Insondables raíces

‘Un inmeso baniano’, de Máximo González
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Hasta 23 de septiembre de 2017

Máximo González se adentra en la Galería Aural dejando tras de si un rastro inconfundible de reflexión con el entorno, no en un sentido tan ecológico, como meditativo. El pretexto e hilo conductor de las dos instalaciones y el video presentados es, en este caso, casi un aplique literario, un símbolo: un inmenso baniano. El baniano, es un árbol ficus que llega a alcanzar grandes dimensiones y que en muchos lugares del mundo llega a tener un carácter sagrado. No es de extrañar, por tanto, que la hoja de sala de la exposición, empiece un fragmento de Salman Rushdie, sobre la vida de un pueblo, de las costumbres de sus gentes, entorno a un árbol como este. Todo un acierto que consigue predisponer al lector y observador ante la obra de Máximo González.

Tras este breve y necesaria lectura, nos hallamos ante la primera instalación que presenta el artista, participativa e ineludible. Se disponen tres grupos de mesas, con dos sillas cada una. Estas sillas y mesas están realizadas mediante patrones de una madera que suele usarse en la construcción sostenible. Estos moldes se pueden montar y desmontar, al igual que el puzzle sobre la mesa. Estas piezas no forman ninguna imagen, solo recuerdan acciones del ser humano, que construye nuevos entornos pero que, sobre todo, destruye y saquea a su paso.

González, en el coloquio previo a la inauguración comentaba que ‘El arte no tiene por qué cumplir una función (…) Es como el lenguaje, hacen falta dos y cabe tener en cuenta, que unos lo usan mejor que otros’. El instante comunicativo artístico deja paso al silencio, y a la concentración de construir una pieza de puzzle vacía de contenido, aunque no de significado.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

Instalación realizada en la Residencia de Lizières (Francia), 2015.

El Espacio 2 de la Galería Aural se ha transformado en un casual paisaje que, al igual que un árbol, enraiza con la tierra. Esta instalación fue concebida en 2015 durante la residencia del artista en el Centre de Cultures et de Ressources de Lizières (Francia), donde recopiló una serie de lienzos. Estas pinturas, no resultan aleatorias. Son paisajes elaborados por artistas decimonónicos poco conocidos, pero que representaron, como toda la corriente de la época, una serie de valores que oscilan entre representaciones pintorescas y otras, como las de Constable y Friedrich, sublimes. Ese interés por la naturaleza inundó el siglo XIX y Máximo González, casi en un viaje conceptual por el tiempo, pone en valor la naturaleza real con la pintada.

Un paisaje que se transforma bajo la acción humana continuamente y que no podemos ignorar, pues forma parte de nuestros orígenes y también de nuestro futuro. Puzzles, muebles, pinturas, objetos naturales encontrados y hasta una animación crean el discurso narrativo de Máximo González, su razón de crear, su baniano más personal.

María Ramis

Sobre lindes y otros colapsos

‘Atlas Mundial de Selecciones’, Juan José Martín Andrés
Galería Aural
C / Labradores, 17. Alicante
Del 25 de mayo al 1 de julio de 2017

La naturaleza crea barreras casi imposibles de salvar que han condicionado, desde los orígenes de la humanidad, incluso los rasgos de las poblaciones y actuales asentamientos. A pesar de todo, el ser humano ha ido superando estos obstáculos naturales en su afán por conocer. Ya casi no existen fronteras naturales, por lo menos no las psicológicas, pero en cambio, se han ido creando otro tipo de límites. Sin duda alguna, guerras y conflictos son fuentes de creación de barreras artificiales.

Juan José Martín Andrés nos pone sobre la pista del origen de algunas de las pugnas actuales por el territorio en su nueva exposición ‘Atlas Mundial de Selecciones’ de manera sencilla pero muy eficaz. Actualmente residente en México, el artista presenta sus últimos trabajos gráficos, mapas originales intervenidos. Originales en el sentido de que muestran las divisiones de la época para la que fueron concebidos: el siglo XX, un siglo de profundas y cambiantes demarcaciones. Si el espectador se fija, no podrá reconocer muchos de ellos, no solo por el hecho de que el artista ha ocultado con opaca tinta vastas zonas con el objetivo de deshacer el concepto territorio-nación, sino por el gran cambio  sucedido (no en términos de calidad, sino en cantidad) en cuanto a la situación de las fronteras.

'Nations of the world' Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

‘Nations of the world’ Una de las obras que puede verse en la exposición. imagen cortesía Galería Aural.

Imperios, repúblicas, constantes anexiones o separaciones de líneas rectas son elementos que Juan José Martín Andrés recalca a través del vacío. La ausencia de dibujo sirve aquí para hacer denotar el espacio. Los cambios de perspectiva y las distorsiones permiten al artista añadir reflexión y juego. Un juego que ya adelantaban en 1980 Guattari y Deleuze, cuando teorizaron sobre la máquina de guerra y el Estado. Mientras que el primero combate por una apertura espacial, el segundo controla y marca los límites de dicho espacio. Las maniobras resultantes quedan reflejadas en el presente, en ese tablero en el que fuerzas políticas y económicas ‘juegan’, como si no estuvieran en el mundo real.

