De Berlín a Barlín

Barlin Libros
Alberto Haller

Hay que tener un gran amor a los libros para atreverse a crear una editorial en estos tiempos, y en una ciudad periférica como Valencia. Una pasión como la que ha marcado la vida de Alberto Haller, primero como librero en Berlín, y ahora al frente del nuevo sello Barlín especializado en ensayo con vocación universalista y multidisciplinar. De Berlín a Barlín en un salto fonético. “Siempre me ha gustado leer y los libros en sí mismos, soy una especie de fetichista del papel”, dice Haller, que cambió su apellido por el del protagonista de El lobo estepario de Herman Hesse. “Nunca entenderé a los que dicen que los libros son caros; un objeto que, una vez lo tienes, te sirve a ti, a tus hijos, tus nietos, biznietos”.

Barlin Libros busca un hueco “en el mapa de la edición joven, cosmopolita y moderna en castellano”, con dos colecciones, Paisaje y Recóndita, bajo el lema Academia pop, “un término que me acuñé como una especie de faro o guía. Hace referencia a que pretendo evitar que mis libros, aunque sean rigurosos, no resulten áridos para un público no académico. Mi intención es que tiendan a la transversalidad por el tipo de lenguaje que utilicen, la edición y el diseño. Quiero publicar libros atractivos para un sector amplio de lectores, que mantengan el rigor de los buenos estudios. El principal reto al que me enfrento ahora es tener visibilidad. Ganar visibilidad es existir: si no lo logras, no existes”.

Portada de Magia cruda, de Silvia Plath. Imagen cortesía de Barlin Libros.

Portada de Magia cruda, de Silvia Plath. Imagen cortesía de Barlin Libros.

El primer título apareció el pasado 14 de marzo, Magia cruda, una biografía de Sylvia Plath, de Paul Alexander, traducida por el propio Haller y Sonia Bolinches. También en abril La Europa negra, un  estudio sobre la Europa del siglo XX, de Mark Mazower, catedrático de la Universidad de Columbia (Nueva York).  Un libro muy esperado que analiza el contexto político de una Europa que parece reproducir ciertas tendencias ya vividas en los años 30 del pasado siglo.

“La librería Berlín fue mi escuela, una toma de contacto durante tres años, entre 2012 y 2015, con el mundo real, más allá del idealismo que nos persigue a todos los que amamos los libros y las ideas”, dice Haller. “La editorial surgió por una especie de inercia natural. En Holanda conocí la obra La Europa negra y no podía creer que un clásico imprescindible no pudiera encontrarse en España. Tampoco podía creer que sólo hubiera una biografía de Sylvia Plath. Esas dos ideas vinieron de manera natural. Dos ideas muy potentes, pero insuficientes, así que comencé a buscar más textos que me interesaran y se ajustasen a mi línea”.

Portada de Europa negra. Imagen cortesía de Barlin Libros.

Portada de La Europa negra. Imagen cortesía de Barlin Libros.

Para el próximo otoño están programados tres títulos de contenido muy variado. Un libro ilustrado sobre la Transición, de Ana Penyas, ilustradora valenciana galardonada con el premio Salamandra Graphics, En éxtasis, de Joan Oleaque, un estudio sociológico sobre la Ruta del bakalao, y  La época victoriana a través de la literatura, de G.K. Chesterton.

Historiador y politólogo, Haller tiene también una faceta como traductor. Junto a Bolinches tradujo Magia cruda y en solitario un par de textos. “Soy bilingüe, por lo que no me costó demasiado. El secreto para este tipo de trabajo es marcarse unas pautas  y ser constante. Hacer mucha indagación y búsqueda, contextualizar lo que no entiendas. El contexto es la clave.  Y en cuanto al criterio para elegir a los traductores, está claro: criterios profesionales. Cuando busque traductores, les pediré una prueba de traducción. Lo normal en estos casos”.

Los dos primeros títulos de la editorial los conocía de antemano. La biografía de Sylvia Plath por una amiga, y el de Mazower por mi etapa en Holanda. “Entre los libros que sacaré más adelante, hay de todo. Algunos los he conocido a través de agencia, otros indagando en bibliotecas, también voy a hacer libro ilustrado porque conozco a la ilustradora, Anna Penyas. Hay que estar atento a todo lo que se mueve en el mundo de la cultura. Leer la prensa, blogs, revistas, etcétera. Las buenas ideas están en todas partes”, concluye Haller.

Alberto Haller. Imagen cortesía del autor.

Alberto Haller. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Horror germánico para abrir el CIM

Festival de Cine Internacional de Mierda CIM-Sueca
Centre Municipal Bernat i Baldoví
C / Sant Josep, 32. Sueca (Valencia)
Del 19 al 25 de septiembre de 2016

El festival CIM-Sueca, también conocido como Festival de Cine Internacional de Mierda de Sueca, arranca el lunes 19 de septiembre para dar paso a siete días de serie B, trash, gore y otros formatos audiovisuales independientes. En su quinta edición el festival mantiene una extensa programación formada por un centenar de audiovisuales, repartidos entre una veintena de largometrajes y cerca de 80 cortometrajes. Todos los días, del 19 al 25 de septiembre, a partir de las 18.00h habrá proyecciones en el Centre Municipal Bernat i Baldoví de Sueca y el fin de semana (viernes y sábado) se proyectarán las esperadas sesiones ‘golfas’ a las 23.00h y las 00.30h.

