El Este que protestó

‘Poética y política. Estrategias artísticas en la neovanguardia húngara’
Comisariado por Emese Kürti y Mira Bernabeu                                                                                    Gábor Altorjay, Dóra Mauer, Tamás Szentjóby, Katalin Ladik, Bálint Szombathy, Feren Ficzek, Károly Halász, Pinczehely Sándor y Endre Tót
Espai Visor
C/ Carrasquer 2, Valencia
Hasta el 16 de septiembre de 2016

El título de la exposición no deja lugar a dudas. La neovanguardia húngara ha entrado en Espai Visor para que podamos aprender la manera en la que surgió y se desarrolló este movimiento artístico en Hungría. Bien es sabido que, al igual que ocurrió primero con las vanguardias, también los movimientos posmodernos se fueron extendiendo por causa y razón de la creciente globalización, algo que se acentúa si atendemos a la posición geográfica de Hungría. Junto con la situación geográfica, el contexto histórico es otra de las claves que llevaron a los artistas de la época a romper con la situación. No es de extrañar que fuera su deseo de imitar las tendencias de las vanguardias internacionales.

A pesar de todo, el resultado posee una personalidad propia reconocible. Será durante los años centrales de la década de los sesenta cuando empiecen las primeras acciones, aquellas que marquen el inicio de una cambio en el panorama artístico de la época. Para la exposición en Espai Visor se han seleccionado una serie de piezas de un total de nueve artistas, los más representativos. La muestra ha sido llevada a cabo gracias a la colaboración con acb Gallery, una galería afincada en Budapest cuya principal misión es dar a conocer en territorio nacional e internacional la neovanguardia húngara.

Es clave a la hora de enfrentarse a esta exposición no olvidarnos del contexto posbélico, anterior a la caída del Muro de Berlín, que se vivía en Hungría durante los años 60. Hasta prácticamente 1990, Hungría vivió bajo un gobierno comunista adscrito a la Unión Soviética pero acontecimientos como la revolución de 1956, auguraban un claro descontento de la población frente a la situación política. Es así que el primer happening que se celebró en el país fue el de Gábor Altorjay y Tamás Szentjóby en 1966, titulado ‘The Lunch. In memoriam Batu Khan’ y que acabó en un gran escándalo donde tuvo que intervenir la policía. Tomando como base este primer happening, la exposición se articula para mostrar la obra de estos y más artistas.

'Private broadcast' 1974-5. Károly Halász. Fotografía: María Ramis.

‘Private broadcast’ 1974-5. Károly Halász. Fotografía: María Ramis.

Tras el happening del 66, Gábor Altorjay se trasladó a Alemania Oriental donde se integró en el movimiento accionista. Su poética se enmarca dentro de un total rechazo tanto al capitalismo como al comunismo del este. Las protestas de Mayo del 68 marcaron muchas de sus producciones, y prueba de ello es una serie de fotografías de un anti-evento organizado por él y sus compañeros del círculo representado por Wolf Vostell.

Además de la fotografía, también destacan otras piezas de Altorjay, como una escueta escultura o un manifiesto de intenciones. Tamás Szentjóby, representa el tipo de artista que no pudo salir del país por lo que su producción se establece totalmente dentro  del panorama artístico húngaro. Contribuye así con sus poemas visuales dibujados y en forma de collages a lanzar propuestas sobre cómo cambiar la realidad. Szentjóby se convirtió en un auténtico icono del underground húngaro por su participación en acontecimiento Fluxus.

Las obras que podemos ver de Dóra Mauer, en cambio, resultan más enigmáticas. La abstracción derivada del diseño gráfico se encuentra presente en las piezas que se muestran en la galería. Mauer formó parte de la neovanguardia, inmortalizando en ocasiones las acciones que llevaban a cabo, en cambio, en lugar de seguir con una línea tan crítica, decidió dirigir su obra hacia un arte más conceptual. Estas obras de mitad de los años 70 son claves para entender la evolución que le llevó a la fotografía.

'Poetry-language' 1977 Bálint Szombathy. Fotografía: María Ramis.

‘Poetry-language’ 1977 Bálint Szombathy. Fotografía: María Ramis.

Bosch+Bosch Group fue un colectivo conformado por Katalin Ladik, Bálint Szombathy y otros artistas yugoslavos. En la exposición podemos ver muestras artísticas de ambos, Szombathy como teórico del grupo investigaba la vanguardia clásica para crear nuevas propuestas políticas visuales. En ‘Lenin in Budapest’ por ejemplo, queda patente una de las características más importantes de su trabajo artístico: es un artista que usa la política para crear una estética relacional, donde los iconos son aquellos fácilmente reconocibles por su actualidad. Ladik, en cambio, se consagró por ser la primera artista del país en reflexionar sobre cuestiones de género a través del uso del cuerpo. Se pueden ver una de sus piezas más conocidas ‘Blackshave Poem’, un especie de striptease negativo el cuál realizó para reivindicar el no-género. La artista es reconocida por su poesía fónica.

No podía faltar el enfoque de la Bauhaus en una Hungría que tanto deseaba de abrir sus fronteras. Esta influencia se reconoce durante el recorrido de la mano de los artistas como Feren Ficzek, Károly Halász y Pinczehely Sándor. No cabe duda de esto cuando observamos ‘Chair’ de Ficzek, con la geometría y el juego de sombras característico. Aunque no solo se reflejan en la estética, sino también en la política, sino solo cabe casi tropezarse con ‘La piedra del proletariado’ de Sándor, una instalación de profunda crítica al socialismo.

En el último rincón de la galería, se nos presentan las últimas piezas que harán encajar el puzzle. Las impresiones de Endre Tót casi que han dejado atrás la visualidad, para convertirse un puro poema. Breves frases acompañan postales, dibujos y fotografías; o quizá sea más seguro el proceso contrario. Su protesta deja de lado lo sombrío para responder a la crítica del estado totalitario con grandes dosis de ironía. A pesar de que su obra ha evolucionado hacia movimiento como el Mail Art, en la muestra podemos ver el germen de su concepción poético-política.

Una de las piezas de Endre Tot. Fotografía: María Ramis.

Una de las piezas de Endre Tot. Fotografía: María Ramis.

