Bacon o la apoteosis de la corrupción

Francis Bacon. La cuestión del dibujo
Fundación Bancaja
Plaza Tetuán, 23. Valencia
Hasta el 15 de octubre de 2017

“Le gustaba el borde de la realidad, allí donde surge un deseo oscuro”, apunta Fernando Castro, comisario de Francis Bacon. La cuestión del dibujo. Eso, de puertas hacia fuera, porque tomado el propio cuerpo como referencia, nada mejor que la boca para expresar ese borde igualmente extraño por donde entra la salud y la enfermedad. “Para Bacon, las bocas son el pozo de la náusea”. Bocas que el comisario relaciona con esas otras de la ficción cinematográfica tipo Alien, de Ridley Scott, o las expresiones psicóticas reflejadas por David Lynch. Bocas, cuerpos y figuras, principalmente las del Papa Inocencio X que tanto impresionó al artista irlandés, mostrados en la exposición que Fundación Bancaja acoge hasta el 15 de octubre.

Se trata de 58 dibujos, polémicos dibujos por el cuestionamiento hasta hace bien poco de su autenticidad, que Bacon donó al periodista y amigo íntimo Cristiano Lovatelli Ravarino entre 1977 y 1992, y que ahora pertenecen a la Francis Bacon Collection. Fue su presidente Umberto Guerini quien resumió los 20 años de litigio judicial que han terminado por reconocer la originalidad de las piezas. Tema zanjado. “No es el debate de su autenticidad lo que ahora debe primar, sino la apreciación estética de una obra que aporta mucho al debate historiográfico”, subrayó Castro.

Obras de Francis Bacon en la Fundación Bancaja.

Obras de Francis Bacon en la Fundación Bancaja.

Debate que abrió una entrevista en el libro de conversaciones entre David Sylvester y el propio Bacon, en el que éste venía a decir que no hacía bocetos de sus trabajos. “Esto lo repetimos todos, creando el lugar común de que Bacon no dibujaba”. Y Castro, en un alarde de sinceridad, agregó: “Y estábamos diciendo una chorrada”, porque según el comisario una cosa es que no hiciera bocetos para sus cuadros y otra muy distinta que jamás dibujara. La prueba, dijo, “es esta exposición”.

Los dibujos, tan auténticos como auténtica era su obsesión por la deformidad corporal, recogen cuatro de sus temas preferidos: el Papa Inocencio X de Velázquez, las crucifixiones, los retratos y autorretratos, y las figuras sentadas. Del Papa, lejos de ahondar en su insigne porte eclesial, lo que hace es transformar el elemento sagrado que lo arropa, mostrando sin vergüenza alguna su carnalidad, mas carnalidad degradada. El manto, de colores sumamente vistosos, termina siendo mortaja de un cuerpo que simboliza la corrupción de todo lo humano, allí donde lo humano se halla despojado de carga simbólica.

“Estas celdas de cristal del Papa son las mismas que las de Eichmann en Jerusalén”, quien dijo limitarse a hacer su trabajo durante la Alemania nazi, lo cual da pie a Castro para hablar del “sujeto encerrado, del destino y de la reinvención de la tragedia griega” como trasfondo de todo ello. “Detrás de todo esto se halla Shakespeare”. Tragedia que llega a nuestros días en forma de corrupción de lo político que deriva en la corrupción del cuerpo y, con él, “la máquina de triturar carne en la que estamos y que tan bien representa el reality show”, sostiene Castro.

Vista de la exposición de Francis Bacon en la Fundación Bancaja.

Vista de la exposición de Francis Bacon en la Fundación Bancaja.

“Todos los discursos de la corrupción política podrían ser un Macbeth”, dice el comisario, tras constatar la “circularidad paranoide” de esos discursos basados en “cuanto peor para el enemigo, mejor para mí”.

Francis Bacon. La cuestión del dibujo es la misma exposición que hasta el mes pasado estuvo en el Círculo de Bellas de Madrid, “pero dispuesta de otra manera aquí”, señaló Castro. Tras Valencia, será el Centro Niemeyer de Avilés quien la acoja con otras 70 piezas más a partir de noviembre. Entrar en la muestra de Bacon es, como apunta Lovatelli en una entrevista en la web de la Francis Bacon Collection, “como entrar en una carnicería y cuando sales…como escuchar la música de Händel”. También recuerda el periodista y amigo íntimo de Bacon, que éste, en relación con las crucifixiones, le ponía el ejemplo de Jesucristo, “el padre de todos nosotros [como] también lo es de todos los insectos, un poco animal, entre una divinidad y un insecto”.

“Acentuó su condición de marginal”, señala Castro, en tanto “homosexual en tiempos en que serlo era delito”, para hacerse cargo de “la crucifixión que todos llevamos encima”. Crucifixión, sangre en los ojos y podredumbre en la boca (“Bacon se hizo con un manual de anomalías dentarias”), cuyo fondo dramático se halla trufado de comedia negra. “Figuras de la melancolía” como reflejo de la “angustia existencial” que, según el comisario, atraviesa su obra.

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Una joven observa algunas de las obras de la exposición de Francis Bacon. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Una joven observa algunas de las obras de la exposición de Francis Bacon. Imagen cortesía de Fundación Bancaja.

