reconocer en su entorno paisajístico, social y personal, una escultura singularizada por el tiempo y el proceso de la materia.

Una de las piezas del escultor Jose Ramón Anda, que forma parte del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Una de las piezas del escultor Jose Ramón Anda, que forma parte del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

En la obra de José Ramón Anda confluye su admiración hacia los renovadores constructivos de la escultura abstracta, desde Max Bill y Brancusi, hasta Chillida y Jorge Oteiza, con quien mantuvo una intensa relación personal y profesional, sin olvidar la expresividad y la composición en la talla y el modelado de los grandes clásicos, aunando en sus piezas aspectos geometrizantes y la percepción simultánea de organicidad que aplica a sus obras.

Esta constante expresiva ha modulado sutilmente muchas de sus propuestas artísticas, que conjugan diferentes superficies en un mismo cuerpo escultórico, generando una lógica estructural muy singular y una poética propia, en la que la contundencia del material se combina con la delicadeza del tratamiento que recibe en su superficie, en su encuentro con el espectador. De este modo, la solidez y la fluidez espacial se articulan en su trabajo como un enlace permanente que genera espacios de reflexión y de tensión en una escultura siempre sometida a esa dualidad expresiva, en un proceso continuo en el que lo orgánico y geométrico conviven sin conflicto y que la escultura se encarga de testimoniar.

Una de las piezas del escultor Jose Ramón Anda, que forma parte del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Una de las piezas del escultor Jose Ramón Anda, que forma parte del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Esta muestra, comisariada por el artista Javier Balda y producida por el Museo Oteiza, en colaboración con Kutxa Fundazioa y el Ayuntamiento de Egüés, hasta el 1 de octubre de 2017, se completa con una publicación monográfica, que incorpora unas notas sobre la escultura de Anda por el comisario del proyecto y que recupera e incorpora como anexo un texto crítico escrito en 1996 por Pedro Manterola, ex director y ex presidente de la Fundación Oteiza. El proyecto se completa con un extenso programa pedagógico.

José Ramón Anda es un artista con una amplia trayectoria profesional, desarrollada desde mediados de los años setenta del siglo XX hasta la actualidad. Ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y ha participado en un centenar de exposiciones colectivas. Entre sus exposiciones más recientes, destacan ‘Los límites de la materia’ (Tecla Sala, L’Hospitalet de Llobregat -Ciudadela de Pamplona, 2008) o ‘Formas contra el tiempo’ (Museo Bellas Artes de Bilbao, 2012). Es autor de numerosas intervenciones en el espacio público en localidades como Donostia, Pamplona, Tolosa, Zarautz, Zumarraga, Urretxu, Bakio, Galdakao, Bakaiku, L’Hospitalet, Sartaguda o Urnieta. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo San Telmo, Museo de Navarra, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Internacional de la Resistencia, Fundación Salvador Allende, Gobierno Vasco, Colección La Caixa, Colección Kutxabank, Colección Caja Navarra, Universidad Pública de Navarra, Parlamento de Navarra o Artium, Vitoria.

Instantánea del escultor Jose Ramón Anda, con motivo del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Instantánea del escultor Jose Ramón Anda, con motivo del proyecto expositivo que revisa su obra. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

 

Los ángeles caídos de JARR

JARR. Fallen Angels
Galería Cuatro
C / La Nave, 25. Valencia
Hasta el 13 de diciembre de 2016

Hay que estar preparado para el gran milagro, la explosión que anuncia el fin de una era, el fin de la fe y la ciencia. Juntas sucumben ante la fuerza catódica del ojo de Horus. Es el Apocalipsis hipersónico que precede a la llegada del hombre cósmico. En medio del caos, algunos falsos profetas venden su aritmética de la salvación, una fusión del núcleo de la culpa sin remedio, inútil ante lo inexorable. El fin ya está aquí, y el arte es la única escapatoria.

Jarr ya daba muestras de un raro misticismo desde su niñez artística. Entre la premonición y el sarcasmo tenía por costumbre darnos un par de sopapos con el trazo hiriente de sus figuras en medio de un relato simbólico de la realidad; no era un pintor fácil. El gran público aplaudía sus Culonas, vibraba con oros y formulaciones pop al tiempo que algunos coleccionistas se quedaban paralizados cuando, de entre medio de una maraña de objetos, descubrían cuerpos entregados al pecado carnal. Era irreverente como una reacción inevitable ante una sociedad antropófaga, de corrupción insaciable y falsedad suprema.

