La razón cromática de Joaquín Capa en Galería 9

‘Colores abiertos’, de Joaquín Capa
Galería 9
Conde de Salvatierra 9, Valencia
Hasta el 16 de junio de 2017

Galería 9 acoge, hasta el 16 de junio de 2016, la exposición ‘Colores abiertos’, del artista santanderino Joaquín Capa, una selección de lienzos y obra gráfica enmarcada por la propia galería, reportadora de un lúcido testimonio conceptual que perfila, perseverantemente, la idiosincrasia del trabajo de uno de los excelsos e imprescindibles artistas y grabadores españoles del último medio siglo, autor de más de ochocientas ediciones de grabado a lo largo de su extensa trayectoria.

‘Colores abiertos’ supone un ejercicio reiterativo de las claves que vienen particularizando el devenir de sus inquietudes, asentando un mapa testimonial que huye, premeditadamente, de los microcosmos de la realidad no pictórica, solidifando un sostenido ejercicio de reflexión acerca los elementos y componentes esenciales de la pintura, polarizados en torno de motivos cromáticos que gozan ya de preeminencia desde la nominación de cada una de las obras, abogando por la centralidad del color que habita, verbigracia, en ‘Círculos azules color’, ‘Gris amarillo’, ‘Yellow yellow color’ o ‘Azul oro color’.

Imagen de la obra 'Seaside', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Imagen de la obra ‘Seaside’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Concebidas como un encuentro molecular con los límites de la materia, las manchas de color formulan espacios abstractos, se erigen en filtros imperfilados de la realidad, en la que habitan las geometrías euclídeas, las circunferencias que moran, como una constante, en casi toda su obra gráfica y pictórica, a la que incorpora, como una dilatada novedad, el empleo de tonos fluorescentes que, combinados con el empleo de tonos unificados del collage, posibilitan piezas como las que pertecen a la serie ‘Variante’ -’Variante Amarilla (Frankfurter Allgemeine)’, ‘Variante Amarilla (The Times)’ y ‘Variante Dos Flo (Il Messaggeri)’, a la que debe sumarse la ‘Variante’ del periódico ABC, no presente en la exposición-.

La obra, la existencia y el oficio de Joaquín Capa debe entenderse mediante un planteamiento de equilibrios entre los céfiros informalistas que rubrican sus influjos y la evolución heterodoxa de su dominio con el grabado, técnica con la que su punta seca sobre el zinc ha propiciado sus definitivos surcos como referencia incuestionable en este universal territorio de la impresión y cuyos fundamentos -en sempiterna huida de los plúmbeos academicismos- se han transformado en sostenido magisterio internacional, de América Central a la cosmpolita ciudad de Bhopal -en el centro de la India- en la que le fue premiado en su I Bienal Internacional, o sus sucesivas visitas a la Universidad de Baroda -en el centro oeste del vastísimo país asiático-, desde los albores de los años ochenta.

La relación de Capa con el grabado se gesta desde la estocástica, desde su primigenio manejo con el dibujo a plumilla en tinta china, recién cumplida su formación pictórica en la Escuela de Bellas de San Fernando -en la que sería alumno de primer curso de Antoñito López (cálido diminutivo con el que el artista se refiere al ínclito pintor de Tomelloso)-, en pleno distanciamiento de los postulados realistas que se manejaban por la gélida Meseta Central, trufada de vetustos radiodores y otros motivos de lo consuetudinario que alimentaban el manejo con los óleos.

Imagen de detalle de la obra 'Variante Amarilla (The Times)', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Imagen de detalle de la obra ‘Variante Amarilla (The Times)’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Se revelan, entonces, la figuras del grabador de orgien griego Dimitri Papagueorguiu -erigido en referencia de la técnica y sus enseñanzas desde el madrileño Estudio Boj, por el que han transitado los más ínclitos grabadores del horizonte artístico español desde 1958, Joaquín Capa entre ellos- y el artista británico Stanley William Hayter, uno de los grabadores más relevantes del siglo XX, en cuyo taller parisino -compartiendo vecindad con el conspicuo escultor suizo Alberto Giacometti- Capa, becado por la Fundación Juan March, incursiona, a mediados de los años setenta, en los territorios del empleo del color a través del aprendizaje de la técnica que porta, homónima, el también químico y geólogo londinense.

