La pilota valenciana, al desnudo

JOC, de Vinz Feel Free y Txema Rodríguez
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 3 de septiembre de 2017

El Centre del Carme acoge hasta el 3 de septiembre la muestra ‘JOC’, de los artistas Vinz Feel Free y Txema Rodríguez, una fábula sobre el juego de pilota. Una historia sobre la pasión de unos personajes que entregan los mejores años de su vida a un deporte que no da dinero ni fama, un juego de profundas raíces valencianas que representa valores universales a través de una disputa llena de belleza en la que los rivales siempre son tratados con respeto. En ‘JOC’, Vinz y Rodríguez desarrollan un trabajo en dúo sobre las alegrías y los sinsabores de este hermoso y único combate con pilota.

La exposición recoge, desde un punto de vista artístico y creativo, los valores de este deporte que forma parte del patrimonio y de la cultura valencianos, como homenaje y como reflejo de la sociedad valenciana.

Vinz Feel Free, encapuchado, y Txema Rodríguez. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Vinz Feel Free, encapuchado, y Txema Rodríguez. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Según José Luis Pérez Pont, director del Centre del Carme, “realizar una exposición ex profeso para la Sala Ferreres, una de las más grandes y bellas de la Comunitat Valenciana, sin duda es un reto que contribuye a poner en valor el arte mural y, al mismo tiempo, a hacer más grande la pilota, como seña de identidad del pueblo valenciano”.

El consejero-delegado de Global Omniun/Fundación Aguas de Valencia, Dionisio García Comín, patrocinador de la exposición, señaló que “el diálogo entre las imágenes de Rodríguez y el arte que proviene de la calle de Vinz, vinculadas las dos expresiones en una relación permanente y fructífera sobre el juego tradicional de la pilota valenciana, es un proyecto inédito que, desde nuestra fundación, queremos aplaudir”.

A modo de epopeya, la sala Ferreres se transforma en un gran templo pagano presidido por los dioses de la pilota, con un Genovés de cuatro metros de altura como epicentro de la sala. Junto a él se recuerda a Rovellet, Eusebio, Sarasol II, Fredi, Grau, Álvaro y Xatet de Carlet. En esta epopeya hay un intercambio de papeles, los dioses se presentan en forma humana y son los humanos los que se convierten en seres mitológicos al más puro estilo Vinz.

Vista de la exposición 'JOC'.

Vista de la exposición ‘JOC’. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Con la ayuda de más de 50 personas anónimas, los artistas se embarcaron en esta fábula hace ahora un año y medio. Un trabajo artístico colaborativo en el que era importante la presencia de la mujer en contraposición a un deporte eminentemente masculino, así como la participación de personas homosexuales o transexuales de forma que en la muestra estén representados todas las tendencias y orientaciones sexuales, algo habitual en los trabajos de los dos artistas.

“Nos parecía interesante ver la pilota desde un punto de vista artístico, más creativo, como algo que puede crecer, evolucionar. Pensamos que esta exposición puede ayudarle a abrirse a la sociedad”, explicó Txema Rodríguez, aficionado a este deporte que ha tenido la suerte de poder fotografiar a las grandes figuras, las que nadie discute que son un referente.

“En la muestra aparece Genovés en un lugar principal, como el dios que preside este templo pagano, el único que puede traspasar esa barrera entre lo terrenal y lo divino, porque ha sido el jugador por excelencia cuya figura ha trascendido más allá del ámbito de la pilota”, afirmó el fotógrafo.

Por su parte, Vinz manifestó que “esto no es un documental sobre la pilota valenciana, es una fábula sobre todas aquellas personas que luchan por un sueño”. El artista de street art destacó cómo “la pilota, algo local y propio de los valencianos, encarna unos valores que son universales que se pueden aplicar a todos los ámbitos”.

Obra de la exposición 'JOC'.

Obra de la exposición ‘JOC’. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Del mismo modo que los antiguos jugadores y aficionados a la pilota, Vinz y Rodríguez trabajan en la calle y también emplean los muros de las casas. Su actividad sufre similares prohibiciones y persecuciones a las sufridas en su momento por los pilotaris, resulta molesta para muchos, nociva, sucia o escandalosa. Por ello, revelaron los artistas, “tenemos muchas cosas en común con nuestros admirados jugadores de pilota. Aunque nuestro espacio es de este siglo y nuestra visión es contemporánea”.

La exposición/intervención del Centre del Carme juega con elementos propios del arte como la pintura, el dibujo, la fotografía o la instalación además del collage con otros elementos propios del street art, de donde vienen los artistas. ‘Joc’ se compone de más de 100 piezas realizadas todas ex profeso para la sala, jugando con la hibridación de lenguajes y de estéticas para dotar a cada capítulo de esta fábula de una identidad propia.

A la entrada en la sala Goerlich dos carteles gigantes anuncian la batalla como si se tratara de un combate de boxeo. La nave central representa el trinquete donde se desarrolla el juego, con un hall of fame de Paco Cabanes ‘el Genovés’ y una frase que advierte ‘Se prohibe blasfemar’. En él 15 figuras de más de dos metros de altura representan a la afición y su pasión por el deporte.

Obra de la exposición 'JOC'. Imagen cortesía de Centre del Carme

Obra de la exposición ‘JOC’. Imagen cortesía de Centre del Carme

Tras contemplar las fotografías del Olimpo de la pilota, los personajes mitológicos nos muestran el ceremonial en torno a este deporte, desde los trabajos a los que deben dedicarse porque su pasión no les da para vivir, la preparación, el campo de batalla, el combate interior, el combate exterior, la victoria o la derrota hasta la recompensa.

La escenografía va variando según cada capítulo desde escenarios inspirados en la estética decadente o postindustrial hasta la llegada de la recompensa, en ella los Baños del Almirante de València recuperan su uso como balneario después de varios siglos. La mayor parte del trabajo de producción se ha realizado en el Centre del Carme, como escenario y como estudio artístico.