Salva Torres

Superflex o el show de la corrupción

The corrupt show, del colectivo Superflex
Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Inauguración: Viernes 21 de octubre, a las 19.00h
Hasta el 8 de enero de 2017

El prestigioso colectivo danés Superflex llega a Las Naves con ‘The corrupt show’, su primera exposición individual en España. Sus instalaciones son reconocidas internacionalmente y en ellas invitan a cuestionar los modelos sociales, políticos y económicos actuales. Los polémicos métodos de Superflex han recibido multitud de premios como el Civic Trust Award (2013) o el International Economic Development Council – Promotional awards (2012) pero también han sido rechazados por importantes instituciones. La instalación permanecerá hasta el 8 de enero de 2017.

The corrupt show, de Superflex. Imagen cortesía de Las Naves.

The corrupt show, de Superflex. Imagen cortesía de Las Naves.

La exposición de este colectivo en Las Naves se articula en 2 proyectos, ‘The corrupt show’ y ‘Cine corrupto’, bajo la curaduría de Asen Martínez. En ‘The corrupt show’, Superflex apela directamente a la participación del público, al instarle a elegir entre trece tipos de contratos diferentes para firmarlos y comprometerse activamente en la participación de actividades corruptas. Una vez firmados, se les aplicará el sello Superflex y serán colgados en la pared de la sala de Exposiciones. Los contratos están basados en el texto de la Convención de las Naciones Unidas contra la corrupción y con su firma pretenden hacernos reflexionar sobre la relación entre la sociedad y los distintos poderes ya sean políticos, institucionales, etc.

Además, y bajo el lenguaje cinematográfico, Superflex nos propone Cine Corrupto. En esta “herramienta” nos mostrará un pase de sus videoinstalaciones sobre el tema de la corrupción y cómo esta afecta a nuestro día a día. Para ello se servirá de un lenguaje sutil cargado de ironía, como en la mayoría de sus trabajos.

Jakob Fenger, Rasmus Nielsen y Bjørnstjerne Christiansen formaron Superflex en Copenhague en 1993. Este colectivo entiende la actividad artística como una herramienta que pueda ser utilizada y modificada por el público para empujarle a desarrollar nuevas formas de comportamiento y poner en práctica nuevos métodos socioeconómicos y culturales.

Superflex. Imagen cortesía de Las Naves.

The corrupt show, de Superflex. Imagen cortesía de Las Naves.

Marat-Sade, teatro de auténtica locura

Marat-Sade, de Atalaya
Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Única función: sábado 4 de junio, a las 20.30h

“Es uno de los grandes textos del teatro universal”, dice Ricardo Iniesta, director de Atalaya. Lo cual justifica sobradamente su elección como parte del repertorio de la compañía sevillana. Si a eso le añadimos el hecho de que durante cinco décadas jamás ha llegado a Valencia el Marat-Sade de Peter Weiss, la sola representación en Espai Rambleta el próximo sábado adquiere rango de solemnidad. Algo, sin embargo, ajeno a cuanto ocurre en la obra que describe el choque de caracteres entre el colectivista Marat y el individualista Sade, en el marco de los años posteriores a la Revolución Francesa. Allí donde la solemnidad deja paso a la sordidez.

Pasados más de 200 años desde que Marat fuera asesinado por Charlotte Corday, en el tumultuoso contexto revolucionario, lo cierto es que la obra posee una absoluta actualidad. “Más actual no puede ser, porque se habla de desigualdad, de corrupción, de ir contra los banqueros, los oligarcas, los políticos incompetentes; algo que en Valencia habéis sufrido especialmente”, señala Iniesta. Un espectáculo que dadas las personalidades enfrentadas requería de actores en su madurez. “Es el más difícil que ha afrontado Atalaya y el más extenuante para los actores por su nivel de voltaje, de energía, de compromiso”.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

“La obra obliga a los actores a un sobreesfuerzo tremendo”

En este sentido, Iniesta comenta que es “cinco veces” Así que pasen cinco años, la obra con la que Atalaya ha estado en el Teatro Valle Inclán de Madrid, porque “requiere un sobreesfuerzo tremendo”. De ahí la necesidad de “actores muy consolidados”. Se da la coincidencia, además, de que se cumple el centenario del nacimiento de Peter Weiss, lo que termina por convertir Marat-Sade en un espectáculo de “rabiosa” actualidad. Rabia que en el escenario obliga a “darlo todo”.

El título original, con ser largo, resume la acción: La persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representada por el grupo teatral de la casa de salud mental de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade, que Weiss acortó a Marat-Sade. Y es que la obra tiene lugar en esa casa de salud mental donde Sade utiliza a internos para representar un hecho de la Revolución Francesa. Teatro dentro del teatro, para poner en escena “el choque entre el individualista exacerbado que es Sade y Marat en tanto representante de las ideas colectivistas que llevaron a la revolución”, explica Iniesta.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

“Más peligroso que el mesianismo es la religión del dinero”

De nuevo, la actualidad. “Esas ideas colectivistas están ahora muy de moda”. Aunque el director de Atalaya subraya que el Marat “más humanista” termina siendo superado por el Sade “cínico, que defiende la destrucción del mundo por el individualismo feroz del hombre”. Hannah Arendt en ‘Sobre la revolución’ dice que “los tiranos se elevan al poder gracias a la ayuda de los pobres o pueblo llano”. ¿Es tan peligroso el mesianismo de ciertos líderes? “Eso es muy peligroso, pero bastante más peligroso son los dictados de la religión y, sobre todo, de la religión del dinero, de aquellos que no quieren que nada cambie”, sostiene Iniesta.