Ambas formaciones magistrales alimentan la focalización y predilección del artista santaderino durante más de tres lustros de dedicación exclusiva con las prensas, el entintado de láminas y las suaves crestas de metal que rebaban la superficie de la obra, y no sería hasta mediados de los años ochenta cuando se reconcilia con la pintura, sobre la que vuelca toda su experiencia con el grabado y a la que nutre con la interacción de texturas y el raspado como fuente de visualización de la tela, con el fin de controlar cuanto de indómito y mórbido habita en el lienzo como soporte. Existe en Capa, en consecuencia, una estrecha consanguinidad entre el grabado y la pintura, mediante una constante metodológica que impide el simultaneismo, en tanto que el artista concibe ambos territorios como oficios distintos que requieren de postulados formales antagónicos.

‘Colores abiertos’ permite, de este modo, aproximarse al oficio del sobresaliente acerbo técnico y creativo de un artista cuya perseverante inquietud por la síntesis aditiva del color ha posibilitado la génesis de un surco de abstracción que porta consigo la firma inconfundible y estilística de Joaquín Capa.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición 'Colores abiertos', en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición ‘Colores abiertos’, en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

 

El dinamismo en el color de Cristina Ghetti

Cristina Ghetti. Color-Enlightment.
Luz Botero Fine Art Gallery
Trump Ocean Club
Calle Punta Colón, Punta Pacífica
Ciudad de Panamá, Panamá
Inauguración 4 de mayo 2017

Dinámicas y ópticas de la luz

El movimiento define a la vida, sobretodo porque identifica al tiempo. Y con ello a todo lo que es. La transformación geológica del planeta, la transformación del paisaje, el cambio social, el progreso tecnocientífico, la vida de un ser humano, de una mosca, de una microcélula o de una partícula subatómica: todo es tiempo y vida porque se manifiesta en el movimiento, aunque éste fuere invisible. Esta idea –aún irresoluta para la ciencia- es particularmente expresada por el arte, ya sea por su vocación de registro, de fijación del instante, por su capacidad de ilusión, o en su interés por las mecánicas del espacio, dando expresión a lo que los ojos no ven sin ser invocados a participar en el acontecimiento. En su historiografía, el arte ha recorrido desde la emulación del entorno y la idealización hasta su deconstrucción y conceptualización, de la magia a la razón y a la ciencia, pero es en su manifestación o interpretación del tiempo en el movimiento donde halla esencias.

Imagen de la exposición de Cristina Ghetti en el proceso de montaje.

Imagen de la exposición de Cristina Ghetti en el proceso de montaje.

Punto de inflexión, en las vanguardias del XIX, el Impresionismo en su captura de la luz fugaz, el Futurismo y su exaltación de la velocidad social e industrial, el Surrealismo en su vértigo narrativo y las experiencias de la geometría abstracta se nutrieron y experimentaron en ello desde diversos intereses que se acrisolarían –en los 60s- en la exploración lógica y técnica del movimiento en su percepción con el Cinetismo y el Op Art. Como referentes geo culturales, el húngaro Víctor Vasarely y el argentino Julio le Parc ahondarían en la relación de la obra de arte sobre el espectador ya sea en la interactividad física como en el desplazamiento intraocular de la imagen, dejando un rico legado del que la, también argentina, artista Cristina Ghetti es cabal heredera.

Autora que ha experimentado en diversos soportes como la instalación y la intervención urbana, la obra de Ghetti sintoniza tanto con los postulados del arte óptico como de la Psicología de la Percepción –caso de la Gestalt-, además de las tesis de la Física que interpretan la partícula como una elongación vibrante expresada en la teoría de las Supercuerdas, y lo hace mediante una elegante estética centrada en la energía radiante producida por series de franjas que discurren paralelas y ondulan en sinuosas líneas, pueden sugerir su contracción o su dilatación, o pueden proyectarse desde un eje infinito, con el resultado de la experiencia del movimiento en lo estático. La experiencia de lo uno y lo otro que es la experimentación del tiempo.

???????????????