Al final del recorrido se muestra en imágenes el making off de la exposición, incluyendo un fragmento de una partida de pilota, entre Álvaro y Genovés, con la idea de que el público tenga una referencia real de la pilota valenciana.

Vinz Feel Free (encapuchado) y Txema Rodríguez en la exposición 'JOC'. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Vinz Feel Free (encapuchado) y Txema Rodríguez en la exposición ‘JOC’. Imagen cortesía de Centre del Carme.

 

El excepcional legado de la saga de los Madrazo

El Mundo de los Madrazo. Colección de la Comunidad de Madrid
Museo de Bellas Artes Gravina (MUBAG)
C / Gravina, 13-15. Alicante
Hasta el 15 de octubre de 2017

Los Madrazo están considerados como la saga más célebre e influyente del ámbito artístico decimonónico español. A través de sus obras se pueden recorrer las diferentes corrientes artísticas del siglo XIX. Tres generaciones de pintores nos transmiten el pulso de su tiempo: José de Madrazo Agudo, sus hijos Luis y Federico de Madrazo Kuntz, y los hijos de Federico, Raimundo y Ricardo de Madrazo Garreta.

El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la Diputación de Alicante y la Comunidad de Madrid exhiben en el Museo de Bellas Artes Gravina de Alicante la mayor colección que se ha reunido sobre esta familia de pintores. La exposición ‘El Mundo de los Madrazo. Colección de la Comunidad de Madrid’ se podrá ver en el museo alicantino hasta el 15 de octubre.

Raimundo de Madrazo Garreta.Margarita Tewart de Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Raimundo de Madrazo Garreta. Margarita Tewart de Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

La colección de los Madrazo pertenece a la Comunidad de Madrid desde 2006, gracias a una dación por pago de impuestos por parte de los descendientes directos de los pintores: María Teresa de Madrazo y Madrazo (hija única del pintor Luis de Madrazo Kuntz) y su esposo, Mario de Daza y Campos, que conservaban en su domicilio de Madrid un patrimonio extraordinario con obras de estos pintores.

Los Madrazo fueron pintores de éxito reconocidos y admirados internacionalmente. Artistas cosmopolitas e infatigables viajeros, completaron su formación en París y Roma ciudades en las que se relacionaron con las instituciones y los artistas más influyentes de la época. Desde sus importantes cargos oficiales en el Museo del Prado, la Academia y la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, José y Federico, pintores de Cámara, ejercieron de árbitros del arte español decimonónico.

Los Madrazo triunfaron como retratistas y posaron para ellos prestigiosos políticos, literatos y artistas de su tiempo, además de la aristocracia y la burguesía. Se transmitieron generacionalmente la habilidad en la captación del carácter de los representados que pintaron con depurada maestría.

La muestra reúne a través de 80 obras, “los tesoros” de temática costumbrista, religiosa y retratos recopilados y guardados por Mª Teresa de Madrazo y Madrazo. Obras que permiten al espectador un conocimiento de los hábitos y modas decimonónicas y dan rostro a una extensa familia que también destacó en el ámbito de la literatura, la arquitectura y la música.

Luis de Madrazo Kuntz. Maria Teresa de Madrazo y Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Luis de Madrazo Kuntz. Maria Teresa de Madrazo y Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Desde que la Comunidad de Madrid adquiriera la colección, ésta ha visitado diferentes ciudades españolas y europeas, pero es en Alicante cuando se podrá ver un discurso expositivo que reúne por primera vez a cinco generaciones Madrazo en una misma sala. Junto a ellos dos retratos de Isabel II sitúan a los autores en el contexto histórico del momento.

A continuación la muestra dedica, de forma cronológica, una sala a cada uno de los autores, lo que permite contemplar con detenimiento la estética que dominaba cada pintor. Además, como novedad, a las obras pictóricas, se ha sumado un conjunto de objetos y fotografías familiares así como correspondencia y apuntes de trabajo de los autores, una oportunidad única para descubrir los entresijos de esta familia de artistas y la historia que envuelve a estos retratos.

Según los comisarios, Montse Martí y Carlos González, para comprender la colección hay que tener en cuenta que esta selección no estaba pensada para ser obra de museo, sino para ser expuesta en una casa. Cada uno de estos cuadros guarda una historia.

La colección formaba un conjunto homogéneo, y a la vez cerrado, que había estado conservado en la esfera de la intimidad de la familia Madrazo, rasgo que la convierte en un legado excepcional. La exposición incluye un valioso testimonio que nos muestra cómo se hallaban las obras tras el desmantelamiento de la casa. Juan José Daza, heredero final de este patrimonio, abrió las puertas de su casa al fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía, quien realizó una serie denominada con el sugerente nombre de “La seda rota”, en la que se puede ver el ambiente y el contexto en el que se encontraban estas obras.

Jose de Madrazo Agudo. Marquesa de Branciforte. Imagen cortesía del MUBAG.

Jose de Madrazo Agudo. Marquesa de Branciforte. Imagen cortesía del MUBAG.

Dulces, corruptos y arrepentidos

Pecados Capitales, de Manu Blázquez, Vicente Aguado y Silvia Martí Marí
Proyecto 3-CMCV, Consorcio de Museos
Lonja del Pescado
Almirante Julio Guillem Tato, 118. Alicante
Hasta el 14 de mayo de 2017

Tomás de Aquino ya advertía que “los pecados capitales son aquellos a los que la naturaleza humana está principalmente inclinada”. Los pecados capitales son casi una obsesión de nuestra sociedad actual. Una continua y repetitiva iconografía que se ha ido desarrollando paralelamente a su significado primigenio. Desde El Bosco, pasando por Pieter Brueghel el Viejo, hasta las redes sociales actuales, aparecen y desaparecen pasando desapercibidos pero siempre presentes. Los pecados capitales cambian de contenido, de motivos, e incluso de rostros, pero se mantienen inamovibles en su esencia condenatoria. Como evidencias de nuestra colectividad occidental se han venido manifestando en el arte, incluso en el más actual. De esto trata precisamente ‘Pecados capitales’, una exposición de Manu Blázquez, Vicente Aguado y Silvia Martí Marí en la Sala de la Lonja del Pescado de Alicante donde se reinterpretan estas certezas pecaminosas apostando por diferentes enfoques.

