Tres hombres torpemente seguros

La defensa del dragón, de Natalia Santa
Sección Oficial de Largometrajes
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 23 de junio al 1 de julio de 2017

Tan inequívocamente seguros, ya sea jugando al ajedrez, al frente de una pulcra relojería o suministrando productos homeopáticos, como torpemente inseguros en lo afectivo. Así son los tres protagonistas de La defensa del dragón, la película de la colombiana Natalia Santa, que Cinema Jove presenta en su sección oficial de largometrajes. Para seguirlos en ese proceder metódico, la directora hace lo propio manejando la cámara como si tuviera miedo de incomodar la rutina de sus personajes. Es así, suavemente, como logra penetrar en sus vidas, revelando la melancolía que apenas logran tapar a base de un comportamiento lógico.

Fotograma de 'La defensa del dragón', de Natalia Santa. Imagen cortesia de Cinema Jove.

Fotograma de ‘La defensa del dragón’, de Natalia Santa. Imagen cortesia de Cinema Jove.

Si en Sexy Durga, la provocadora película de Sanal Kumar Sasidharan, también a competición en Cinema Jove, la inquietud procede de una violencia oscura explícitamente puesta en escena, en La defensa del dragón, la inquietud es producto de una violencia interior domesticada que, no obstante, aflora en cierto momento del filme, justo cuando la sexualidad de Samuel (Gonzalo de Sagarmínaga) y Marcos (Manuel Navarro) es puesta en entredicho. Entonces, ambos se enzarzan, en la única secuencia manifiestamente violenta.

Santa, haciendo honor a su apellido, se entrega a sus personajes, sin juzgarlos, para extraer de ellos el patetismo que sus respectivas vidas profesionales disimulan. Es en el interior de sus hogares, más bien casas a las que les falta precisamente el aroma del afecto comprometido, donde estos tres hombres revelan su fracaso: Samuel, maestro del ajedrez, perdiendo cada partida emocional que le ofrece la vida (le llegara a decir al marido de su ex esposa que jugar al ajedrez es lo único que sabe hacer); Joaquín, intentando sacar adelante su relojería, teniendo que planchar la cama por las noches para combatir el frío lecho, y Marcos, el médico homeópata, tapando el insomnio con póker y drogas.

Fotograma de 'La defensa del dragón', de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de ‘La defensa del dragón’, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

La masculinidad de estos tres hombres, sin duda alicaída, queda compensada por su amistad, a la que se aferran y de la que extraen la energía que les impide caer definitivamente en el pozo de la melancolía. Un club de ajedrez, un casino y una cafetería son los escenarios por donde transcurren sus vidas, que Santa sigue en todo momento con pulso templado, acorde con la vitalidad apagada de sus tres protagonistas.

La defensa del dragón transcurre con cadencia, paso a paso, lentamente, creando las condiciones necesarias para que el menor atisbo de luz pueda colarse por alguna rendija de tan metódicas vidas. Natalia Santa, he ahí su mayor virtud, parece saber aguardar con paciencia ese momento. De hecho, son muchos los instantes que lo anticipan y que la cámara registra colocándose allí donde ciertas chispas saltan: un cuadro colgado de la pared, una paloma en la ventana, una puerta a punto de abrirse… Detalles que convierten a la Bogotá de la película y a estos tres hombres en radiografía de un tiempo marchito al que corresponde esa masculinidad vencida, y a la que Santa parece ofrecer una salida, por tenue que ésta sea.

Fotograma de La defensa del dragón, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de La defensa del dragón, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Salva Torres

Sexy Durga, de la veneración al acoso

Sexy Durga, de Sanal Kumar Sasidharan
Sección Oficial de Largometrajes
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 23 de junio al 1 de julio de 2017

Una joven pareja huye de la ciudad caminando de noche por una carretera en el sur de la India. En su avance, Kabeer y Durga son recogidos por un coche, cuyos ocupantes se ofrecen a llevarles a la estación de tren que buscan para poner tierra de por medio. Ya desde el principio, se establece una relación incómoda a causa del carácter provocador de quienes conducen el vehículo. Paralelamente, vemos cómo se celebran unos festejos en honor a la diosa Durga, en los que algunos hombres, tras alcanzar cierto trance bailando, son suspendidos de ganchos atravesados en sus espaldas, siendo paseados por el pueblo. Estas dos secuencias, el de la escapada nocturna y el del extraño ritual, se van complementando a lo largo de la película, estableciéndose sugerentes paralelismos.