Dualidades entre la energía cinética y la energía potencial elástica, sus pinturas destacan –amén de por su concentrada resolución en la plasmación de la luz- por una diáfana armonía trascendiendo su estética a la experiencia personal del mirar y/o el ver. Las tensiones y superposiciones pictóricas, origen del efecto óptico y resultado del cálculo algorítmico, quedan explícitas en sus relieves y pictoesculturas policromas, exaltación de la línea como energía en acción de luz, forma y color vivaz en las cuales la ilusión del plano sobre plano pictórico queda de manifiesto tridimensionalmente a partir de la interactividad física del espectador, conminado lúdicamente a verificar la trastienda de la mirada, a investigar en el espacio. Cristina Ghetti expone aquí un repertorio de sus últimas series, que suma a la síntesis formal y el cálculo la vehemencia sensual, en un viaje perceptivo –ida y vuelta- entre lo que la retina intenta fijar y lo que la psique identifica.

Christian Parra-Duhalde

Las redes de Lola Pascual en Brut

Lola Pascual. Redes.
Espacio Brut
Calle Pelayo, 68 - 28004 MADRID
www.espaciobrut.com
Hasta el 24 de mayo de 2017

En unas declaraciones de Umberto Ecco al diario italiano La Stampa, el fallecido escritor Premio Príncipe de Asturias aseguró que “Las redes sociales le dan el derecho de hablar a legiones de idiotas que hablaban sólo en el bar después de haber bebido algún vaso de vino. Individuos que eran silenciados rápidamente por la estupidez de sus palabras y que ahora tienen el mismo derecho a hablar que un premio Nobel. Es la invasión de los necios en la red’’.

1.(54 X 79 cm.)jpg - copia

Ciertamente, aún desde el lugar más inhóspito, las redes hacen posible contactar con el mundo entero a un solo click, manteniéndonos en la misma equidistancia entre la necedad y el ingenio, entre la mediocridad y la falta de rigor, entre la abundante basura y la escasez de pepitas de oro. Tal vez por ello Lola Pascual (Valencia, 1956)  no piensa en esas redes, las suyas no tienen nada que ver con la conectividad virtual, son en realidad manchas de tinta estiradas.

Líneas con nudos que evocan al pescador de antaño, al personaje que sale a faenar y respeta el medio que le da de comer, pero también recuerdan al buque arrastrero que esquilma el mar, al que no respeta el tamaño de sus capturas ni piensa en la necesidad de sostener la cadena de la naturaleza. Al fin y al cabo es víctima del sistema, de la red de economía de mercado que atrapa a la sociedad de consumo en una carrera sin frenos, de la red que detiene el balón cuando entra en la portería del deporte rey. Deporte convertido en una anestesia del sistema para adormecer a la sociedad ante la caja tonta.

Algo así como el pan y circo en que también los gladiadores usaban redes y mantenían entretenido al pueblo de Roma. Redes versátiles y sutiles, entramados que enmarañan y lían, que envuelven con la flexibilidad e inmovilizan con su maleabilidad. Redes sencillas y humildes que la memoria identifica con tramas entretejidas de hilaturas infinitas y recias. Redes que dependiendo de la mano en la que caigan, serán instrumento usado con inteligencia y equilibrio o no serán más que una herramienta destructora de la avaricia. En esto no hay diferencias. Tanto una red como las otras, todas son capaces de atrapar, empujar o arrimar, liberar o esclavizar.

????????????

De todas estas redes que Lola Pascual presenta, hay un precedente en una serie de dibujos que bajo el título “Entramados” acogió el Colegio de España de París (2015), aquellas piezas ya destacaron por la refinada y natural elaboración a plumilla, pincel, lápiz o surco, y hasta aquí llegan sus parientes en forma de proyecto cuidado y minucioso que llama a ser observado con calma, y para reivindicarse como arte de elaborado y sutil sello reflexivo.

????????????

Vicente Chambó

El propósito y la perseverancia de ‘Razón y Tiempo’

‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’, exposición colectiva
Jorge Carla, Calo Carratalá, Manuel Olías, José Plá y Felicia Puerta
Comisariada por Marisa Giménez
Facultat de Ciències Socials
Sala de exposiciones Manuela Ballester
Tarongers 4b, Valencia
Hasta el 15 de marzo de 2017

Partiendo de la naturaleza de la razón asociada indefectiblemente a la diànoia, es decir, al conocimiento discursivo por oposición al nous o conocimiento intuitivo, y en tanto que seres humanos portadores de la razón como herramienta o facultad de identificación y discernimiento de conceptos, cabe asumir que esta facultad inherente, cuando se emplea con un grado de mayor complejidad, es, a la par, propiciatoria de una senda hacia la que conducirnos, traza el camino hacia un objetivo y revela su pulsión teleológica, es decir, concibe una causa material y formal, alumbra un propósito.