Martín Andrés proyecta una distancia que resulta complicada de pronosticar para el día a día del ciudadano, y consigue, aunque sea de forma imperceptible, que se admire el panorama desde un punto de vista de global. En un mundo donde el cerebro humano está constantemente recibiendo datos, pero que solo retiene un escaso tanto por ciento, se hace necesario y agradable el reposo y el detalle. Aún teniendo en cuenta este consejo, se advierte que, con un rápido vistazo a ’Atlas Mundial de Selecciones’, una abrumadora sensación de velocidad histórica puede recaer sobre la conciencia, provocando, casi sin remedio, una exteriorización facial de incredulidad.

María Ramis

¿A qué dedica su tiempo Juanjo Sáez?

Hola, me llamo Juanjo Sáez y a esto dedico mi tiempo, de Juanjo Sáez
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Inauguración: viernes 21 de abril, a las 20.00h
Hasta el 20 de mayo de 2017

“Llevo toda la vida luchando para no trabajar, es un empeño que resulta muy costoso y requiere bastante esfuerzo. Esta exposición recoge una parte más que significativa de todo lo que me he dedicado a hacer , con tal de no entrar en la rueda del trabajo. Al final lo que era no trabajar se ha convertido en mi principal actividad y mi vida se ha convertido en esto. Dibujar e inventarme historias es prácticamente mi única ocupación y el sentido de mi vida. En Pepita Lumier podrás ver un bonito resumen de lo que hago y de lo que soy. Ya no sé dónde termina uno y empieza el otro, no por nada se suele decir que somos lo que hacemos.”

Juanjo Sáez (Barcelona, 1972) estudió en la prestigiosa Escola Massana de Barcelona y, tras participar en fanzines ahora ya de culto (“Círculo Primigenio”), su labor como dibujante le hizo destacar, por su brillantez y originalidad, en los campos más diversos ya desde sus comienzos. En efecto, su trabajo ha despuntado en ámbitos como la publicidad para marcas internacionales (Primer Premio en el Festival Publicitario de San Sebastián y dos Oros en el Festival Publicitario Internacional de Cannes), hasta el diseño, los libros, pasando por la prensa y el mundo audiovisual.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Entre sus libros cabe destacar “Viviendo del Cuento” (PRH, 2004), merecedor del Premio Junceda al mejor libro para adultos, al que siguió el longseller “El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre” (PRH, 2006), traducido con gran éxito a varios idiomas. Asimismo, sus colaboraciones en prensa, tanto nacional como de ultramar, han sido el origen de libros como “Crisis de ansiedad” (PRH, 2013), de talante más político o “Hit Emocional” (Sexto Piso, 2015), una especie de autobiografía musical.

Asimismo es el creador de la serie de animación para TV ‘Arròs covat / Arroz pasado’, en la que se cuentan, con la lucidez y el humor que caracterizan a Juanjo, las aventuras y desventuras de un joven treintañero. La serie rompió moldes y cosechó tal éxito de público y de crítica (Premio Ondas en España y el Premio Expotoons en Argentina) que se renovó por tres temporadas. El guión gráfico de la serie se publicó también en forma de libro, ‘Arroz pasado’ (PRH, 2010) y actualmente Juanjo se encuentra ultimando su segunda serie de animación para televisión de creación propia, cuyo estreno está previsto para finales de 2017.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Su más reciente publicación ha sido la edición especial que celebra el décimo aniversario de ‘El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre’ en 2016, que han publicado simultáneamente Astiberri, en España; Sexto Piso en México y Editorial Común en Argentina.

‘Hola, me llamo Juanjo Sáez y a esto dedico mi tiempo’, es la primera exposición individual de Juanjo Sáez en Valencia, donde hace un repaso a su trayectoria. Una amplia selección de originales y obra gráfica original en exclusiva para Pepita Lumier de ‘Viviendo del Cuento’, ‘El Arte. Conversaciones imaginarias con mi madre’, ‘Arròs Covat’, ‘Hit Emocional’ y los trabajos de arte realizados para el grupo de música Los Planetas, donde disfrutar de sus ya característicos dibujos de caras sin facciones y un estilo infantil ficticio.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Juanjo Sáez. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Las galerías valencianas se vuelcan en ARCO’17

Feria ARCO Madrid 2017
Galería Luis Adelantado, Galería Rosa Santos, Espai Tactel, Galería Aural y Espai Visor.
Del 22 al 26 de febrero de 2017

Otro año más, la gran cita del arte contemporáneo español regresa a Madrid con un sinfín de propuestas que probablemente nos sorprenderán. Seguramente los grandes medios se harán eco de esa “obra” controvertida alejada de lo que es el arte contemporáneo español real. Al ver, leer o escuchar estas noticias quizás muchos se pregunten cuál es realmente el peso del galerismo valenciano en esta importante cita. Nos complace afirmar que, a pesar de la crisis económica y de las pocas facilidades existentes en nuestro país para el fomento del coleccionismo, la Comunidad Valenciana se mantiene a flote como puede y se caracteriza por exhibir obras de artistas de calidad.