Fotograma de Sexy Durgan. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

El primero y principal tiene que ver con el nombre invocado en ambas situaciones. Durga es la diosa venerada, a la que se entregan en sacrificio los hombres del festejo ritual, como Durga es la muchacha que se siente acosada por los ocupantes de la furgoneta. Cierta violencia atraviesa ambas escenas: la violencia contra el propio cuerpo, cuyo éxtasis se vincula a la devoción profesada hacia la diosa, y la violencia, más verbal que física, de los hombres hacia la pareja en ese trayecto nocturno que parece inacabable.

Sanal Kumar Sasidharan, director de Sexy Durga, con la que compite en la sección oficial de largometrajes de Cinema Jove, juega con ambas violencias, creando un ambiente opresivo que la cámara no deja de subrayar con sus movimientos alrededor de esos cuerpos y de esa noche infinita. El rito asociado a la mítica diosa queda rebajado al nivel de lo más áspero y prosaico en la realidad atosigante de la pareja fugitiva. De manera que el ritmo repetitivo de los tambores festivos, deja paso al metal ácido de la música que acompaña a los ocupantes de tan siniestra furgoneta. Y así, ligados ambos universos, vemos desplegarse una violencia que, al igual que les sucede a Kabeer y Durga, el espectador percibe como terriblemente extraña.

Fotograma de Sexy Durgan. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Sasidharan, al introducir el adjetivo sexy al nombre de Durga, no hace más que movilizar esa violencia, que no termina de recaer sobre la pareja protagonista, a modo de juego tan macabro como irónico. Un juego que va del propio rito, a estas alturas percibido como mero trasunto folclórico, al temor ¿infundado? de los jóvenes huidizos. Una película intensa, inquietante, que el director indio conduce con soltura y sarcástica mirada. De la veneración a la diosa Durga, Sasisdharan pasa a esa otra Durga más terrenal, tan acosada por los extraños ocupantes como por sus propios miedos.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Salva Torres

Frías se halla a dos pasos del blues

A Dos Pasos del Blues
Festival Tributo a Muddy Waters y The Rolling Stones
Patio de Armas Castillo de Frías.
30 de Junio y 1 de Julio.
Bonos A DOS PASOS DEL BLUES: 18 €. Ya disponibles. Venta: Turismo Frías Ciudad de Frías y bares de Frías.
Entrada Solo viernes 30 Junio: 8 €. Entrada solo sábado 1 de julio: 12 €.

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En Frías, uno de los pueblos más encantadores de toda España, situado en la comarca burgalesa de Las Merindades, vuelven a acoger uno de esos escasos festivales veraniegos que son diferentes a la mayoría que tienen lugar en estas fechas.

Frias

Tras la grata experiencia con El Último Vals del 2016 o el que fuera IV Rust Fest de tributo a Neil Young en el 2013 es ahora el turno de otra propuesta interesante. Bajo la batuta del ilustre Joserra Rodrigo, la Asociación de Amigos de Frías y Turismo Frías Ciudad de Frías tendrá lugar durante el viernes 30 junio y durante el sábado 1 de julio del año en curso un tributo al gran Muddy Waters y a Sus Majestades The Rolling Stones.

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El Festival tendrá lugar en el Patio de Armas Castillo de Frías. El aforo es limitado y los menores hasta 12 años (incluidos) acompañados por sus responsables tendrán la entrada gratuita. Más detalles en https://www.facebook.com/A-Dos-Pasos-Del-Blues-Fr%C3%ADas-Burgos-30-Junio-1-Julio-2017-1326569110712608/

Este es el cartel definitivo del festival:

Viernes 30 de Junio:
21:00 horas: Confluence (de Bilbao)
22: 30 horas: Copernicus Dreams (de Castro Urdiales -Cantabria-)

Sábado 1 de Julio:
21:00 horas: Moses Rubin (de Madrid)
22: 30 horas: Sleepy Roosters (de Madrid)
24:00 horas: The Sugar Stones (de Madrid)

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Si decimos que es altamente recomendable nos quedamos demasiado cortos. El tema es ponerse las pilas y acudir. Estamos a dos pasos del blues, y eso no es tanto para que otra vez más podamos consumar una experiencia inolvidable. Frías is the answer!!!