Termina así el viaje por la Europa del Este de los años 60 y 70. Es todo un reto compendiar tanta producción surgida a raíz de los acontecimientos históricos en un espacio relativamente reducido, por lo que la selección de las piezas han sido compendiadas para ofertar al espectador una visión panorámica de la situación. A pesar de lo denso que pudiera parecer, podemos ver breves guiños, microhistorias de una temporada convulsa, y que, como siempre ocurre con el arte, esconden toda una lección histórica.

María Ramis

PAM!, SHORTPAM! y los Cines Aragón

PAM! 16
Universitat Politècnica de Valencia
Camino de Vera, s/n. Valencia
Del 26 al 29 de abril de 2016

Más de 200 estudiantes de la Universitat Politècnica de Valencia, en colaboración con la Universitat de Valencia y la Escuela Superior de Danza, están trabajando en la puesta en marcha de PAM!16, la Mostra de Produccions Artístiques i Multimèdia que llega este año a su cuarta edición cumpliendo cifras de récord, tanto en el número de obras presentadas como de artistas involucrados.

Esta muestra de arte contemporáneo y multimedia tendrá lugar del 26 al 29 de abril, transformando los pasillos y salas de la Facultad de Bellas Artes en un gran espacio donde la pintura, la fotografía, la escultura, el diseño y muchas más disciplinas artísticas y multimedia, serán las protagonistas, con la finalidad de promocionar el talento de los jóvenes artistas.

Muestra PAM. Cortesía de la organización.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.

Así, la muestra está siendo organizada íntegramente por los alumnos del Máster Interuniversitario de Gestión Cultural de la Universitat de València-Universitat Politècnica de València, y tendrá como protagonistas a los estudiantes del Máster en Producción Artística y el Máster en Artes Visuales y Multimedia, ambos de la Universitat Politècnica de València, quienes expondrán sus obras inéditas dentro de este certamen artístico universitario.

En paralelo a la muestra, PAM! ha organizado un amplio programa de actividades, abiertas al público, como conciertos, talleres didácticos, danza, debates o conferencias, entre otros. Los más pequeños también tendrán cabida en la propuesta cultural con MiniPAM!, donde podrán demostrar sus dotes artísticas en colaboración con la Facultat de Magisteri y diversos colegios e institutos.

Dentro del apartado de creaciones multimedia, PAM! ha puesto en marcha el concurso de cortometrajes SHORTPAM!, una iniciativa creada en colaboración de Cines Aragón y que se presentó el pasado 21 de abril en la Filmoteca Valenciana, donde se proyectarán las obras seleccionadas, producidas por los alumnos del Máster en Producción Artística y Máster en Artes Visuales y Multimedia.

Muestra PAM. Cortesía de la organización.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.

Asimismo, y gracias a la colaboración de EMT Valencia, la muestra PAM! se difundirá por toda la ciudad por medio del concurso Transport]ART[e, el cual permitirá a los alumnos expresarse libremente en nuevos soportes como autobuses, paradas o marquesinas.

PAM! nació en el año 2013 con el objetivo de dar a conocer a las promesas del arte en Valencia y crear un espacio multidisplinar para estimular la creación artística. Edición tras edición, la muestra ha ido creciendo en cuanto a número de participantes y actividades organizadas, consolidándose como una cita de referencia en el panorama valenciano. Así, PAM! se convierte en una muestra exclusiva con obras originales e inéditas de jóvenes artistas, nacida con la finalidad de promocionar y difundir el talento de los jóvenes universitarios.

Una vez más, PAM!16 cuenta con el patrocinio de la Fundación Hortensia Herrero y la activa colaboración de EMT Valencia, así como la Universitat de València, la Facultad de Magisterio, la Escuela Superior de Danza y el Centre del Carme.

Muestra PAM.

Muestra PAM. Imagen cortesía de la organización.

 

Lo Pati acollirà el concert d’Albert Pla

Cauty said to Franco: What time is love?
Lo Pati Centre d’Art – Terres de l’Ebre
C/ Gran Capità, 38-40. Amposta
11 de març a les 20:00, tindrà lloc la inauguració de Strobe amb el concert d’Albert Pla

Els artistes, Alán Carrasco, Laura Llaneli, Joan Bennassar, Miquel Cañellas i María García reflexionen sobre el monument franquista de Tortosa. Cinc artistes residents a Barcelona, nascuts anys després de la mort de Franco, són convidats a participar en una exposició col·lectiva al voltant de la memòria històrica i el franquisme. Quan busquen “monument franquista barcelona” a Google imatges, los dirigix contínuament a Tortosa: un monument emplaçat per celebrar els “25 años de paz”, quan Less McCann interpretava “Spanish onions”, i que 50 anys després roman encara enmig del riu Ebre, imbatible als canvis polítics. Lo comissari de l’exposició els hi proposa als cinc artistes de realitzar un viatge a la capital de les Terres de l’Ebre per comprovar, in situ, que el monument franquista que surt a Google realment “està allí” i viure, així, l’experiència “en directe”.

Lopati

L’artista Jimmy Cauty era membre de The JAMs quan, lo 1987 i després d’una visita a Suècia per intentar convèncer els integrants d’Abba, que es negaren a rebre’ls, van cremar les còpies que els hi quedaven del seu disc “1987 (What the Fuck is Going On?)”, ja que contenia samples més aviat, fragments sencers d’una de les famoses composicions d’Andersson i Ulvaeus. Lo 1994, com a K Foundation, van cremar un mil·lió de lliures en metàl·lic, fruit dels beneficis dels èxits musicals de The KLF: documentat en vídeo, un gest conceptual que avui en dia és encara un gest incomprès per una part de la població que, molt probablement, havien ballat los hits a les discoteques de l’època.