Es por ello quizá que la ya veterana en la feria y referente de la ciudad de Valencia, la galería Luis Adelantado, dice querer explorar con la representación elegida la magnitud del arte contemporáneo. Todo un reto que solventa con una amplia exposición de un total de trece artistas. Por tanto, en la puesta en escena lucirán sus ya clásicos Luis Gordillo, Rubén Guerrero, una nueva escultura de Mathieu Mercier titulada ‘The King, his Lovers and their Bastard’, y por supuesto, el gran contrafuerte de la temporada pasada que fue Darío Villalba. De él, en una suerte de ejercicio histórico, se expondrán sus conocidos ‘Encapsulados’ y algunos de los ‘Documentos básicos’ de los 70.

La presencia extranjera acontecerá a través de las piezas escultóricas de Marius Engh, Gonçalo Barreiros y Yann Sérandour; las pinturas elegidas serán las de Camila Oliveira Fairclouhg y también podrán verse obras de las exposiciones actuales de Ting-Ting Cheng y Folkert de Jong. La apuesta española reside en el arte de Irma Álvarez-Laviada, en los jóvenes andaluces Fuentesal & Arenillas y en el pintor valenciano Álex Marco cuya obra ‘La hora loca de los gatos’ pudimos disfrutar en la creativa Boiler Room el pasado año 2015.

Obra de Mathieu Mercier titulada 'The King His Lover and Their Bastard'. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Obra de Mathieu Mercier titulada ‘The King, His Lover and Their Bastard’. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Más artistas españoles y sobre todo una mayor presencia femenina podrán disfrutarse en el stand 9E13, el correspondiente a la también habitual galería Rosa Santos. Obra de la reconocible Greta Alfaro, la característica teatralidad de Mira Bernabéu, las imágenes entrecruzadas de memoria histórica de la investigadora María Ruido o las esculturas de Elena Aitzkoa son parte del recorrido planteado por la galería. La obra visual de la premiada Andrea Canepa y el discurso contracultural y feminista de la italiana Chiara Fumai completan el elenco de mujeres artistas. El fundamental duotono de Chema López, los dibujos del barcelonés Xisco Mensua y las reflexiones entre espacio y poder de Xavier Arenós cierran el seguro exitoso muestrario de Rosa Santos.

La lista de artistas por la que apuesta Espai Visor es también muy amplia y combina los esfuerzos de contraposición entre la escena artística española y el arte de otros países europeos en la línea en la que la galería ha estado trabajando en los últimos años. Así, podrán adquirirse piezas de Ángeles Marco, Bleda y Rosa, Braco Dimitrijevic, Esther Ferrer, Françoise Janicot, Lea Lublin o el mural ‘Archivo Casa Ena’ de Patricia Gómez y María Jesús González, pieza que rescata la memoria a través de partes del susodicho hogar. Destacan los ‘Proyectos Especiales’ de Katalin Ladik, Endre Tót y Tamás Szentjóby. ‘Proyectos Especiales’ es el término que se refiere a obras de gran formato, de corte museístico que hacía mucho que no se veían por la feria. De hecho, Carlos Urroz califica a estas decena de piezas seleccionadas de “ambiciosas y arriesgadas” y que simbolizan un nivel de recuperación de la feria.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

La alicantina galería Aural amplía su stand hasta casi el doble que en otras ediciones presentando a ocho artistas a través de los cuáles han querido crear un proyecto en el cuál se incida en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. El hilo conductor de su stand se sostiene en grandes figuras de la escena contemporánea, como la galardonada y Premio Nacional de Artes Plásticas, Concha Jérez, y también en las obras tipo libro de la reconocida Anna Bella Geiger, que desde luego exploran los discursos de esta gran artista cuya andadura comenzó en la Brasil de los años 70. También en representación del panorama latinoamericano, y enlazando con el país invitado de esta edición de ARCO, podrá escucharse y verse ‘Los invisibles’ de Ingrid Wildi Merino, una pieza audiovisual que pone su atención sobre la actual problemática de los inmigrantes y el territorio, así mismo la sonora instalación de Máximo González versa sobre el acto cotidiano de pasear y no dejará impasible a aquel la experimente.

‘La isla parlante’ de Isaac Montoya es otra de las obras con una clara intención política en las que se incide, la fotografía de Javier Vallhonrat, la reflexión sobre la imposibilidad de la imagen estética de José Maldonado o el trabajo conceptual y postminimal, aunque imposible de serializar, del zaragozano Fernando Sinaga que indaga y resalta la filosofía de Voltaire, clausuran el amplio coloquio visual (y sonoro) de la galería Aural.