El Marat-Sade que llega a Espai Rambleta viene precedido del éxito cosechado en aquellas ciudades por las que ha ido pasando. “En Barcelona fue toda una catarsis, con el público gritando enfervorizado. Lo mismo que en Málaga, Valladolid…El público la verdad es que ha reaccionado muy cálidamente a nuestra propuesta”. Más que cálidos se muestran los personajes interpretados por Jerónimo Arenal (Marat), Manuel Asensio (Sade), Silvia Garzón (Corday) y Carmen Gallardo (narradora), cuyo papel como maestra de ceremonias “es fundamental” y de quien dice que no se ha llevado el Premio Max “porque no es de Madrid”.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

“Carlota Corday sería ahora como Marie Le Pen”

De las numerosas versiones de la obra de Peter Weiss, Iniesta dice haber aprendido “por dónde no ir”. Salvo el trabajo de Adolfo Marsillach en 1968, lo que supuso el estreno de Marat-Sade en España, ningún otro le ha aportado algo que no sea para perfilar a su manera los personajes. “A Carlota Corday la he visto en general muy ñoña, cuando era una tipeja peligrosa y llena de fuerza”. Por situarla en la actualidad, sería una mujer “en la extrema derecha, como Marie Le Pen”. Y añade: “Una mujer de los girondinos que defendía postulados reaccionarios y que quería cargarse la revolución”. De ahí el asesinato de Marat, que en pintura inmortalizara Jacques-Louis David.

De Sade tampoco ha encontrado Iniesta en otras obras el personaje que buscaba. Al final ha sido su propia investigación y búsqueda, mediante más de 100 ensayos, las que han ido decantando al maestro del sadomasoquismo. “Quien ha representado la locura y el sadismo no puede aparecer como un gran orador refinado”. El coro o cuarto estado es otro de los protagonistas indiscutibles del Marat-Sade de Atalaya. “El primer estado es la aristocracia, el segundo, la religión, el tercero, la burguesía, y el cuarto, el pueblo”, que viene a “equilibrar la balanza entre Marat y Sade”, explica el director.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

“Sade termina comiéndose a Marat”

Siendo Peter Weiss, a juicio de Iniesta, “partidario de las ideas de Marat, con el tiempo se fue radicalizando, al contrario de lo que sucede con la gente que se va haciendo mayor”. De manera que la “fuerza de Sade termina comiéndose a Marat, más apocado”. El individualista extremo aplastando al humanista moderado, en lo que bien pudiera constituir otra lección de vigente actualidad. “Esa idea de apocalipsis está sin duda sugerida”. E Iniesta cita ‘La estética de la resistencia’, en la que Peter Weiss revisita Marat-Sade para establecer esa relectura de su propia obra.

“La pobreza, no la carencia, es abyecta porque coloca a los hombres bajo el imperio absoluto de los cuerpos, de la necesidad”, recoge Arendt. Y los cuerpos están muy presentes en la obra de Atalaya. Cuerpos a punto de ser embalsamados, envueltos en mortajas. “Las grandes telas blancas que forman parte del tejido escénico dan esa idea de sábanas, mortajas, telones, columnas, que aluden a lo que sucede en los baños del hospital de Charenton”. Un teatro de locura en tiempos de revolución que alcanza a nuestros días. Todo ello en Espai Rambleta en una sola función que puede ser memorable. Como memorables son Marat y Sade en un pulso plenamente actual. Rabiosamente actual.

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Escena de Marat-Sade, de Atalaya.

Escena de Marat-Sade, de Ricardo Iniesta. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Salva Torres

Una granja a la española

‘Spanish Farm’, de Miguel Ángel Escoín
Cafetería Facultad de Bellas Artes
Camí Vera, s/n Valencia
Inauguración: 19 de mayo a las 11:00h
Hasta el 30 de junio de 2016

‘Spanish Farm’ es un proyecto expositivo realizado con el programa de dibujo asistido por ordenador Illustrator, impreso en soporte de papel y con unas medidas totales de 1,00 m. x 14,00 m. Un tamaño descomunal para una tira de humor gráfico. Y es ahí donde radica la original aportación del autor, al trasladar de los cauces habituales, prensa, revistas, novela gráfica, etc. al espacio expositivo, creando así una nueva forma de ver y leer una obra de ilustración.

‘Spanish Farm’, la granja española, es una creación artística que, indiscutiblemente, se puede calificar como contemporánea, en el sentido de que toma una clara postura frente a la actualidad política que vivimos en el presente. Su mensaje, de contenido político, pretende hacernos reflexionar sobre las promesas incumplidas y la corrupción de la clase política. Pero, sobre todo, plantea un interrogante para que el espectador interactúe con la obra. ¿Por qué seguimos votando a partidos y políticos corruptos?

El autor nos da pistas para resolver este dilema, aportando imágenes explícitas con el lenguaje del cómic, que nos llevan a comprender que la respuesta está en el viento. Un viento que sopla cargado de casos de corrupción y comportamientos poco éticos de nuestra clase política, poblada de personajes que conocen el precio de todo pero que desconocen el valor de la decencia y la honradez.