Durante el 2016 nos han bombardeado con las imágenes de la exposición del Bosco que tuvo lugar en el Museo del Prado. Todo un acontecimiento ya que en unas pocas paredes podía observar muchas de las obras del repertorio del genial artista del medievo. Pero probablemente las interpretaciones actuales se parezcan más a las de Pieter Brueghel el Viejo. En sus primeros grabados, casi homenajes a los del Bosco, ha desaparecido ese terror devoto, algo que concuerda con ‘Pecados capitales’. Tres proyectos configuran la muestra y articulan un discurso diferenciado entre los lenguajes estéticos asociados a cada artista. Comienza el recorrido con ‘Dei canti lamentosi’ de Manu Blázquez. Un gran pieza, escultórica en su mayoría, pero que camina hacia lo pictórico  dejando entrever espacios geométricos. Estas breves interrupciones del blanco sepulcral del papel persiguen el fin místico de la reflexión tras el acto perverso. Una especie de rosario cuyas cuentas geométricas exoneran nuestros pecados.

Vista de Loterías y pecados del Estado. Vicente Aguado. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vista de Loterías y pecados del Estado. Vicente Aguado. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vicente Aguado presenta ‘Loterías y pecados del Estado’, pieza que continúa con la línea crítica del artista que hemos visto en acciones anteriores. Corrupción de todo tipo de la que, por supuesto, ni siquiera el ciudadano puede librarse. Estas 926 papeletas y sus correspondientes tickets de pago depositados en una papelera, demuestra el doble juego (triple si consideramos la acción como un trance placentero) al que estamos sometidos; por un lado, la estimulación constante a gastar dinero, y por otro, el castigo y escarmentación tras el acto inducido. Esta obra es solo la primera parte de un proyecto de un total de tres acciones.

Finalmente, Silvia Martí Marí propone ‘Dulcificar pecados’, una obra abierta y en desarrollo en la que el espectador formará parte de una acción para purgar sus propios pecados. Actualizados más que nunca, los siete pecados capitales, o por lo menos su versión gráfica, descansan, encerrados, sobre una mesa. La artista anima al público a que cojan ese pecado y contacten con ella explicando por qué lo han elegido o qué han hecho con él. Mientras tanto, una serie de fotografías nos ilustran sobre distintas formas de despojarse de esos pecados, cocinándolos, rompiéndolos… En resumen, librarse de ese halo de perpetuidad que normalmente rodea nuestra culpa. Es así que, ‘Pecados capitales’ no solo se configura como la última convocatoria del proyecto 3-CMCV que dará paso a la esperada ‘Escletxes’, sino como la excusa perfecta para recelar, mirar de reojo y sonreír en un viaje al recuerdo. Después de todo, y de nuevo referenciando a Tomás de Aquino, “un vicio capital es aquel que tiene un fin excesivamente deseable” y no existe mayor deseo que observar los pecados de frente para ver que la expiación, en realidad, no queda tan lejos.

Vista de Dulcificar pecados. Silvia Martí Marí. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

Vista de Dulcificar pecados. Silvia Martí Marí. Imagen cortesía Consorcio de Museos.

María Ramis

Carlos Pérez da su nombre a una sala del Carme

Sala Temporal Carlos Pérez
Centre de Cultura Contemporània
Consorcio de Museos de la Generalitat Valencia
C / Museo, 2. Valencia

La Conselleria d’Educació, Investigació, Cultura i Esport ha aprobado la propuesta del director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, de otorgar el nombre de Carlos Pérez, fallecido en 2013 y referente imprescindible del panorama artístico valenciano, que dedicó su trayectoria profesional a que Valencia dejara de ser lo que él denominó “la capital de la Tierra de la Modernidad Imposible”, a la sala temporal situada en la planta baja del Centre de Cultura Contemporània.

Pérez Pont explicó que “con este tributo queremos llevar a cabo un acto de justicia simbólica por el papel innovador y crítico del trabajo que durante toda su vida desarrolló Carlos Pérez. Sus iniciativas en el campo de la pedagogía y la inclusión social a través del arte siguen resultando pioneras, siendo una referencia indiscutible para el nuevo Centre del Carme, con quien estamos emprendiendo proyectos educativos que abren la puerta de la activación cultural desde la primera infancia”.

Para inaugurar la sala, el Consorci de Museus realizará un acto de homenaje al pedagogo valenciano, el 26 de enero, que estará presidido por el conseller Vicent Marzà.

Licenciado en Ciencias de la Educación por la Universidad de Valencia, profundizó en el diálogo entre el arte moderno y los movimientos pedagógicos renovadores desde los años 70 con el diseño de materiales didácticos, con influencias de Maria Montessori o la Bauhaus y el “Taller de l’Infant”, un proyecto colectivo ubicado en la calle Guillem de Castro, para fabricar y comercializar esos diseños vanguardistas que fue también pionero en el empleo de personas con diversidad funcional.

A mediados de los años 80 fue director general de Servicios Sociales de la Generalitat Valenciana y en 1989 entró en el Departamento de Didáctica y Comunicación del IVAM, institución de la que luego sería conservador de material impreso y conservador jefe de la colección.

Carlos Pérez. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Carlos Pérez. Imagen cortesía del Centre del Carme.

En el año 2000 se incorporó como conservador al Museo Reina Sofía de Madrid, y en 2005 volvió a Valencia para hacerse cargo del programa expositivo del MUVIM, definiendo las tres grandes líneas de la institución: el arte gráfico, la fotografía y el libro ilustrado.

A lo largo de su trayectoria profesional, escribió textos sobre artistas como Picasso, Steinberg, Grosz, Torres García, Depero y Gómez de la Serna, entre otros. También escribió literatura de ficción, en ocasiones bajo seudónimo.