Obra de Máximo González titulada 'Partitura'. Imagen cortesía Galería Aural.

Obra de Máximo González titulada ‘Partitura’. Imagen cortesía Galería Aural.

Por último, Espai Tactel se estrena en este ARCO 2017 con dos jóvenes promesas cuyos nombres no dejan de escucharse en los últimos meses. La alcoyana Rosana Antolí crea auténticas coreografías con sus geometrías, mientras que Fito Conesa experimenta con la comunicación, la música y el video.

Tras este exhaustivo análisis podemos afirmar que las galerías valencianas resaltan con sus propuestas el valor del video, de la escultura y también la confianza en la capacidad de las jóvenes promesas. Debemos valorar el impetuoso esfuerzo que hacen las galerías de la Comunidad Valenciana por no fallar, año tras año, a una feria que cada edición parece centrarse más en el mercado internacional, descuidando el nacional. Tampoco se puede ignorar los retos que han de afrontar para mostrar, en un breve espacio en forma de escaparate, todo el trabajo que temporada tras temporada exige tiempo, rivalidades y sobre todo muchísimo amor por la profesión.

María Ramis

Un Trío de dificultades

Trio, de Rodolf Sirera
Teatre Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Hasta el 26 de febrero de 2017

Rodolf Sirera lleva 25 años dedicándose a la televisión (“que es donde me han reclamado, cosa que no sucede en el teatro”) y ahora, tras larga travesía en el audiovisual, vuelve al que verdaderamente es su oficio. Un oficio al que retrata con crudeza en Trío, espectáculo dirigido por Rebeca Valls con el que regresa al Rialto después de 22 años fuera de Valencia. Una vuelta agridulce: “Me va a costar mucho reconciliarme con el teatro”. Lo hará porque, como apuntó Sirera, la muerte de su hermano Josep Lluís, hace poco más de un año, “me ha creado la obligación moral de acabar un proyecto iniciado con él”.

Hasta que tal cosa suceda, Trío es ya la mejor manera de continuar con El veneno del teatro que él mismo inyectó a la profesión hace unos años. “Rodolf dejó de escribir por falta de consideración aquí, en su ciudad, mientras lo valoran en televisión, de manera que su verdadero oficio queda como un fantasma al que te quieres dedicar y no puedes”, señaló Valls, encargada de dirigir, junto a Edison Valls, al trío de actores protagonistas: Diego Braguinsky, Vanessa Cano y Héctor Fuster. Esa frustración atraviesa la obra, siendo consustancial al propio oficio de actor.

Héctor Fuster y Vanessa Cano en Trio. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

Héctor Fuster y Vanessa Cano en Trio. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

“La obra va sobre nuestro oficio y la desgracia de nuestro oficio”, indicó Valls. Así que empieza como comedia (“es comercial en ese sentido”), pero va inclinándose del lado del drama, “del amateurismo al que hemos llegado y que en muchos casos te obliga a ser camarero por la mañana y actor de noche”. El último informe de la Fundación Aisge ya advertía que el 70% de los actores de la Comunidad Valenciana vivía en el umbral de la pobreza. Y a pesar de todo ahí siguen: “Son como monjes que han hecho votos y no pueden renunciar a ello”, señaló irónico Sirera.

Braguinsky lamentó la falta de faena como fuente de esa frustración que destila Trío y de la que da cuenta Rodolf Sirera: “Es un cirujano de lo que pasa no sólo aquí, sino también en Madrid y otras ciudades”, subrayó el actor que encarna a una de las tres generaciones representadas en la obra. (“Óscar [papel representado por Braguinsky] es la generación mayor que ha perdido todos los trenes y aún así continúa amando este oficio; David [Héctor Fuster] es un actor al que se le está ‘pasando el arroz’ y tiene la oportunidad de trabajar en televisión, lo cual le obliga a hacer concesiones, y Michy [Vanessa Cano] es un personaje odioso, arribista y trepa que tiene para triunfar que comerse muchos marrones”, describió Sirera.

Aunque Trío se centra en el oficio de ser actor, “va mucho más allá”, advirtió Valls: “Es un viaje emocional, una viaje interno, que te va llegando al alma; habla de la supervivencia, de la soledad y de la lucha a pesar de todo”. Como aseguró Cano, el espectador verá “momentos de amor duro y muy chungo”, donde se ve a los actores queriéndose y odiándose sobre un escenario” y donde se verá igualmente cómo “el sálvese quien pueda lo tenemos en la sangre”. Para la actriz, todos “tenemos una parte cruel, egoísta y nos da pudor decir que la tenemos”.