Juanjo Mestre

El vestigio fílmico de Las chicas de Pasaik

‘Las chicas de Pasaik’
‘Visiones Contemporáneas. Últimas tendencias en el cine y vídeo en España’
DA2 – Domus Artium 2002
Av. de la Aldehuela, s/n, Salamanca
Del 28 de junio al 15 de octubre de 2017

Hoy, miércoles 28 de junio, se inaugura el decimocuarto ciclo de ‘Visiones Contemporáneas. Últimas tendencias en el cine y vídeo en España’, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales, que tiene su sede en el DA2 – Domus Artium 2002, Centro de arte contemporáneo de Salamanca.

El ciclo expositivo está dedicado a Las chicas de Pasaik, el dúo artístico formado por María Elorza y Maider Fernández, dos artistas visuales, con base en San Sebastián, que además de trabajar juntas, son amigas y comparten espacios, personajes y momentos comunes, ingredientes todos que se reflejan en cada una de sus obras.

Fotograma de la película 'Gure Hormek', del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Fotograma de la película ‘Gure Hormek’, del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Comenzaron a colaborar en el año 2011, realizando algunas piezas como ‘Irudi mintzatuen hiztegi poetikoa’, dirigida junto con el cineasta Aitor Gametxo. Dos años después, deciden formar el colectivo Las chicas de Pasaik, nombre con el que comienzan a firmar sus trabajos.

El ámbito de lo doméstico, las familias, los recuerdos, los amigos, los veranos, la ciudad de San Sebastián, son temáticas recurrentes en su filmografía, en una forma de recuperar las vivencias y la memoria personal de la gente. Una suerte de retazos de vida, de marcado carácter autobiográfico, en donde lo personal y el cine se fusionan en un todo, lleno de libertad creativa, que nos acerca a la sencilla belleza que radica en el hecho de lo cotidiano.

Películas en apariencia pequeñas y que pueden enmarcarse dentro del cine amateur en cuanto a su frescura formal, en el que la importancia de captar el momento por encima de todo, les lleva a grabar con el dispositivo que tengan más a mano, ya sea una cámara profesional o un teléfono móvil. Un cine que emociona y sabe llegar, desde lo más cercano, hacia una reflexión sobre los temas universales.

AGOSTO SIN TI. Trailer from Las chicas de Pasaik on Vimeo.

Las chicas de Pasaik cuentan con una trayectoria breve pero intensa, que ya las ha llevado a ser premiadas en algunos de los festivales de cine más importantes del estado, véase Zinebi (Bilbao), Alcances (Cádiz), Festival de Cine Europeo de Sevilla, L’Alternativa (Barcelona), El Festival Internacional de Cine de San Sebastián o más recientemente El Festival de Cine Español de Málaga, donde, este año, se llevaron el premio al mejor cortometraje documental.

Para este programa de Visiones Contemporáneas se han seleccionado tres de sus obras más significativas, “Agosto sin ti” (2015), “Gure Hormek” (2016) y “La chica de la Luz” (2016).

Fotograma de la película 'La chica de la luz', del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Fotograma de la película ‘La chica de la luz’, del colectivo Las chicas de Pasaik, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

 

Centro Botín: Arte con vistas a la bahía

Centro Botín de Santander
C / Muelle de Albareda, s/n.
Jardines de Pereda (Santander)
Inauguración: viernes 23 de junio de 2017

El Centro Botín fue inaugurado el viernes 23 de junio bajo una enorme expectación, en una ciudad en la que se notaba un ambiente festivo y que quiso engalanarse para el gran evento. La obra del arquitecto Rianzo Piano abrió sus puertas con el objetivo de convertirse en un referente cultural.

El edificio, no exento de polémica, atrajo a un gran número de personas, entre los que no faltaron personalidades del mundo del arte y la política y, por supuesto, de los Reyes de España que, ya en el interior, descubrieron una placa simbólica para dar por inaugurado el centro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

El edificio está dividido en dos volúmenes conectados por pasarelas. La parte oeste se dedicará al arte, mientras que la este acogerá actividades culturales y formativas.

Desde su apertura, el visitante podrá disfrutar de tres importantes exposiciones: la obra de Carsten Höller, que recorre la última década de producción del artista belga, la ligereza y atrevimiento de los dibujos de Goya, y el arte en el cambio de siglo. Las obras se mantendrán hasta el 10 y 24 de septiembre, y 1 de enero, respectivamente. Desde este momento, es cuando el arte y la cultura tienen que dejar la semilla en el público y esperar que germine.

Tras el acto inaugural, fueron varias las actividades que duraron hasta bien entrada la noche, culminando con un espectáculo de luz y sonido en el recién estrenado edificio.