Cauty said to Franco: What time is Love? partix de la proposta i les reflexions, en forma de preguntes obertes i subjectives, que reben los cinc artistes convidats a aquesta exposició mentre realitzen un viatje a Tortosa. Conceptes com representació i realitat, allò pretesament autèntic o real o experiencial i discursiu se creuen amb política, memòria històrica, l’esbiaix al que es sotmet a la cultura i el concepte de la icona pop. Parafrasejant lo títol de la cançó de The KLF, Kylie said to Jason, on Cauty i Drummond fabulaven sobre una conversa impossible entre dos estrelles de la factoria Stock Aitken Waterman entre backyards i paisatges australians, Cauty said to Franco: What time is Love? suposa un improbable diàleg entre el dictador i l’artista britànic; entre este i el comissari; i entre estos dos últims, lo dictador i els cinc artistes convidats. Guionitzant la història o ficcionant la realitat; buscant espais de legitimació ideològica o els serrells d’estos en la societat contemporània; o investigant les pràctiques polítiques en la territorialitat i els processos històrics (o en la nostra pròpia territorialitat com a individus i els processos íntims que se’n deriven), los cinc artistes confabulen entre temps verbals.

Albert Pla, fotografía de Jesús Aparicio. Cortesía de la galería.

Albert Pla, fotografía de Jesús Aparicio. Cortesía de la galería.

D´altra banda, l’11 de març a les 20:00, tindrà lloc la inauguració de Strobe amb el concert d’Albert Pla. L’irreverent cantautor obrirà la desena edició d´aquest esdeveniment, que enguany aborda humor i desinhibició.

El polifacètic artista Albert Pla obrirà enguany la desena edició del Festival Trans.New.Media Strobe, un projecte de vídeo i art digital dirigit pel comissari i gestor cultural Blai Mesa. Pla portarà a Amposta el seu espectacle A pleno pulmón, una proposta amb una poètica inusual “devastadora” i “electritzant” on les cançons s’emmarquen en històries que poden ser tràgiques i delirants, quotidianes i sorprenents, delicades i brutals, crues i a l’hora surrealistes, on lo botxí pot ser també víctima, la calma s’acaba convertint en tempesta o la comèdia en tragèdia. I és que la línia que separa el bé del mal, lo blanc del negre o allò que és positiu d’allò que és negatiu és molt fina.

L’obra de Pla encaixa molt bé en la temàtica de Strobe que enguany, per tercer any consecutiu i tancant la trilogia iniciada el 2014, aborda el tema de l’humor. Així, si en les dos edicions passades se tractaca des del punt de vista de la sàtira i el de la incongruència, ara ho fa des del punt de vista de la desinhibició. L’humor negre com una mena d’alliberament de la censura i l’autocensura: un estat que lliga molt bé amb lo propi tarannà i irreverència d’Albert Pla.

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ESAT asalta Ruzafa

Exposición fotográfica de alumnos de ESAT
Cuatro Monos
C / Reina Doña María, 7. Valencia
Viernes 19 de febrero de 2016, a las 19.30h
Circuito: Restaurante Ossea (C/Romeu de Corbera, 9) y La Pecera (C/Cádiz, 86)

Por segundo año consecutivo el barrio de Ruzafa acoge una muestra de los trabajos fotográficos realizados por los alumnos de ESAT. Alberto Adsuara es el profesor responsable de la asignatura ‘Fotografía de Estudio’, formación que imparte desde hace diez años a los alumnos de primer curso de la carrera Arte&Diseño, de la escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia www.esat.es.

La temática -todo un referente en el mundo del arte fotográfico- está basada en la obra del fotógrafo y director norteamericano David La Chapelle, obra de estética particular que se podrá apreciar en esta muestra de fotografía.

Fotografía de Ana Sora. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Ana Sora. Imagen cortesía de ESAT.

En un radio menor de 100 metros, jóvenes estudiantes de fotografía vivirán la experiencia de ver expuesta su obra recién horneada en diversos locales de Ruzafa, con lo que ello supone de intensa formación y posterior riesgo expositivo.

Y puestos a correr riesgos, nada mejor que tomar como modelo a LaChapelle, fotógrafo del glamour bizarro, irreverente y creador de atmósferas inquietantes. Algunas de ellas, recreadas por los alumnos de Adsuara, ya sea tomándole a él como palmaria referencia o siguiendo los consejos del maestro, también él fotógrafo de turbadoras escenografías.

La inauguración será el viernes 19 de febrero en el bar Cuatro Monos (C/Reina Doña Maria, 7). El recorrido -un circuito artístico- continúa en Ossea y Line Up, ambos en la Calle Romeu de Corbera del barrio de Ruzafa.

Fotografía de Garson. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Garson. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Antonio Pérez. Imagen cortesía de ESAT.

Fotografía de Antonio Pérez. Imagen cortesía de ESAT.

 

Art públic / Universitat pública cumple 18 años

XVIII Art públic / Universitat pública
Campus dels Tarongers. Universitat de València
Conferencia: 19 de octubre, 11 h., a cargo de Nuria Enguita, “Procesos dialógicos y prácticas colaborativas entre arte y comunidad”. (Aula 109-Aulari Nord).
Inauguración: 19 de octubre, 12.30 h.
Del 19 al 23 de octubre de 2015

Art Públic/Universitat Pública persevera en su voluntad de establecer lazos de comunicación entre las personas que integran la comunidad universitaria y los lenguajes artísticos contemporáneos, con la sociedad como telón de fondo. Para ello, cada año jóvenes artistas llevan a cabo intervenciones de carácter efímero que se insertan en la cotidianidad del Campus dels Tarongers de la Universitat de València, estimulando la reflexión e invitando a la participación. Estas son las propuestas que componen la nueva muestra del proyecto, comisariado por José Luis Pérez Pont, que alcanza ya sus 18 ediciones.

Pablo Bellot. De perdidos a perdedores, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Pablo Bellot. De perdidos a perdedores, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

1. PABLO BELLOT. De perdidos a perdedores
Cuando los pensamientos de la inmensa mayoría de la sociedad están enfocados a la «esperanza» en vez de al «deseo», es porque la situación es nefasta y el estado de bienestar como tal ha desaparecido. Como si de supervivientes pidiendo auxilio se tratara, de los jardines de la propia universidad surgen unas letras que emiten un mensaje de socorro. La universidad pide ser salvada como si fuera un náufrago, en alusión a la situación extrema en la que se encuentra el sistema educativo y las barreras que dificultan el acceso a la formación a una parte de la población por cuestiones de índole económica, en un claro retroceso de derechos sociales.