Si esta razón, que perfila un camino, se ve asociada, por ley de contigüidad o semejanza, con el concepto de tiempo, la comunión entre la facultad y la magnitud concluyen erigiéndose en causa indubitalbe de un efecto: la perseverancia.

Y viene a ser la perseverancia el núcleo determinante que emparenta a los cinco artistas -Jorge Carla, Calo Carratalá, Manuel Olías, José Plá y Felicia Puerta- que conforman la exposición colectiva ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’, bajo la labor comisarial de Marisa Giménez, responsable, junto a Tete Amat, de ‘Doce Islas’ y de la extinta ‘La esfera azul’, y que puede razonarse en la sala Manuela Ballester de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Valencia.

Razón y Tiempo. Makma

No es ni mucho menos casual que se aluda a la pintura en la subtitulación expositiva, puesto que los cinco autores, aún cuando desarrollen trayectorias de diverso orden subtécnico y curricular, orientan sus perseverancias y representaciones gráficas hacia la razón pictórica.

De este modo, por razones de peso cualitativo, la comisaria Marisa Giménez procura, con esta confluencia, “reconocer la labor de los artistas que durante décadas han trabajado en Valencia”, y que por un motivo generacional transitan en el envés de los oropeles institucionales y de las convocatorias, cuyos fundamentos apriorísticos premian la emergencia o la aedada revisitación antológica. Sumémosle a ello el recurso habitual en los planteamientos expositivos de una perversa acepción del término arte comprometido, cuya preeminencia en los cronogramas imposibilita, en numerosas ocasiones, focalizar la atención en propuestas y trayectorias que palpitan en los márgenes del novísimo pensamiento estético único (una nueva forma de ortodoxia proposicional hace eclosionar insospechados heterodoxos).

Márgenes, estructura, mecánica de la imagen, uliginosos paisajes e identificación reportan, de este modo, morfología última a la razón primera que habita en ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’.

Jorge Carla, Marisa Giménez, Calo Carratalá, Felicia Puerta, Manuel Olías, Tete Amat y José Plá durante un instante de la inauguración de 'Razón y Tiempo. El camino de la pintura'. Fotografía: Merche Medina.

Jorge Carla, Marisa Giménez, Calo Carratalá, Felicia Puerta, Manuel Olías, Tete Amat y José Plá durante un instante de la inauguración de ‘Razón y Tiempo. El camino de la pintura’. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

Just in Heaven: Inma Coll en ‘La maleta de Victoria’

‘También los ángeles tienen alas’, de Inma Coll
La maleta de Victoria
Buenos Aires 5, Valencia
Hasta el 31 de marzo de 2017

“¡Quién, si yo gritase, me escucharía entre la jerarquía de los ángeles!”
‘Elegías de Duino’, Reiner María Rilke

‘También los ángeles tienen alas’ es el título de la exposición de la artista Inma Coll en el delicadísimo espacio del barrio de Ruzafa ‘La maleta de Victoria’: una veintena de obras de distintas técnicas y formatos de una estupenda pintora de larga trayectoria, con más de 56 exposiciones y ferias nacionales e internacionales, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia (1980) y diplomada en Diseño por la Università Internazionale dell’Arte de Firenze (Italia) (1983), Inma Coll también cursó estudios de grabado calcográfico en el Instituto de Artes Gráficas de Santa Reparata (Florencia).

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

La presencia de los ángeles como tema del arte, especialmente de la pintura, ha permitido la creación de todo un imaginario de símbolos bajo la insoslayable mirada de aquel archiconocido detalle de la ‘Madonna Sixtina’, el cuadro que Rafael Sanzio pintó en el siglo XVI; un imaginario que tiene como hitos más hermosos, por citar sólo algunos gustos personales ubicados en El Prado, la ‘Santa Cecilia’ de Nicolas Pussin, el boceto sobre la felicidad eterna de José de Madrazo y Agudo o la multitud angélica concentrada bajo la ‘Inmaculada niña’ de Francisco de Zurbarán.