Reconocido internacionalmente, en 2004 el Presidente de la República de Chile le confirió la Orden de Bernardo O’Higgins en grado de comendador; en 2011 recibió la medalla de honor del Ministerio de Relaciones Exteriores checo, y en 2012, la Embajada de Francia le impuso la insignia de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

La modernidad prevanguardista del Muvag

Senderos a la Modernidad
Museo de Bellas Artes de Alicante (Mubag)
Hasta el 15 de enero de 2017

El Museo de Bellas Artes de Alicante (Mubag) acoge hasta el 15 de enero la exposición ‘Senderos a la Modernidad. Novecentismo en la colección Gerstenmaier’, que plantea un recorrido por la pintura española de finales del siglo XIX y principios del XX a través de la citada colección.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, señaló que ‘Senderos a la Modernidad’ constituye “una de las exposiciones más importantes de la programación del Consorci de Museus para este año, por la calidad de las obras y por los autores que están representados. La muestra se exhibe sólo en Alicante, ya que no tiene prevista ninguna otra itinerancia. De esta forma cualquiera que quiera disfrutar de estas magníficas obras, nunca vistas en la Comunitat, debe venir al Museo de Bellas Artes de Alicante”.

Paisaje de olivos en Mallorca, de Anglada Camarasa. Imagen cortesía del Muvag.

Paisaje de olivos en Mallorca, de Anglada Camarasa. Imagen cortesía del Muvag.

“Estamos hablando de 78 obras de los más destacados pintores de la España de entre siglos tales como Carlos de Haes, Darío de Regoyos, Ignacio Zuloaga, Isidro Nonell, Joaquín Mir o Anglada Camarasa… así hasta 30 grandes artistas entre los que se encuentra un nutrido grupo de autores valencianos, como Sorolla, Muñoz Degraín, Francisco Domingo, Manuel Benedito o el alicantino, Emilio Sala”, destacó  Pérez Pont.

El siglo XIX representa una de las épocas más fecundas para la Historia del Arte español por las transformaciones que se produjeron no sólo a nivel estilístico sino también por la influencia que empieza a tener el arte en la vida social de la época. Como explicó la comisaría de la muestra Marisa Oropesa, “esta exposición supone una oportunidad única para sumergirnos en el arte de nuestro país de finales del siglo XIX y comienzos del XX y entender así esas décadas revolucionarias que gestarían todos los ismos del siglo pasado”.

La exposición reúne una selección de 78 obras de 30 grandes pintores de la época a través de los cuales ir desvelando las transformaciones más importantes producidas, especialmente en el género del paisaje, pero también del retrato; conocer los movimientos artísticos de mayor relevancia como el Modernismo o la incorporación del arte de una forma más amplia en la sociedad, gracias al desarrollo de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes.

La merienda, de Ricard Canals. Imagen cortesía del Muvag.

La merienda, de Ricard Canals. Imagen cortesía del Muvag.

‘Senderos a la modernidad’ permite explicar cómo se evolucionó hacia el paisaje realista, desplazando las directrices románticas y el academicismo preexistente en la figura de Carlos de Haes y su discípulo Aureliano de Berruete y la nueva escuela de paisajistas que desarrollaría su actividad durante la mitad del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX.

Los cambios sociales y la transformación de las corrientes del pensamiento conllevaron el triunfo de los valores individuales, convirtiéndose el retrato en uno de los géneros artísticos más populares de esta época. La exposición permite disfrutar de la genialidad de Joaquín Sorolla o el inconfundible estilo de Ignacio Zuloaga en obras como ‘Retrato de Señora’ o ‘Angustias con mantilla blanca y abanico’.

Destaca además uno de los movimientos artísticos que tuvieron gran relevancia a comienzos del siglo XX como es el Modernismo en las figuras de Isidre Nonell o Joaquín Mir además de Eiseo Meifrén, gran paisajista del que se exhibe la exquisita pintura ‘Vista de Barcelona desde el Tibidabo’.

Finalmente la muestra permite descubrir un acercamiento del arte a la sociedad como se demuestra en el desarrollo de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes. Tal y como explicó Oropesa, la multiplicación de este tipo de actividades fue un importante nexo de unión entre el arte y la sociedad.

Mi prima Cándida con mantilla, de Ignacio Zuloaga. Imagen cortesía del Muvag.

Mi prima Cándida con mantilla, de Ignacio Zuloaga. Imagen cortesía del Muvag.

 

Convocatorias públicas en el Consorcio de Museos

Convocatorias públicas de proyectos expositivos 2017-2018
Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana

El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana lanza sus tres primeras convocatorias públicas de proyectos expositivos 2017-2018. Con ellas se pone en marcha un nuevo modelo de gestión basado en la transparencia en los procesos de selección de proyectos, así como en la igualdad de oportunidades en el acceso a las programaciones de los museos públicos.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, señaló que “es la primera vez que sale a concurso público la mayor parte de la programación de un ente museístico en la Comunitat Valenciana y es también la primera vez que en esta Comunidad se especifican, en unas convocatorias, los honorarios para artistas y comisarios, algo que el sector venía reclamando desde hace años”.

“Estas convocatorias son la base del proyecto con el que me presenté al concurso para dirigir el Consorci de Museus y constituyen el punto de partida de una nueva institución, más democrática, más participativa, más accesible y donde su programación sea verdaderamente un reflejo del arte que nos rodea”, recalcó Pérez Pont.

Logo de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Las convocatorias se refieren específicamente a las exposiciones de carácter contemporáneo, pensando en el apoyo a los artistas actuales, a los comisarios y a su profesionalización. Asimismo las convocatorias están destinadas sobre todo a los artistas y comisarios nacidos o residentes en la Comunitat Valenciana, pero también hay una convocatoria de comisariado abierta a cualquier persona que presente un proyecto expositivo.