El bello pintor maduraba su rabia contenida a través del collage, el assamblage, indagando en las pinturas combinadas de Rauschenberg. Era capaz de fijar horas la mirada en la cabeza de la cabra del Monograma, que ejercía sobre él una irradiación neodadaísta de inestimables consecuencias. Acción, reacción, pintura es igual a coser, pegar, taladrar, fundir, marchar, dibujar cincelar, gotear, escribir. Arte, construir una lógica delirante e inédita que hace totalmente consecuente la evolución de su obra a lo largo de más de dos décadas sin tregua.

Obra de JARR. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Bordados I, de JARR. Técnica mixta sobre lienzo, 33×20 cm. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Jarr siempre había estado envuelto en un aura profética y barroca: el pan de oro empapaba su obra de una esencia mística y su peculiar iconografía unía la fascinación del pop con el legado de la imagen devocional como trasfondo. Pero ahora todo explota en un fuego purificador donde los Ángeles Caídos de Rilke se convierten en auténticos Art Toys y juegan un papel vital en la creación de una nueva iconografía cristológica.

Estos seres negros, con alas doradas y ojos seráficos, idénticos en forma y variados en el mensaje, vinculan a Jarr con la tendencia actual del Costum Art que incita a la producción en serie de obras de arte con materiales alternativos. La transmutación de sus figuras es paralela a su nuevo lenguaje, una técnica mixta de figuras construidas y elaboradas manualmente por el artista donde la acción de coser/pintar tiene como fin capturar el tiempo dentro un objeto. De ahí la emoción profunda de sus obras, que hieren suavemente el corazón desde la desnudez, la sinceridad y la inocencia.

Así vemos un palpitante Sagrado Corazón, un Calvario culminado por figuritas de soldados en batalla o una Torre de Babel que se va descomponiendo constantemente a través de la acción de las llamas de las candelas. Sus míticos cubos incorporan ahora el número, que indaga en la herencia pitagórica en el cristianismo, y una delirante interpretación del símbolo animal que une a Plinio, los bestiarios con el repertorio icónico del Pop.

Pitágoras, serie Ángeles caídos, de JARR. Figura manual en lienzo. 42 x 26 cm.

Pitágoras, serie Ángeles caídos, de JARR. Figura manual en lienzo. 42 x 26 cm. Imagen cortesía de Galería Cuatro.

Pero además de esa lectura cósmica Jarr no olvida la base social de su arte, su compromiso con la realidad, por esos sus crucificados llevan las coronas de alambre, en una clara alusión a la masacre diaria de la inmigración.Es la repuesta de este inquietante artista, que siempre juega con el símbolo y la expresión, con el significado y la emoción, ante la injusticia, la desfachatez política, la corrupción, todas las formas de terrorismo y la deshumanización del mundo. El arte como compromiso es el motor de toda su obra, a veces sacrificando el aplauso y con una virulencia estética no siempre entendida.

Me pude dar cuenta que estaba presenciando su propio Big Bang, el punto de inflexión, de regeneración cósmica, tomando como base el mundo simbólico desde los inicios de nuestra civilización: los dioses egipcios, la sabiduría griega, el arte paleocristiano y la imagen devocional.

A pesar de la profundidad de su mensaje, Jarr apuesta por el guiño inocente y lúdico que siempre acompaña a sus obras y empapado de originalidad y una refrescante magia nos promete una nueva era presidida por el arte y la ilusión. Fue así cómo, sin apenas darme cuenta, me sumé al lema #soloelartemesalva.

Alejandro Villar

 

Ciutat Vella Oberta se va a Marte

Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón
Palacio de Congresos
Avenida de la Mare de Déu del Lledó, 50. Castellón
Del 17 al 20 de noviembre de 2016

El Festival de las Artes de Valencia Ciutat Vella Oberta llevará una selección de sus mejores artista a Marte, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Castellón. Ambas Instituciones tienen un acuerdo de colaboración desde el año 2014 para exponer en sus respectivos acontecimientos una interesante muestra del mejor arte que se hace en la Comunidad Valenciana.

Desde Valencia y desde la propia dirección de Ciutat Vella Oberta, dirigida por el artista multidisciplinar y gestor cultural Antonio Barroso, siempre han apoyado esta iniciativa por el beneficio, la difusión y la promoción de los artistas, apoyo al que se ha sumado el escultor Miquel Navarro como imagen de CVO 2017 y la exposición de algunas de sus obras para tal evento.

Obra de Miguel Oñate. Imagen cortesía de Marte.

Obra de Miguel Oñate. Imagen cortesía de Marte.