 

Óscar Martín Valdespino. La cultura cultiva / Cultiva la cultura, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Óscar Martín Valdespino. La cultura cultiva / Cultiva la cultura, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

2. ÓSCAR MARTÍN VALDESPINO. La cultura cultiva/Cultiva la cultura
El contexto universitario es un espacio donde la cultura es fomentada a partir de la educación, es por tanto un espacio de cultivo del ser humano. La Universitat de València estuvo inicialmente dedicada a los estudios de humanidades. Este culto a las letras hace también referencia al letrado, término que inicialmente designaba a los que podían acceder a las letras, en un contexto histórico en el que estar alfabetizado era en la práctica ser tenido por culto o instruido. Para este proyecto se ha optado tanto por la utilización de las propias letras –como elemento físico de la instalación– como a su cultivo como referencia a la raíz común con el término «cultura».

 

Carles Llonch Molina. En construcció, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Carles Llonch Molina. En construcció, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

3. CARLES LLONCH MOLINA. En construcción
La ciudad ha crecido según lógicas cada vez menos sensibles a las personas y la vida que en ella transcurre. En parte debido a esa escala, las personas se empequeñecen y la ciudadanía pierde su capacidad para transformar el uso del espacio urbano. Este proyecto se plantea como un juego que recupera la lógica de aquellas piezas de madera con las que hacer construcciones. Las piezas, creadas en cartón, invitan a participar en el juego de componer nuevas estructuras, a proyectar simbólicamente nuevas realidades, a tomar la iniciativa.

 

Hugo Martínez-Tormo. Wind Wave, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Hugo Martínez-Tormo. Wind Wave, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

4. HUGO MARTÍNEZ-TORMO. Wind Wave
Instalación cinético-sonora que provoca un movimiento oscilatorio y genera sonido mediante el golpeo repetido de sus propios componentes gracias a la acción del viento. Los componentes móviles de la instalación, dispuestos verticalmente y uno al lado del otro, generan un efecto óptico a través de la estética del movimiento, mostrando la relación existente entre Arte y Ciencia.

 Disneylexia. Ciudadanos en cinta americana, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

5. DISNEYLEXIA. Ciudadanos en cinta americana
Mediante una técnica de grafiti a partir de cinta americana, se representa a personajes maniatados y amordazados, en una clara referencia a la polémica «ley mordaza» que amenaza con restringir libertades públicas y la capacidad de expresión de la ciudadanía. Sin duda uno de los más graves atropellos a los derechos ciudadanos llevados a cabo en el actual periodo democrático. La obra interviene en siete de los pilares de la fachada de la Facultad de Derecho, en una alusión simbólica al potencial de los actuales y los futuros especialistas en leyes, que podrán influir con su criterio en esta materia.

 

Nuria Moreno Campello. La barraca de la iaia, ya no existe, 2015. Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

Nuria Moreno Campello. La barraca de la iaia, ya no existe, 2015. Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

6. NURIA MORENO CAMPELLO. La barraca de la yaya ya no existe
Este proyecto habla sobre la memoria de lo olvidado. Las barracas en Valencia eran las pequeñas viviendas que habitaban los labradores de las huertas, edificios que se han ido destruyendo como resultado del crecimiento urbano, hasta el punto de prácticamente desaparecer. La zona de la Carrasca, en la que actualmente se encuentra el Campus dels Tarongers, era hasta el siglo xx una zona muy poco poblada, donde predominaba la huerta y algunas de esas pequeñas viviendas. Recreando un plano en planta de una pequeña comunidad de tres barracas, la artista nos ayuda a recuperar la memoria del lugar en el que ahora se encuentra este campus.

 

Tania Blanco. The 6 Antenna Jammer Car, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

Tania Blanco. The 6 Antenna Jammer Car, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía de la artista.

7. TANIA BLANCO. The 6 Antenna Jammer Car
Se desarrolla una reflexión sobre la invasión de las señales y frecuencias de las telecomunicaciones. El campo electromagnético está condicionado por la presencia de diversas frecuencias y radiaciones al servicio de las redes de las telecomunicaciones y las tecnologías necesarias para el intercambio de información entre los usuarios de la red, de los móviles, etc. Este espacio que colapsa aire y materia se hace visible cuando un dispositivo como un móvil, un ordenador portátil, una tablet, etc. revela la información que fluye a través del espacio que somos y que nos rodea. Este proyecto plantea reflexionar acerca de la descongestión de ciertas frecuencias que circulan en el espacio público, al aire libre.

Raúl León. Acceso, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

Raúl León. Acceso, 2015. XVIII Art públic / Universitat pública. Cortesía del artista.

@ RAÚL LEÓN MENDOZA. Acceso
Este proyecto interviene exclusivamente en el espacio digital, desarrollando un ejercicio práctico que busca comprobar el cumplimiento de la Ley Orgánica 15/1999 de Protección de Datos de Carácter Personal. El derecho de acceso a los datos personales viene regulado en el artículo 15 de esa ley, que dice: «El interesado tendrá derecho a solicitar y obtener gratuitamente información de sus datos de carácter personal sometidos a tratamiento […]».

Art públic 2015

Conociendo los entresijos de Foro Arte Cáceres

Foro Arte Cáceres’15
Del 23 al 25 de Octubre de 2015
Entrevista a Lucía Ybarra y Rosina Gómez-Baeza, coordinadora y comisaria de Foro Arte Cáceres’15

Foro Arte Cáceres’15 es una iniciativa de la Junta de Extremadura para impulsar la creación de un patrimonio artístico contemporáneo y a su vez fomentar, desde una óptica novedosa y detallada, las propuestas de los artistas, sus postulados y posicionamientos. Un punto de encuentro entre el público profesional y el público en general en torno al arte contemporáneo en diálogo con la arquitectura y el patrimonio artístico e histórico extremeño. Esta edición en concreto cuenta con galerías, artistas y comisarios de España y Portugal, como reflejo de la riqueza y diversidad de ambas culturas, entrelazadas de manera especial en tierras extremeñas.