Vista del Centro Botín.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro. 

Néstor Navarro

Europa a través de Atlántida Film Fest

VII Atlántida Film Fest
Diversas sedes de Palma de Mallorca y plataforma Filmin
Hasta el 2 de julio de 2017

La 7ª edición de Atlàntida Film Fest vuelve a combinar su sede presencial en Palma de Mallorca y la virtual, a través de la plataforma Filmin, creadora del Festival.

Europa sigue siendo el eje temático del Festival y, para intentar entender mejor la realidad del continente, el festival propone una combinación de proyecciones, conferencias, conciertos y talleres profesionales en escenarios emblemáticos de la ciudad como Ses Voltes, el Museo de Mallorca, el Castillo de Bellver, el Centro de Cultura de la Misericordia y Cine Ciutat.

Tras superar los 4.500 espectadores en Palma en su pasada edición (y los 45.000 online), Atlántida Film Fest ha decidido incrementar el número de proyecciones en la isla, pasando de 10 a 18 títulos. Todos ellos pueden verse en versión original con subtítulos en castellano y/o catalán de forma gratuita hasta el 2 de julio de 2017.

Atlántida Film Fest. Makma

Entre los estrenos que acoge la isla cabe destacar ‘Sea Sorrow’, el debut en la dirección de la ganadora del Oscar, el Globo de Oro, el Bafta y el Tony, Vanessa Redgrave. La mítica actriz vendrá a Mallorca para presentar esta obra, una reflexión muy personal y dinámica sobre la crisis mundial actual de los refugiados que ha despertado el elogio unánime entre crítica y público tras su estreno mundial en el reciente Festival de Cannes. La actriz estará acompañada por la cineasta Isabel Coixet y ambas mantendrán un pequeño diálogo sobre el filme, rubricándose, de este modo, el acto de clausura del festival, el próximo 2 de julio a las 21:30 en Ses Voltes.

Jean Ziegler, amigo personal del Che, relator de la ONU durante una década y uno de los grandes nombres del análisis político de Europa, presenta el biopic que se ha rodado sobre él, ‘Jean Ziegler, the optimism of willpower’, junto al director Nicolas Wadimoff.

De Italia llegará Michele Santoro, periodista, presentador, antiguo director de la RAI y colaborador con la UE en sus relaciones con Rusia. Santoro porta su debut cinematográfico, ‘Robinú’, un docuthriller centrado en los niños de la droga de Nápoles. Una obra brutal que acaba de ser reivindicada por el autor de ‘Gomorra’, Roberto Saviano.

Entre el resto de documentales seleccionados en esta edición de Atlántida Film Fest cabe destacar el tributo que Tilda Swinton rinde a John Berger (‘The Seasons in Quincy’); la polémica disección de la industria del cine para adultos, ‘Pornocracy’, con la que su directora, Ovidie, conmocionó el Festival SXSW; la adaptación de la obra por la que Svetlana Aleksiévich ganó el Premio Nobel de Literatura, ‘Voces de Chernóbil’; un documento de las brutalidades que acontecen en las carreteras rusas, ‘The Road Movie’ y dos películas imprescindibles para entender el funcionamiento de la Unión Europea: ‘Stranger in Paradise’ y ‘The European’, obra que sigue las peripecias del vicepresidente de la Comisión Europea Frans Timmermans, entre el pacto con Turquía y el Brexit.

En el terreno de ficciones el festival vivirá el estreno de la nueva película del oscarizado Michel Gondry, ‘Microbe et Gasoil’; las triunfadoras de los festivales de Málaga (‘Júlia Ist’), San Sebastián (‘Park’) y D’A (‘La maldita primavera’) junto a la última aparición cinematográfica de Anton Yeltchin, ‘Porto’ y el estreno en España de la controvertida ‘This is our land’, centrada en un partido político de extrema derecha en Francia.

A estos títulos hay que añadir 2 producciones baleares que se estrenan simultáneamente en la web del festival, en cine en Palma y en IB3Tv, ‘Vida y muerte de un arquitecto’, un docuthriller firmado por Miguel Eek sobre el misterioso asesinato de Josep Ferragut y ‘En acabar’, una comedia romántica juvenil ambientada en el verano mallorquín dirigida por Guillem Miró y Thor Echevarría. A ellas hay que añadir otra obra balear, “Gas the Arabs” una visión cruda de la realidad Palestina a cargo de Carles Bover y Javier Pérez del Campo.