El Diari Oficial de la Comunitat Valenciana (DOCV) publicará en breve las tres primeras de una serie de convocatorias que aglutinan la mayor parte de la programación del Consorci de Museus para el próximo año.  Las tres primeras, las más importantes por su inversión, ya que suman entre todas 270.000€ son: Escletxes, convocatoria de producción artística y apoyo a la investigación; V.O. Convocatoria de comisariado; 365 dies, convocatoria de comisariado durante un año (de una sala del Centre del Carme). El plazo para presentar proyectos a las tres convocatorias finaliza el 14 noviembre.

A estas tres primeras le seguirá la publicación de otras convocatorias dirigidas al sector de la educación artística, para exposiciones de carácter social, así como de revisión de artistas valencianos de larga trayectoria.

Logo de la convocatoria Escletxes. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria Escletxes. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Escletxes

El Consorcio de Museos pretende impulsar la creación artística y fortalecer el tejido cultural valenciano mediante la publicación de esta convocatoria de apoyo a la investigación y la producción artística. La iniciativa va dirigida a artistas y colectivos ligados a la creación contemporánea, que presenten propuestas que estén en vías de investigación y requieran de un impulso para su producción, debiendo tener como objetivos la experimentación e innovación en el ámbito de la creación artística.

Los proyectos seleccionados serán objeto, cada uno de ellos, de una exposición organizada por el Consorci de Museus en el Centre del Carme de Valencia, o en otros centros consorciados tanto de Alicante como de Castellón. Se ofrecen tres producciones de 15.000 €, incluyendo los honorarios del artista o artistas participantes (3.000 €). Además la entidad correrá con los gastos de la organización de la muestra así como del correspondiente catálogo.

Logo de la convocatoria V.O. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria V.O. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

V.O.

El objetivo de esta convocatoria es la selección de tres proyectos de comisariado de carácter inédito para la realización de exposiciones durante los años 2017 y 2018 en el Centre del Carme de Valencia y en otros centros consorciados de Alicante y Castellón. Los proyectos que se presenten deben abordar la creación artística contemporánea y la innovación en los procesos creativos, promoviendo la movilidad de las producciones expositivas  y las diferentes disciplinas artísticas. Puede optar a la convocatoria cualquier persona, a título individual o colectivo. La dotación económica para cada uno de los proyectos es de 25.000 euros, donde se incluyen los honorarios de 3.000 € para comisariado y 3.300 para el artista o artistas participantes.

Logo de la convocatoria 365 dies. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Logo de la convocatoria 365 dies. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

365 dies

El objetivo de esta convocatoria es la selección de un proyecto de comisariado durante un año para la Sala 1 del Centre del Carme. El proyecto presentado deberá incluir no solo la programación expositiva, sino también el programa de actividades que va unido al proyecto. Los proyectos abordarán la creación artística más contemporánea. Se valorará, asimismo, la introducción de nuevos formatos expositivos, las estrategias educativas para aproximar al público el arte contemporáneo,  talleres, así como otras herramientas de divulgación, investigación y participación  ciudadana.

Podrá optar a la convocatoria toda persona, española o extranjera, residente o nacida en la Comunitat Valenciana, que presente un proyecto de comisariado, a título individual o colectivo, con una dotación para todo el proyecto de 90.000 €, incluidos los honorarios para comisariado de 12.000 € y 11.700 € para el artista o artistas participantes.

Albert Girona (izda), secretario autonómico de Cultura, y José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos, durante la presentación de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio.

Albert Girona (izda), secretario autonómico de Cultura, y José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos, durante la presentación de las convocatorias. Imagen cortesía del Consorcio.

Más raro que una escalera verde

El rayo verde, de Fermín Jiménez Landa
La Gallera
C / Aluders, 7. Valencia

La Gallera, que de no mediar solución a su altísimo alquiler, puede cerrar como centro del Consorcio de Museos, aloja estos días una gran escalera de caracol de color verde. Ocupa todo el recinto, de parte a parte y tumbada en diagonal, porque de pie no cabía. Las desproporcionadas medidas, tomadas a conciencia, impiden su posición vertical. De manera que El rayo verde, como ha titulado Fermín Jiménez Landa su instalación de 13 metros de altura, aparece como un tótem caído al que rendir culto hubiera supuesto contravenir los deseos del artista.

Su intención no era levantar acta de la defunción de La Gallera (“ojalá no sea la última exposición para otros artistas”), sino advertir acerca de lo efímero de ciertas experiencias, como la de percibir el fenómeno atmosférico de ese rayo verde que da título a su propuesta. Rayo que únicamente se puede ver bajo condiciones poco frecuentes durante la refracción de la luz cuando roza el horizonte. “Es la atracción por lo que no podemos tener”, subraya Jiménez Landa, que incluye, como aspectos paralelos de esa atracción, la euforia y el fracaso.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación 'El rayo verde'. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación ‘El rayo verde’. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Euforia por haber logrado sostener, sin cables ni fijaciones, la gran escalera de caracol completamente recta, sin panza, entre ambos extremos del interior del edificio. Y fracaso porque, después de todo, aparece tumbada, que es de lo que se trataba. “Me interesa la inutilidad de una escalera que no sirve para ir a otro lugar, porque el peso del público no lo resistiría”. Una escalera rara como un perro verde, a la que Jiménez Landa ha dotado de un “aire industrial” tan pesado como ligero. Esa dicotomía entre lo enhiesto y lo caído, lo duro y lo frágil, forma parte del espíritu de un artista que utiliza su obra para provocar.

Obra, pues, excesiva, al tiempo que dada al guiño humorístico. Pero con matices, ya señalados cuando presentó su exposición 300,4 litros en la galería pazYcomedias: “Odio el exceso de intelectualidad, porque expulsa al público, pero tampoco me gusta que mi obra caiga del lado del chiste o del gag”. De manera que su rayo verde, siendo excesivo a simple vista e inclinado, sin llegar a caer, remite a esa reflexión de la luz y del propio pensamiento desprovisto de falsos aditivos y colorantes, para que el espectador se sorprenda a través de la pura emoción.