Diego Braguinsky (izda) y Héctor Fuster en 'Trio'. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

Diego Braguinsky (izda) y Héctor Fuster en ‘Trio’. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

Rodolf Sirera deja de lado ese pudor para mostrar las vergüenzas de unos personajes que guardan relación con El verí del teatre. “Hay un hilo conductor y es que a los actores les gustaría hacer El verí y el autor no quiere”. De nuevo la frustración recorriendo un texto del que el profesor Juan Vicente Martínez Luciano dice: “Refleja la situación por la que pasan muchos actores que, en el mejor de los casos, compatibilizan el teatro con las series de televisión y las diferentes vicisitudes que se generan alrededor de esa inseguridad laboral”. Sirera afirmó que Trío tenía “uno de los finales más tristes que yo haya escrito”.

Sin embargo, hay alguna que otra rendija de luz: “Tenemos la intención de que Teatre del Pobla Valencià produzca una obra de Sirera”, avanzó Abel Guarinos, director de CulturArts. Como apuntó Braguinsky, en el fondo “el motor de esta función es el amor de Rodolf por el teatro, unas veces correspondido y otras no”. Amor que el autor extendió al proyecto inacabado junto a su hermano y que versa sobre una trilogía de tipo histórico, centrada tanto en la Resistencia francesa después de la II Guerra Mundial (“entonces todos eran de la Resistencia, igual que aquí todos eran antifranquistas”) como en lo ocurrido en Dinamarca durante la ocupación alemana: “¿Qué debe hacer un intelectual, guardar la cultura como un cofré?, se interrogó Sirera, a vueltas siempre con su oficio.

Vanessa Cano y Diego Braguinsky en 'Trio'. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

Vanessa Cano y Diego Braguinsky en ‘Trio’. Imagen cortesía de Teatre Rialto.

Salva Torres

Una mirada en corto sobre la violencia de género

‘Así besa el ciego’, de Blanca Beneito
Sala SGAE Centre Cultural de Valencia
Blanquerías 6, Valencia
Jueves, 2 de febrero de 2017, a las 19:00

A partir de un guión del sevillano Andrés Iwasaki, la directora valenciana Blanca Beneito firmó ‘Así besa el ciego’. Se trata de un cortometraje contra la violencia de género que el jueves 2 de febrero, a las 19 horas, se estrenará en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia (C/Blanquerías, 6).

La proyección será presentada por la realizadora y se completará con un coloquio en el que, además de diversos miembros del equipo técnico y artístico, intervendrá Begoña Siles (profesora de Análisis Narrativo y Teorías Fílmicas, Escritura Audiovisual e Historia del Cine Español, y directora de la Cátedra Luis García Berlanga en la Universidad CEU-Cardenal Herrera). La entrada es gratuita.

Así besa el ciego. Makma

El cortometraje Así besa el ciego’ está protagonizado por los actores Rafa Albert, Jorge Martínez, Elena Salcedo y Javi Romero. En la cinta, su protagonista, Sara, intuye que algo va a pasar. Sin embargo, como de costumbre, lo guarda para sus adentros. Por otro lado, desde los ojos de Miguel, su hijo de siete años, se ve un mundo poético en el que todo parece estar bien. Aunque, sin duda, no lo está.

Blanca Beneito es actriz y graduada en Comunicación Audiovisual por la Universidad CEU Cardenal Herrera. Durante su formación como actriz, en La Escuela del Actor, participó en numerosos cortometrajes y obras teatrales con la Fundación Shakespeare, bajo la dirección de Miguel Ángel Conejero. Posteriormente, ha trabajado con directores como Ximo Flores (en ‘Visiones sobre Europa’), Chema Cardeña ( ‘Troya’) o José Enrique March ( ‘No te vayas’). En 2014 estrenó ‘Santa Teresa y El libro de la vida’, dirigida por José Enrique March con motivo del V Centenario del nacimiento de la santa. Así besa el ciego’ es su estreno como directora audiovisual.

Así besa el ciego’ es también el primer guion del sevillano Andrés Iwasaki que ha llegado a la pantalla. Estudiante de Humanidades en la Universidad Carlos III de Madrid, Iwasaki compagina sus estudios con la escritura, el arreglo musical y el arte.

Así besa el ciego. Makma

 

Omega TBS y su ¿horror? Vacui

Vacui, de OmegaTBS
Galería Plastic Murs
C/ Dènia, 45. Valencia
Inauguración: viernes 3 de febrero, a las 20.00h
Hasta el 10 de marzo de 2017

“Tienes que ver los trabajos de Omega, te gustarán…”. Si un camarada al que toleras por sus conocimientos, gusto gráfico y no dado a las recomendaciones te dice algo así, la visita al susodicho es inevitable.

¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes? La expresión con reminiscencias ochentonas ¿estudias o ilustras? se ha hecho más actual que nunca. La cantidad de ilustradores y artistas por metro cuadrado afincado en Valencia es brutal. No recuerdo que en nuestra ciudad haya habido tanta gente dibujando tan mal y con tanto éxito. Soy consciente de que mis escasos conocimientos, más la envidia, la coca, las telenovelas y el chocolate avalan esta opinión.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Omega es un artista paciente y repleto de ideas imaginativas. Igual se enfrenta al óleo, la acuarela, al guache o a la tinta china con total condescendencia, con riqueza y sin prisas. Sus habilidades técnicas son refinadas, expresivas y disfruta de un penetrante poder de percepción que me recuerda al tratamiento de los personajes enfermizos de Gerónimo El Bosco, o a la honestidad con la que refleja la vida cotidiana Pieter Brueghel el Viejo, y por qué no, al más disparatado Giraud y su estilo de dibujo sintético donde la línea pura define las figuras con una representación muy cercana a la caricatura. Escenas rutinarias de poca acción y mucho sentido sentido del humor.

Mario me ha pedido que escriba sobre la obra de su nueva exposición. Crear es un placer donde no cabe el equilibrio, pocas veces va acompañado de amor y coquetea con el reconocimiento, que es su perdición. Sabe bien de lo que hablo. Así que es una excusa perfecta para acercarme al estudio y disfrutar de sus novedades.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Lo que encuentro es fresco, sorprendente, provocador, ¿psicodélico?, ¿lunático? Desde luego, desconocido en cuanto a mi prejuicio sobre su trabajo. Todo un pasmo. Intenta explicarme la técnica pero no entiendo nada. Sólo me quedo con la tinta, las capas, el papel higiénico y poco más. Bromeamos. Una vez más no ha conseguido evitar la esquizofrenia artística y, por lo tanto, ha ampliado el límite de las artes plásticas. Se encuentra en el reino viscoso que llama a la creación de imágenes para el enriquecimiento social. Y por eso le estamos agradecidos. ¿Y a este loco por qué no lo he conocido antes?

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

Obra de Omega TBS. Imagen cortesía de Plastic Murs.

MacDiego

El ‘Proyecto Lázaro’ de Mateo Gil

Proyecto Lázaro, de Mateo Gil
Viva el Ciñe
Cines ABC El Saler. Valencia
Lunes 23 de enero de 2017

Volver a disfrutar de Mateo Gil, aquel hombre que junto a Amenábar nos regaló ‘Abre los Ojos’ (1997) o ‘Tesis’ (1996), es un placer. La primera vez que vi una película de Mateo Gil me quedé de piedra: acababa de combinar el thriller psicológico, un extraño juego de rol y la Semana Santa sevillana, y el resultado era inquietante. Me gustó comprobar cómo un cineasta español era capaz de manejar tan bien los tiempos, la intriga y la acción en un film. Todavía había esperanza.

Por desgracia, no volvió como director a esos derroteros; ya sabemos que en España imperan otros gustos -que parecen revertirse con películas de la talla de ‘La Isla Mínima’ (2014) o ‘Tarde para la Ira’ (2016)-. Los chicos de ‘Viva el Ciñe’, como todos los meses desde hace ya unos cuantos, nos traen a Valencia preestrenos nacionales, y esta vez tocaron techo con la llegada de Gil y su tercer largo, la extraña e hipnótica ‘Proyecto Lázaro’.

Fotograma de 'Proyecto Lázaro', de Mateo Gil.

Fotograma de ‘Proyecto Lázaro’, de Mateo Gil.

La película tiene algo de ‘Abre los Ojos’ pero se centra en lo que hubiera pasado al despertar de la crionización. Aunque fuera de tanta parafernalia futurista y pseudocientífica, lo que Gil nos narra es una historia de amor, de pasión, una historia incompleta. El film está rodado en inglés, por aquello de buscar fuera lo que es difícil conseguir aquí, y tiene un reparto de lujo con Oona Chaplin y Tom Hughes, que le dan un tono más internacional a la poderosa historia. La película se proyectó en el último festival de Sitges; un más que buen presagio para todo film que se precie.

El film nos llega en una extraña y apacible vorágine por el cine de autor de ciencia ficción: obras como ‘Her’ (Spike Jonze, 2013) o ‘Ex Machina’ (Alex Garland, 2015) han cautivado a un público que ahora se siente más receptivo a disfrutar de este género, sin esperar naves espaciales o batallas interminables, que para eso ya se estrenan cientos de trabajos al año.

El tempo de ‘Proyecto “Lázaro’ es lento, pausado, con el ritmo necesario para no cargar al espectador, con el punto de drama existencial sin llegar a ser apocalíptico, aunque es cierto que nos ofrece una visión algo desesperanzadora de nuestro porvenir como especie, donde las relaciones personales ya no serán como ahora. Eso sí, las escenas de gallinas decapitadas y salamandras aplastadas son demasiado gratuitas y asquerosas, un error desde mi punto de vista.

Un interesante film que por descontado no pasará a los anales del cine, pero que deja un extraordinario sabor de boca, con algunas escenas gore que le dan ese toque rabioso que la película precisa. Por desgracia, en España no sabemos apreciar este producto y Mateo Gil ha tenido que refugiarse en el siempre productivo cine de comedia con su próximo trabajo, ‘Las Leyes de la Termodinámica’, que verá la luz en septiembre y que nos traerá a Hugo Silva o a Berta Vázquez como protagonistas.