Juanma Pérez, Jorge Rubert, Miguel Oñate, David Gonher, Miguel Hache, Raúl Dap, Carlos Balsalobre y Jorge Isla, con pintura, fotografía y escultura, serán este año los encargados de representar a Ciutat Vella Oberta en esta 3ª Edición de Marte. Recordamos que en el año 2015 la organización de Marte expuso en el marco de Ciutat Vella Oberta en Valencia el proyecto Martessence, con artistas como Arturo Comas, el polémico Abel Azcona y artistas que trabajan y viven en Castellón como Laura León y Rodrigo Rodrich.

Los próximos días del 17 al 20 de Noviembre, Castellón se consagra como el Arco del Mediterráneo con una interesante y cada vez más arriesgada muestra de arte contemporáneo para todos los gustos desde el Palacio de Congresos de Castellón.

Obra de Juanma Pérez. Imagen cortesía de Marte.

Obra de Juanma Pérez. Imagen cortesía de Marte.

 

Cómo salirse del cuadro

‘Niños del Mundo’
Sala de la Junta Municipal
C / Micalet, 1. Valencia
Hasta el 23 de octubre de 2016

Del barro al bronce. De la madera al mármol. De la piedra al hierro. La materia inerte se ofrece voluntaria para adquirir categoría de obra de arte en la mano de los creadores. El material que cada uno elige para expresarse lo define, no sólo como artista, sino también como persona. Simboliza su talante y personalidad.

María Gómez ha escogido uno muy original, ligero y maleable, cartón piedra, un soporte vinculado a la tradición fallera que convierte en seña de modernidad y universalidad en sus últimas exposiciones, y que, como ella dice, le “permite salir del cuadro”. Bajo el título ‘Niños del Mundo’ sus obras más recientes pueden verse en la Sala de la Junta Municipal, en la calle Micalet, 1, hasta el día 23 de octubre.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

“El tema de esta exposición son los niños que padecen la tragedia de las guerras”, dice Gómez. “Llevo años trabajando el mundo interior del ser humano. Me interesa mucho la comunicación de la obra con el  observador. Pienso en el diálogo que establecen, porque cada espectador tiene sensaciones y percepciones distintas, según su personalidad. Lo importante es que nadie queda indiferente, de una manera u otra los conmueve. Me interesan los profundos silencios de los observadores durante largo tiempo al observarlas. ¿Qué piensan? Quizás asocien similitudes de estadios paralelos, pensamientos, o bien, reconocerán en ellas retazos de ellos mismos.  El expresionismo, tal y como lo trabajo, me permite deformar levemente lo que me interesa para evidenciar,  estimular o prescindir de elementos, según el objetivo de lo que quiero expresar”.

El ser humano está siempre presente en el trabajo de Gómez, “expresando lo intangible, por eso sus actitudes o gestos son estáticos, no hacen nada en concreto pero sus cuerpos tienen una presencia rotunda. Muestran algo que no podemos descifrar claramente pero que penetra de un modo inconsciente.  Me centro en las miradas que ni acusan ni demandan, sólo producen inquietud”.

María Gómez, en pleno proceso creativo. Imagen cortesía de la autora.

María Gómez, en pleno proceso creativo. Imagen cortesía de la autora.

Gómez utiliza la técnica de cartón piedra desde hace cinco años, un proceso muy antiguo utilizado tanto en escultura de gran nivel como en ornamentación que hoy día se identifica con la llamada escultura ligera. “Es la misma técnica que usaban antiguamente los artistas falleros”, explica. “Se trata de encolar entre sí pedazos de cartón en el interior de un molde, hasta que toma el grosor adecuado. Una vez seco queda una estructura escultórica bastante resistente, a la que se le puede añadir pigmentos en la superficie. Hay ejemplos de gran calidad en escultura religiosa antigua”.

Ella sólo utiliza papel y colas, “no hago ni modelo en barro, ni molde de yeso. Realizo la escultura directamente en el aire, es decir, sin molde. El proceso es complejo pero, a pesar de ello, es más libre en la gestualidad y evito los pasos anteriores del modelado en barro y la realización de los moldes de yeso. Así pues, comienzo el trabajo pegando el papel en un mástil de madera y poco a poco  aplico los papeles a medida que van secando y tomando cuerpo formando al mismo tiempo, la anatomía y los rasgos de la escultura. Las formas de los cortes, orientación y colocación del papel son los que marcan los volúmenes anatómicos de la escultura. A medida que va tomando forma, refuerzo el interior y exterior en pequeñas capas. Finalmente, en el interior adhiero telas para mayor consistencia y un varillaje o estructura interna en madera que arma la figura, quedando muy resistente a los golpes y al deterioro como cualquier otro material”.

María Gómez junto a su 'Niños del Mundo'. Imagen cortesía de la autora.

María Gómez junto a su ‘Niños del Mundo’. Imagen cortesía de la autora.