‘Spanish Farm’ es una obra realizada por Miguel Ángel Escoín, quien como artista visual siente la necesidad imperiosa de expresar su desconcierto y hastío ante la situación socio-económica que vivimos día a día. Y lo hace en clave de fábula, con humor y unas grandes dosis de ironía.

Miguel Ángel Escoín junto a la obra ya montada. Imagen cortesía del artista.

Miguel Ángel Escoín junto a la obra ya montada. Imagen cortesía del artista.

PRESENTACIÓN DE LA IV EDICIÓN DE VLC NEGRA

IV edición de VLC NEGRA
Diferentes sedes, Valencia
Del 6 al 15 de mayo de 2016

La cuarta edición del festival VLC NEGRA, que se celebra entre el 6 y el 15 de mayo, batirá su récord de actividades con 75 eventos repartidos entre las 20 sedes que darán cabida al festival.

Uno de los actos más destacados del festival tendrá lugar el sábado 7 de mayo, con la presencia del escritor francés Pierre Lemaitre, ganador en 2013 del galardón literario más importante de Francia, el Premio Goncourt. Lemaitre es autor de una serie negra protagonizada por Camille Verhoeven, Comandante de la Brigada Criminal de París, cuya cuarta y última entrega se publica en España el 5 de mayo. Antes del encuentro con Lemaitre se celebrará una charla entre la escritora y periodista Rosa Montero y el novelista José Carlos Somoza. Además, el escritor italiano Antonio Manzini será el encargado de protagonizar la sesión inaugural del festival, el viernes 6 de mayo en la Sala Russafa.

Homenajes a Chirbes y Tasis

El primer fin de semana también contará con un homenaje a Rafael Chirbes, el aclamado novelista valenciano, fallecido el pasado verano. Los periodistas Xavier Aliaga y Mikel Labastida, además de un representante de la Fundación Chirbes, abordarán la trayectoria y la obra del autor de En la orilla y Crematorio. Chirbes recibirá a título póstumo el premio González Ledesma, que premia toda una carrera literaria.

El festival dedicará otro homenaje a Rafael Tasis (Barcelona, 1906), el padre de la novela negra escrita en catalán, que murió exiliado en París en 1966. Recientemente se han cumplido los 60 años de la publicación de La biblia valenciana, la primera novela negra que fue editada en catalán en España.

Arden Producciones estrena La soga

Valencia Negra mantiene su vocación de extender el festival por toda la ciudad. Así, se celebrarán encuentros en más de veinte sedes. La principal seguirá siendo la Sala Russafa, que acogerá varios encuentros con autores. Además, será la sede de las seis representaciones de La soga, montaje teatral inspirado en la película de Hitchcock y dirigido por Iria Márquez, que la compañía Arden Producciones ha producido expresamente con motivo de la cuarta edición del festival.

Imagen del cartel de la IV edición de VLC NEGRA. Fotografía cortesía de los organizadores.

Octubre Centre Cultural

Octubre Centre Cultural acogerá dos jornadas, la del martes 10 de mayo, dedicada a autores en lengua valenciana, y la del 12 de mayo, jueves, dedicada al cine, que contará con la presencia del cineasta Rodrigo Cortés. Ese día también se dilucidará el ganador del concurso de cortometrajes #60EnNegro, que se conocerá tras las votaciones del público y la decisión final del jurado, que seleccionará el mejor corto de entre los cinco finalistas.

Mesas sobre corrupción y saqueo cultural

La corrupción centrará uno de los debates más atractivos del festival. Antonio Penadés, Joan Llinares y Esperança Camps, moderados por la periodista Laura Ballester, analizarán la avalancha de casos de corrupción que han sacudido la Comunitat Valenciana y el resto de España en los últimos años. Un tema similar ocupará a un grupo de periodistas, que hablarán en el centro Las Naves sobre el saqueo cultural a que ha sido sometida Valencia en los últimos años.

Librerías y bibliotecas

También hay varias librerías que participan en esta cuarta edición: FNAC, que acogerá cinco actividades y una exposición dedicada al 30 aniversario de la Editorial Bromera; La Casa del Libro, que acogerá la firma colectiva de autores del domingo 15 de mayo y dos eventos para niños, día de clausura del festival, Bartleby, que acogerá un encuentro con autores, y Futurama, sede del encuentro de cómic. También colabora con el festival el Gremi de Llibrers.

Este año se han programado talleres, clubes de lectura, conferencias y actividades infantiles hasta en siete bibliotecas. Seis pertenecen a la Red de Bibliotecas Municipales: Tomás Vicente Tosca, Joan de Timoneda, Nova Al-Russafi, Roiç de Corella, Joanot Martorell y María Moliner; y la Biblioteca de la calle Hospital de la Generalitat Valenciana. El festival también tendrá presencia en el stand que la Red de Bibliotecas Municipales abrirá al público en la Primavera Educativa, que se celebra próximamente en los Jardines del Turia.

Un instante de la presentación de VLC NEGRA. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la presentación de VLC NEGRA. Fotografía cortesía de los organizadores.

