La Ilustración. Más allá de la creatividad

I Congreso en Santander de Profesionales de Cómic e Ilustración
Palacio de la Magdalena
Avenida de la Reina Victoria, s/n. Santander
Sábado 22 de octubre de 2016

Artistas, profesionales del sector y estudiantes se entremezclaron en una jornada intensiva con un único objetivo: conocer a fondo el engranaje de un mundo del que solo se conoce el trabajo final.

El evento organizado por las librerías especializadas Nexus-4 y Jokers Cómic quiso ir más allá de la creatividad y ahondar en esos componentes invisibles que forman parte de la vida del ilustrador.

El mundo de la ilustración y los cómics no se sostiene solo por la creatividad y las ganas de dibujar. Hay aspectos importantes que suelen quedar en un segundo plano en la mayoría de eventos, pero que son casi tan importantes para un dibujante como su propio trabajo.

Vista de la exposición de José Ramón Sánchez. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

Vista de la exposición de José Ramón Sánchez. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

Se visibilizó el problema de los micromachismos en un sector puramente masculino, dado “que es un problema de la estructura social”. Carla Berrocal -ilustradora y miembro del colectivo de autoras de cómic- habló sin tapujos, pero con la naturalidad que caracteriza a una autora acostumbrada a oír que “dibuja como un tío”. “Es importante acabar con las etiquetas y dejar de lado que las mujeres ilustradoras dibujamos para las mujeres”, explicó

Se habló de la propiedad intelectual, de Creative Commons que, en palabra de los abogados de Deloyers, no acaba de encajar en la normativa y que la mejor forma de proteger una obra “es registrar el trabajo en el Registro de la Propiedad Intelectual, aunque no hay nada perfecto ni para protegerte ni para defenderte”.

También de fiscalidad, de la importancia de la postura a la hora de dibujar, de ese mundo misterioso de los editores y de cómo funcionan las agencias norteamericanas. Está claro que no se trató de una jornada al uso. La creatividad y las ilustraciones pasaron a un segundo plano, centrándose en aspectos más farragosos y menos comentados pero casi tan importantes como el propio proceso creativo.

El ilustrador José Ramón Sánchez. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

El ilustrador José Ramón Sánchez. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

De forma paralela, los asistentes pudieron disfrutar de una exposición con las ilustraciones de José Ramón Sánchez -Premio Nacional de Ilustración en 2014-. Se contó con su presencia para conocer la evolución del mundo de la ilustración de quien asegura que “los niños siempre serán niños y eso nunca cambiará”.

Él aportó el toque analógico, el de la ilustración de toda la vida, porque “ahora los ilustradores dibujan con ordenador” aunque “es una fiebre que bajará, porque llegará un momento de saturación”, si bien como comentó Víctor Santos, ilustrador valenciano asentado en Bilbao, “la tecnología nos ha permitido trabajar con agencias extranjeras sin movernos de casa”.

El encuentro se cerró con la ponencia de Greg Lockart, editor de DC Cómics y el debate sobre el estado de la ilustración de la mano de Carla Berrocal y Marta Rivas.

Ilustración de José Ramón Sánchez de uno de los libros de su exposición. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

Ilustración de José Ramón Sánchez de uno de los libros de su exposición. Imagen cortesía del Palacio de la Magdalena.

Danae N

Horror germánico para abrir el CIM

Festival de Cine Internacional de Mierda CIM-Sueca
Centre Municipal Bernat i Baldoví
C / Sant Josep, 32. Sueca (Valencia)
Del 19 al 25 de septiembre de 2016

El festival CIM-Sueca, también conocido como Festival de Cine Internacional de Mierda de Sueca, arranca el lunes 19 de septiembre para dar paso a siete días de serie B, trash, gore y otros formatos audiovisuales independientes. En su quinta edición el festival mantiene una extensa programación formada por un centenar de audiovisuales, repartidos entre una veintena de largometrajes y cerca de 80 cortometrajes. Todos los días, del 19 al 25 de septiembre, a partir de las 18.00h habrá proyecciones en el Centre Municipal Bernat i Baldoví de Sueca y el fin de semana (viernes y sábado) se proyectarán las esperadas sesiones ‘golfas’ a las 23.00h y las 00.30h.

Directores de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Andreas Marschall, Jörg Buttgereit y Michal Kosakowski, directores de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

El festival ha ido ganando popularidad durante sus cinco años de trayectoria, consolidándose como uno de los más importantes dentro de su género, tanto por participación (con cerca de 3000 participantes internacionales) como por cantidad de programación. El CIM-Sueca está especializado en audiovisuales de bajo presupuesto, poniendo especial atención a la serie B, el trash, el gore, el underground y en general a películas de estricta filiación independiente donde priman la ilusión, el humor y la creatividad por encima de los medios técnicos.

El festival refuerza su vocación internacional proyectando filmes de más de 20 nacionalidades y provenientes de todos los continentes. De los largometrajes proyectados cinco serán estrenos en España y siete son estrenos absolutos en Europa. Se puede consultar la programación completa en la web del festival: www.cimsueca.com.

Las proyecciones del CIM-Sueca suelen convertirse en una fiesta en sí mismas, el público interactúa libremente con las películas gritando o aplaudiendo, normalmente coincidiendo con las salpicaduras de sangre, amputaciones de miembros o evisceraciones que se muestren en pantalla.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

El ambiente es lúdico, humorístico y participativo pero a la vez cinéfilo y respetuoso. El público también es el absoluto protagonista a la hora de dar los premios, ya que todas las películas se someten a estricta votación popular para decidir los galardones tanto a las mejores como las peores producciones (sí, también las peores tiene premios!).