Las posibilidades expresivas de este material en su caso “son extraordinarias porque se adapta a mi modo de trabajar debido a que acorto parte del proceso  permitiéndome manejar a mi antojo la anatomía según me sugiere cada forma, cada músculo, cada gesto. Así, construyo poco a poco la figura visualizándola a medida que emerge a partir de un pequeño trozo de cartón. Por ello, cada escultura es un mundo de exploración, que en su comienzo, aunque la idea está en la mente, su proceso creativo puede llevarte por derroteros muy interesantes en cuanto a la expresión de los rostros y la gestualidad del cuerpo”.

Gómez combina su faceta creativa con la actividad docente como profesora en la Facultad de Historia del Arte y restauradora especializada en la recuperación de cuadros quemados. Realizó un extraordinario trabajo en el retablo de San Miguel del maestro Gabarda en la Catedral de Valencia.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Niños del Mundo, de María Gómez. Imagen cortesía de la autora.

En la muestra se pueden ver también fotografías de Alfredo G.Carbonell y obra pictórica de Antonio Camaró.

Bel Carrasco

Más raro que una escalera verde

El rayo verde, de Fermín Jiménez Landa
La Gallera
C / Aluders, 7. Valencia

La Gallera, que de no mediar solución a su altísimo alquiler, puede cerrar como centro del Consorcio de Museos, aloja estos días una gran escalera de caracol de color verde. Ocupa todo el recinto, de parte a parte y tumbada en diagonal, porque de pie no cabía. Las desproporcionadas medidas, tomadas a conciencia, impiden su posición vertical. De manera que El rayo verde, como ha titulado Fermín Jiménez Landa su instalación de 13 metros de altura, aparece como un tótem caído al que rendir culto hubiera supuesto contravenir los deseos del artista.

Su intención no era levantar acta de la defunción de La Gallera (“ojalá no sea la última exposición para otros artistas”), sino advertir acerca de lo efímero de ciertas experiencias, como la de percibir el fenómeno atmosférico de ese rayo verde que da título a su propuesta. Rayo que únicamente se puede ver bajo condiciones poco frecuentes durante la refracción de la luz cuando roza el horizonte. “Es la atracción por lo que no podemos tener”, subraya Jiménez Landa, que incluye, como aspectos paralelos de esa atracción, la euforia y el fracaso.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación 'El rayo verde'. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación ‘El rayo verde’. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Euforia por haber logrado sostener, sin cables ni fijaciones, la gran escalera de caracol completamente recta, sin panza, entre ambos extremos del interior del edificio. Y fracaso porque, después de todo, aparece tumbada, que es de lo que se trataba. “Me interesa la inutilidad de una escalera que no sirve para ir a otro lugar, porque el peso del público no lo resistiría”. Una escalera rara como un perro verde, a la que Jiménez Landa ha dotado de un “aire industrial” tan pesado como ligero. Esa dicotomía entre lo enhiesto y lo caído, lo duro y lo frágil, forma parte del espíritu de un artista que utiliza su obra para provocar.

Obra, pues, excesiva, al tiempo que dada al guiño humorístico. Pero con matices, ya señalados cuando presentó su exposición 300,4 litros en la galería pazYcomedias: “Odio el exceso de intelectualidad, porque expulsa al público, pero tampoco me gusta que mi obra caiga del lado del chiste o del gag”. De manera que su rayo verde, siendo excesivo a simple vista e inclinado, sin llegar a caer, remite a esa reflexión de la luz y del propio pensamiento desprovisto de falsos aditivos y colorantes, para que el espectador se sorprenda a través de la pura emoción.

Vista general de 'El rayo verde', de Fermín Jiménez Landa en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Vista general de ‘El rayo verde’, de Fermín Jiménez Landa en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

En este sentido, casa perfectamente con el primer rayo verde descrito por Julio Verne y con el posterior cinematográfico de Eric Rohmer. Porque hay ciencia y un sesgo poético en su instalación. “Me gustan las cosas empíricas de la ciencia unirlas con aspectos distintos de la realidad”. De ahí que haya intentado a su vez “hacer un falso verde en el mar, pero no lo he conseguido, lo cual encaja con este espíritu de frustración”. Acostumbrados a que la realidad quepa en la red virtual que propicia la tecnología, la propuesta de Jiménez Landa viene a cuestionarlo con su inútil escalera: “La obra no es la escalera, sino la relación inadecuada entre el objeto y el espacio”.