Directores de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Andreas Marschall, Jörg Buttgereit y Michal Kosakowski, directores de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

El festival ha ido ganando popularidad durante sus cinco años de trayectoria, consolidándose como uno de los más importantes dentro de su género, tanto por participación (con cerca de 3000 participantes internacionales) como por cantidad de programación. El CIM-Sueca está especializado en audiovisuales de bajo presupuesto, poniendo especial atención a la serie B, el trash, el gore, el underground y en general a películas de estricta filiación independiente donde priman la ilusión, el humor y la creatividad por encima de los medios técnicos.

El festival refuerza su vocación internacional proyectando filmes de más de 20 nacionalidades y provenientes de todos los continentes. De los largometrajes proyectados cinco serán estrenos en España y siete son estrenos absolutos en Europa. Se puede consultar la programación completa en la web del festival: www.cimsueca.com.

Las proyecciones del CIM-Sueca suelen convertirse en una fiesta en sí mismas, el público interactúa libremente con las películas gritando o aplaudiendo, normalmente coincidiendo con las salpicaduras de sangre, amputaciones de miembros o evisceraciones que se muestren en pantalla.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

El ambiente es lúdico, humorístico y participativo pero a la vez cinéfilo y respetuoso. El público también es el absoluto protagonista a la hora de dar los premios, ya que todas las películas se someten a estricta votación popular para decidir los galardones tanto a las mejores como las peores producciones (sí, también las peores tiene premios!).

El festival de este año se abrirá con la esperadísima German Angst, una película que ya ha causado gran impacto en los festivales de Sitges y San Sebastian. “Tres cuentos alemanes de amor, sexo y muerte en Berlín”, así se presenta un filme que reúne tres grandes nombres del horror germánico, donde destaca Jörg Buttgereit autor de Nekromantik, el referente del culto necrofílico de los ochenta, acompañado de Andreas Marschall y Michal Kosakowski, autores de las impactantes Tears of Kali y Zero Killed. Violencia extrema, sexo y transgresión para abrir el CIM-Sueca 2016 con un auténtico hit del gore europeo.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

Fotograma de Angst. Imagen cortesía de CIM-Sueca.

UN EMAKIMONO PORTÁTIL Y “ENCAPSULADO”

EMAKIMONO (proyecto de arte portátil para Tokio, Seúl y Pekin), por ENCAPSULADOS
Del 27 de junio al 12 de julio de 2016

Hace 9 años Encapsulados celebró su primera exposición en un hotel-cápsula de Tokio situado junto a la céntrica estación de Ebisu. Los habitáculos 610 y 612 medían poco más de un metro cúbico pero alojaron sin problemas una exposición de veinte pinturas, dibujos y fotografías que fue transportada hasta las correspondientes cápsulas en un par de bolsas de aseo.

Desde aquella primera exposición programática, Encapsulados ha comisariado once exposiciones dedicadas al pequeño formato y a reivindicar espacios tan singulares y poco previsibles como, por ejemplo, el interior de un depósito de agua en la Finca Roja de Valencia. Esa querencia por los lugares inusitados le ha llevado en algún momento a cierto grado de encubrimiento y prisa. La visibilidad de lo expuesto es muy limitada en esas ocasiones, pero queda compensada con la documentación posterior y su difusión a través de una red de simpatizantes encapsulados, cofrades de lo portátil y lo leve. José Oliver, a propósito de la instalación en el Albion Hotel de Miami, definió con mucha exactitud estas exposiciones como “breves y secretas, descubiertas en un descuido, al dirigir uno sus pasos de la piscina a la barra del bar, o al ser convocado clandestinamente por la organización”

Tarjeta Tokyo Encapsulados

Encapsulados tiene también algo de laboratorio. Encierra pequeñas dosis de la sustancia prescrita por los artistas en cápsulas visuales que deben tomarse sin tardanza porque, habitualmente en apenas una hora o, incluso, unos pocos minutos, se desmonta el artificio. Así fue en los casos mencionados de Tokio, Miami, Valencia y Hanoi, los más fugaces. También en Berlín y en Nueva York, pero ha habido excepciones. En algunas ocasiones las exposiciones de Encapsulados, previo acuerdo con el espacio expositivo, se exhiben durante un mes o dos, abandonan sus prisas y su discreción y, como dijo Degas, “sus secretos corren por la calle”.

Ahora Encapsulados sale de gira asiática por las ciudades de Tokio, Seúl y Pekín y presenta el trabajo de 19 artistas contemporáneos españoles en un emakimono (rollo de papel) de 11 metros de longitud y 50 cm de ancho, así como otras pequeñas piezas realizadas a propósito para la exposición como muestra de las poéticas diversas de los artistas participantes.