Las conferencias se encuentran coordinadas por el European Council on Foreign Relations, permitiendo disfrutar, entre otros, de Peter Pomerantsev, Nadia Parfan, Anna Terron, Javi López y Francisco de Borja Lasheras. A ellos se les suman los expertos en arte, Enrique Juncosa y Andreu Jaume.

El festival también organiza un taller de animación para niños de 7 a 12 años coordinado por Mario Torrecillas y dos días de jornadas profesionales alrededor del VR (Virtual Reality), que contará con expertos provinientes de empresas de referencia como Khora y Wide VR.

El cartel de este año ha sido obra de Albert Pinya, premio al Mejor Artista Español en Arco, quien toma el relevo de Miquel Barceló, autor de la anterior edición.

Vanessa Redgrave frente a una imagen de Eleanor Roosevelt anunciando la Declaración Universal de los Derechos Humanos en 1948, perteneciente al documental 'Sea Sorrow'. Fotografía cortesía del festival.

Vanessa Redgrave frente a una imagen de Eleanor Roosevelt anunciando la Declaración Universal de los Derechos Humanos en 1948, perteneciente al documental ‘Sea Sorrow’. Fotografía cortesía del festival.

 

 

Valencia, La más limpia del Mediterráneo

La más limpia del Mediterráneo
Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 1. Valencia
Del miércoles 28 al viernes 30 de junio de 2017

La Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia acoge desde el miércoles 28 de junio al próximo viernes la exposición ‘La más limpia del Mediterráneo’, organizada por Amigos de la Tierra, GECEN, Greenpeace, Surfrider y Retorna, entre otras organizaciones.

Esta exposición forma parte de la campaña de sensibilización ciudadana que, con el lema ‘Comunidad Valenciana – La más limpia del Mediterráneo- estas organizaciones han impulsado en 15 ciudades y pueblos de la comunidad, a lo largo de los meses de mayo y junio.

Visión de la muestra 'La más limpia del Mediterráneo' en el Salón de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

Visión de la muestra ‘La más limpia del Mediterráneo’ en la Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

Junto a todos los ayuntamientos de los municipios visitados y diferentes cargos públicos de las diputaciones y del Consell de la Generalitat, han participado en la campaña más de 2.500 niñas y niños de 27 escuelas e institutos. Y tanto los más jóvenes como los mayores se han ilusionado con la oportunidad de construir entre todos una región mucho más sana y sostenible.

La campaña ha girado en torno a una exposición itinerante que da a conocer el problema del abandono de residuos en nuestro territorio y propone las soluciones para acabar con esta realidad y convertir a la Comunidad Valenciana en la región más limpia del Mediterráneo.

Entre estas soluciones figuran el retorno de latas y botellas a la tienda, la prohibición de las bolsas de plástico de un solo uso, el fomento de los envases reutilizables y la promoción de la venta a granel. Como culminación de todo este periplo por la comunidad, la exposición se instala en la Sala de Cristal del Ayuntamiento, entre las fechas del 28 y el 30 de junio en horario de mañana.

Vista de la exposición La más neta del Mediterrani.

Vista de la exposición ‘La más limpia del Mediterráneo’, en la Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

‘Génesis’, la reconexión con el mundo

‘Génesis’, de Sebastiao Salgado
Plaza Porticada. Santander
Del 15 de junio al 15 de julio de 2017

La Plaza Porticada de Santander acoge, desde el pasado 15 de junio, la exposición ‘Génesis’ del artista brasileño Sebastiao Salgado, la cual forma parte del programa ‘Arte en la calle’, de Obra Social “la Caixa”, con el objetivo de convertir la capital cántabra en un museo al aire libre y acercar la obra de importantes artistas al público en general. La muestra abarca las copias de 38 obras del artista divididas en cinco categorías: La Amazona y el pantanal, las tierras del norte, Santuario, África y Los confines del sur.

Imagen de Sebastiao Salgado de la exposición 'Génesis'. Foto: Danae N

Imagen de Sebastiao Salgado de la exposición ‘Génesis’. Foto: Danae N

 
El proyecto de Salgado, resultado de ocho años de trabajo, no solo nos acerca a los entornos naturales vírgenes, sino que llama a pasar a la acción. Y lo hace alguien como Salgado que, junto con Leia Wanick, ha plantado más de dos millones de árboles para repoblar el sureste de Brasil.

‘Génesis” pretende desandar lo andado, rebobinar siglos de historia para encontrarnos de nuevo en el origen de lo que hoy conocemos y, durante ese camino, tomar conciencia de lo que nos rodea.