Esa falta de adecuación se halla igualmente en El rayo verde que atraviesa La Gallera: “La obra tiene mucha presencia física y es al mismo tiempo fugaz”. A mitad de camino entre la arquitectura y la percepción sensorial de un fenómeno atmosférico, entre lo adusto y lo volátil, la gran escalera de caracol remite a la transición permanente entre dos estados que no terminan de ligar entre sí. Una especie de manierismo (“igual por el camino me he ido haciendo manierista”, dice entre risas), al que se adhiere cierto aire surrealista: “Me ha salido muy siglo XX, muy de vanguardia”. En todo caso, como apunta César Novella, comisario de la exposición, “es una reflexión sobre lo visual”. Reflexión inacabada que, tratándose de La Gallera, puede tener su punto y final con El rayo verde de Fermín Jiménez Landa.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación 'El rayo verde'. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación ‘El rayo verde’. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Salva Torres

Contra la desaparición del arte en secundaria

Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 16 de octubre de 2016

La Universitat de València acoge en la Sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’, un proyecto que reivindica los estudios de educación artística en la secundaria, con la implicación de 12 centros valencianos y la Universitat de València.

Comisariada por Ricard Huerta, profesor de la Universitat de València y coordinador de CREARI Grupo de Investigación en Pedagogías Culturales, la exposición exhibe 120 obras elaboradas por los 12 institutos de educación secundaria que han participado en el proyecto: IES Lluís Vives, IES Juan de Garay e IES Benlliure, de Valencia; IES Clot del Moro, de Sagunt; IES L’Estació, de Ontinyent; IES Laurona, de Llíria; IES Tirant lo Blanch, de Torrent; IES Número 1, de Requena; IES Josep de Ribera, de Xàtiva; IES Ausiàs March, de Manises; IES Sanchis Guarner, de Silla; e IES María Enríquez, de Gandia.

‘Second Round’ es un proyecto académico que arrancó el curso pasado con la colaboración de los vicerrectorados de Participación y Proyección Territorial, con la producción e itinerancia de una muestra compuesta por 21 paneles explicativos; de Políticas de Formación y Calidad Educativa, con la organización de ciclos de conferencias que reunieron a centenares de alumnos en los diferentes centros educativos; y de Cultura e Igualdad, que acoge la exposición ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’.

Second Round. Joan Llorca. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo día 16 de octubre, aglutina todas las manifestaciones artísticas a través de 120 piezas realizadas por el alumnado de secundaria, exalumnos de los centros participantes y profesorado, entre ellas, dibujo, pintura, instalación, escultura, poesía visual y ‘performance’.

“Este es el resultado de un proyecto que parte con la idea de visibilizar los estudios de creación artística en la etapa secundaria, después de detectar que estos tienden a su desaparición. Lo que queremos con ‘Second Round’, desde la Universitat y con la implicación de los institutos valencianos, es apoyar la educación artística ante esta situación salvaje y extrema”, explica Ricard Huerta.

Y parece que la visibilización ha sido uno de los logros, pues han trabajado en el proyecto miles de personas entre estudiantes, exalumnos y profesorado; la muestra itinerante ha recorrido 12 institutos de una decena de municipios del territorio valenciano; e incluso ha promovido el nacimiento de la Asociación Valenciana de Profesorado de Dibujo (AVPD).

La exposición ‘Second Round’ que se puede visitar en La Nau se divide en dos partes tituladas ‘El cuerpo’ y ‘El alma’, que describen dos líneas de trabajo: una primera, que ofrece representaciones del cuerpo humano a través de dibujos y pinturas, y una segunda, que se hace cargo de geometrías y mapas que reflejan las esencias más conceptuales, respectivamente. Según señala el comisario, este relato se relaciona con la formación del profesorado de Dibujo procedente de las especialidades de Bellas Artes y de Arquitectura.

‘Second Round’ se convierte así “en referente de una temática poco tratada hasta ahora: la actividad artística en los centros de secundaria valencianos, y sirve para reflexionar sobre aquello que queremos realmente para el futuro de la educación artística”, apunta Huerta, quien apuesta por la investigación como clave de futuro. En este sentido, anuncia que, a partir de ahora, el proyecto ‘Second Round’ se centrará, con el apoyo de la Universitat de València, en el impulso de la investigación académica a través de una red en línea con la que se creará un espacio común de debate entre las personas, instituciones, organizaciones y agentes afectados e implicados en la enseñanza de la creación artística.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Second Round. Imagen cortesía de los organizadores.

Así, ‘Second Round. Arte y lucha en los institutos valencianos’ se configura como un proyecto de investigación académica y de innovación educativa, impulsado por el Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universitat de València, que ha empezado ya a generar investigaciones (tesis doctorales, TFM del Máster de Profesorado de Secundaria o artículos en revistas especializadas) sobre la temática del impacto de las actividades artísticas en los centros de secundaria valencianos en las últimas décadas. Y, en la actualidad, ya ha comenzado a prepararse una web con las incorporaciones más remarcables del proyecto de innovación educativa.