Imagen de la pieza Emakimono, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

Imagen de la pieza ‘Emakimono en blanco’, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

El emakimono portátil ha viajado de estudio en estudio. Con tan sólo unas determinaciones técnicas mínimas, cada artista ha trabajado libremente sobre un fragmento de ese papel enrollado. El papel es el soporte común en el que se amoldan todas las imágenes y el espectador tiene que enfrentarse a un trabajo colectivo sin sentido de continuidad, una obra inconexa cuyo objetivo es el de propiciar hallazgos. La imagen resultante es sin duda extraña, tensa, fragmentada, chirriante en ocasiones. Una asamblea ruidosa de pintores, como los convocados por Francis Picabia a pintar conjuntamente su obra El ojo cacodilato, que mostrará el carácter plural y diverso de unos artistas forzados a coexistir en una tira de papel. Ante tanta diversidad lo único que tal vez nos permita a la postre establecer cierta unidad o sentido sea su propia rareza resultante. Una rareza de artistas y para artistas dibujada y pintada en un emakimono. 

27-28 Junio ____ Sala de exposiciones de la Embajada de España en Tokio. Japón 30 junio -2 julio _ TOTAL Museum. Seúl. Corea www.totalmuseum.org/ 6 -12 julio _____ TAM. Today Art Museum. Pekín. China www.todayartmuseum.com/

ARTISTAS Pepe Medina / Joël Mestre / Teresa Moro / Jorge Tarazona / Fernando Vélez Castro María José Gallardo / Montse Caraballo / Felipe Ortega Regalado / Teresa Tomás Ángel Mateo Charris / Paco de la Torre / Gonzalo Sicre / Dis Berlin / Alejandro Calderón Gabi Alonso / Juan Cuéllar / Marina Iglesias / Roberto Mollá / Lebrel

ENCAPSULADOS Grupo formado por Juan Cuéllar y Roberto Mollá en 2007 Arte portátil www.encapsulados.info/ 

Imagen de la pieza 'Emakimono', perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

Imagen de la pieza ‘Emakimono’, perteneciente al proyecto. Fotografía cortesía de ENCAPSULADOS.

 

Howool Baek gana el certamen 10 Sentidos

III Certamen Coreográfico 10 Sentidos
Did u hear?, de Howool Baek
Festival 10 Sentidos
Del 17 de mayo al 19 de junio de 2016

La propuesta de Howool Baek, llegada de Berlín, resultó ganadora del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos que durante el fin de semana se ha celebrado en Las Naves. La pieza ‘Did u hear?’ es la interpretación corporal del poema ‘The rose that grew from concrete’, escrito por el rapero estadounidense 2PAC. Expone un proceso de deconstrucción del cuerpo de forma individual. La pieza galardonada recibe 2.000 euros y una figura diseñada por Lladró.

Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Quebradas e imperfectas, de Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado quiso además distinguir al Colectivo El Brote con una mención especial por ‘Quebradas e imperfectas’.  La coreografía realizada por Davinia Descals e Íñigo Martínez conecta directamente al espectador con las sensaciones, vivencias y emociones que pueden llegar a vivir y experimentar personas que padecen enfermedades raras o desconocidas. Por su parte en Cora Panizza recayó el premio del público por ‘Burnt’, una pequeña pieza inspirada en aquellos condicionamientos externos a los que estamos expuestos desde que nacemos.

Temas como la denuncia social, la discapacidad, la violencia o diferentes enfermedades fueron los asuntos que se tocaron en la programación del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos, que se ha celebrado durante el fin de semana en Las Naves. A esta cita han concurrido compañías, artistas y colectivos nacionales e internacionales y se han presentado más de 200 piezas de pequeño formato. De todas ellas, un comité escogió 10 que se presentaron dentro de la programación escénica del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado de profesionales de las artes escénicas que se encargó de decidir la obra ganadora estuvo integrado por Gretchen Blegen (Lucky Trimmer, Berlín), Guillermo Arazo (Las Naves, Valencia), Cesc Casadesús (Mercat de les flors, Barcelona), Inés Enciso (Festival Una mirada diferente, Madrid), Laura Kumin (Certamen coreográfico de Madrid) y Roberto Fratini (dramaturgo y teórico de la danza).

Las diez piezas escogidas (propuestas nacionales e internacionales) pertenecían a Manuel Cañadas, Iris Pintos, Sally Anne Friedland, Poliana Lima, Cora Panizza, Dagmar Dachauer, Colectivo El Brote, Howool Baek, Lorea Burge & Hannah Parsons y Julia Maria Koch.

Howool. Festival 10 Sentidos.

Did u hear?, de Howool Baek. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

La mujer en la obra de los pintores modernos valencianos

Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936)
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia
Hasta finales de julio de 2016

La mujer fue sistemáticamente excluida de la actividad intelectual y creativa durante siglos. Salvo contadas excepciones, limitada a ser objeto de inspiración o consumidora pasiva. ¿Cómo contribuyó el propio arte a construir los distintos estereotipos femeninos y perpetuarlos a lo largo del tiempo? A esta pregunta pretende responder la exposición Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936) que se exhibe en la Sala del Ayuntamiento de Valencia hasta finales de julio. Se puede considerar la primera muestra colectiva de estos artistas seleccionada con criterios, no estilístico o temáticos, sino de género.