Imagen de Sebastiao Salgado en la exposición 'Génesis'

Imagen de Sebastiao Salgado en la exposición ‘Génesis’. Foto: Danae N

Todo esto a través de fotografías en blanco y negro que impactan al primer vistazo y que reflejan una realidad que apenas se ha visto alterada con el paso de los años. ‘Génesis’ busca reconectar con el lado más salvaje y lejano de nuestro mundo.

La obra de Salgado es un toque de atención, un último aviso para que cuidemos el lugar en el que habitamos, una advertencia en forma de instantáneas de inmensa belleza que busca promover el respeto y la conciencia por lo que nos rodea.

Video sobre la exposición ‘Génesis’ realizado por Néstor Navarro:

Sebastiao Salgado 2 from Makma on Vimeo.

Danae N

Sala Russafa entrega los VI Premios del Público

Entrega de los VI Premios del Público de Sala Russafa
Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques de Ruzafa
Denia 55, Valencia

Los Premios del Público de Sala Russafa han celebrado su sexta edición con una sencilla entrega en el Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques de Ruzafa.

Juan Carlos Garés, uno de los responsables de Sala Russafa, ha señalado que esta iniciativa nació con un doble propósito. Por una parte, el de paliar la ausencia de reconocimientos oficiales a los profesionales de las artes escénica. “Hoy en día, asociaciones como AVETID o AAPV también cuentan con sus propios galardones. Los de Sala Russafa son un granito de arena más en un objetivo común, apoyar a que se valore y estimule a quienes se esfuerzan por mantener el teatro, la danza, la música vivas”, ha apuntado Garés, quien espera que se hagan efectivos los galardones institucionales anunciados para 2018.

El segundo propósito era involucrar al público en la programación de la sala, permitiéndole expresar su opinión y ofreciéndoles la oportunidad de ejercer un papel más interactivo.

Tras cada representación, los espectadores han podido cumplimentar una papeleta puntuando del 1 al 10 el espectáculo que acababan de ver, exceptuando los producidos íntegramente por la compañía Arden, vinculada a la dirección del centro, o la propia Sala Russafa.

Al acabar la temporada de programación regular, se ha hecho el recuento de todos los votos recogidos, sacando una nota media de cada espectáculo para que no influyera la cantidad de espectadores que lo vieron ni el número de funciones ofrecido. Con ese sistema se busca dar las mismas oportunidades a todas las propuestas que han pasado por el teatro. Por este sistema se han otorgado 6 de las 10 categorías.  En el resto ha sido el propio centro cultural y los patrocinadores quienes han valorado diferentes aspectos.

Imagen de la entrega del Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, que ha recalado en la obra 'Moby Dick (el mal amor)', de la compañía Transfermove. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la entrega del Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, que ha recalado en la obra ‘Moby Dick (el mal amor)’, de la compañía Transfermove. Fotografía cortesía de los organizadores.

LA COMPAÑÍA ZARAGONAZA ‘LA CASA ESCÉNICA’ Y LAS VALENCIANAS ‘HIJOS DE ANTONIO’ Y ‘TONI APARISI-TRANSFERMOVE’, DISTINGUIDAS CON LOS PREMIOS DEL PÚBLICO DE SALA RUSSAFA

Varias entidades se suman a esta iniciativa de apoyo al sector de las artes escénicas. En las primeras seis categorías, el papel de los colaboradores ha sido el de dar nombre al premio y aportar el galardón, porque el voto ha sido exclusivamente de los espectadores.

El Premio Urban-Levante EMV al Mejor Espectáculo Valenciano de Teatro, en el que colabora el suplemento de ocio y cultura, ha sido para el montaje de ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’, producido por la compañía Hijos de Antonio. Kika Garcelán dirige esta pieza escrita por Juan Mayorga que pasó por la sala en el mes de marzo.

El Premio Makma al Mejor Espectáculo Nacional de Teatro, apadrinado por el portal cultural, ha recaído en ‘Marx en el Soho’, de la compañía La Casa Escénica, de Zaragoza. El éxito de Howard Zinn ha pasado por multitud de escenarios internacionales y llegó en octubre a Sala Russafa en un montaje dirigido por Esmeralda Gómez.