Coloquios Second Round en La Nau

En la exposición de La Nau, además, se proyectará un vídeo recopilatorio de lo que ha sido la actividad artística y su repercusión educativa en los institutos, un audiovisual dirigido por Emilio Martí que se presentará oficialmente y en abierto, con el título ‘Second Round Movie – Líneas’, el 14 de octubre, a las 19.50 horas, en el marco del ciclo académico ‘Col·loquis Second Round a La Nau’, que tendrá lugar en la Sala Gonzalo Montiel los próximos días 13 y 14.

 

Fuera de lo pictórico

‘Destellos’, de Juan Olivares
Set Espai D’Art
Plaza Miracle del mocadoret 4, Valencia
Hasta el 5 de noviembre de 2016

Advierte Ricardo Forriols en la hoja de sala de la nueva exposición de Juan Olivares sobre la apertura de un nuevo camino en la producción del artista valenciano. Una ventana en la que experimenta con la “objetualización de la pintura” y “su salida del cuadro”. Por supuesto, no dejaremos de observar en ‘Destellos’ esos otros caminos ya característicos del artista como son el color, la abstracción y la continúa búsqueda de representación de lo cotidiano, de lo cercano.

Esta búsqueda le ha llevado a extraer la pintura del soporte básico del lienzo o papel, compaginando los collages con piezas escultóricas que continúan con la singular línea curva del artista. Madera, plástico, y aluminio, sin olvidar el papel, componen estas esculturas. A pesar de los diferentes formatos, son la abstracción pictórica y el color los encargados de hilvanar todo el recorrido expositivo, pero el collage se convierte en protagonista cuando su función se centra en aportar el ritmo en base a componer una especie de “antiforma” en consonancia con la abstracción correspondiente. Las texturas conseguidas incitan al acercamiento y al movimiento, a descubrir nuevos patrones que Juan Olivares parece esconder entre sus piezas.

Montaje de la exposición Destellos. Imagen cortesía Set Espai d'Art.

Montaje de la exposición Destellos. Imagen cortesía Set Espai d’Art.

Por esta razón y ante todo, ‘Destellos’ es adentrarse en la experimentación y en el juego del proceso comunicativo entre vista y cerebro. La mente, probablemente sin querer, comienza a conformar imágenes reconocibles en un intento de ordenar bajo parámetros establecidos la información que le va llegando. En un punto inesperado quizá hasta nos preguntemos por el proceso de creación. Forriols vuelve a alumbrarnos sobre esto explicando que en el taller del artista “encontraremos un montón de papeles recortados donde se perfilan pinceladas, trazos, planos, que son las piezas de un puzzle con las que juega”. La manera de conformarse ese misterio nos lleva a fijarnos en cada una de las capas: la del acrílico, el papel, la lisa pared y la breve sombra proyectada sobre la misma. Una composición aparentemente alterable pero con la que remite la inherente bidimensionalidad del papel, cuestionando, con el montaje como acción imprescindible, el material usado.

‘Destellos’ surge, como el mismo artista explica, del proceso del collage, donde ese encuentro primero que permite el encaje adecuado es la clave, el destello perfecto. No deja de ser curioso como se produce esa captación del instante, estática pero fluida, que fomenta una y otra vez el dinamismo, no solo de los materiales, sino del propio visionado.

Montaje de la exposición Destellos. Imagen cortesía Set Espai d'Art.

Montaje de la exposición Destellos. Imagen cortesía Set Espai d’Art.

María Ramis

El IVAM redescubre a Pinazo

Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas
Sala Pinazo
IVAM
C / Guillem de Castro, 116. Valencia
Hasta el 17 de septiembre de 2017

“Pinazo, tal vez sin proponérselo, y quizá sin saberlo, ha sido en España un pintor francamente revolucionario”, apunta Rafael Doménech en una de las citas de la exposición Ignacio Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas. El IVAM se hace cargo por primera vez de ese carácter revolucionario del pintor, con motivo del centenario de su muerte, en el denominado Año Pinazo. Y lo hace transformando a su vez la Sala de la Muralla en Sala Pinazo, para albergar esa modernidad del artista de Godella hasta ahora inexplorada.

“Ha sido un desafío, porque destacar esa vertiente moderna de Pinazo era justificar su presencia en el IVAM”, explicó Javier Pérez Rojas, comisario de la muestra que reúne 150 obras. Piezas de Pinazo en “diálogo y posibles correspondencias” con las de otros autores contemporáneos que en su mayoría nunca conocieron la obra del pintor valenciano. De ahí las Afinidades electivas a las que se refiere el título, tomado prestado de una novela romántica de Goethe, como justo subrayado de las sorprendentes ligazones entre Pinazo y artistas como Picasso, Goya, Barceló, Saura, Gargallo, Valdés, Gaya o Julio González, por citar algunos cercanos.