Manifiesto contra la violencia de género

Valencia Negra se adhirió al manifiesto contra la violencia de género que a principios de año firmaron todos los festivales de género negro de España. Por ese motivo, ha programado una actividad con el objetivo de denunciar esta lacra y concienciar del decisivo papel que ha de jugar la ciudadanía para intentar evitar muchas de las agresiones de hombres a mujeres. Para ello se celebrará una sesión con el grupo Gamma de la Policía Local de Valencia, unidad que fue pionera en la lucha contra la violencia de género y que funciona en la ciudad desde 2003.

Colaboración con la ONG Proactiva Open Arms

A partir de este año, el festival apoyará una causa en cada edición que celebre. Para la actual, se va a fomentar que el público asistente al festival colabore con la ONG Proactiva Open Arms, de Badalona, que trabaja en las playas del Mar Egeo para prestar ayuda a los refugiados sirios que van huyendo de la guerra.

Ciclo de cine negro

Como cada año, el festival dedica un ciclo de al cine negro. En esta edición estará dedicado al cine polar francés. La Filmoteca Valenciana exhibirá cinco películas, con dos proyecciones de cada una de ellas para un total de diez. Las películas son Groupi Mains Rouges (Jackes Becker, 1943), Pleins feux sur l’assasin (Georges franju, 1961), Made in USA (Jean Luc Godard, 1966), Eaux profundes (Michel Deville, 1981) y Conexión Marsella (Cédric Jimenez, 2014). El ciclo de Polar francés se completará con una conferencia sobre esta materia, ofrecida por Daniel Gascó, experto cinematográfico.

Circuito de jazz

Por segundo año, VLC NEGRA impulsa un circuito de jazz, que se celebrará en cinco sedes diferentes: Sala Russafa, Black Note, Café Rialto, La edad de oro y Bistro Musical Una Cosa Rara. En total, se celebrarán 18 conciertos.

Firma colectiva

Como cada año, una firma colectiva con autores cerrará el festival. Este año, la cita tendrá vocación callejera, ya que está previsto salir al encuentro del público. La Casa del Libro es el lugar elegido: se dispondrán unas mesas en el Pasaje Ruzafa de manera que la accesibilidad a los autores y su interacción con el público sea lo más estrecha posible.

Premios

Valencia Negra mantiene las tres categorías de premios de novela: mejor novela, millor novel.la y best novel. Las nominadas a mejor novela son La conspiración de los mediocres, de Ernesto Mallo (2015, Siruela), Madrid:frontera, de David Llorente (2015, Alrevés), Maldita verdad (2016, Versátil), El ángulo muerto, de Aro Sáinz de la Maza (RBA, 2015) y Soles negros, de Ignacio del Valle (Alfaguara, 2016). Las nominadas a millor novel.la son Resurrecció i mort de G. T., de Josep Lluís Roig (3 i 4), La cara B de Esperança Camps (2015, Llibres del delicte), Un sepulcre de lletres minúscules, de Silvestre Vilaplana (Bromera), Sense fi, de Salvador Company (2015, Angle editorial) y Foc verd, de Jordi de Manuel (2016, Crimscat). Las nominadas a best novel son Una lección de vida y muerte, de Belinda Bauer (2016, Roca editorial), La costilla de Adán, de Antonio Manzini (2015, Salamandra black), Fantasma, de Jo Nesbo (2015, Reservoir Books), El dragón de Shangai, de Qiu Xiaolong (2016, Tusquets) y El cártel, de Don Winslow (2015, RBA).

Un instante de la presentación de VLC NEGRA. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la presentación de VLC NEGRA. Fotografía cortesía de los organizadores.

VLC NEGRA

 

Sade y sus mujeres

Les dones de Sade, por Pep Sanchis
Assaig Grup de Teatre de la Universitat de València
Sala Matilde Salvador de La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Del 9 al 11 de marzo, 2016, a las 19.30h

ASSAIG (Grup de Teatre de la Universitat de València) presenta la reposición de ‘Les dones de Sade’ hasta el 11 de marzo, en la Sala Matilde Salvador de La Nau. El montaje se enmarca dentro de la programación teatral de la Universitat, en conmemoración del 25 aniversario del grupo y de las actividades organizadas con motivo de la Semana de la Mujer.

Dirigido por Pep Sanchis, el espectáculo se estrenó en 1997 y representa uno de los grandes hitos en la historia de ASSAIG. Este montaje ha sido reconocido con premios, como el concurso de Teatre Vila de Mislata y con una gira que recorrió varias ciudades españolas, con presencia en grandes citas teatrales, como por ejemplo el Grec Festival de Barcelona. ‘Les dones de Sade’ vuelve a escena 19 años después con la participación de dos de las actrices de la representación original en la dirección y el reparto.

Escena de 'Les dones de Sade', de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Escena de ‘Les dones de Sade’, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

La obra, una versión libre de la obra ‘Madame de Sade’, de Yukio Mishima, está protagonizada por seis mujeres, seis representaciones del Marqués de Sade, seis formas de entender las relaciones humanas y sociales en la Francia de finales del siglo XVIII.

Cada una vive una relación diferente con el Marqués y, en un texto cargado de sentimientos y pasiones, se enfrentan al amor puro, la hipocresía, el odio, la injusticia, la frivolidad, la barbarie, la ternura, la inocencia y la corrupción.