Ahora os dejamos con una muy breve entrevista a Mateo Gil, donde le preguntamos, básicamente, qué recordaba de su primera película ‘Nadie conoce a nadie’. Y la verdad es que, cuando le hicimos esa pregunta, se le iluminó la cara, tal vez cansado de repetir las mismas preguntas a todos lo medios sobre ‘Proyecto Lázaro’.

Javier Caro

Teatro valenciano en Sala Russafa

Cicle Companyies Valencianes
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
De 27 de enero al 26 de marzo de 2017

Sala Russafa comienza esta semana la sexta edición de su ‘Cicle Companyies Valencianes’. Del 27 de enero al 26 de marzo, siete formaciones componen una muestra dedicada en exclusiva al teatro realizado en la Comunitat. “Desde la apertura del centro cultural teníamos claro que queríamos apostar por la escena autóctona. Y, sobre todo, por piezas que tienen menos oportunidades de encontrar un hueco en los escenarios por diferentes motivos. En unos casos, por lo arriesgado de la propuesta. Y en otros porque no han surgido en la capital o al amparo de una compañía con cierta trayectoria. Esto hace que, pese a la calidad del proyecto, tengan menos acceso a ser programadas. Y con este ciclo queremos aportar nuestro granito de arena para paliar esa situación”, apunta Juan Carlos Garés, director de la sala.

Escena de 'Iceberg'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Iceberg’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Una muestra de ese espíritu es el caso de Teatre Corrent y su pieza ‘Iceberg’ (27 al 29 de enero, Premi de Teatre Ciutat d’Alzira 2011, que esta semana inaugura el ciclo. Elsa Tronchoni dirige esta cruda historia de Paco Romeu que se desarrolla en dos noches marcadas por la muerte y la música. Transitando entre ambas, encontramos a una joven prostituta adicta y a dos hermanos, un red skinhead que menudea con drogas y un enamoradizo tartamudo. Drogas, familia, alcohol y ansia por vivir son el cóctel fatal de este montaje que interpretan Inma Ruiz, Pep Laza y Xavi Cubas.  Un caleidoscopio de instantes en los que cabe el drama, el humor, la muerte y el misterio. Un rara avis de la escena valenciana que fue bien recibido por la crítica y que regresa a las tablas con este ciclo.

Escena de Julio César.

Escena de Julio César. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Ya en febrero (del 10 al 19), retorna a Sala Russafa la versión del ‘Julio César’ de Shakespeare adaptada y dirigida por Chema Cardeña. Un montaje que vio la luz como investigación de uno de los talleres de interpretación para profesionales del centro cultural, cuyos integrantes han formado la compañía Trece Teatro. La obra realiza un guiño a la época isabelina, cuando las mujeres tenían prohibido actuar y los hombres encarnaban papeles femeninos. Ahora ocurre a la inversa: once mujeres interpretan a los personajes, mayoritariamente masculinos, de esta potente trama. Los populares César, Antonio, Bruto, Octavio o Casio cobran vida con la voz, sensibilidad y fuerza de las actrices Rocío Ladrón de Guevara, Irene González, Lucía Poveda, Rocío Domènech, María Pérez, Patricia Sánchez, Mónica Zamora, Ruth Palones, María Asensi, Alejandra Beltrán y Sara Bonell. Se suman al elenco Juanki Sánchez y José Torres para recrear la conspiración contra el dictador romano en una historia sobre la lucha por el poder que también puede leerse en términos de género.

Escena de Gloomy Sunday. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de Gloomy Sunday. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La tercera propuesta del ‘Cicle Companyies Valencianes’ es ‘Gloomy Sunday’ (24 al 26 de febrero, de la formación colombiano-valenciana Theatretk, residente en Sala Russafa. Tras el pseudónimo de Harlan Pinter se esconde el autor de esta comedia que dirige Harold Zúñigan. Su protagonista es Benjamín Phreiz -al que da vida el propio director-, un joven filósofo que encuentra la respuesta al porqué de la existencia: el absurdo. Y, una vez descubierto, ya no desea seguir viviendo. Pero el propio absurdo se cruzará en su camino, impidiéndole por los motivos más peregrinos completar su suicidio. Grazia Hernández junto al cantante y bailarín africano Asso Mbaye completan el reparto de este suicidio interruptus, una inusual comedia negra, reflejo del choque entre culturas y de la divergencia entre el mundo intelectual y la vida misma.