Reúne 59 obras de pintores que trabajaron entre 1880 y 1936, como José Manaut, Cecilio Pla, Manuel Benedito, Pepito y Juan Antonio Benlliure, José Pinazo, Antonio Fillol, Gabriel Puig Roda, Leopoldo García Ramón, etcétera, junto a un par de Sorollas. Además, carteles, orlas académicas, ex-libris y portadas de revistas. Organizada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento  de Valencia con el apoyo de Javier García, técnico de la Oficina de Exposiciones del Servicio de Patrimonio Histórico y Artístico, este proyecto ha sido  dirigido por la joven historiadora del arte Mireia Ferrer que ofrece una mirada nueva sobre el pasado. Algunas claves para comprender cómo se construyeron los distintos estereotipos del llamado sexo débil, sinónimo de fragilidad, animalidad o perversidad, ampliamente representada en  diversas modalidades de la femme fatale.

Mors in vita, de Fernando Cabrera Cantó. Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia.

Mors in vita, de Fernando Cabrera Cantó. Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia.

“El objetivo de la exposición es mostrar cómo muchos de los modelos de mujeres que se crearon en esa época prevalecen todavía hoy en día, y cómo es necesario que las mujeres seamos capaces de desprendernos definitivamente de ellos”, dice Mireia Ferrer.

La mayoría de las imágenes plasman a la mujer burguesa, pero también a las proletarias como  Ofelias modernas, jóvenes suicidas en el contexto de una  sala de autopsias o la morgue. La exposición se divide en cuatro grandes bloques que agrupan los principales categorías femeninas analizadas: La mujer como encarnación de la muerte y enfermedad, como ángel del hogar, en su faceta malévola de femme fatale y, por último, realizando actividades consideradas varoniles, como jugar al tenis, pintar, hacer fotos o practicar la natación: el nacimiento de la mujer moderna. Entre las más curiosas, una acuarela de Enrique Pertegás dedicada a la espía Mata-Hari.

Los pintores modernistas valencianos no presentan ninguna peculiaridad en su visión de la feminidad respecto a los artistas de otros países. “Esa es quizás una de las grandes evidencias del pensamiento occidental, no importa que nos refiramos a Paris, Berlín, Madrid, Nueva York o Valencia”, indica Ferrer. “Entre todas las construcciones culturales propias de la mentalidad occidental, la de género es la única que se muestra semejante en casi todas las latitudes. Podemos encontrar modelos de femme fatale, de new woman tanto en el arte valenciano como en el arte vienés, parisino, inglés o norteamericano de la época. Lo que sí es cierto es que el excelente talento como dibujantes y coloristas que caracterizó a los miembros de la escuela  valenciana,  hizo que muchos de ellos fueran muy solicitados como ilustradores de revistas, como el caso de Cecilio Pla. Por ese motivo sus obras dedicadas a la mujer son muy abundantes”.

Mireia Ferrer junto al cuadro Retrato de Felicidad Marín, de José Manaut. Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia.

Mireia Ferrer junto al cuadro Retrato de Felicidad Marín, de José Manaut. Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia.

La sección Mujer moderna está presidida por un retrato de José Manaut realizado en 1933 de Felicidad Marín, primera profesora de Educación Física que ejerció en el Colegio Cervantes, que con más de 90 años vive todavía.  En esta sección ya se atisba un cambio de rumbo en la visión de lo femenino. ¿Significa una ruptura con la etapa anterior o todavía se mantiene la percepción de la mujer como un ser inferior, más débil y volátil que el varón? “Fue una ruptura, pero este modelo, el de la nueva mujer y el feminismo no fue asimilado de manera homogénea en España, existieron actitudes más laxas y planteamientos más radicales, como hubieron modelos de mujer más modernas o menos”, responde Ferrer. “Lamentablemente, esta nueva mujer que demandaba mayores cotas de igualdad y capacidad de decisión sobre su propia vida, no tuvo ocasión de desarrollarse. Los acontecimientos históricos en España, la llegada del franquismo y la recodificación de la mujer con el nacionalcatolicismo, truncaron de raíz el nuevo modelo que se había gestado en las primeras décadas del siglo XX”.

Mireia Ferrer realizó su tesis sobre los pintores valencianos en París. En el año 2000 comenzó a impartir un curso de extensión universitaria, Mujer e Historia del Arte en la Universitat de València y la Universitat d’Alacant junto con el Institut de la Dona. “Que fuera un seminario de extensión universitaria pone en evidencia las carencias de muchos planes de estudios que dedican escasa atención al tema por lo que los docentes deben  encajarlo en asignaturas no referidas al mismo”, señala Ferrer.” Los estudios de género son entendidos como algo muy específico, cuando deberían ser integrados como parte esencial de la Historia del Arte, del pensamiento y la cultura en general”, concluye.

Vista general de la exposición en Sala de Exposiciones del Ayuntamiento.