Logotipo de presentación de la nueva edición de Foro Arte Cáceres'15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Logotipo de presentación de la nueva edición de Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Lucía Ybarra, Coordinadora General de Foro Arte Cáceres, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid especializada en arte moderno y contemporáneo. Durante dieciséis años (1995-2011) desarrolló su carrera profesional en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid como coordinadora y responsable de las exposiciones itinerantes. Asimismo, ha llevado a cabo numerosos proyectos expositivos con museos nacionales e internacionales y trabajado con los artistas y comisarios más reconocidos en el mundo del arte contemporáneo, realizando también labores de comisariado y colaboraciones como crítica de arte en la sección de Arte y Cultura del diario El Correo Español. En la actualidad, es Socia Directora de YGB ART-Sociedad de Ingeniería, Mediación y Gestión Cultural, Vicepresidenta y Directora de Relaciones Externas de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORIA CULTURAL desde abril de 2014.

Rosina Gómez Baeza, Comisaria de Foro Arte Cáceres, es graduada en Literatura y Filología Inglesa por la Universidad de Cambridge, estudió Pedagogía en Londres e Historia del Arte y la Civilización Francesa en París. Fue directora de ARCO entre 1986 y 2006, Directora Fundadora de la 1ª Bienal de Arte, Arquitectura y Paisaje de las Islas Canarias (2005-2006) y Presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo (2005-2008), Directora Fundadora de LABoral, Centro de Arte y Creación Industrial de Asturias (2006-2011). Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2009), la Gran Cruz de Cooperación Iberoamericana, la Distinción a la Excelencia Europea de la UE y Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de la República Francesa, entre otros. Actualmente es Socia Directora de YGB ART, presidenta de la Asociación para el Apoyo al Emprendimiento en las Industrias Culturales y Creativas y responsable de FACTORÍA CULTURAL desde abril de 2014.

En la presente entrevista, Gómez-Baeza e Ybarra responden sobre los orígenes, objetivos, características y gestión de Foro Arte Cáceres así como las novedades de la presente edición y el papel de la ciudad de Cáceres en el proyecto.

Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra, comisarias y coordinadoras de Foro Arte Cáceres'15

Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra, comisarias y coordinadoras de Foro Arte Cáceres’15

¿Cómo nace Foro Arte Cáceres?
Foro Arte Cáceres es consecuencia de la actual situación económica y la crisis experimentada muy especialmente por el sector del arte en España desde 2008. Tras numerosas consultas se vio la necesidad de contribuir a la difusión de la creación contemporánea a través de agentes múltiples y formatos diversos. En estas cuatro ediciones han participado artistas, coleccionistas, comisarios, críticos, directores de museos y prensa especializada a través de exposiciones, talleres, debates y los “salones de arte”, que denominamos Gabinetes, y que centran su atención en distintos soportes y medios con un fin didáctico y no estrictamente de mercado.

¿Cuáles son sus objetivos y las características de este proyecto?
El principal objetivo de FORO ARTE CÁCERES es establecer un diálogo entre tradición histórica y contemporaneidad, así como entre la extraordinaria belleza de Cáceres y las nuevas expresiones artísticas. Igualmente se trata de provocar el interés por la creación contemporáneo haciendo partícipe a toda la ciudadanía del arte de nuestro tiempo. Coadyuvar en la proyección de Cáceres como destino artístico y cultural, sus artistas, sus profesionales y sus museos y centros de arte.

 

¿Cómo lo gestionáis?
Se parte de un Plan Director en el que se proponen un concepto teórico y líneas de actuación concretas: programación, campaña de comunicación y marketing, participantes, equipo de colaboradores, imagen y calendario de trabajo. Todas estas acciones se realizan a partir de un presupuesto establecido por los organismos competentes quienes han de aprobar las líneas de trabajo.

¿Qué disciplinas artísticas acoge el proyecto?
Como anteriormente señalado en esta próxima edición dedicamos una especial mirada al medio pictórico en el Gabinete de Pintura y las primeras sesiones del Foro de Debate. En la exposición Tercer espacio se amplía el espectro, incluyéndose todas las disciplinas artísticas, escultura fotografía, video, instalación y pintura.

¿Qué papel juega la ciudad de Cáceres en este proyecto?
Una ciudad que es Patrimonio Cultural en sí misma es un escenario perfecto para acoger un acontecimiento como FORO ARTE CÁCERES. Durante el certamen, el arte contemporáneo impregna todos los rincones de la ciudad: la práctica totalidad de los espacios expositivos de Cáceres participa con diversas actividades, las exposiciones principales de esta edición proponen recorridos por la ciudad al estar repartidas en distintas sedes, e incluso palacios privados normalmente cerrados al público, como el de los Condes de Adanero o el palacio de Hernando de Ovando se abrirán al arte contemporáneo durante el fin de semana central del evento con la instalación de obras de los artistas españoles Jacobo Castellano y Sara Ramos como en sus patios.
No sólo la ciudad es un protagonista más de FORO ARTE CACERES, sino que también los artistas cacereños cuentan con presencia en el certamen con la actividad A puerta abierta: que supondrá la apertura al público de los talleres de diez artistas locales que mostrarán cómo son sus procesos creativos “desde dentro”: Hilario Bravo, Beatriz Castela, Jorge Gil, Matilde Granado, Ana H. del Amo, Nacho Lobato, Roberto Massó, Cesar David Montero, Luis Rosado y Andrés Talavero.

El ‘plato fuerte’ de esta edición es la exposición Tercer espacio: entre tradición y modernidad. ¿Qué nos ofrece?
“Tercer espacio: entre tradición y modernidad” es una muestra comisariada por Miguel Amado y su adjunto Martim Días que pretende ahondar en el concepto de “intercambio cultural” mediante la exposición de casi un centenar de obras en diversos soportes y medios que forman parte de las colecciones del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y de la Fundación ARCO cuyo tema es el análisis de los espacios sociales donde se cruzan distintos tiempos y culturas (el museo, la ciudad y la historia). Profundizando en esta idea de intercambio, las piezas dialogarán con las obras del Museo de Cáceres así como con su patrimonio arqueológico y etnográfico. La exposición invita a los espectadores a recorrer y descubrir Cáceres, ya que se distribuye en cuatro espacios singulares de la ciudad: el Museo de Cáceres, la Sala de arte El Brocense, la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballestero y la Filmoteca de Extremadura. La muestra podrá visitarse en la sala El Brocense hasta el 15 de noviembre, en la Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballesteros hasta el 22 de noviembre y en el Museo de Cáceres hasta el 29 del mismo mes.