El festival de este año se abrirá con la esperadísima German Angst, una película que ya ha causado gran impacto en los festivales de Sitges y San Sebastian. “Tres cuentos alemanes de amor, sexo y muerte en Berlín”, así se presenta un filme que reúne tres grandes nombres del horror germánico, donde destaca Jörg Buttgereit autor de Nekromantik, el referente del culto necrofílico de los ochenta, acompañado de Andreas Marschall y Michal Kosakowski, autores de las impactantes Tears of Kali y Zero Killed. Violencia extrema, sexo y transgresión para abrir el CIM-Sueca 2016 con un auténtico hit del gore europeo.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Yllana 25: Lo mejor de 26

Yllana 25
27ª Mostra Internacional de MIM de Sueca
Sueca, Valencia
Del 14 al 18 de septiembre de 2016

Yllana no falla a su cita con la Mostra Internacional de Mim de Sueca. La compañía madrileña ha participado en todas las ediciones del festival con sus estrenos anuales mostrando un derroche de ingenio y creatividad sin decir ni una sola palabra. Este año su presencia es muy especial, pues celebra sus Bodas de Plata, 25 años de resistencia contra los elementos. Y lo hacen a lo grande con ‘Yllana 25′ un repaso a los hitos de su trayectoria. Una selección de los mejores sketches de sus 26 montajes que permitirá a sus seguidores disfrutar en una única función de los gags más divertidos de la compañía a lo largo del último cuarto de siglo.

“Este espectáculo es la suma de muchas mentes creadoras que han aportado su creatividad desde los comienzos de la compañía”, dicen los componentes de Yllana. “Queremos dar gracias a todos los artistas y equipo técnico que colaboran o han colaborado con nosotros en algún momento y que han hecho posible que celebremos nuestro 25 aniversario. Mención especial a Marcelino Hernández, Antonio de la Fuente, Raúl Cano Cano y Antonio Pagudo, que forman parte importante de nuestra historia”.

Muu! 2, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Muu! 2, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Creada en 1991, Yllana es hoy día mucho más que una compañía. Un artefacto cultural con diversas vertientes y un abultado álbum de premios y reconocimientos diversos. Nació como compañía de teatro de humor gestual y con el tiempo ha diversificado su actividad abarcando distintas funciones en el mundo de las artes escénicas y el audiovisual. Por un lado se dedica a la creación, producción y distribución de espectáculos, eventos y formatos audiovisuales. Por otro, gestiona espacios teatrales como el Alfil de Madrid y desarrolla diferentes proyectos en el ámbito cultural. Capitanean el proyecto:  Juan Francisco Ramos, Marcos y David Ottone, Joseph O´Curneen y Fidel Fernández. Junto a ellos, una larga lista de artistas y profesionales en las distintas disciplinas escénicas.

¿La clave de su éxito y permanencia? Aparte del talento y la buena fortuna, se podría citar la universalidad de su lenguaje que no requiere traducción a otros idiomas. También su tipo de humor algo canalla, irreverente y corrosivo. Su capacidad para reírse de todos y de todo. Y por encima de todo capacidad de trabajo, naturalmente. A lo largo de su existencia Yllana ha realizado 26 montajes representados en más de 2.000 ocasiones en más de 40 países ante dos millones de espectadores. Los últimos: Muu! 2, The Hole, Action Man, Far West, Los Mejores Sketches de Monty Python, Malikianini, Sinfònic Ara, The Gagfather, Chefs e Yllana 25.

Brokers, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Brokers, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Han actuado en Nueva York, Montreal, México DF, Roma, Londres y París y  participado en festivales internacionales de  prestigio. En el Fringe Festival de Nueva York (USA), obtuvieron el Premio Outstanding Unique Theatrical Event por 666, en 2009, El Fringe Festival de Edimburgo (UK) fueron galardonados con el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe por los editores del periódico Three Weeks por PaGAGnini, en 2008, y el Festival Printemps des Courges de Toulouse (Francia), ganando el premio con Muuu! al Mejor Spectacle Etranger en 1993. Yllana también ha dirigido espectáculos para otras compañías o productoras, como Hoy No Me Puedo Levantar, de Drive Entertainment o Glorious, de Nearco Producciones, y asesorado en la dirección a otras como Mayumana (Israel), Ye-Gam (Corea), Hermanos de Baile y varios de los espectáculos de la compañía Sexpeare.

La publicidad es otra de sus facetas. Ha creado numerosos sketches y spots publicitarios emitidos en televisiones de varios países. Desde 2009 colabora con Paramount Comedy (VIACOM) en el desarrollo y producción de nuevos formatos audiovisuales, como el piloto de la serie Chic-cas. Su versátil actividad incluye también la organización de eventos culturales con protagonismo especial del humor para  entidades públicas y privadas. Su experiencia en artes escénicas se pone así al servicio de cualquier tipo de acto institucional. Entre otros eventos montó la Gala de los Premios Max de las Artes Escénicas del 2009.

Star Trip, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Star Trip, de Yllana. Imagen cortesía de la compañía.

Bel Carrasco

Diseño, solidaridad y juguetes

II edición de Brew Toys
Biblioteca de Las Naves
C/Juan Verdeguer 16. Valencia
Del 25 al 26 de junio

Se producen en ediciones limitadas, vírgenes, en blanco. Toman la resina, el vinilo, la madera, el metal y hasta el papel como soporte. Se presentan en formas amables, pero no son siempre para niños. Y artistas y artesanos componen sobre su esqueleto la que terminará por ser su forma y concepto definitivo, el de un Art Toy: piezas a medio camino entre lo pueril y lo escultórico que en manos de coleccionistas alcanzan la veneración.