En cuanto al Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, en el que colabora la tienda especializada en vestuario para artes escénicas valenciana, el público ha escogido la pieza ‘Moby Dick (el mal amor)’, uno de los platos fuertes de apertura de la temporada y que volvió al escenario de Sala Russafa con motivo del Día Internacional de la Danza. La compañía de Toni Aparisi – Transfermove es la responsable de esta sensible propuesta creada y dirigida por el bailarín valenciano en la que se aborda la violencia de género.

El Premio C.C. Nuevo Centro al Mejor Espectáculo Teatral para Niños y Niñas ha sido para ‘El Tren Chimeneo’, de la formación Tras el Trapo, de Cádiz. Gaspar de la Zaranda dirige este homenaje a Gloria Fuertes que incluye textos originales, adaptaciones y extractos de historias creadas por la autora.

El Centro Comercial también ha apadrinado el Premio CC. Nuevo Centro al Mejor Espectáculo Teatral para la Primera Infancia, categoría de nueva creación. La Compañía Baychimo Teatro de Zamora ha recibido el galardón por ‘Todos sus patitos’, un espectáculo que adapta uno de los cuentos de Christian Duda, nominado para el Premio Alemán al Libro Infantil y Juvenil 2009.

Por último, el Premio Mondo Sonoro al Mejor Directo en Escena, en el que colabora la revista musical, ha sido para el espectáculo ‘Proyecto Blackstar’, dirigido por Remi Carreres, en el que interpretó en directo el último disco de David Bowie junto a Samuel Reina, Pablo ‘Andreas’ Pérez y Dani Cardona, apoyándose en proyecciones y animaciones audiovisuales del artista gráfico Epi Neuraska.

A diferencia de en los anteriores casos, el siguiente galardón lo ha decidido el propio centro cultural, atendiendo a criterios de innovación y originalidad escénica entre las propuestas que durante toda la temporada han pasado por el teatro. El Premio Sala Russafa al Espectáculo Revelación ha recaído en el montaje ‘Julio César’, de la formación valenciana Trece Teatro. Una versión del clásico de Shakespeare dirigida por Chema Cardeña, en la que se intercambian los roles, pasando los papeles masculinos a estar interpretados por mujeres y los femeninos por hombres.

Imagen de la entrega del Premio Sala Russafa al Mejor Espectáculo Revelación, que ha recalado en el montaje 'Julio César', de la compañía Trece Teatro.  Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la entrega del Premio Sala Russafa al Mejor Espectáculo Revelación, que ha recalado en el montaje ‘Julio César’, de la compañía Trece Teatro. Fotografía cortesía de los organizadores.

PREMIOS TAMBIÉN PARA LOS PROPIOS ESPECTADORES

Además de votar, el público de Sala Russafa también puede recibir reconocimientos. Es el caso del Premio Fundació Bromera al Mejor Trabajo Escolar. El centro cultural y los patrocinadores han escogido el de Albert Moreno Orengo, del Colegio San Luis Gonzaga. Y para el Premio Fundació Bromera al Mejor Colegio en Campaña Escolar han distinguido al Centro Educativo Gençana.

Por último, Sala Russafa y el Restaurante Lamaldo han patrocinado el Premio al Espectador 2017, escogido al azar entre todas las papeletas de votaciones recogidas. El galardón, que ha recaído en José Mª Cervell Pinillos, consiste en una invitación doble para la función que inaugurará la próxima temporada y una cena en el citado local.

El Centre Cultural d’Arts Escèniques i Docents Sala Russafa agradece a todos los colaboradores de esta iniciativa y a quienes han aportado su voto. Gracias a ellos se realiza este humilde reconocimiento a las propuestas que han pasado por el escenario del teatro durante su sexta temporada. Una iniciativa que defiende un concepto de espectador con un papel activo y una relación cercana entre quienes hacen posible las artes escénicas: sus profesionales y el público.

Imagen general de los diferentes galardonados y representantes de las entidades colaboradores de los VI Premios del Público de Sala Russafa. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen general de los diferentes galardonados y representantes de las entidades colaboradores de los VI Premios del Público de Sala Russafa. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Idea a la sombra, idea esquiva

La sombra de la idea, de Guillermo Pérez Villalta
Galería Gema Llamazares
C/ Instituto, 23. Gijón
Inauguración: miércoles 28 de junio, a las 20.00h
Hasta el 28 de agosto de 2017

Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, Cádiz, 1948) es un nombre referencial del panorama artístico y cultural de nuestro país que apenas necesita presentaciones. El éxito con que a lo largo de su carrera ha sido recibido su trabajo pictórico, que llegó a marcar una época, ha eclipsado inevitablemente otras facetas de su labor creativa a las que el artista dedica una especial atención, constante, diaria, como ocurre con el dibujo.