Vista general de la exposición en Sala de Exposiciones del Ayuntamiento.

Bel Carrasco

La interpretación de los sueños de Grete Stern

Caso de Estudio. Grete Stern
Institut Valencià d’Art Modern. IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 3 de abril de 2016

El IVAM dedica a Grete Stern su nuevo ‘Caso de Estudio’. Y es que la artista alemana nacionalizada argentina es, sin duda, todo un caso. Para explicarlo, María Jesús Folch, comisaria de la exposición, realizó un repaso por su obra. Fue al llegar a la altura de los sueños de Stern que coinciden con la publicación en 1949 del libro El segundo sexo, de Simone de Beuavoir, cuando emergió la síntesis de su trabajo: “Aquí se ven reflejados sus dos caminos, el de la mujer que se afirma como sujeto y el de aquella otra que acepta esa alianza con lo doméstico”.

Fotografía de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Fotografía de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Ese choque entre la mujer que sueña con emanciparse de las trabas sociales y esa otra que es objeto de sus pesadillas creativas, atraviesa el conjunto expositivo que hasta el 3 de abril muestra el IVAM. “Es la pequeña gran joya de nuestra colección”, subrayó José Miguel Cortés, director del instituto valenciano. Pequeña gran joya compuesta por 61 obras, entre fotografías, libros, proyecciones y un documental, entre las que destacan los 140 fotomontajes realizados para la revista ‘Idilio’ de 1948 a 1951. En dicha revista fue donde ilustró los sueños de las numerosas lectoras que buscaban explicación a lo que su inconsciente maquinaba durante la noche.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

“El concepto de otredad está en la obra de Stern”, explicó Folch. Otredad que tiene mucho que ver con ese riesgo del sujeto que se afirma al margen de las convenciones sociales, frente al que busca su más amable encaje. Grete Stern, al modo que hizo Freud, interpreta esos sueños de la mente femenina, utilizando la técnica del fotomontaje. De manera que así, a base de juntar pedazos supuestamente inconexos, la artista alemana que huyó del nazismo para establecer su residencia en Buenos Aires, fue construyendo una obra de gran originalidad, calidad artística y sin duda evocadora, todavía hoy, de los fantasmas femeninos.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

María Jesús Folch habló de algunos de ellos: “confinamiento en el hogar”, todo lo relativo a “la función biológica de la reproducción”, también “la incomunicación” y, como contrapartida, “la denuncia de los estereotipos femeninos”. Casada con Horacio Coppola, con el que trabajó al principio mano a mano y del que muy pronto se divorció, Stern no dejó de reivindicar para ella y la mujer de su tiempo, extrapolable al actual, la libertad que sin duda reflejaba en la interpretación de los sueños. Sueños de los que ya se hizo cargo el IVAM en una exposición de hace 20 años, germen de la donación de su obra por parte de su hija Silvia al museo valenciano. “Continúa siendo igual de actual y contemporánea”, señaló Cortés.

Fotografía de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Fotografía de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

La publicidad, la arquitectura, el retrato y la antropología, otorgando protagonismo a mujeres indígenas del Gran Chaco, también han sido disciplinas de su interés. Disciplinas que trabajó con el mismo anhelo de encontrar bajo la superficie de las cosas cierta verdad latente. Por eso sus fotografías están llenas de escaleras, peldaños o laderas que hay que subir o bajar, de ojos escrutadores, de jaulas, de naturalezas en calma o arrebatadas pero siempre inquietantes, de animales y, por supuesto, de mujeres que luchan contra ese fondo enigmático de seres y objetos a punto de doblegarla.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Fotomontaje de Grete Stern en el Caso de Estudio del IVAM.

Grete Stern es todo un caso porque fue construyendo su obra a contracorriente: primero, en el Berlín ya prácticamente abducido por el nazismo, y después, en el Buenos Aires del peronismo. La columna ‘El psicoanálisis le ayudará’ de la revista ‘Idilio’, que Stern ilustró, no se sabe si ayudó a sus lectoras, pero a ella le ha servido para construir una obra “ejemplo de modernidad y compromiso”, concluyó Cortés.

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Salva Torres

La energía de Victoria Cano deja huella

Ecos & Huellas. Desde el Trastevere al Carmen, de Victoria Cano
Sala Ferreres del Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 1 de mayo de 2016

“Somos materia en transformación”, dice la artista. Y energía, mucha energía, que es la que transmite Victoria Cano durante el recorrido por su exposición Ecos & Huellas. Desde el Trastevere al Carmen, en la Sala Ferreres del Centro del Carmen. “Esta sala te desnuda completamente”. Y así, metafóricamente desnuda y como si hubiera salido de un largo régimen de internado, desgrana lo que han sido 15 años de soledad trabajando en su estudio. Un viaje interior que ha ido mezclando con viajes exteriores para mostrar pinceladas de esa soledad mediante exposiciones en Roma, Jeonbuk (Corea del Sur), Venecia, Qingdao (China), Nueva York, Milán y Berlín. El resultado de todo ello se puede ver concentrado en esta exposición de Valencia.