Sin embargo, una primera mirada a la obra tan clásica como brutal de Inma Coll emplaza de inmediato al visitante a la apertura de ese referente alado, que posiblemente desde la penúltima revolución científica no sea ya sino una expresión efímera del contradictorio estado del espíritu más humano y a cuya imposible disección le ha dedicado tantas páginas la angeología. Así, desde ‘Nacer de un ángel’, el collage de gran tamaño con el que se inicia el inquietante paseo por el cielo a través de las obras de Inma Coll, todo nuestro cuerpo y no sólo el tradicional destino de las emociones –el corazón y la cabeza– se tensa y pone en guardia.

Inma Coll. Makma

Ángeles, como la propia pintura de Coll, nada inocentes. Ángeles, como la propia pintura de Coll, poco convencionales. Ángeles impuros, ángeles de complejas revelaciones. Hay un ángel negro entre tela metálica y zinc que atestigua el cosido que remienda un corazón quizás también quebrado y el impulso de esta artista de largo y coherente recorrido por la fina línea que separa (o que une) el horror y la belleza, esto es, la determinación por aprehender sobre el papel, la tabla y el lienzo el impacto último de lo sublime.

Hay problemas ontológicos (‘El sexo de los ángeles’), primitivismo, cuerpos, provocación, símbolos, pintura despojada de cálculos, de toda jactancia, de toda petulancia; hay grabados de dos ángeles, ecos de sexo y ángeles caídos, trapecistas (ángeles metafóricos), ángeles ilustres (Ícaro) y hay bestiarios (‘Mujer sobre glifo’, ‘El ángel exterminador’), hay autobiografía y erotismo, animalidad y delicadeza y en todos esos casos, los ángeles de Coll tienen, sobre todo, algo urgente que decirnos.

Los ángeles que orbitan sobre su obra no son blancos ni puros, sino llenos de palabras y obsesiones; el ángel es también o, sobre todo (recordémoslo), un mensajero de alegrías o de cataclismos, de textos crípticos o de amor hacia los hombres como en el bello filme de Wim Wenders ‘El cielo sobre Berlín’. Poder de la palabra, incluso cuando ésta cae sobre una sima invisible de la comunicación y desaparece (‘Ha pasado un ángel’). Hay, de hecho, en aquel ángel negro una de las piezas centrales de esta hermosa exposición, ecos de las ‘Elegías de Dunio’, el poema removedor de tripas y conciencia, que debió movilizar en su momento el pincel clásico, primitivo, moderno y contemporáneo de Inma Coll: de nuevo la fuerza primordial de las palabras.

Fotografía de una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

Fotografía de una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

Efectivamente, nada en el repaso del currículo de los ángeles (desde el anuncio del embarazo más complejo de la historia a la eminente llegada del apocalipsis) permite confiarnos demasiado en su gracilidad, en sus alas o en su peso. Ligeros, pero nada predecibles, son los ángeles, por eso, y porque algo semejante a una celebración es lo que suele ocurrir en el particular espacio de Victoria (un espacio donde la artista y artesana colombiana despliega toda la magia de su personal escenografía), una última nota debe recogerse: Inma Coll, que ha expuesto en tantos lugares, ha acertado al integrar esta excelente muestra de su arte en un espacio personalísimo y angélico, con ecos de Venecia, Florencia y Estrasburgo, lleno de ángeles que se confunden con la propia obra de una pintora (volvemos a Inma Coll) cercana a los espíritus celestes, a los códices y al arte románico, pero también a Grosz, a Bacon y a sus demonios, a los sentimientos febriles como cuerpos deformados, al derroche del arte y la lujuria, a Rilke y a toda su poesía.

‘El cielo está vacío’ es el nombre de, en mi opinión, una de las obras más emocionantes de Inma Coll, sin embargo, como ocurre con los mejores artistas, Coll también se contradice: su cielo, alborotado de cuerpos, Eros, sueños y desvelo, figuras clásicas, terror, belleza y fantasía no está vacío sino repleto de ángeles… terribles.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición 'También los ángeles tienen alas'. Fotografía cortesía de la artista.