Esta disciplina, sin embargo, es nodal para entender en profundidad todos los aspectos de la compleja poética del artista. Como designan los preceptos clásicos, en ella la imagen mental cobra cuerpo por primera vez y el artista la maneja y modula hasta aproximarla con la mayor exactitud posible a un explícito plan compositivo, iconográfico y narrativo, que se detiene en la obra definitiva. Sin embargo, en el caso de Pérez Villalta, el dibujo es a la vez herramienta de ese tanteo aproximativo, en ese encaje entre las piezas que componen una imagen plástica, y a la vez estado prácticamente final de la misma, debido a lo acabo de su búsqueda, a lo exhaustivo de su proceso de análisis implícito en la disciplina, las cualidades formales, de piel, que implican.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

En resumen, gran parte de los dibujos de Pérez Villalta son obras definitivas y con una entidad comparable a la de los cuadros, joyas, decorados y arquitecturas, ornamentos, grabados o esculturas que se avanzan en ellos. En la selección presentada en esta ocasión puede comprobarse de manera explícita. Se trata de treinta y cinco dibujos, fechados en los últimos seis años (los más recientes se retiraron directamente de la mesa de trabajo del artista para su inclusión en la muestra), elegidos bajo esta exacta premisa, la de su “perfección” o consumación en el intento de acercarse a la idea, y que dan cuenta de la amplitud de registros e intereses que tientan a la curiosidad del artista en lo que podemos considerar su trabajo más íntimo y quizá menos conocido públicamente.

Treinta y cinco magníficos ejemplos de la capacidad de Pérez Villalta para construir mundos imaginarios, imposibles la mayoría de las veces, disparatados o maravillosos, según el caso, donde la geometría late por debajo de la variedad de formas caprichosas de una naturaleza, una arquitectura y una humanidad tras la que no puede esconderse del todo cierto deje melancólico… Técnicas clásicas, como la sanguina, el carbón, la tinta o la aguada, reflejan un completo dominio a la hora de amalgamar lo antiguo con lo contemporáneo, la ligereza con la severidad, lo muy culto con lo popular, la razón con la fantasía.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Maestro del eclecticismo consciente, guiado por los conceptos / significados implícitos en formas y estilos, antes que por la frivolidad o el mero capricho combinatorio, Pérez Villalta en este punto no tiene parangón en nuestra historia artística del último medio siglo, ocupando una posición verdaderamente singular con su repudio tanto de la ortodoxia del academicismo moderno como de su reverso reaccionario, complaciente y nostálgico. Creador irremediablemente solitario, incluso a su pesar, quizá Pérez Villalta es por ello hoy punto de fuga para muchos artistas de las más recientes generaciones que reconocen en él su valor y atractivo como figura pionera en distintos aspectos: la reivindicación desinhibida de las cuestiones de género; el desencanto frente a los dogmas estéticos hegemónicos; la recuperación de denostadas u olvidadas formas narrativas, autobiográficas, lúdicas; el carácter desdramatizado de su labor, sin caer ni en lo pueril ni en una impostada trascendencia…

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Y así, Pérez Villalta se nos muestra, en esta exposición, él mismo asombrosamente despierto, lúcido, juguetón, dinámico, pero consciente de la seriedad de una labor como el arte, en especial en tiempos tan tenebrosos como los que vivimos. Así, en su dominio de la técnica dibujística se delata su interés por el control de los sistemas de ordenación armónica del plano de representación y todas las variantes que el artista introduce en lo que a priori es una red rígida que controla y fija. También es en el dibujo donde se observa con mayor claridad esa infatigable curiosidad suya por la variedad y las variaciones entre polos en tensión (el dibujo le permite, según reconoce él, no tener que pintar muchos de los cuadros que idea), yendo ligero de equipaje, trabajando más rápido, para pasar a nuevos experimentos y dejar siquiera asomar inéditas propuestas.

En esta exposición, cuyo título alude al origen mítico de la disciplina según la leyenda de Plinio a manos de la hija del alfarero Butades, le vemos una vez más “a la caza de la idea esquiva”, como él ha dicho en alguna ocasión. En esta lucha, gozosa pero exigente, el dibujo es su mejor y más dúctil herramienta, su gran aliado; posiblemente el único capaz de seguir la increíble velocidad de su ojo y su pensamiento. ¡Fascinante!

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Óscar Alonso Molina