Vista general de 'El rayo verde', de Fermín Jiménez Landa en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Vista general de ‘El rayo verde’, de Fermín Jiménez Landa en La Gallera. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

En este sentido, casa perfectamente con el primer rayo verde descrito por Julio Verne y con el posterior cinematográfico de Eric Rohmer. Porque hay ciencia y un sesgo poético en su instalación. “Me gustan las cosas empíricas de la ciencia unirlas con aspectos distintos de la realidad”. De ahí que haya intentado a su vez “hacer un falso verde en el mar, pero no lo he conseguido, lo cual encaja con este espíritu de frustración”. Acostumbrados a que la realidad quepa en la red virtual que propicia la tecnología, la propuesta de Jiménez Landa viene a cuestionarlo con su inútil escalera: “La obra no es la escalera, sino la relación inadecuada entre el objeto y el espacio”.

Esa falta de adecuación se halla igualmente en El rayo verde que atraviesa La Gallera: “La obra tiene mucha presencia física y es al mismo tiempo fugaz”. A mitad de camino entre la arquitectura y la percepción sensorial de un fenómeno atmosférico, entre lo adusto y lo volátil, la gran escalera de caracol remite a la transición permanente entre dos estados que no terminan de ligar entre sí. Una especie de manierismo (“igual por el camino me he ido haciendo manierista”, dice entre risas), al que se adhiere cierto aire surrealista: “Me ha salido muy siglo XX, muy de vanguardia”. En todo caso, como apunta César Novella, comisario de la exposición, “es una reflexión sobre lo visual”. Reflexión inacabada que, tratándose de La Gallera, puede tener su punto y final con El rayo verde de Fermín Jiménez Landa.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación 'El rayo verde'. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Fermín Jiménez Landa junto a su instalación ‘El rayo verde’. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

Salva Torres

Las Narrativas Hiper/Textuales llegan a Valencia

VI Seminario Internacional de Narrativas Hiper/Textuales
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) y Consorci de Museus
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Del 6 al 8 de octubre de 2016

El Centre del Carme de Valencia acoge el VI Seminario Internacional de Narrativas Hiper/Textuales (NH/T) del 6 al 8 de octubre. Se trata de la primera vez que Valencia participa en ese encuentro considerado como uno de los más importantes que existen sobre nuevos lenguajes del mundo digital aplicados al arte y a las disciplinas del vídeojuego, arte digital o net art.

El Seminario, que organizan la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia (ESAT) y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, se celebra de forma simultánea en Valencia y en Montevideo (Uruguay) alternando las ponencias en el Centre del Carme y en la Facultad de Artes uruguaya. Este encuentro surge como fruto de los acuerdos establecidos por ESAT LAB, el laboratorio de ESAT en la reciente gira iberoamericana realizada por su responsable, Solimán López, con el fin de exponer uno de los proyectos de este espacio investigación y desarrollo: el museo de arte intangible harddiskmuseum http://harddiskmuseum.com/ recorriendo países como Argentina, Brasil y Uruguay, quien además modera la mesa a la que se han incorporado las figuras locales más relevantes del pensamiento de lo digital y los new media por invitación expresa y gracias a la colaboración del Centro del Carmen quien alberga el seminario.

Cartel del Seminario de Narrativas Hiper/Textuales.

Cartel del Seminario de Narrativas Hiper/Textuales.

El director del Consorci de Museus, José Luis Pérez Pont, ha manifestado su satisfacción porque el Centre del Carme sea sede de “un seminario que une tecnología y arte y que tiene como base la investigación, lo que representa para el Consorci de Museus y para el Centre del Carme uno de nuestros objetivos principales para esta nueva etapa”.

Pérez Pont ha recordado asimismo que “se trata de la primera colaboración que establece el Consorci de Museus con la Escuela Superior de Arte y Tecnología y de la que surgirán nuevos proyectos comunes, dentro de nuestra línea de colaboraciones con el ámbito educativo”.

El director de ESAT LAB y coordinador del encuentro, Solimán López, ha manifestado que “la justificación de la celebración de este Seminario en el entorno del Centre del Carme es que una de las líneas de investigación en la que nos encontramos se focaliza en la nueva museografía interactiva vinculados para el disfrute, a través de nuevas tecnologías de contenidos expositivos como realidad aumentada, virtual, gamificación, así como la investigación en los nuevos lenguajes de creación contemporánea vinculados con las nuevas tecnologías…”.

El Seminario Internacional de Narrativas Hiper/Textuales (NH/T) tiene como finalidad generar un punto de encuentro regional e internacional para discutir y presentar reflexiones e investigaciones en el campo de las artes digitales, la educación con nuevos medios, la museografía interactiva, la propiedad intelectual en la era digital, los videojuegos los relatos transmedia y otras manifestaciones de la Cultura Digital.

El objetivo de este encuentro es potenciar visiones e ideas ya existentes en el ámbito de las artes digitales y electrónicas, así como también de generar nuevos interrogantes a temas actuales que involucran dichas artes en el público general.

Las actividades programadas incluyen ponencias, mesas redondas, espacios expositivos y performances audiovisuales, en el que participan grandes profesionales latinoamericanos de los temas relacionados con el media art y el videojuego.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

Harddiskmuseum. Imagen cortesía de ESAT.

En las ponencias que realizarán desde Valencia participarán además de Solimán López (ESAT LAB), Moisés Mañas (Universidad Politécnica de Valencia), Clara Boj (Universidad de Murcia), Diego Díaz (Universitat Jaume I de Castellón), Virginia Paniagua y José Ramón Alcalá (Universidad de Castilla-La Mancha).

La asistencia al Seminario en el Centre del Carme es gratuita. Las ponencias se seguirán por streaming, mezclando la presencia física y la virtual de los ponentes para establecer nexos de unión entre los investigadores afincados en Valencia y Montevideo en cuestiones que atañen a las narrativas transmedia, el arte digital, la museografía interactiva, el videojuego y las prácticas artísticas en la era digital. El evento creado por Daniel Argente y Martín Groisman es un seminario que cumple su sexta edición y en el que participan grandes profesionales en los temas relacionados con el media art y el videojuego.