Victoria Cano en un video de su exposición en el Centro del Carmen.

Victoria Cano en un video de su exposición en el Centro del Carmen.

“Hay una variedad dentro de la unidad”. Y esa unidad, para Victoria Cano, tiene que ver con la energía que impulsa a la creación. Energía asociada a su vez al “tránsito entre la vida y la muerte”. Porque las 200 piezas que conforman esos Ecos & Huellas de su “viaje interior hacia fuera”, junto a los 80 libros voladores que cuelgan del alto techo de la Sala Ferreres, ligan lo vivo y lo muerto en su eterno ciclo. Por eso hay huellas dactilares insertas en sus naturalezas, al igual que perfiles humanos contorneando un tsunami o la figura humana intercalada entre un aluvión de formas en gestación.

Victoria Cano concibe su obra como un todo en el que las partes se van imbricando sin que se sepa a ciencia cierta lo que es naturaleza, propiamente dicha, y lo que es la naturaleza humana. Por eso advierte que el ser humano “hace cosas que van contra la naturaleza” y, cuando tal cosa sucede, “la naturaleza no perdona”. Esa difícil sintonía entre interior y exterior atraviesa el trabajo de Cano. La variedad de técnicas utilizadas, como el lápiz 3D, con las que ha investigado en su taller durante los 15 años de soledad, está siempre al servicio de una máxima: “Transmitir emociones”, resume la artista.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Emociones que tienen siempre que ver con los ecos de esa naturaleza en constante transformación. Cuando la aceleramos, violentando su ritmo, la armonía se quiebra y surgen las agresiones. Como en ese Mediterráneo con alambres, el tsunami devastador, el terrorismo ejemplificado en unas Torres Gemelas cuya luz eléctrica liga con el de la clorofila o la destrucción de un edificio de la Facultad de Bellas Artes del que Victoria Cano toma ciertos elementos de reciclaje. “Territorios, huellas, energía, del aire, de la tierra, de los fluidos”, explica su autora, para revelar “nuestra frágil y provisional existencia” que nos negamos a reconocer.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

“Deberíamos generar belleza como efecto de la armonía entre todo lo vivo”. Esa armonía que la artista rastrea mediante diversos ecos y múltiples huellas se puede ver en su exposición, a veces de forma inquietante y en otras ocasiones de manera más o menos amable. “Me interesa que la gente penetre en la obra”. Como en la pieza ‘Los álamos del jardín’, videoinstalación y técnica mixta, que permite al espectador contemplar a un tiempo el estatismo y el movimiento del bosque, remarcando así su posición pasiva y activa juntamente.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Si el único viaje es el viaje interior, como recoge la artista mediante la cita de Rilke, entonces la exposición de Victoria Cano es un gran viaje al fondo de esa naturaleza humana en continua transformación. Un viaje lleno de una energía que tan pronto avanza creativa como tiende a la destrucción. Ecos & Huellas. Desde el Trastevere al Carmen, que se puede ver hasta el 1 de mayo, es la forma que tiene Victoria Cano de proponernos un viaje solitario hacia la armonía por difícil que esta sea.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Obra de Victoria Cano en el Centro del Carmen.

Obra de Victoria Cano en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

Salva Torres

Las capturas intempestivas de Carla Fuentes

Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (Cómo capturarlos), de Carla Fuentes
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Inauguración: viernes 15 de enero de 2016, a las 20.00h

Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (Cómo capturarlos) se presenta en Pepita Lumier como una conexión de los últimos trabajos de Carla Fuentes: los ciclistas, los moteles, las peluquerías africanas, así como varios trabajos de ilustración originales y que han sido realizados para trabajos concretos y una serie nueva de cowboys. Todo ello en diversos formatos, desde grandes a pequeños, y algunos con sus consecuentes adaptaciones a producto.

“Las cosas importantes sólo se pueden capturar de dos maneras: con una red tupida o con un lápiz muy afilado. La primera de ellas no es muy recomendable, pues algunas de esas cosas, las más temperamentales, se hieren al intentar zafarse de la celada. Un abrazo se rompió una vez en siete pedazos cuando quiso liberar sus alas, que habían quedado dramáticamente enredadas. Un abrazo roto no sirve de nada”, explica Toni García a modo de introducción a la obra de Carla Fuentes.

Obra de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Y prosigue: “El segundo método para atrapar un concepto es más eficaz, pero sumamente difícil. Carla Fuentes lo prefiere. La ilustradora valenciana confiesa que tuvo serias dificultades para dejar el aire a un lado y las bicicletas en otro, y que dedicó más de dos semanas a hablar con los puñetazos y negociar con los héroes que pedalean contra el viento. Se pactaron colores, perspectivas e intenciones. También gestos y señales.Todas esas cosas, ya cautivas, incluso los huidizos moteles y las veloces peluquerías, dejan de moverse durante diez días en la sala Pepita Lumier. Dicen cosas. Muchas cosas. Pero no se mueven. Carla Fuentes las ha capturado”, concluye García.