Entre juguetes para adultos y la cerveza de la marca valenciana Zeta Beer, que de nuevo patrocina e hilvana la temática, se levanta esta nueva edición de los Brew Toys. La segunda, que como novedades suma la colaboración de la ADCV a través de un debate abierto, agranda el espacio y se traslada a Las Naves, y acelera el formato a un único fin de semana (25 y 26 de junio) que concentrará todo el proceso de factura de los Toys. Todo en vivo, de libre acceso y continuando, también, con la divertida y exitosa subasta de las piezas que en esta segunda edición, destinará todo lo recaudado a un proyecto solidario.

Los nombres a cargo de la experiencia son Flüke, Dr. Zamenhof, Mr. Zyan, Mr. Simon, Kilo, Dani Salvador, Ink Bad Company, Alberto Silla, Lawerta, Mik Baro, Vinyl Escape, Jorge Lizandra, Swing, Cristian Fish, Juan Carlos Iñesta, Juan Díaz-Faes, Alicia García, Joan Quirós, Kike Correcher y Syntetyk que, además de intervenir, organiza y coordina esta segunda edición de Brew Toys.

I edición BrewToys. Imagen cortesía de la organización.

I edición BrewToys. Imagen cortesía de la organización.

En total, veinte creativos valencianos de distintos ramos (ilustradores, diseñadores gráficos, ceramistas…) que se enfrentarán, durante todo el sábado 25 de junio, al horror vacui de un Toy en blanco de la Gas Collection de Vinyl Escape. Un punto de partida común, desde el que cada uno de los participantes deberá dejar su impronta. Cada uno con sus técnicas de trabajo, desde cero. Un sábado único tanto para los artistas, que trabajarán rodeados de compañeros en un espacio común y contrarreloj; como para los aficionados, amigos y curiosos que quieran empaparse de su pericia y creatividad.

Juguetes inspirados en la cerveza. Pintados en aerosol, rediseñados, modificados estructuralmente, pasados a la cerámica o tatuados de hand lettering. Brew Toys que  también se subastarán en la misma biblioteca de Las Naves en una jornada concebida como una fiesta para todos los públicos. Un domingo (electoral, además) que entre pujas, subastas, adjudicaciones y las mejores cervezas de ZETA, destinará todo lo recaudado al Free Design Bank. Un proyecto maravilloso liderado por el diseñador y docente Manuel Bañó, que apuesta, a través de los fundamentos del diseño, por empoderar a los artesanos de países azotados por la pobreza.

LOS PREMIOS MAX SE PONEN FETEN

La feria FETEN de Gijón, Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016

La feria FETEN de Gijón, Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016 “por respetar, apoyar y dignificar los espectáculos para la infancia y por su encomiable labor de creación de nuevos públicos”.

El comité organizador de los Premios Max de las Artes Escénicas ha dado a conocer el Premio Max a la Contribución a las Artes Escénicas 2016. En esta ocasión, el reconocimiento ha sido otorgado por unanimidad a la Feria Europea de las Artes Escénicas para Niños y Niñas (FETEN), de Gijón, que este año ha celebrado su vigésimo quinta edición. El comité concede la distinción al certamen “por consolidarse como referente internacional de artes escénicas dirigidas al público familiar y por respetar, apoyar, elevar y dignificar los espectáculos para la infancia. Porque está demostrado que acercarse al hecho escénico en edades tempranas ayuda a amarlo y, en ese sentido, FETEN lleva a cabo una encomiable labor de creación de públicos”.

Marián Osácar, directora de FETEN, recibirá el galardón en la ceremonia de los XIX Premios Max, que tendrá lugar el próximo 25 de abril en el Teatro Circo Price de Madrid. Osácar ha señalado que “para el Ayuntamiento de Gijón y para todo el equipo de organización de FETEN, este premio es una manera de decirnos que el trabajo va por buen camino, que está bien hecho. Nos hace sentirnos partícipes de la profesión y, como tales, debemos decir que hacemos FETEN entre todos: las compañías que nos visitan, los programadores que vienen a verlas y, cómo no, todos los niños y niñas de Gijón, que son los espectadores primeros de los espectáculos y los verdaderos protagonistas”.

PREMIOS MAX. MAKMA

La directora de FETEN, agradecida por el reconocimiento de los Premios Max a la feria, promueve el teatro familiar y recuerda que “llevando a nuestros hijos a espectáculos de artes escénicas estamos iniciándolos en el camino de la cultura, creando ciudadanos responsables y con capacidad de crítica y, sobre todo, estimulando su inteligencia emocional”. Osácar añade que “los espectáculos para niños y niñas tienen el mismo rigor, desde sus producciones, hasta sus elencos y sus puestas en escena, que el teatro de adultos. Es más; pienso que tienen mayor riesgo creativo, porque esa es su única carta de presentación. Aquí no existe una cabecera de cartel; lo que cuenta es su creatividad, su punto y su manera de presentarse a un espectador del presente, no del futuro”.

“FETEN nació en Gijón hace veinticinco años y siempre ha mantenido su aspecto de feria”, afirma Marián Osácar, que considera fundamental el carácter profesional de la iniciativa, más allá de la simple exhibición. A lo largo de este cuarto de siglo, el certamen asturiano ha ido “evolucionando, incluyendo técnicas y formatos, dando paso y cabida a la danza, el circo, el teatro de calle, la ópera o los musicales. También se ha incorporado teatro para bebés, multimedia o instalaciones no convencionales. De alguna manera, ha ido creciendo con el sector y ha mantenido siempre un aspecto muy importante: ser un lugar de encuentro profesional”.

FETEN. MAKMA

Desde su primera edición, en 1991, FETEN complementa la exhibición y mercado de espectáculos con la programación de actividades paralelas: foros y conferencias; presentaciones de libros; exposiciones; y otros elementos de agitación intelectual, convirtiéndose en marco de debate referencial para el sector de las artes escénicas para niños.