¿Con qué nombres del arte contemporáneo contaremos en esta edición?
Además de los ya mencionados, FORO ARTE CÁCERES 2015 cuenta con la presencia de Antoni Abad como artista invitado.
Por otra parte, participarán en el programa de debates de la edición de este año artistas de la talla de Antonio López, Darío Urzay, Juan Ugalde, Alejandra Freyman, Emilio Gañán o Ignacio Pérez-Jofre.

Respecto a las actividades, ¿a quién irían dirigidas?
Todas las actividades de FORO ARTE CÁCERES son de entrada libre y están dirigidas tanto al público general como al especializado.

¿Qué herramientas de promoción utilizaréis?
Estamos utilizando todas las herramientas a nuestro alcance: desde la colocación banderolas y el reparto de información comunicación tradicional y la presencia en medios impresos y audiovisuales hasta la difusión en prensa online, blogs y redes sociales.

¿Qué novedades encontraremos en este proyecto respecto a ediciones anteriores?
Este año se duplica la presencia.
Otras de las principales novedades incorporadas en el programa de este año ha sido la ya mencionada actividad “A puerta abierta” y la inclusión en el programa de un taller infantil de retrato colectivo de la mano de la asociación cultural cacereña Lemon y Coco.

¿Es posible aunar patrimonio histórico y arte contemporáneo?
Foro Arte Cáceres lo intenta y trata de establecer ese dialogo tan necesario entre la tradición y la modernidad.

Plaza de San Jorge de Cáceres, espacio de actividades en Foro Arte Cáceres'15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Plaza de San Jorge de Cáceres, espacio de actividades en Foro Arte Cáceres’15. Cortesía de Foro Arte Cáceres.

Vista de Cáceres. 2015. Cortesía de Boni Sánchez.

Vista de Cáceres. 2015. Cortesía de Boni Sánchez.

Juliana Notario

Una Mostra viva, mediterránea y ciudadana

Mostra Viva del Mediterrani
Diversas sedes
Inauguración: miércoles 14 de octubre de 2015, a las 20h, en el Palau de la Música de Valencia
Del 14 al 18 de  octubre de 2015

La sala Matilde Salvador del Centre Cultural La Nau ha acogido la presentación de la tercera edición de Mostra Viva del Mediterrani, evento cultural promovido por MVM Associació, con la voluntad de recuperar para la ciudadanía un concepto ampliado de la otrora, polémica y suspendida, Mostra de Valencia -además de la Trobada de la Música y el Encontre d’Escriptors-  y con el firme propósito de consolidarse como referente multidisciplinar de la morfología cultural de esta cuenca marítima y “colaborar en la construcción del espacio cultural de los pueblos del Mediterráneo para favorecer la cultura de la paz y el diálogo respetando la diversidad mediterránea”.

Fotograma del documental 'Ovidi: el making off de la película que nunca se hizo'. Imagen cortesía de la productora.

Fotograma del documental ‘Ovidi: el making off de la película que nunca se hizo’. Imagen cortesía de la productora.

Las cinco jornadas se desarrollan, entre otras cuestiones, con la intención de rendir homenaje al malogrado actor y destacado miembro de la Nova Canço Ovidi Montlor, cumplido el vigésimo aniversario de su fallecimiento, y signos de este tributo se llevan a cabo en algunas de las diversas áreas que conforman la Mostra, mediante la proyección del documental ‘Ovidi, el making off de la película que nunca se hizo’, del director y presidente de MVM Associació Vicente Tamarit, ‘L’Ovidi, 20 años en off’, en la sección Trobada de Música, y el vínculo del cantautor con el oficio de actor en Debats del Mediterrani.

Las ochos sedes del festival (Centre Cultural La Nau, OCCC, Jardí Botànic, SGAE, Instituo Français, Palau de la Música, IVAM y MUVIM) albergarán más de medio centenar de películas, varias decenas de músicos, exhibición de obras de numerosos artistas plásticos, narración oral, espectáculos circenses, escena teatral, recitales de poesía, talleres y actividades pedagógicas infantiles, selecciones gastronómicas mediterráneas, así como debates y tertulias, enmarcados en las siete áreas que conforman la Mostra Viva, fruto del trabajo e implicación Giovanna Ribes, María Colomer, Ana Torres, Maite Ibáñez, Antonio Llorens, Orioel Caballé, Vicent Garcés y el mencionado Vicent Tamarit, además del equipo de voluntarios inscritos a través de la web del evento y la colaboración de los artistas Manuel Boix -responsable del cartel-, Pablo Sedeño -creador de la escultura conmemorativa- y Andrés Tamarit -compositor de la sintonía del presente año-.

El escultor Pablo Sedeño posa junto a la escultura conmemorativa del festival. Fotografía de Jose Ramón Alarcón.

El escultor Pablo Sedeño posa junto a la escultura conmemorativa del festival. Fotografía de Jose Ramón Alarcón.

Cabe destacar el apoyo institucional -en diferentes cuantías y con diversas fórmulas- del Ayuntamiento y la Diputación de Valencia y la Generalitat Valenciana, así como el importante y decisivo patrocinio de entidades y empresas privadas, cuyas presencias respectivas permiten progresar y enfocar la presente edición con garantías de progreso, a la espera de confeccionar un balance que así lo corrobore, tanto en respuesta de público como en calidad y resolución de los contenidos.

Instantánea colectiva tras la presentación de Mostra Viva del Mediterrani. Fotografía de Jose Ramón Alarcón.

Instantánea colectiva tras la presentación de Mostra Viva del Mediterrani. Fotografía de Jose Ramón Alarcón.

Merche Medina

 

 

Nacho Martín Silva, Premio Mardel 2015

III Premio de Pintura Mardel
Las Cigarreras Cultura Contemporánea
C/ San Carlos, 78. Alicante

El jurado del Premio de Pintura Mardel 2015, compuesto por Javier Díaz Guardiola, Begoña Martínez Deltell, José Luis Pérez Pont y Sergio Rubira, ha resuelto conceder el premio a Nacho Martín Silva, por su obra “Degradé after S.T.W”, y destacar a cuatro artistas con un accésit: Gil Gijón Bastante por “Primera comunión”; José Luis Cremades por la obra “Todos los colores”; Rubén M. Riera por “De-venir”; Ángel Masip por “Meteorismo II”.