Pam! Pam!: La facultad en el museo

PAM! PAM! Exposición colectiva de la UPV
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 11 de septiembre, 2016

Esta es la segunda ocasión en la que jóvenes artistas, todavía estudiantes, de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos se enfrentan al portentoso espacio de la Sala Ferreres en el Centro del Carmen de Valencia. PAM! PAM! es el reconocimiento que reciben los alumnos que fueron seleccionados en PAM 15! (es decir, la edición anterior del Festival PAM!) y que esta sería su tercera edición. El objetivo no es solo ofrecer un espacio para visualizar las obras de los seleccionados, sino enmarcar el trabajo de estos jóvenes en un entorno museístico fuera del ambiente de la facultad y, lo que podría ser más importante, en palabras de José Luis Cueto, decano de la Facultad de Bellas Artes, “con un público real”. Coinciden estas palabras con las declaraciones de María Victoria Vivancos, Vicerrectora en la Universidad Politécnica de Valencia, que remarca la dificultad de llevar a las aulas la realidad del futuro que espera a estos jóvenes artistas. De los más de 70 trabajos presentados en la edición de PAM 15! fueron seleccionados 10 proyectos artísticos cuyo resultado, tras un tiempo de maduración, ha sido expuesto ahora.

A pesar de la exposición PAM! PAM! se viene dando desde 2014 en el Centro del Carmen, como ya sabemos, este año se enmarca en un nuevo período regido por “la limpieza, claridad y transparencia”, palabras que el director del Consorcio de Museos, José Luis Pérez Pont, remarcó continuadamente en la presentación de la muestra. Es razón de esto que en sala puede consultarse una hoja con el presupuesto público del proyecto, una sistemática que se repetirá a partir de ahora en los museos del Consorcio.

En este nuevo marco, en apariencia, de nuevas dinámicas culturales, choca enfrentarse a las preocupaciones y anhelos de estos jóvenes artistas que es precisamente el eje que construye la exposición. A pesar de la libertad temática que ofrece PAM! es curioso como muchos de sus trabajos se han avenido en conceptos de crítica política, de plasmación de la sociedad actual, de identidad, e incluso análisis de la propia institución del arte. Jose Luis Clemente, comisario de esta exposición y director del Festival PAM!, habla de que “en casi todas las ediciones se puede observar una gran mayoría de piezas donde se plasma las preocupaciones del artista, las inquietudes de esta nueva generación“.

Pieza del colectivo PPS en a la entrada de la sala. Fotografía: María Ramis.

Pieza del colectivo PPS en a la entrada de la sala. Fotografía: María Ramis.

También José Luis Clemente nos reseña que “tanto la tipología de la Sala Ferreres como la propia muestra, libre de temática, nos permiten observar pequeñas exposiciones individuales enmarcadas todas en un conjunto”. Siendo así, cada sala la ocupa un artista, haciendo breves intervenciones en la sala central que en su mayoría está ocupada por la instalación del grupo PPS. Este grupo está formado por Eduardo Peral, Andreu Porcar y M.Reme Silvestre y se quieren dar a conocer como marca, por lo que construyen una auténtica identidad corporativa que desprende un nuevo significado al trasladarlo al ámbito artístico. Su instalación recuerda a los stands y la artificialidad que se experimenta en un centro comercial, acompañada con breves pausas de intercambio con referencias a una naturaleza ficticia. El simulacro del consumismo que nos hace anhelar de manera continúa.

Mar Guerrero, por su parte, pensó desde el principio en la primera sala, por lo que su intervención se ha concebido exclusivamente para la misma. El eje de significación lo componen diversas huellas, y el origen de la concepción sobreviene al observar las marcas que dejó una vajilla en el armario de una cocina. La repetición de estas líneas conforman el eje del resto de piezas, pero trasladadas en el espacio según la ocasión: desde el suelo del museo, hasta en un hotel en ruinas donde el cuerpo de una bailarina toma protagonismo. Carmelo Gabaldón trabaja la exploración de la identidad masculina a través de experiencias propias enmarcándolas en la comunicación on-line. La pérdida de la intimidad en una exposición continúa en los medios es una realidad que experimentamos. Todas sus obras, en especial ‘Mirrors’, producen una narración de imágenes, en muchas ocasiones adulteradas, para conseguir una sexualidad aumentada, esa que logre el deseo del otro…

Desde otra perspectiva, pero que también reflexiona sobre la imagen en los medios, las obras de Cristina Santos nos ofrecen una reflexión sobre el uso de la imagen, en esta ocasión la residual, esa que olvidamos rápidamente porque no interesa. Esas imágenes hechas virtuales le permite, al mismo tiempo, cuestionar el tratamiento de la pintura-objeto donde la figura del artista- pintor tiene un papel clave en el proceso. En Jorge Isla podemos observar un lenguaje más formalista compuesto a partir del uso de la luz. En un contexto de superproducción visual como el que vivimos (reflexión de nuevo centrada en las imágenes de la actualidad), Isla quiere fotografiar la luz que permite la realización de dichas imágenes. En una suerte de bucle técnico compone piezas donde tienen lugar representaciones visibles de la luz a través del uso ejemplar de los colores.

Obra de Cristina Santos. Fotografía: María Ramis.

Obra de Cristina Santos. Fotografía: María Ramis.

‘Karma para quemar’ de Vicente Aguado continúa la línea performativa que caracteriza muchas de sus obras. En esta ocasión toma los objetos que sirven para la exposición de obras (vitrinas, cajones o peanas) y las extrae de su lugar habitual: el almacén, creando una mega-estructura en la sala. Conceptualmente podemos encontrar tres piezas, la primera se encuentra en el hueco que ha creado en el almacén, la segunda, en la propia estructura que vemos en sala y por último, el recuerdo de ese hueco que se genera con la entrega de la fotografía al director Pérez Pont y que el artista pidió que colocara en su despacho. Una puesta en escena que pone la atención sobre lo que normalmente no se suele mostrar al público.