Carla Fuentes, Licenciada en Diseño de Moda por el EASD y en Bellas Artes por la Universidad San Carlos de Valencia, es la ilustradora más joven de entre todos los artistas que recoge Taschen en el volumen 5 de Illustration Now y entre sus exposiciones destaca su participación en la muestra Ilustradores Españoles organizada por la Red de Centros Culturales de España AECID y la Embajada de España en Berlín, La ciudad ilustrada en 101 imágenes y Obey Icon Tour organizada por el artista Shepard Fairey.

Cartel de la exposición de Carla Fuentes en la galería Pepita Lumier.

Cartel de la exposición de Carla Fuentes en la galería Pepita Lumier.

Lleva trabajando desde muy temprano para diferentes firmas como Pull & Bear, Women´secret, Absolut,  Jorge Juan, Kling, Bread n Butter (Hong Kong), Gandía Blasco, Culdesac, Honda, Amnistía Internacional, Avalon: Jim Jarmusch – Kusturika, Nike, Coca-Cola, Rochas, Sony, Swarovski o Lladró, entre muchas otras.

Es colaboradora habitual de grupos como Polock y ha realizado trabajos para Russian Red, La Habitación Roja o Jero Romero, entre otros. Sus trabajos en prensa son habituales en medios como Vanidad, Vogue, Esquire y El País Semanal. También en medios y prensa de países como Japón (Union Mag, Nero), Australia (Yen Mag o Frankie Magazine), Francia (Le Monde), Brasil (NMagazine) y Méjico (Nylon).

Obra de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Sótanos de identidad: Marie-Lou Desmeules

Tras más de una década de residencia en Berlín, la artista canadiense Marie-Lou Desmeules tomó la determinación de trasladarse a Valencia, hace más de tres años, portando consigo un turbio equipaje de vestigios plásticos, emparentados con los hipogeos de la identidad como temática vertebral de su trabajo, para transitar por los hediondos cauces y alcantarillas levantinas, en permanente búsqueda y sed de metamorfosis, al azucarado calor del Mediterráneo.

Makma se traslada a su estudio, en pleno corazón primigenio del barrio de Ruzafa, para ser testigo inmediato de una de sus Surgeries (Cirugías) y conversar, de un modo ulterior, acerca de sus perturbadoras inquietudes y singularísimo proceso de trabajo.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿Por qué motivo has escogido la figura de Klaus Nomi para realizar tu última Cirugía?

En homenaje a su fascinante personaje, su música y estética plástica tan heterodoxa.

¿A qué serie pertenece esta Surgery?

A una nueva serie vinculada con artistas e iconos alemanes (todavía carece de nombre).

¿Cuáles han sido tus últimas series y trabajos de transformación?

Travis Brickle, Eminem, Don Limpio, Chewbacca, John Waters, Divine, Dolly Parton, así como autorretratos de pintores como Gustave Courbet y Van Gogh.

También he estado recientemente en Bucarest, donde he hecho una perfomance experimental en vivo con el compositor electrónico Silent Strike, además de una Cirugía con una actriz rumana como modelo.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

¿En qué momento y por qué motivo descubriste y comenzaste a explorar el universo de las Surgereis?

Después de años pintando retrato sobre lienzo, comencé a pintar sobre la gente durante mis dos últimos años de residencia en Berlín -estancia que prolongué durante una década-. La idea de que el individuo desaparece detrás de una imagen me ha fascinado muchísimo desde mis comienzos.

En el primer año de mi proceso de experimentación trabajaba en un taller sito en una enorme y vieja brasserie industrial, en la Landsbergerallee. Era un piso justo encima de un estudio de BDSM -disciplina de bondage y sadomasoquismo-. Se escuchaban los gritos de las masoquistas y los electroshocks mientras trabajaba sobre mis modelos. Este ambiente ha sido el punto culminante del comienzo de mis Cirugías, desarrollando en esta etapa diversas series de transformaciones monstruosas-pop. Posteriormente, he hecho series de social-reality (esta vez mi taller se encontraba frente a una casa para personas sin hogar), celebrities y políticos internacionales.

¿Qué materiales y estilos sueles emplear?

Utilizo materiales fibrosos como pelos, telas y papeles, además de acrílicos. Trabajo mezclando el pop, el bad art y el grotesque, entre otros, conformando elementos y estilos que son parte final de la estética de mi obra.

Ha de tenerse en cuenta que una Cirugía es muy compleja. Es un mezcla de medios y técnicas diferentes, como fotografía, escultura, pintura y performance, para los que combino estilos y referencias de la historia del arte y de la  música, además de un importante proceso de preparación y una dosis ineludible de improvisación.

Composición de imágenes de la obra 'En el centro de belleza'. Fotografía cortesía de la artista.

Composición de imágenes de la obra ‘En el centro de belleza’. Fotografía cortesía de la artista.

¿Qué papel juega la música en el proceso de tu obra y con qué soundtrack sueles trabajar en tu estudio?

De la música, como de la vida, es de donde saco toda la energía. La reproduzco igualmente para mis modelos durante las Surgeries; como estos no se pueden mover, ni hablar (en ocasiones ni ver), confío en que la música les transporte durante el viaje/’operación quirúrgica’.