Mardel logo

 

Premio de Pintura Mardel 2015: Nacho Martín Silva
Degradé after S.T.W, retoma el primer frame de la conocida obra de la artista británica Sam Taylor-Wood, Still life (2001), para reflexionar en torno a la relación entre las disciplinas artísticas a través de los tiempos, la relación entre los modelos y su representación y los conceptos de creación y destrucción.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31x61 c/u. Cortesía Mardel.

Nacho Martín Silva. Degradé after S.T.W. Óleo y decapante sobre lino, 31×61 c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Gil Gijón Bastante
Sus mas recientes trabajos consisten en reproducciones de antiguas fotografías rescatadas de álbumes familiares, utilizando únicamente el polvo y la pelusa del entorno privado de las personas representadas como materia prima para realizarlos. La razón de emplear el polvo doméstico reside en su composición. Cada partícula que lo forma procede tanto de restos orgánicos, como piel y cabello de las personas que viven ahí; como de restos inorgánicos de los objetos que tenemos en nuestras viviendas: fibras de alfombras, ropas y otros textiles, suciedad arrastrada de la calle bajo nuestros zapatos, polución del ambiente, etc. Con ello el artista pretende recuperar de alguna manera esa estratigrafía efímera del inexorable transcurrir del tiempo que representa el polvo y modelarla en busca de una autentica re-presentación, a la vez presentación y representación, con el uso del retrato y las fotografías (para traer al presente tanto a las personas como los recuerdos de estas) y hacer presente a dichas personas, a través de los restos que quedan de ellas en el polvo. El polvo queda convertido de esta manera en una metáfora esencial de la destrucción, del paso del tiempo y de la ruina. Un resto que ya no puede ser fragmentado más y que es empleado para volver a re-crear a la persona cual ave Fénix a partir de su propia materia. El desencadenante para hacer ver al espectador que está viviendo y respirando la memoria; que sus huellas se mezclan con tantas otras ya pretéritas, en un eco eterno.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150x105 cm. Cortesía de Mardel.

Gil Gijón Bastante. Primera comunión. Polvo sobre PET, 150×105 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: José Luis Cremades
Cremades aborda la pintura desde la abstracción, pues considera que, como decía Carl Theodor Dreyer, la abstracción es esencial para el artista, porque le permite franquear las barreras que el naturalismo le impone y además hace que su obra deja de ser solamente visual, sino también espiritual. Rechazando los regímenes del mimetismo artístico y buscando los modos de abordar las cuestiones escatológicas a través de medio de la pintura opto por un estudio de las soluciones y estrategias pictóricamente abstractas y deliberadoras, alterando sus propios mecanismos y estructuras. Pero siempre partiendo de la experiencia y evolución técnica, ya que su obra artística no trata de reflejar la realidad sino las sensaciones y sentimientos de una persona que se enfrenta a ella. Con su obra trata de introducir en la conciencia del espectador las imágenes que apelan de modo directo a sus emociones y afectos para trascenderle a este campo del pictórico aislamiento abstracto, sin que el artista pretenda preestablecer significados. Es donde el público de modo absolutamente libre y autónomo crea su propia narración para las obras que, parafraseando a Nietzsche, son un puente y no una meta.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81x61 cm. (x12). Cortesía Mardel.

José Luis Cremades. Todos los colores. Acrílico sobre lienzo, 81×61 cm. c/u. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Rubén M. Riera
Entre lo visible y lo cegador, como dualidad propia de la luz, Riera articula este proyecto en el que busca ampliar los límites de lo pictórico. Investiga en la búsqueda de modelos alternativos de configuración de lo visible y de cómo los márgenes de la representación se diluyen en el diálogo con el espacio. Con esta obra hace una reinterpretación de las posibilidades visuales que hay en los elementos primarios que configuran lo que entendemos por lenguaje pictórico. Existe una vuelta a los orígenes de la que se sirve para desdoblar la representación y cuestionar la realidad. El artista afirma que “Pintura es también, lo único que realmente somos incapaces de ver”.

Rubén M. Riera. De-Venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195x163 cm. Cortesía Mardel.

Rubén M. Riera. De-venir, 2015. Spray y acrílico sobre polietileno transparente y bastidor de madera, 195×163 cm. Cortesía Mardel.

 

Accésit: Ángel Masip
En este trabajo se establece un juego a través de la propia semántica del término y la confusión que este pueda generar; tal y como habitualmente sucede con la experiencia artística y su análisis conceptual, bajo la exigencia de establecer una deconstrucción analítica de la práctica artística tradicional como reflejo de un pensamiento anacrónico. En la obra, la necesidad de esta renovación viene simbolizada bajo la figura de un meteorito informe, reforzado bajo la estructura dogmática que lo soporta. En este baile de símbolos se pone de manifiesto la contraposición conceptual sobre la idea de representación, así como el cuestionamiento de la percepción y de los modelos estéticos; a menudo la experiencia individual nos puede empujar a cuestionar los paradigmas mentales a través de los cuales se asientan estos conceptos. En este caso, la percepción queda confundida por exceso, rozando efectos casi fotográficos, tal vez truncada por las reminiscencias al graffiti urbano y el uso de los materiales periféricos de toscos acabados.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Ángel Masip. Meteorismo II. Capas sucesivas de tinta pigmentada y veladas con spray plata sobre papel. Cortesía Mardel.

Pincha aquí para consultar la lista completa de artistas seleccionados en la III edición del Premio de Pintura Mardel.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras.

Vista parcial de la exposición, con los trabajos seleccionados en la convocatoria del III Premio de Pintura Mardel, en Las Cigarreras (Alicante).

#Digitallandscapes en Lo Pati

#Digitallandscapes. Colectiva de Eufònic en Lo Pati.
#Digitallandscapes: Eufònic
Comisario: Iury Lech
Lo Pati- Centre d’Art. Amposta (Tarragona)
Del 28 de agosto al 19 de septiembre de 2015

La cuarta edición del festival Eufònic-Arts Sonores i Visuals a les Terres de L’Ebre trae a Lo Pati-Centre d’Art la exposición colectiva #Digitallandscapes, a cargo de Iury Lech, director de MATADAC –Muestra de Arte Digital Audiovisual y Tecnologías Avanzadas Contemporáneas de Madrid.