Entre los próximos retos de FETEN, Marián Osácar destaca la internacionalización. En este sentido, y aunque resalta la presencia de “un diez a un trece por ciento” de compañías de fuera de España, considera interesante para la feria gijonesa la expansión exterior. “El mercado nacional está establecido; ya hay compra y venta. Pero lo que pretendemos es salir y que vengan muchos programadores internacionales para abrir fronteras a todas nuestras compañías”, concluye la directora de la feria.

Además de las 22 candidaturas a concurso a los Premios Max de las Artes Escénicas, el comité organizador concede 3 premios especiales: Honor, Contribución a las Artes Escénicas y Aficionado. Organizados por la Fundación SGAE desde 1998, los Premios Max, cuyo galardón está diseñado por el poeta y artista plástico Joan Brossa (Barcelona-1919/1999), impulsor de uno de los colectivos renovadores del arte español de posguerra, se han consolidado a lo largo de estos años como el reconocimiento más amplio en el ámbito de las Artes Escénicas en el Estado español.

En primer plano, Marián Osácar y detrás, Montserrat López Moro,  concejala de Educación y Cultura de Gijón, y el resto del equipo de FETEN. Fotografía cortesía de Tencontén Media.

En primer plano, Marián Osácar y detrás, Montserrat López Moro, concejala de Educación y Cultura de Gijón, y el resto del equipo de FETEN. Fotografía cortesía de Tencontén Media.

 

La belleza convulsa de Liliana Maresca

Retrospectiva de Liliana Maresca
Espaivisor
C / Carrasquer, 2. Valencia
Hasta el 15 de abril de 2016

“Busco una fisura hacia otra realidad…Porque esta se agota rápidamente”. Dicho y hecho. Liliana Maresca (1951-1994) encontró esa fisura que buscaba, de tanto intentarlo con su obra transgresora. De manera que se topó bien pronto con la muerte. Tenía 43 años, dedicados a hurgar en la belleza con los materiales punzantes de su intensa, apasionada creatividad. Quería tanta autenticidad, que no dudó en jugar con los límites que separan la vida de la muerte.

El arte es representación, porque de lo real sólo podemos saber por vía interpuesta. Pero Maresca quiso siempre forzar esa representación, con el fin de hallar la esencia de las cosas. Y la esencia, en muchos casos, tenía cierto sabor letal. La galería Espaivisor de Valencia da cuenta de tan excesiva creatividad en la primera retrospectiva de su obra en España. Lo hace mediante fotografías, piezas de escultura, un video, recortes de prensa, escritos a máquina y documentos performance, en los que aflora, por muy distintos que sean los soportes, su vena artística siempre al borde del colapso, del agujero negro que todo lo engulle.

Su intensa actividad en las décadas de los 80 y 90 en la Argentina postdictatorial alumbró exposiciones que tan pronto denunciaban aspectos relacionados con el Descubrimiento de América, como con las abusivas leyes del actual mercado capitalista. Se rodeaba de artistas plásticos, músicos o actores con los que montaba singulares y provocadoras escenografías. Hacía lo propio en su serie de fotografías, realizadas por Marcos López, en las que se representaba a sí misma desnuda tras objetos que parecían subrayar el esqueleto de su anatomía. No era la Frida Kahlo de la columna vertebral rota, pero se asemejaba.

Liliana Maresca en una de sus fotografías performance realizada por Marcos López. Imagen cortesía de Espaivisor.

Liliana Maresca en una de sus fotografías performance realizada por Marcos López. Imagen cortesía de Espaivisor.

“Mi misión es molestar, hacer cosas que sean una patada en los huevos”

En la exposición de Espaivisor hay numerosos recortes de prensa que recogen algunas de sus declaraciones más apasionadas, fruto del sentimiento que revelaba su propio arte. “Yo creo que mi misión en la vida es molestar. Hacer cosas que sean una patada en los huevos”. A punto de morir, casi a modo de testamento, produjo una muestra cuyo título ya manifiesta su inquebrantable pulso vital: ‘Frenesí’. Un frenesí que arramblaba con todo, incluido el sistema que viene a controlar tamaños excesos. “Si el sistema permite la existencia de algo que se escapa de él, es para inocularlo luego”.

Para que tal cosa no sucediera, Liliana Maresca no cejó en su empeño de violentar los límites en cuyo interior yace la paz. O no. “Si nuestros trabajos produjeran violencia es porque ella está en la realidad, en los dibujos animados, en los noticieros, en la calle”. Sabedora de esa violencia que nos habita, más allá de la candidez rousseauniana, Maresca desplegó toda una batería de actividades encaminadas a subrayar ese carácter violento de la naturaleza humana. Violencia que ella sabía destinada a formar parte del propio tejido social.

“Esto que hoy parece delirante, no convencional, va a ser aceptado y dejará la marginalidad”. Maresca parecía anunciar con ello la deriva televisiva, allí donde el asesinato, por seguir a Hitchcock, se instala cómodamente en las casas a través de la pequeña pantalla. Todo es fagocitado por el mercado, salvo el pensamiento en su estado puro. “Desde el momento en que pensás de una manera distinta al resto de artistas te estás marginando”. En esa marginalidad se movió siempre la artista que tomó el propio cuerpo como recipiente de experiencias traumáticas. La primera de todas ellas, aniquilar su yo.

Una de las piezas de escultura de Liliana Maresca. Imagen cortesía de Espaivisor.

Una de las piezas de escultura de Liliana Maresca. Imagen cortesía de Espaivisor.