Escena de 'Capullos que vuelan'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Capullos que vuelan’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación del VI Cicle Companyies Valencianes se completa en marzo con tres propuestas. La primera es un estreno en Valencia de la joven compañía valencia (afincada ahora en Madrid) Apart Teatre, que presenta ‘Capullos que vuelan’ (4 de marzo),  una comedia programada este verano en el circuito off madrileño, en la sala AZarte. Se trata de un realista y delicioso retrato de la juventud actual a través de cuatro amigos con inquietudes, que no se resignan a dejar de volar, pese a que la coyuntura más bien anime a quedarse con los pies en el suelo. Lluís Mosquera firma esta pieza generacional, llena de cruda realidad, bromas comprometidas y humor negro, que interpretan Enrique Cervantes, Alba Fontecha, Maria Part y Javier Martínez.

Escena de 'Nora'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Nora’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Produccions El Soterrani, de Picassent, estrena en Valencia ‘Nora’ (5 de marzo), una conmovedora pieza en la que se recrea la estancia en una sala de espera de su protagonista, antes de entrar a una entrevista de trabajo para su supermercado habitual. Mezclando casos verídicos con ficción, se construye el retrato de una sociedad anestesiada frente a una crisis que hace aflorar los más humano e inhumano de las personas. Jèssica Fortuny escribe e interpreta esta valiente pieza dirigida por Pau Blanco.

Escena de 'Copito de nieve'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Copito de nieve’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Otra interesante propuesta es ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’ (11 y 12 de marzo), una pieza del dramaturgo Juan Mayorga que dirige la valenciana Kika Garcelán. El proyecto nació como montaje de final de estudios de Dirección y Dramaturgia de la ESAD (Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia), con el tutelaje de Carles Alberola. Ahora llega al teatro en un espectáculo interpretado por Vicent Domingo, Abraham García y Diego Sánchez. Adentrándose en la jaula del entrañable gorila albino del zoo de Barcelona, la obra presenta una reflexión sobre la libertad y la muerte.

Merce. Imagen cortesía de Sala Russafa.

On está Merce?. Imagen cortesía de Sala Russafa.

La programación se completa con una sorprendente creación conjunta de Núria Urioz, Lola Granell, Elena Donzel, Claudia Zucheratto, Mariló Tamarit, Esther Ramos y Paqui Noguera. Bandana es una coral de payasas valencianas, colaboradoras de PayaSOSpital, que reúne el humor con la interpretación a capela en una serie de números, gags y desconciertos, más que conciertos, que componen ‘On està Mercé?’ (24 y 26 de marzo). Una curiosa propuesta que combina el género clown con el canto en una pieza humorístico musical. Un tipo de espectáculo poco habitual en la cartelera valenciana, que llega a Sala Russafa tras ganar el Primer Premio de la Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella (2013) y el Premio del Público al Mejor Espectáculo en Cabanyal Íntim (2016).

Escena de 'Iceberg'. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Iceberg’. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Las Migas animan a irse con ellas

Vente conmigo, de Las Migas
Espai Rambleta
Bulevar sur, esquina Pío IX. Valencia
Viernes 27 de enero, 2017, a las 21.00h

Las Migas es un cuarteto formado por Alba Carmona (voz), Marta Robles (guitarra), Alicia Grillo (guitarra) y Roser Loscos (violín) que, después de recorrer Estados Unidos, Canadá, Jamaica y Cuba, inician la gira nacional de presentación de su nuevo álbum ‘Vente conmigo’ en Espai Rambleta el viernes 27 de enero, a las 21.00h. Destacan por lo distintas y semejantes que son al mismo tiempo y la fusión de culturas tan maravillosa que crean cuando están juntas.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Sobresalen por ser no sólo intérpretes, sino también compositoras y arreglistas de sus propios temas. El estilo tan personal del cuarteto es difícil de etiquetar. Algunos medios lo han denominado como canción mediterránea, música para el alma, poesía cantada, sin otros límites que su propia inspiración. La música de Las Migas es un viaje hacia lo cercano o lo imposible, con creaciones que te sumergen en la nostalgia, la euforia, y te conectan con tus emociones y sentimientos.

Tras sus dos trabajos discográficos anteriores con los que llenaron los mejores teatros nacionales e internacionales, y participaron en los más importantes festivales de worldmusic, Las Migas se embarcan en un nuevo proyecto con la discográfica Concert Music Entertainment. Este disco es fruto de un trabajo íntimo, intenso, donde se han dejado la piel cargando de emoción cada nota. En definitiva, es el resultado de un trabajo bien hecho.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Este nuevo álbum, titulado ‘Vente Conmigo’, cuenta con la producción de Josemi Carmona y la colaboración de Miguel Poveda en uno de los temas que compone el disco. ‘Calma’, disponible en iTunes, Spotify, Deezer y Amazon, ha sido el single elegido para presentar este trabajo, acompañado de un videoclip que muestra la nueva imagen renovada del cuarteto, su energía y la pulcritud de su técnica.

Este nuevo disco incorpora toques latinos y electrónicos que difieren de sus anteriores álbumes, con el que pretenden sorprender y emocionar. Un estilo más rítmico y luminoso, que conserva la pasión y la elegancia que siempre ha caracterizado a la música de Las Migas.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Las Migas. Imagen cortesía de Espai Rambleta.