#Digitallandscapes en Centre d'Art Lo Pati. Agosto-Septiembre 2015. Cortesía de Centre d'Art Lo Pati.

#Digitallandscapes en Centre d’Art Lo Pati. Agosto-Septiembre 2015. Cortesía de Centre d’Art Lo Pati.

Eufònic, celebrado del 3 al 6 de septiembre en Sant Carles de la Ràpita, Amposta, Tortosa, Miravet y Ulldecona, despliega un abanico muy variado de actuaciones e instalaciones audiovisuales en espacios museísticos, conferencias, talleres, acciones sonoras, actividades familiares y conciertos. Se ve complementado además con la residencia artística Balada de los artistas seleccionados en esta edición: Lukas Adoplhy (Alemania), Rubén Patiño (Barcelona), Tonje Alice Madsen & Camilla Vatne Barratt-Due (Noruega).

En el marco de este festival, #Digitallandscapes se centra en los paisajes digitales y de la videocreación, recogiendo el concepto del paisaje de Delta d’Ebre y sus coeteres: construcciones tradicionales de la zona del Delta para lanzar cohetes y deshacer las tormentas que amenazaban la cosecha de arroz. De este modo, nos ofrece un relato que profundiza en la relación entre paisaje real y fantástico, escenarios existentes y ficticios a través de cinco obras en formato vídeo que plasman los vínculos entre paisaje y creación digital y musical a cargo de los siguientes artistas: Vibeke Bertelsen, Kimberly Burleigh, Hugues Clément, Yiannis Kranidiotis, Dennis H. Miller.

Dennis H. Miller. Fotogrma de point.line.plane: 3 Studies after Kandinsky. 6'20". EUA, 2013. Banda Sonora: Dennis Miller.

Dennis H. Miller. Fotograma de point.line.plane: 3 Studies after Kandinsky. 6’20″. EUA, 2013. Banda Sonora: Dennis Miller. Cortesía de Eufònic.

 

Fire And Forget. On Violence

KW Institute for Contemporary Art
KUNST-WERKE BERLIN e.V.
Auguststraße 69. Berlin
Hasta el 30 de agosto de 2015

“Fire and Forget” (dispara y olvida) es un término de uso común de la jerga militar para sistemas de armas que se disparan a una distancia segura del enemigo, y que llegan a su destino de manera independiente. La exposición colectiva FIRE AND FORGET. ON VIOLENCE toma el término militar como un punto de entrada a un discurso sobre las ideas actuales de la guerra y la violencia en el arte contemporáneo. La exposición está dividida en cuatro complejos temáticos: ‘fronteras, afecto, memoria y eventos/acaecimiento.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de unavión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

James Bridle, DRONE SHADOW, proyecto en curso, realización según modelo de la sombra de un avión no tripulado, instalación. Fotografía de Timo Ohler.

Nuevas tecnologías de armas implican la pérdida del enfrentamiento corporal directo y con ello la pérdida del peligro o riesgo para la propia vida. Por eso se necesitan nuevas maneras de expresión de violencia sufrida, atestiguada o solamente temida. Uno de los lugares donde se busca estas maneras se encuentra en el arte. Aunque las armas en el ámbito artistico muchas veces ya estan connotadas como algo malo en si, sin dar referencia a posibles contextos sistematicos o historicos. La exposición se ve a si misma como el intento de mostrar que la complejidad de la violencia no puede ser justificada por sus cálculos lógicos o económicos ni siquiera simplemente por su afecto emocional y se enfrenta de manera autoreflexiva a las posibilidades y limites de lo que el arte puede ser capaz de contribuir hoy en día a esta discusión.

Julius von Bismarck. "POLIZEI", instalación, 2015.

Julius von Bismarck. “POLIZEI”, instalación, 2015. Cortesía del artista.

Se presentan obras de Marina Abramovic y Ulay; Ron Amir; Julius von Bismarck; Roy Marca, Ori Scialom, y Keren Yeala Golán; James Bridle; Luis Camnitzer; Mircea Cantor; Jota Castro; Chto Delat; Marcelo Cidade; Jem Cohen; Martin Dammann; Öyvind Fahlström; Harun Farocki; Daniil Galkin; Rudolf Herz; Damien Hirst; Clara Ianni; Emily Jacir; Hunter Jonakin; Joachim Koester; Korpys / Löffler; Barbara Kruger; Armin Linke; Robert Longo; Jazmín López; Kris Martin; Ana Mendieta; Michael Müller; Timo Nasseri; NEOZOON; Katja Novitskova; Jon Rafman; Pipilotti Rist; Robbert & Frank Frank & Robbert; André Robillard; Julian Röder; Henning Rogge; Martha Rosler; Hrair Sarkissian; Santiago Sierra; Timur Si-Qin; Tal R; Javier Téllez; Sharif Waked; Gillian Wearing; Él Xiangyu; Amir Yatziv; Ala Younis.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Mircea Cantor, SHOOTING, 2005, Cortesia de la artista y Dvir Gallery.

Además fotografías de la colección de Martin Dammann /Archive of Modern Conflict in London (Archivo de Conflicto Modern de Londres) se extienden por toda la exposición como un motivo que la acompaña. Este elemento documental, junto con los enfoques artísticos, es una invitación a reflexionar sobre lo que imágenes artísticas en comparación a imágenes documentales son capaces de retratar – o no. La publicación que acompaña la exposición, así como su programa público y educativo iluminan el tema desde otras perspectivas: El libro FRIENDLY FIRE & FORGET (Matthes y Seitz Berlin) recoge textos literarios producidos para esta ocasión por autores alemanes e internacionales, entre ellos Schorsch Kamerun, Wladimir Kaminer y Kathrin Passig. En las fechas seleccionadas, algunos invitados que han sido afectados personalmente por la violencia guían a los visitantes por la exposición, o invitan para discutir posibles formas de tratar con el tema desde un punto de vista cinematografico, teatral o musical.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.

Obras de Kris Martin (en primer plano), Henning Rogge, Hrair Sarkissian y Martha Rosler en una de las salas de exposición. Fotografía de Timo Ohler.