“Hay que hacerse un yo para hacerlo mierda”

“Uno tiene que ser paranoico. Hay que hacerse un yo para hacerlo mierda”. No sólo el suyo, que sin duda dinamitó a diario poniéndose a sí misma contra las cuerdas, sino los múltiples yoes que la animaban a dejar en calma la realidad. Nadie lo logró, porque Liliana Maresca siguió y siguió profundizando en esa fisura que le transportaba a otra realidad. En una de sus propuestas artísticas, se metió en un ataúd para limpiar los pedazos de mortaja que todavía quedaban dentro. Quería que los ataúdes fueran objeto de una exposición. Y la sola experiencia previa la conmovió. “Al tener que meterme tan dentro de la muerte, te puedo decir que la sentí”.

A Maresca le subyugaba esa experiencia de autenticidad, hasta el punto de llegar a ofrecerse al público para mostrar la simbiosis entre cuerpo y mercado. Un cuerpo que osciló entre el erotismo de su propia desnudez y la provocación ideológica revelada en sus montajes más políticos. Espaivisor se hace cargo de todo ello mostrándolo a pequeña escala, como si toda esa energía desbocada pudiera concentrarse en archivos documentales, imágenes en blanco y negro de gran poder evocador y alguna que otra escultura a modo de brillante ‘Curiosidad natural’ realizada con bronce y calabaza.

Fotografía de Liliana Maresca. Imagen cortesía de Espaivisor.

Fotografía de Liliana Maresca. Imagen cortesía de Espaivisor.

“Quería probar de todo y lo único que me faltaba era matar”

Su hija Almendra, presente en la inauguración, destacó en un aparte para MAKMA el carácter indomable de su madre. “Tuvo instantes de monogamia, pero siempre quiso explorar otras cosas”. Lo hizo con propia vida y, por extensión, con su arte. Y es que arte y vida en la trayectoria existencial de Liliana Maresca se confunden. Lo prueba este testimonio extraído de uno de los recortes de prensa que abundan en la exposición.

“Quería probar de todo y lo único que me faltaba era matar. Entonces por seguridad conseguí un revólver. Salí a caminar por la villa, tipo tres de la mañana. Yo pensaba: ahí me encuentro con alguien que me quiere violar y lo mato. Dormía con todas las ventanas abiertas, la puerta abierta. Nada, no pude matar a nadie”.

Así concebía la vida y el arte Liliana Maresca, artista de culto a quien Espaivisor dedica una retrospectiva que sólo tiene un precedente en Europa: la que le dedicó hace cuatro años la galería Spazio Nuovo de Roma. No hay más vestigio de su obra fuera de su Argentina natal, salvo algunas piezas expuestas en el Museo Reina Sofía de Madrid. Lo demás está en Valencia, donde hasta el 15 de abril permanecerá tan singular retrato de la artista que buscó una fisura hacia otra realidad y la encontró. “Vivía al límite”, concluyó su hija Almendra. Y el límite cedió para finalmente devorarla. Espaivisor contiene sus restos mortales llenos de intensa vida.

Ver noticia en ARTS de El Mundo Comunidad Valenciana

Fotografía performance de Liliana Maresca realizada por Marcos López. Imagen cortesía de Espaivisor.

Fotografía performance de Liliana Maresca realizada por Marcos López. Imagen cortesía de Espaivisor.

Salva Torres

“Cuento lo mínimo para que se piense lo máximo”

Las Ausentes, de Estefanía Martín Sáenz
I Premio de Dibujo DKV-MAKMA
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Inauguración: martes 15 de diciembre de 2015, a las 19.00h
Hasta el 31 de enero de 2016

Estefanía Martín Sáenz, I Premio de Dibujo DKV-MAKMA, presenta su proyecto ganador en el Centro del Carmen. Las Ausentes, que es como ha titulado la artista su trabajo, se acerca al mundo de los cuentos, objeto de la convocatoria, poniendo su atención en los personajes femeninos silenciados en muchas de esas narraciones. “Me interesaba dar voz a quienes no la tienen”, aunque afirma que detrás de esa intención no hay una pretensión de corte feminista. Las ausentes aludidas son la madre de Juan sin miedo, la Bruja del Este, la Señora Miller y las princesas delicadas. Las 16 piezas que integran la exposición, 14 dibujos, un vestido y una tela, están realizadas con enorme sutileza, de manera que, como subraya la propia artista, con “lo mínimo, el espectador piense lo máximo”.

Las princesas delicadas, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA.

Las princesas delicadas, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Por qué elegiste esos cuentos que han servido como referente para tu proyecto Las Ausentes?

Mi idea era dar vida a personajes que apenas tienen protagonismo en los cuentos, para lo cual tuve que leerme muchos. Podía haber cogido, por ejemplo, Caperucita, pero hablar de una madre que deja a su hija en el bosque no me apetecía. Preferí escoger personajes que fueran buenos, de ahí la selección de la madre de Juan sin miedo, de la Bruja del Este en El maravilloso mago de Oz, de Susana, Juana y Ana, en Las princesas delicadas, y de la Señora Miller en Rumpelstiltskin (El enano saltarín). Me interesaba dar voz a quienes no la tienen, porque a la Bruja del Este le aplasta una casa que se cae y poco más sabemos de ella. Lo mismo pasa con las tres princesas, que se ponen enfermas y no conocemos el por qué.

¿Esa elección de mujeres ausentes en los cuentos obedece a alguna razón de corte feminista?

Es verdad que todo gira en torno a la mujer y que no hay hombres. Puede que sea feminista, no lo sé. Pero, en todo caso, lo hago no por que crea que la mujer es lo más de lo más, porque de hecho creo en la igualdad, sino porque la mujer me da mucho juego. Me nutro de todas las revistas de moda y luego lo que hago es cambiarlas para que no parezcan modelos. Como en Frankenstein, construyo una especie de mujer con trocitos de muchas.