ASSAIG, creado en 1990 para representar a la Universitat de València dentro de las artes escénicas, se ha convertido en una de las agrupaciones teatrales más importantes de la escena universitaria española. Junto con ‘Les dones de Sade’, el grupo celebra su 25 aniversario con la reposición de tres de sus espectáculos más representativos: ‘Per Sant Lluc, ‘El dia que Bertolt Brecht va morir a Finlàndia’ y ‘Parelles de fet’, escogidos por haber supuesto puntos de inflexión en la trayectoria de la formación.

Antes de la representación del próximo viernes día 11, tendrá lugar un foro en torno a la obra, a las 18.00 horas, en las Aulas Seminario del Centre Cultural La Nau, de acceso gratuito hasta completar el aforo.

Escena de Les dones de Sade, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Escena de ‘Les dones de Sade’, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Mostra Viva frente a Mostra corrupta

Mostra Viva del Mediterrani
Modelo de gestión de iniciativa ciudadana

Rita Barberá excuso la eliminación de un festival que llevaba 31 ediciones, “en el elevado gasto”. Ahora sabemos, según afirma en un comunicado la iniciativa ciudadana que ha recuperado la Mostra, que el presupuesto “no iba a la promoción de cine, ni siquiera en su faceta más banal y glamurosa, sino presuntamente a engordar los bolsillos de algunos amigos”.

La Mostra Viva del Mediterani, que nació en 2013, se basa en un modelo de gestión “radicalmente opuesto al que el Partido Popular utilizó con la Mostra de Valencia. La gestión corre a cargo de una asociación ciudadana constituida legalmente que vigila que nadie pueda hacer irregularidades o lucrarse personalmente”.

Manuel Boix, durante la presentación del cartel de Mostra Viva 2015.

Manuel Boix, durante la presentación del cartel de Mostra Viva 2015.

Las tres ediciones celebradas los años 2013, 2014 y 2015 han sido posibles gracias a la colaboración de entidades como la Universitat de València, Octubre Centre de Cultura Contemporania, la Asamblea de Ciudadanos y Ciudadanas del Mediterráneo, Casa Árabe o los Premios Lux del Parlamento Europeo  o empresas como Cervezas Turia o Pollos Planes; y al trabajo voluntario de decenas de profesionales y aficionados del cine, la música, la escena, el arte y la literatura que “reaccionaron con indignación al ver cómo el anterior gobierno municipal del PP destrozaba la cultura y, ahora se confirma, la utilizaba para enriquecerse”, subraya el comunicado.

Y añade: “Mostra Viva del Mediterrani desea contar con el apoyo de las administraciones públicas para alcanzar sus objetivos que no son otros que situar de nuevo a Valencia como lugar de referencia de las culturas mediterráneas. Una ciudad que sientan como suya los cineastas, músicos, artistas, escritores y actores de unos países que luchan por el respeto de los derechos humanos, el progreso y la paz de sus pueblos”.

Detalle del cartel de Mostra Viva 2014, obra de José Morea.

Detalle del cartel de Mostra Viva 2014, obra de José Morea.

“Para evitar que nunca más se repitan episodios como los que ahora investiga la UCO de la Guardia Civil, la relación entre Mostra Viva del Mediterrani y las instituciones que la hacen posible, está regida por convenios de colaboración públicos y transparentes que obligan a justificar hasta el último euro empleado y a poner la contabilidad a disposición de nuestros socios”, apuntan desde la iniciativa ciudadana.

“Estamos convencidos que este modelo de gestión de iniciativa ciudadana, con el voluntariado como base y la ayuda, seguimiento y supervisión de los poderes públicos, es el más eficaz para reconstruir el maltratado, por años de desprecio y saqueo, sector de la cultura”, concluye el comunicado.

Algunos de los miembros de la iniciativa ciudadana responsable de Mostra Viva del Mediterrani. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Algunos de los miembros de la iniciativa ciudadana responsable de Mostra Viva del Mediterrani. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

 

“Sólo quiero un poco de tiempo”

Olivia y Eugenio, de Herbert Morote, dirigida por José Carlos Plaza
Intérpretes: Concha Velasco, Hugo Aritmendiz, Rodrigo Raimondi
Teatro Olympia
C / San Vicente Mártir, 44. Valencia
Hasta el 31 de enero de 2016

“Yo quiero ser Concha, Conchita!”. Nada más. Porque, como ella misma dice, “yo no tengo nada que ver con los personajes que interpreto”. Aunque en esta ocasión haga una excepción: “La obra tiene un final esperanzador, por eso la acepté”. Porque, a pesar de los pesares, “apuesta por la vida”. Como Concha Velasco que, en Olivia y Eugenio, dirigida por José Carlos Plaza y presentada en el Teatro Olympia, parece encarnar la demanda de su protagonista: “Sólo quiero un poco de tiempo”. Tiempo que no tienen muchos de los actores ya fallecidos con los que ha trabajado. Y, de nuevo, las excepciones: “José Sacristán y yo, que somos de edad parecida, y Arturo Fernández, un poco más mayor, somos la imagen viva de la cultura de la posguerra”.

Con Olivia y Eugenio, texto escrito por Herbert Morote, la actriz vallisoletana prolonga esa cultura hasta la más rabiosa actualidad. “Se abordan temas importantes, pero para mí el principal sería el de quién es normal en este mundo”. Y se interroga por esa normalidad preguntando a su vez: “¿Lo son los corruptos, los terroristas, los traficantes?” Y todo ello para subrayar la presencia en la obra de Hugo Aritmendiz, actor con Síndrome de Down que acompaña a Concha Velasco durante todo el tiempo de la representación, algo que la actriz considera un hecho inusual.