Pinazo y las vanguardias. Imagen cortesía del IVAM.

Pinazo y las vanguardias. Imagen cortesía del IVAM.

“Un Pinazo inédito e insólito, que en parte se intuía, pero que hasta ahora no se había destacado ni visualizado desde que el IVAM abrió sus puertas hace 27 años”, destacan desde el museo como prueba “del antes y el después” que supone esta exposición a juicio de José Miguel Cortés, director del IVAM. Sorprende sin duda que así sea, porque no ha sido necesario estirar demasiado esa correspondencia de Pinazo con las vanguardias. Sus cuadros inacabados, el grado de abstracción de su vocación realista, los retratos infantiles tímidamente morbosos, sus paisajes turbios e incluso sus arriesgados e inquietantes desnudos, desbordan los límites de cualquier género al que se le adscriba.

Si lo que se pretendía era “romper con prejuicios y visiones restringidas sobre el artista valenciano”, Ignacio Pinazo y las vanguardias lo consigue a poco que la mirada se vaya deteniendo por el largo recorrido expositivo. “Pinazo es un hombre muy poliédrico”, resaltó Pérez Rojas. Tan poliédrico como escasamente académico. “Nunca lo fue”. En todo caso, “naturalista, pero muy innovador y reflexivo”, añadió el comisario, para concluir que la muestra no tenía “nada que ver con las exposiciones que se han hecho hasta la fecha de Pinazo”.

Vista de la exposición 'Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas' en el IVAM.

Vista de la exposición ‘Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas’ en el IVAM.

Sin moldes que puedan servir para encajar de una vez por todas su obra, se advierten rasgos próximos a Goya en algunos retratos, también el carácter matérico de Barceló le resulta afín, así como el grado de abstracción de Jacinta Gil Roncalés resuena en algunas de sus piezas. Pérez Rojas destacó atinadamente su “mirada fotográfica”, fruto del “encuadre” y de la “exploración de los detalles”, que pudiera hacerse extensivo al cine con solo prolongar un poco más el punto de vista narrativo que adopta la exposición.

Las afinidades se extienden hasta artistas como John Cage, Kurt Schwitters, Pierre Soulages, Horacio Coppola, Jean Dubuffet o Herbert List, como prueba del carácter poliédrico de un Pinazo “gran explorador de lo moderno en Valencia”, subrayó el comisario. Por si cabía alguna duda de la apuesta con la que arranca el nuevo curso en el IVAM, Cortés apostilló: “Creemos en la obra de Pinazo y en su modernidad”. A falta del dinero que permita avanzar en la Cátedra Ignacio Pinazo creada junto a la Universitat de València (“nos vamos de un susto económico a otro”, Cortés dixit), el IVAM redescubre a Pinazo ofreciéndole los 1.000 m2 de su Sala de la Muralla.

Ver noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Vista de la exposición 'Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas'. Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘Pinazo y las vanguardias. Afinidades electivas’. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

Jorge Oteiza en la Fundación Evaristo Valle

Oteiza en la colección del MAS
Fundación Museo Evaristo Valle
Camino de Cabueñes 261, Somió (Gijón)
Hasta el 25 de septiembre de 2016

La Fundación Museo Evaristo Valle acoge, hasta el 25 de septiembre, una exposición temporal de obra escultórica del referente de la Escuela Vasca de Escultura Jorge Oteiza. La muestra se compone de once piezas pertenecientes a la colección del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS), donadas por el singular coleccionista apátrida de origen ruso Pablo Schabelsky (decisivo su papel de mecenazgo en el desarrollo del arte contemporáneo español), así como de la obra ‘Caja Vacía’, que procede de una colección particular.

El marco cronológico que particulariza esta exhibición se remonta al ocaso de la década de los años cuarenta del pasado siglo, coincidiendo con el retorno de Oteiza a España tras su etapa sudamericana, en la que, amén de eludir los albores y el desarrollo de la Guerra Civil Española, investiga y profundiza en la estética escultórica precolombina, emparentado generosamente con la línea de trabajo del artista británico Henry Moore y cuyo influjo se explicita en dos de las piezas de la colección -’Mujeres murmurando’  y ‘Figuras’, ambas de 1949-. Sin embargo, ‘Adán y Eva’ (1951) y ‘Xenpelar’ (1969) revelan un territorio de proposiciones reflexivas y fenomenológicas en torno de la figura humana que asientan el nuevo horizonte conceptual del artista guipuzcoano.