Juan sin miedo, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA.

Juan sin miedo, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Cómo fue el proceso de elaboración de los personajes de cada uno de los cuentos?

Primero me leí los cuentos. Luego escribí la vida de estos personajes y fui viendo qué me encajaba. Por ejemplo, la madre de Juan sin miedo no conocía la belleza, hasta que un día ve la flor más bella del mundo y cree que es el diablo. Entonces le promete a su hijo que él no tendrá miedo. De ahí surgió la idea de dibujar a esa madre como agarrándose las manos de miedo, pero siendo una mujer normal. En la Bruja del Este, a pesar de ser la más poderosa y la más bella, yo he reflejado sus debilidades y cómo se pone máscaras para que no digan ¡pobre Bruja del Este!

¿Y los otros dos?

La Señora Miller pensé dibujarla como una mujer preciosa, pero luego fue surgiendo otra imagen, un poco grotesca con su diente de oro. Para las princesas delicadas, de las que no sabemos nada, me fui centrando en la personalidad de cada una a raíz de lo que sugerían sus respectivas enfermedades.

¿Por qué crees que son tan necesarios los cuentos, cuando precisamente existe esa otra percepción despectiva que recoge la expresión ‘no me cuentes cuentos’?

Yo creo que obedece a la necesidad de vivir otras vidas, de estar en otros sitios en los que nunca has estado. Además, vivimos un mundo tan gris, con todo lo terrible que está pasando, que necesitamos coger un libro y desconectar. Es como una vía de escape, porque de política ya andamos bien servidos. Lo último que he leído es La chica del tren [Paula Hawkins].

La señora Miller, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

La señora Miller, de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Crees que establecer una temática a la hora de convocar un premio condiciona y limita la libertad creativa del artista?

No, para nada. En mi caso, supone un reto. Me ha venido bien pensar en la temática del cuento, porque después de todo el artista lo que hace es amoldar esa temática al terreno en el que vienes trabajando, sin perder de vista la línea propuesta en el certamen. Pero siempre lo haces tuyo. Si te ciñes al cien por cien al proyecto sería nefasto.

El Premio de Dibujo DKV-MAKMA se centra en los cuentos porque se pensó que era una buena forma de ligar la creatividad con la educación artística orientada a los más jóvenes. ¿Qué te parece?

Me parece esencial que a los niños se les enseñe el arte desde muy pequeños, porque son muy agradecidos. A veces piensas que al meter personajes malos en un cuento igual te van a decir algo, que los van a rechazar, pero es que luego ves que les gusta, porque quieren conocerlo todo; no tienen miedo. Si a mí en el colegio me hubieran exprimido, probablemente sería mejor de lo que soy ahora.

La Bruja del Este, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

La Bruja del Este, obra de Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Imagen cortesía de la artista.

¿Cuáles son tus referentes artísticos?

Son muchos, pero me gusta fijarme en artistas que conozco y admiro. Amy Cutler, por ejemplo. También Guillermo Peñalver, todo lo que hace me parece de una gran exquisitez; Blanca Gracia, Alejandro Calderón… ¡Tengo tantos!

¿Qué técnicas has empleado a la hora de realizar Las Ausentes?

Sobre todo dibujo, dibujo y dibujo. También tinta china, acrílico, acuarela; terciopelo labrado para la Bruja del Este. Y alguna gasa.

¿Cómo es el proyecto expositivo que presentas en el Centro del Carmen?

Son 16 piezas: 14 dibujos más un vestido, pensado para que vaya cosido al cuerpo para que no se pueda quitar, y una tela de 1,70×1,80 que no va a bastidor. Había pensado también incorporar un video que luego he descartado porque me obligaba a quitar otras piezas de la serie de cuentos y, después de todo, lo que he trabajado principalmente es el dibujo y prefería que fueran ellos los protagonistas. En cada una de las piezas va una frase inventada por mí y otra de cada uno de los cuentos. En un cubo situado a la entrada presento a las cuatro ausentes, a modo de prólogo. Y ya en la sala del fondo desarrollo las historias. En todo caso, cuento lo mínimo para que el espectador piense lo máximo.

Estefanía Martín Sáenz. Fotografía: Eduardo Sánchez.

Estefanía Martín Sáenz, ganadora del I Premio de Dibujo DKV-MAKMA. Fotografía: Eduardo Sánchez.

Salva Torres

Territorios Compartibles. La vida en escena

En este trabajo, dirigido por Paula Valero y producido por TEM/ Teatro El Musical, se replantea la dicotomía de la vida como campo de batalla, es decir, como lugar idóneo para transformar la realidad.

Este proyecto de intervenciones y prácticas escénicas, comprende una serie de acciones, performances, happenings, conferencias, eventos y demás, que investigan y exploran, teniendo como colaboradores a los propios artistas, y al público en general.En definitiva, se trata de prácticas diversas que tienen como hilo conductor, el deseo de los habitantes por recuperar e integrar su espacio privado a un espacio social activo.

El 11 de diciembre 2015 se realizará la conferencia de Leónidas Martín, donde conoceremos intervenciones llevadas a cabo por éste, y su colectivo Enmedio. Es capaz de interferir en  el relato dominante, interrumpiendo la explicación oficial del mundo y es que, es conocido en los circuitos artísticos internacionales así como en las redes sociales más activistas por su particular manera de trabajar.

Profesor de arte y políticas en la Universidad de Barcelona (U.B.) y en la Escola Superior de Disseny (ESDI escribe sobre arte y política, y se declara un agitador cultural que suele salirse con la suya.

Performance de Leonidas Martin.

Performance de Leonidas Martin. Cortesía del artista.