Concha Velasco y Hugo Aritmendiz en 'Olivia y Eugenio'. Imagen cortesía de Teatro Olympia.

Concha Velasco y Hugo Aritmendiz en ‘Olivia y Eugenio’. Imagen cortesía de Teatro Olympia.

Olivia y Eugenio trata de una mujer poderosa a la que le diagnostican un cáncer terminal. En semejante tesitura, piensa en el suicidio, no sin antes repasar su situación en el marco de esa actualidad plagada de corrupción, inseguridad y violencia. Sólo Eugenio, el hijo con Síndrome de Down, parece al margen de tan cruda realidad. “Ellos son adorables”, señaló Concha Velasco en relación a cuantos padecen esa enfermedad. “No tienen el germen de la maldad”, subrayó mientras cogía de la mano a Hugo Aritmendiz, nervioso ante los medios. Apenas pudo esbozar que trabajaba en una pastelería y que le gustaría seguir como actor.

La influencia de Eugenio en la vida de Olivia, marcada por ese cáncer, será determinante. A alguien se le escapó el final de la obra y Concha Velasco le restó importancia: “Sí, me convence para que no me suicide, pero tampoco pasa nada por saber el final, porque lo importante es todo lo que va sucediendo”. Esa “mujer socialmente poderosa se siente rechazada por tener un hijo con Síndrome de Down”. De ahí que la actriz pusiera de nuevo el acento en la supuesta normalidad del mundo, que desprecia a seres como Eugenio y acepta otra serie de comportamientos asociales.

Escena de 'Olivia y Eugenio'. Fotografía de Javier Naval. Teatro Olympia de Valencia.

Escena de ‘Olivia y Eugenio’. Fotografía de Javier Naval. Teatro Olympia de Valencia.

Con cerca de un centenar de películas a sus espaldas, obras de teatro y series de televisión, Concha Velasco reconoció su “versatilidad” profesional como fruto de su biografía familiar. “Quizás se deba a que soy hija de una maestra y un militar que me educaron en la disciplina”. De ahí que tenga “tiempo para todo”. Eso y que lo suyo “es vocacional”. Contó que siendo niña ya le dijo a su madre aquello tan célebre de “mamá, quiero ser artista”.

También tuvo tiempo para ironizar sobre la presencia del hijo de la diputada de Podemos, Carolina Bescansa, en el Congreso. “Eso de llevar niños al trabajo… Estos camerinos han sido guarderías donde se han criado los niños”. Y puso como ejemplo sus dos hijos, a los que crío mientras iba de gira con espectáculos como Filomena Marturano. Eso sí, tanta versatilidad y tiempo para todo tiene igualmente sus excepciones: “Ahora todo el mundo quiere dirigir. Yo sólo quiero ser actriz”. Tener la suerte de “poder vivir otras vidas”, para después volver a ser sin más “Concha, Conchita”.

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Concha Velasco en 'Olivia y Eugenio'. Teatro Olympia de Valencia.

Concha Velasco en ‘Olivia y Eugenio’. Teatro Olympia de Valencia.

Salva Torres

Humor contra fanatismo

Dessins en liberté (Dibujos en libertad)
Institut Français de Valencia
C / Moro Zeit, 8. Valencia
Hasta el 17 de febrero de 2016

El Roto, Ulises, Ajubel y Kap son los cuatro viñetistas españoles o residentes en España que participan en la exposición itinerante Dessins en liberté (Dibujos en libertad), que conmemora en clave de homenaje a las víctimas de la trágica matanza de los periodistas de Charlie Hebbo hace un año en París.

Ilustración de El Roto. Institut Français de Valencia.

Ilustración de El Roto. Institut Français de Valencia.

Producida por el Instituto Francés y el semanario Courrier International, la inauguró el pasado jueves en la sede del Instituto Francés de Valencia el presidente de la Unión de Periodistas, Sergi Pitarch. En total son medio centenar de dibujantes procedentes de 45 nacionalidades distintas que, a través de sus obras, combinando el ingenio, el humor y la ironía levantan una sólida barrera contra el fanatismo y el terror.

Ilustración de Bado. Institut Français de Valencia.

Ilustración de Bado. Institut Français de Valencia.

Abierta hasta el 17 de febrero, esta muestra incluye una docena de paneles dedicados a una temática específica de plena actualidad relativa a la libertad de expresión: censura, internet, corrupción, derecho de la mujer, racismo, rebeliones, clima, etcétera.

En recuerdo a los acontecimientos de enero de 2015 contra la redacción de Charlie Hebdo, el objetivo de esta muestra es “ensanchar la perspectiva ilustrando la manera en la que la libertad de expresión se ejerce hoy en día en todos los continentes”.

Ilustración de Boligan. Institut Français de Valencia.

Ilustración de Boligan. Institut Français de Valencia.

A partir de la conocida ilustración de los cigarrillos Gitane, Ulises hace un alegato contra el racismo, un tema que tratan también el canadiense Bado (El racismo es el otro), el argentino Langer o Glez de Burkina Faso y el mexicano Boligan. No es casualidad que en el panel dedicado a poner en solfa la corrupción aparezcan otros dos españoles: El Roto con una de sus imágenes que valen por millones de palabras y Kap con una viñeta de corte clásico que representa a un grupo de trajeados con los bolsillos rebosantes de billetes ante una caja fuerte vacía llena de telarañas: No sabemos lo que ha pasado…¡pero hace unos años la caja estaba llena!