Germán Torres y Alejandra Bueno presentan un proyecto en conjunto donde, de manera individual, dialogan sobre la tecnología como contenedor manipulatorio. Por un lado, el videcollage de Bueno narra la continúa exhibición de la vida que procesamos a través de las redes sociales, estudiando la forma de actuar como seres sociales en el plano virtual. Por otro lado, en el discurso de Germán Torres se observar diversas líneas relacionadas con el poder, la sobrecarga de información, el tiempo o la identidad personal. El todo se configura a raíz de una sucesión de imágenes donde a través de consecución de diversos lenguajes se crea una experiencia nueva. La capacidad experiencial continúa en la sala contigua con la instalación de Miriam Gascón, cuya oscura sala permite mostrar un trabajo que sobrepasa el concepto de performance creada con el cuerpo para crear la acción a partir de la huella formada por el objeto. ‘Al polvo el pedestal lo que al paisaje su ventana’ consigue traspasar el medio clásico del lienzo al mismo tiempo que pone en valor el entorno y cotidianeidad.

Momento en que Vicente Aguado hace entrega de la fotografía a José Luis Pérez Pont. Fotografía: María Ramis.

Momento en que Vicente Aguado hace entrega de la fotografía a José Luis Pérez Pont. Fotografía: María Ramis.

La obra de Pau Orts ocupa la inmensa pared y parece engullir al espectador. El amplio conocimiento que la artista posee sobre serigrafía, se fusiona con su profesión de diseñadora gráfica para dar lugar a un proceso creativo que pretende generar un nuevo lenguaje que toma como base la simpleza de la gráfica aunada con la técnica artística. Por último, Iker Lemos y como si un cierre de ciclo se tratara, el artista nos muestra su indagación en la imagen esta vez en esa intrínseca relación con el objeto o con la maquinaria en si misma y en la manera de producir múltiples copias de la misma. La sala actúa como generadora de imágenes a partir de otras imágenes.

Sin duda alguna, y volviendo al marco de realidad profesional que se pretende con este proyecto, queda patente los anhelos y preocupaciones principales con las que vienen pisando fuerte estos jóvenes artistas. Desearles toda la suerte en su andadura que cada vez es más cercana, pues como ya anuncia E.H. Gombrich, “No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas” y estos son el reflejo de la generación actual.

María Ramis

Monográfico cervantino de Marta Espinós en Ensems

Marta Espinós, concierto para piano
Festival Ensems
Palau de la Música
Paseo de la Albereda 30, Valencia
Jueves 30 de junio de 2016, a las 20h.

Hoy, jueves 30 de junio, a las 20.00 horas, el festival Ensems acoge en el Palau de la Música un concierto de Marta Espinós en el que la pianista propone un monográfico de piezas inspiradas por la obra de Miguel de Cervantes, varias de ellas escritas a petición suya.

En palabras de la propia Espinós, “ante el IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (1547-1616), este concierto comentado explora el repertorio de piano español contemporáneo —finales del siglo XX y principios del XXI— inspirado en su figura y su legado. El proyecto incluye cuatro encargos realizados por Marta Espinós con motivo de la efeméride a algunos de los compositores españoles actuales más representativos: Tomás Marco, Benet Casablancas, Carlos Cruz de Castro y Mercedes Zavala. Paralelamente se incluyen obras preexistentes de los compositores Manuel Angulo y José Zárate, también de inspiración cervantina, y el estreno absoluto de ‘Ecos del Quijote’, del compositor César Cano, encargo del Festival Ensems”.

Imagen de la pianista Marta Espinós durante uno de sus conciertos. Fotografía cortesía del festival Ensems.

Imagen de la pianista Marta Espinós durante uno de sus conciertos. Fotografía cortesía del festival Ensems.

“A través de la diversidad generacional y de concepción estética de estos compositores, las obras del programa retratan la faceta de Cervantes como autor, describen sus personajes, ilustran los paisajes que fueron su escenario geográfico de sus obras, o incluso aluden a fragmentos específicos de su producción literaria”. El concierto tiene además la peculiaridad de contar con los comentarios introductorios de la propia pianista, que siempre trata de tejer de este modo una relación estrecha con su auditorio.

El programa, además de celebrar el aniversario cervantino, constituye en sí mismo una muestra del piano contemporáneo español, con destacados autores de la segunda mitad del siglo veinte. En cuanto a la obra del valenciano César Cano, el compositor declara que “el título de este tríptico para piano, ‘Ecos del Quijote’, se refiere a las resonancias del personaje cervantino que encontramos en diversos compositores y poetas. He escogido como fuentes generadoras de material musical dos obras: el célebre poema sinfónico de Richard Strauss ‘Don Quixote’ y las tres canciones ‘Don Quichotte à Dulcinée’ que Maurice Ravel escribiera en 1932”.

La pianista Marta Espinós durante una mesa redonda celebrada en el marco del festival. Fotografía cortesía del festival Ensems.

La pianista Marta Espinós durante una mesa redonda celebrada en el marco del festival. Fotografía cortesía del festival Ensems.

El festival continuará el viernes 1 de julio con un concierto de la Orquesta de Valencia en el que se estrenará “Bow shock”, de Joan Cerveró, asimismo encargo del festival Ensems.

Ensems es un festival de CulturArts Música – Generalitat Valenciana, con la colaboración del Palau de Les Arts Reina Sofia, el Consorci de Museus, el Palau de la Música (Ajuntament de València), la Fundación SGAE, el Institut Français y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Inaem). Este año la programación del festival se caracteriza por el eclecticismo, la pluralidad y el espaciamiento temporal a lo largo de más de tres meses, en diferentes sedes, con el fin de llegar al público mayor y más diverso posible.

Mata Espinós. Imagen cortesía del Festival Ensems.

Mata Espinós. Imagen cortesía del Festival Ensems.