Paula Valero, por su parte, propone jugar a transformarnos y reinventarnos, el domingo 13 de diciembre a las 19h. Busca hacer una llamada a la fuerza de la creatividad, así como la alegría. Para ella, esta ACCIÓN no es un espectáculo, sino más bien, un momento de realidad escénica compartido por público y actores en un ambiente de convivialidad. Para ello contaremos con actores y agentes muy activos de la cultura en nuestra ciudad como Jacobo Roger (Francachela Teatro), Miguel Clager, Jaume Pérez (Jaume & Disla), Graham Bell Tornado, Maria Stagnaro, Mónica Real.

El discurso de esta acción se basa en la transformación ˗de los cuerpos, de la sociedad˗ que lleva a la afirmación personal y colectiva. Veremos como la desinhibición se hace patente, mientras se establecen territorios de afectividades. Un juego, donde se nos propone aprovechar el espacio de intervención crítica para ensayar y proponer otras relaciones, que permitan en conclusión plantear lo lúdico como el ejercicio de una imaginación creativa y política.

Fotografía de Joaquin Ruiz Espinosa,

Fotografía de Joaquin Ruiz Espinosa. Cortesía del artista.

Nuevas tecnologías, nuevas sensibilidades

Dentro de las publicaciones que realiza la Universitat Jaume I de Castellón, destaca de entre sus novedades el libro: ”Nuevas tecnologías, nuevas sensibilidades. Escenarios actuales y futuros para el arte y el diseño.” Escrito por Julia Galán Serrano, Francisco Felip Miralles y Vicente Chulvi Ramos, en el que a través de sus doscientas páginas analiza de una forma minuciosa y visionaria las sinergias que acontecen en el panorama creativo actual desde las que poder anticipar escenarios futuros de actuación.

Este libro de contenido científico, es fruto del proyecto de investigación ”Interconexiones entre el Diseño y el Arte actual” financiado por la Universitat Jaume I, y que ha sido evaluado por personas expertas de esta misma universidad, mediante el procedimiento de revisión por pares, doble ciego.

paginas 64-65

Nos encontramos en un escenario donde la democratización de las Nuevas Tecnologías de la Información y Comunicación ha unido al planeta con una celeridad sin precedentes. En un momento en el que las TIC han colonizado todas las esferas del devenir humano, el análisis y reflexión sobre las tendencias desarrolladas durante los últimos años en el campo de la creatividad permite dibujar un horizonte definido por un giro hacia la nanotecnología, la hiperconectividad, la maduración de las comunidades virtuales y una mayor presencia del trabajo telemático, que hacen posible perfilar nuevos campos de actuación para el arte y el diseño desde diferentes ámbitos.

El presente libro aborda un análisis en profundidad del actual panorama creativo reflexionando sobre las sinergias que acontecen entre ciencia, tecnología, arte y diseño, contribuyendo a definir mejor los escenarios actuales y a perfilar futuros campos de actuación en el marco de estas disciplinas desde el estudio de cuatro áreas: la ciudad inteligente como entidad compleja, orgánica y participativa, el hábitat como un espacio sensible marcado por la interconexión, la relación entre robótica, cuerpo ampliado y tejidos inteligentes, y el análisis del espacio virtual de la comunicación como escenario de redes emergentes y creación colaborativa, ofreciendo un análisis tanto de los proyectos pioneros como de las contribuciones más destacadas de los últimos años en cada uno de estos campos.

paginas 68-69

Ciencia, tecnología, arte y diseño han mantenido desde siempre estrechos vínculos entre sí, estableciendo relaciones mutuas de retroalimentación que hicieron posible la cristalización de propuestas creativas de influencia directa en el panorama social y cultural de cada momento. El avance de la técnica ha permitido al ser humano crear nuevas herramientas con las que transformar su entorno, diseñando nuevos productos para dar soluciones a carencias concretas y desarrollando propuestas artísticas que impulsaron la génesis de nuevos lenguajes y permitieron explorar las posibilidades de otros. Dichos lenguajes han determinado el carácter de la comunicación del ser humano a través de los siglos, permitiéndole transmitir y compartir ideas complejas, asegurando la creación y transferencia del conocimiento.

En la actualidad nos encontramos en un mundo donde los escenarios de la comunicación han cambiado, y donde la democratización de las Nuevas Tecnologías de la Información y Comunicación (NTIC) ha unido al planeta con una celeridad sin precedentes. El nuevo escenario generado, multicultural y globalizado, hace reflexionar sobre el papel del diseño y el arte, y de cómo estos son generados y consumidos desde plataformas previamente inéditas.

El presente libro propone un análisis en profundidad del actual panorama creativo desde el que reflexionar sobre el devenir del arte y el diseño, identificando escenarios actuales y perfilando futuros campos de actuación en el marco de estas disciplinas. Para las materias más asentadas se han tenido en consideración teorías y referentes bibliográficos que, aún siendo elaborados hace tiempo, a día de hoy continúan considerándose válidos, mientras que para materias de estudio más recientes se han considerado textos y aportaciones que, sin contar todavía con la óptica que proporciona una dilatada perspectiva temporal, son reconocidos actualmente como significativos en sus respectivos campos científicos.

paginas 94-95

El texto se inicia con un recorrido histórico por los principales antecedentes, analizando destacados movimientos artísticos de vanguardia en los que la creación de nuevas propuestas nacía de la integración de las nuevas tecnologías con una singular maquinaria conceptual, citando las obras que mayor relevancia e influencia tuvieron en el panorama creativo posterior. Realizar un análisis histórico limitado a la evolución de la tecnología resultaría estéril, dado que por sí misma carece de un interés más allá de la pura catalogación formal, por ello en el libro se aborda el estudio de la tecnología siempre en sinergia con el arte y el diseño en cuatro áreas diferenciadas, pero entre las que existen marcados vínculos y en las que ha demostrado ser un fértil recurso para proyectar nuevas creaciones: la ciudad, el hogar, la vida artificial y el espacio virtual.