El cubano Ajubel que residió varios años en Valencia, donde fue editado por el sello MediaVaca, opta por una imagen siniestra de un hombre barbado con y sin cabeza: Je pense…donc je ne suis plus!

Ilustración de Krauze. Institut Français de Valencia.

Ilustración de Krauze. Institut Français de Valencia.

Ilustración de Haddad. Instituto Francés de Valencia.

Ilustración de Haddad. Institut Français de Valencia.

Bel Carrasco

Cicuta demócrata para paladares socráticos

Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano
Coproducción de Teatre Romea, Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Grec 2015
Teatro Olympia
San Vicente Mártir 44, Valencia
Hasta el domingo 15 de noviembre

En pleno ejercicio de conmemoración de su centuria, el Teatro Olympia -otrora teatro de ópera y sala de exhibición cinematográfica, ambigú de referencia marmolada en los sótanos y más de medio siglo bajo la gestión de la familia Fayos- acoge durante el presente fin de semana una de las giras teatrales más esperadas por provincias, al calor protagónico del conspicuo molletense Josep María Pou y la regencia escénica de una voz ilustre tras las bambalinas como Mario Gas, ‘Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano’.

El elenco de la obra a las puertas del Teatro Olympia, tras la rueda de prensa. Fotografía: Merche Medina.

El elenco de la obra a las puertas del Teatro Olympia, tras la rueda de prensa. Fotografía: Merche Medina.

Gran parte de cuanto aditamenta de partida esta coproducción se antoja atractivo. A saber: recuperar para los escenarios la diluida figura del mayéutico Sócrates de Atenas -distante en el tiempo el ‘Sócrates’ cubista del ceremonioso Marsillach, bajo la dirección de Enrique Llovet en 1972-, para asentar un ejercicio reflexivo sobre el legado moral de su conducta (emparentado con la razón vertebral de su naturaleza filosófica) y ajusticiamiento a manos del Estado ateniense; la batuta de Gas, las riendas interpretativas de Pou y el complemento de aplaudidas segundas voces, como son Amparo Pamplona, Carles Canut y Pep Molina.

El texto de la obra -rubricado a manos del director y del también actor Alberto Iglesias- se gesta inspirado en las ‘apologías socráticas’ legadas por Platón y el ágil e impreciso historiador Jenofonte, en las que se ofrece una versión del alegato de defensa de Sócrates frente a los tribunales atenienses, acusado de impiedad por razones de escepticismo respecto de los dioses de la polis, así como de corromper intelectual y pedagógicamente la moral de la juventud, distanciándola de los vigorosos fundamentos de la democracia ateniense. La obra permite, de este modo, procurar un incisivo escenario de iniquidad consanguíneo del convulso horizonte coetáneo del espectador, henchido de atribuladas y viles corruptelas semejantes morfológicamente a cuantas trufaban las entrañas ocultas y las asaduras viscerales de la democracia y la ciudadanía en la Antigua Grecia.

Josep María Pou (Sócrates) y Carles Canut (Critón) durante un instante de la representación. Imagen cortesía de la compañía.

Josep María Pou (Sócrates) y Carles Canut (Critón) durante un instante de la representación. Imagen cortesía de la compañía.

Planteado el corpus de la obra, resta la compleja y decisiva tarea de convertir sus fundamentos en texto dramático, territorio en el que se adivinan ciertas ortopedias prosódicas, carestías de ritmo y dificultad para trasladar al público los preceptos elementales del pensamiento socrático (cuestión esencial para comprender los cimientos del juicio), no tanto por la complejidad del discurso -cuestión ineludible que debe agradecerse- sino en lo que respecta a la integración de la prédica en la materialización del diálogo sin que éste parezca, más bien, una sucesión de soliloquios como réplica.

Mario Gas, conducido por diversos principios del distanciamiento brecthiano, emplea un par de recursos de anacronismo durante el proemio y el colofón de la obra con cuestionable resultado (relacionado con el empleo de los dispositivos móviles de los espectadores), aunque acierta al desproveer a ‘Socrates, juicio y muerte de un ciudadano’ de una carga emotiva que transformaría en cuita lo que debe ser en todo momento ironía socrática -embrión de su metodología dialéctica-, en pro de suscitar las cavilaciones de la platea. Resta descubrir el motivo por el que Gas, Iglesias o la propia Amparo Pamplona transforman a Jantipa -esposa de Sócrates- en una rústica mujer de maneras oprobiosas, tendiendo en cuenta su noble abolengo (la insolencia y el desprecio no deben ser entendidos como análogos de la simpleza).

Sea encomiable el intrincado propósito de hacer gira de escenarios de la mano de un icono de la filosofía clásica y excelso personaje de los manuales de la historia del filosofía occidental (ocasión práctica para adolescentes instruidos y profesores que se precien de serlo).

Josep María Pou durante un instante de 'Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano'. Imagen cortesía de la compañía.

Josep María Pou durante un instante de ‘Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano’. Imagen cortesía de la compañía.

Jose Ramón Alarcón