Imagen de la obra 'Piedad nº2 para Aránzazu'. Fotografía: Merche Medina.

Imagen de la obra ‘Piedad nº2 para Aránzazu’. Fotografía: Merche Medina.

Igualmente, se incluyen en la exposición piezas de labor propedéutica para la ejecución estatuaria del friso y la fachada de la Basílica de Nuestra Señora de Arantzazu, en la localidad guipuzcoana de Oñate, como son ‘Cabeza de Apóstol para Aránzazu’, ‘Asunción para Aránzazu’, ‘Friso con cuatro Apóstoles’ y ‘Piedad de Aránzazu’ -que comprenden dos décadas de trabajo interrumpido a causa del  impedimentum de la Iglesia, factor que retrasó el proyecto hasta su ejecución definitiva en 1968-, en la que Oteiza implementa su vindicación de las teorías de la caquexia expresivo-figurativa aplicada a la temática religiosa.

Por su parte, ‘Caja vacía’ (1958), un estudio del vacío como sacro territorio de protección, debe vincularse con su autodenominado ‘Propósito Experimental’, etapa de experimentación constructivista, consanguínea con la tradición geométrica europea y que supone la antesala de su cese definitivo de la praxis escultórica.

“Díscolo, indómito, provocador, incomodo, rebelde, fugitivo, irrepetible, conspirador (yo amo las situaciones que nos obligan a conspirar), proteico, pero no en el sentido de disperso, sino en el sentido de que su obra lo abarca todo (lo filosófico, lo antropológico, la estética, la ética e incluso lo utópico), poliédrico, en permanente lucha contra el engaño y la impostura, quijotesco, agitador cultural, disidente, inconformista, conciencia crítica, Jorge Oteiza es todo y más”. (Gregorio Díaz Ereño, director del Museo Oteiza)

Imagen general de exposición de Jorge Oteiza en la Fundación Evaristo Valle de Gijón. Fotografía: Merche Medina.

Imagen general de exposición de Jorge Oteiza en la Fundación Evaristo Valle de Gijón. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

ArteSantander se consolida con ‘Solo projects’

Feria Internacional de Arte Contemporáneo ArteSantander ’16
Palacio de Exposiciones y Congresos
Avda. del Stadium, s/n. Santander
Del 16 al 20 de julio de 2016

La edición de ArteSantander 2016, que cumplía su 25 aniversario, ha mantenido el formato que viene desarrollando durante las últimas ediciones, y que ha permitido no sólo mantenerse en estos tiempos tan complicados, si no que ha supuesto su consolidación como una feria con un perfil diferenciador desarrollada en el Palacio de Exposiciones, sede de la feria, y en otros espacios diversificados.

Obra de la feria ArteSantander. Imagen  extraída del video de Néstor Navarro.

Obra de la feria ArteSantander. Imagen extraída del video de Néstor Navarro.

Tal y como acordaron los responsables institucionales a propuesta del director de la feria, Juan González de Riancho, se trataba de mantener el concepto de feria de ‘Solo projects’, con 42 galerías participantes, entre ellas las valencianas Cànem, Aural, Set Espai d’Art y Espai Tactel, pretendiendo por una parte contribuir a poner en valor el arte contemporáneo y por otra aprovechar la inercia que generada nuevamente por el curso organizado por la Asociación de Coleccionistas 9915, y el Instituto de Arte Contemporáneo, incluido en el del Programa 2016 de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), que sobre coleccionismo de Arte Contemporáneo y mecenazgo, tendrá lugar en Santander, en el mes de julio en el Palacio de la Magdalena de Santander, sede de la Universidad Internacional.

Una mujer observa una de las piezas de la feria ArteSantander. Imagen del video de Néstor Navarro.

Una mujer observa una de las piezas de la feria ArteSantander. Imagen del video de Néstor Navarro.

Cabe recordar que en ediciones pasadas se modificaron las fechas, para coincidir con este curso, y que la Asociación 9915 ya realizó su Junta Directiva en Santander, en esas mismas fechas. Dos datos que hablan por sí solos de la relación establecida, y que este verano se ha reforzado al máximo, para lograr que Santander fuera durante unos días, la referencia en el sector del arte.

Los responsables de la feria confían en que la profundización en estas relaciones y colaboraciones, que sin duda refuerzan el proyecto, haya servido para impulsar la participación e internacionalizar aún más un evento que arrancó el sábado 16 para finalizar el miércoles 20 de julio.

Video de la feria ArteSantander ’16 realizado por Néstor Navarro

ArteSantander 2016 from Makma on Vimeo.