De este modo, los flujos de información que acontecen en el tejido urbano actual permiten percibir la ciudad como una entidad compleja, orgánica y participativa, siempre en continuo movimiento, viendo emerger por un lado nuevos campos de actuación para el diseño, centrados en facilitar las tareas cotidianas a los ciudadanos, y por otro nuevos espacios para la expresión plástica, desde los que considerar la ciudad inteligente como protagonista de nuevos discursos creativos. De forma similar, se aborda el hábitat presente y futuro como un espacio sensible marcado por una creciente conectividad, desde el que se están redefiniendo gran parte de las funciones y sentido de los objetos y productos con los que diaria y estrechamente convivimos. Por otro lado, los avances en robótica, cuerpo ampliado y tejidos inteligentes están retomando algunas de las premisas y conceptos propios de la vida artificial, para ofrecer nuevos dispositivos funcionales de fácil integración en el propio cuerpo desde los que mejorar el devenir del ser humano.

paginas 98-99

Por último, un análisis del espacio virtual de la comunicación ayudará a comprender el alcance de los nuevos medios para la transmisión del conocimiento y la construcción de redes y comunidades paralelas a las físicas desde las que explorar nuevas formas de creación. Dentro del contexto mutable de Internet, nos encontramos con una plataforma que seguirá evolucionando pareja a la política, la economía y la cultura, albergando un conocimiento que continuará un paulatino alejamiento de la concepción de stock estático, para afianzarse cada vez más como un flujo distribuido, donde los usuarios de la Red, a través de su participación, actuarán como sus comisarios.

portada libro

Más información:

http://www.tenda.uji.es/pls/www/!GCPPA00.GCPPR0002?lg=ES&isbn=978-84-16356-02-7&id_art=1467

Ibéricas, con un par

Festival Octubre Dones
SGAE
C / Blanquerías, 6. Valencia
Del 19 al 28 de octubre de 2015

La creatividad no distingue entre ambos sexos, pero a la hora de vivir de sus creaciones, las mujeres lo tienen mucho más difícil que los hombres. Recientemente, las actrices denunciaban que cobran un 40% menos que los actores y es notable la diferencia entre el número de directoras y directores, tanto de cine como de teatro. La literatura es posiblemente uno de los ámbitos artísticos en el que menos se nota esa discriminación generalizada en todos los sectores.

Cartel del X Festival Octubre Dones. Cortesía de Dones en Art.

Cartel del X Festival Octubre Dones. Cortesía de Dones en Art.

Visibilizar las obras de las mujeres creadoras es el objetivo del festival Octubre Dones, organizado por Dones en Art, que cumple este año su décima edición. Lo celebra abriendo las fronteras a la participación de colectivos de distintos puntos de la Península Ibérica Iberoamérica y Guinea. Bajo el lema Ibéricas, se celebra en la Sala SGAE, entre el 19 y el 28 de octubre.

“Hasta ahora, Octubre Dones se centraba en mostrar las creaciones de mujeres de la Comunidad Valenciana”, dice Antonia Bueno, presidenta de la asociación Dones en Art. “En esta edición especial queremos dar un paso más y organizar una muestra de mujeres de toda la Península Ibérica, también de Iberoamérica y de otras cultura hermanas, como la de Guinea”.

Labirinto de amor e morte. Imagen cortesía de Dones en Art.

Labirinto de amor e morte. Fafe Cidade das Artes de Portugal. Imagen cortesía de Dones en Art.

¿Por qué Ibéricas? “La arqueología revela la importancia en la antigua Iberia de la mujer en los ritos de paso, matrimonio, muerte, así como su papel de esposa, madre, sacerdotisa, oferente, agricultora, tejedora, alfarera, danzarina. ¿Por qué no, compositora, escultora, pintora, epigrafista?”

El programa del festival, de corte multidisciplinar incluye música, teatro, audiovisual, danzas populares, etcétera. Intervienen creadoras de Cuba, Guinea, Bolivia, Portugal y España, entre otras procedencias. La coordinación del evento ha corrido a cargo de Stella Manaut, Ana Millás y Antonia Bueno.

Octubre Dones surgió en 2006 con un doble objetivo: “Dar visibilidad a las creadoras contemporáneas y, por otro lado, recuperar la memoria histórica de aquellas mujeres que nos precedieron y cuyo trabajo no ha sido suficientemente reconocido”, señala Bueno. “Es decir, contemporaneidad y memoria. En esta edición queremos ofrecer una serie de manifestaciones culturales que nos acerquen al universo femenino, como protagonistas del arte en nuestra sociedad”.

Programa del X Festival Octubre Dones. Cortesía de Dones en Art.

Programa del X Festival Octubre Dones. Cortesía de Dones en Art.

Dones en Art

La asociación DonesenArt se plantea  la construcción de un espacio vivo de creación e investigación escénica y social dirigido por mujeres. Su objetivo es fomentar la difusión de sus iniciativas y producciones, promover la igualdad de oportunidades en las Artes Escénicas, luchar contra las prácticas discriminatorias respecto a las mujeres, en coherencia con la legislación europea y los derechos fundamentales recogidos en el tratado constitucional. La asociación trabaja para articular una red de comunicación e intercambio que facilite el conocimiento y comprensión de formas escénicas diversas generadas por mujeres creadoras de realidades ideológicas y sociales diferentes, fomentando así la interculturalidad y la interacción entre las creadoras y la sociedad.

La novia del viento. Dones en Art.

La novia del viento. Ábrego Teatro de Cantabria. Imagen cortesía de Dones en Art.

Bel Carrasco