Un buen soundtrack para trabajar debe ser una selección ecléctica de estilos que dan emociones diferentes -ligero, agresivo, festivo, dramático, surreal, diva, opera, kitsch, japonés, clásica, etc.-. Cada Cirugía tiene su playlist diferente y lo pongo en shuffle mode, de este modo es siempre una sorpresa y forma parte de la improvisación.

Por ejemplo, en la última Cirugía de Klaus Nomi había canciones de Philipp Glass, Brad Mehldau, Erik Truffaz, Klaus Nomi, Amanda Lear, Nitzer Ebb, Señor Coconut, Bohren, Bach, Nino Ferrer, Klaus Wunderlich, Van McCoy…

Tus Cirugías trabajan permanentemente sobre un concepto asociado a la identidad y a la máscara.

En mi trabajo nos encontramos con la imagen de una persona sobre otra. A través de esta superposición me interesa conversar sobre la identidad, los géneros (genders) y las cirugías plásticas en sí mismas, entre otras cuestiones. En mi serie de Celebrities, por ejemplo, procuro tratar la imagen de los famosos como resultado de un post-internet-patchwork.

Me fascina el poder de la imagen, en una época de selfies egomaníacos, en la que la belleza se asocia ineludiblemente a los conceptos de dinero y felicidad. Una obsesión por querer ser amado por nuestra imagen, por conocer a gente, ignorando quién palpita detrás realmente

Una cirugía estetico-plástica es similar a una máscara, diluye la identidad. Y cuanto más ansía un paciente parecerse a otra  persona, tanto más grotesco resulta.

Imagen de la obra 'La Dolce Vita'. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la obra ‘La Dolce Vita’. Fotografía cortesía de la artista.

Tu obra ha sido referida en medios de comunicación y magazines internacionales, desde la costa oeste de Estados Unidos hasta los confines del este asiático, pasando por exposiciones en Alemania, los países de Europa Central y Turquía. ¿Consideras que en España, en general, y en Valencia, en particular, aún no se ha comprendido tu trabajo?

Es verdad que mi trabajo ha tenido mas éxito internacional -sobre todo en Nueva York, L.A. y Londres-, pero en Valencia dispongo de una lista de modelos con quienes trabajo con mucho gusto y siempre existen muchas personas interesadas en participar o que me preguntan cuándo y dónde voy a exponer mi trabajo en España.

¿Qué proyectos tienes en mente para 2016?

Ir a Nueva York y Tokyo. Encontrarme con diversos  artistas y galeristas, así como alimentar mis ojos y mi mente. También existen varios proyectos sobre los que todavía no puedo concretar detalles, como uno en Alemania, así como transformaciones sobre músicos famosos de Inglaterra y Estados Unidos. Y, por supuesto, planificar/exponer aquí en España.

http://www.marieloudesmeules.com
Instagram: @marieloudesmeules

Jose Ramón Alarcón

 

Noé Sendas: Imágenes enigmáticas

Noé Sendas. Obras recientes
Set Espai d’Art
Plaça Miracle del Mocadoret, 4. Valencia
Inauguración: viernes 18 de septiembre, a las 20.00h
Hasta el 7 de noviembre de 2015

Incansable coleccionista de imágenes, Noé Sendas (Bélgica, 1972) ha desarrollado un trabajo basado en una política de recopilación de imágenes, enraizada de referencias artísticas, cinematográficas y literarias, permitiendo a la fotografía desempeñar, desde el comienzo de su carrera a finales de los 90, un papel crucial en sus vídeos, esculturas e instalaciones.

A partir de 2009 el artista con sede en Madrid y Berlín se ha dedicado casi exclusivamente a la apropiación de imágenes fotográficas existentes, con el fin de manipular y subvertir los originales, lo que le conduce a esculpir el contenido de la imagen fotográfica.

Obra de Noé Sendas. Imagen cortesía de Set Espai d'Art.

Obra de Noé Sendas. Imagen cortesía de Set Espai d’Art.

La singularidad de Noé Sendas, en el panorama del arte de las últimas décadas, se deriva en gran medida de la forma en que es capaz de dibujar, de manera coherente y con un sólido apoyo conceptual, su propio ritmo e inquietudes ajenas a las fluctuaciones superficiales del día a día actual.

En sus obras más recientes, uno puede percibir el creciente valor centrado en la noción del sistema que va más allá del ámbito de la instalación cuando se trata de describir la génesis de una obra, sus predecesores y sus implicaciones contextuales, al tiempo que propone relaciones espaciales entre objetos.

Obra, exposición e instalación constituyen un concepto indivisible en el que cada pieza requiere y describe una museografía de la totalidad, de acuerdo a un proceso en el que el artista controla hasta el más mínimo detalle.

En Recent Works una serie de retratos se transforman en enigmáticas imágenes. Al final, el enigma es el punto de partida de los proyectos artísticos de Noé Sendas o, tal vez, de todos los proyectos artísticos.

Obra de Noé Sendas. Cortesía de Set Espai d'Art.

Obra de Noé Sendas. Cortesía de Set Espai d’Art.