La artista Inma Coll frente a una de las piezas que conforman la exposición ‘También los ángeles tienen alas’. Fotografía: FreeZia Estudio

Jesús García Cívico

 

Las galerías valencianas se vuelcan en ARCO’17

Feria ARCO Madrid 2017
Galería Luis Adelantado, Galería Rosa Santos, Espai Tactel, Galería Aural y Espai Visor.
Del 22 al 26 de febrero de 2017

Otro año más, la gran cita del arte contemporáneo español regresa a Madrid con un sinfín de propuestas que probablemente nos sorprenderán. Seguramente los grandes medios se harán eco de esa “obra” controvertida alejada de lo que es el arte contemporáneo español real. Al ver, leer o escuchar estas noticias quizás muchos se pregunten cuál es realmente el peso del galerismo valenciano en esta importante cita. Nos complace afirmar que, a pesar de la crisis económica y de las pocas facilidades existentes en nuestro país para el fomento del coleccionismo, la Comunidad Valenciana se mantiene a flote como puede y se caracteriza por exhibir obras de artistas de calidad.

Es por ello quizá que la ya veterana en la feria y referente de la ciudad de Valencia, la galería Luis Adelantado, dice querer explorar con la representación elegida la magnitud del arte contemporáneo. Todo un reto que solventa con una amplia exposición de un total de trece artistas. Por tanto, en la puesta en escena lucirán sus ya clásicos Luis Gordillo, Rubén Guerrero, una nueva escultura de Mathieu Mercier titulada ‘The King, his Lovers and their Bastard’, y por supuesto, el gran contrafuerte de la temporada pasada que fue Darío Villalba. De él, en una suerte de ejercicio histórico, se expondrán sus conocidos ‘Encapsulados’ y algunos de los ‘Documentos básicos’ de los 70.

La presencia extranjera acontecerá a través de las piezas escultóricas de Marius Engh, Gonçalo Barreiros y Yann Sérandour; las pinturas elegidas serán las de Camila Oliveira Fairclouhg y también podrán verse obras de las exposiciones actuales de Ting-Ting Cheng y Folkert de Jong. La apuesta española reside en el arte de Irma Álvarez-Laviada, en los jóvenes andaluces Fuentesal & Arenillas y en el pintor valenciano Álex Marco cuya obra ‘La hora loca de los gatos’ pudimos disfrutar en la creativa Boiler Room el pasado año 2015.

Obra de Mathieu Mercier titulada 'The King His Lover and Their Bastard'. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Obra de Mathieu Mercier titulada ‘The King, His Lover and Their Bastard’. Imagen cortesía Galería Luis Adelantado.

Más artistas españoles y sobre todo una mayor presencia femenina podrán disfrutarse en el stand 9E13, el correspondiente a la también habitual galería Rosa Santos. Obra de la reconocible Greta Alfaro, la característica teatralidad de Mira Bernabéu, las imágenes entrecruzadas de memoria histórica de la investigadora María Ruido o las esculturas de Elena Aitzkoa son parte del recorrido planteado por la galería. La obra visual de la premiada Andrea Canepa y el discurso contracultural y feminista de la italiana Chiara Fumai completan el elenco de mujeres artistas. El fundamental duotono de Chema López, los dibujos del barcelonés Xisco Mensua y las reflexiones entre espacio y poder de Xavier Arenós cierran el seguro exitoso muestrario de Rosa Santos.

La lista de artistas por la que apuesta Espai Visor es también muy amplia y combina los esfuerzos de contraposición entre la escena artística española y el arte de otros países europeos en la línea en la que la galería ha estado trabajando en los últimos años. Así, podrán adquirirse piezas de Ángeles Marco, Bleda y Rosa, Braco Dimitrijevic, Esther Ferrer, Françoise Janicot, Lea Lublin o el mural ‘Archivo Casa Ena’ de Patricia Gómez y María Jesús González, pieza que rescata la memoria a través de partes del susodicho hogar. Destacan los ‘Proyectos Especiales’ de Katalin Ladik, Endre Tót y Tamás Szentjóby. ‘Proyectos Especiales’ es el término que se refiere a obras de gran formato, de corte museístico que hacía mucho que no se veían por la feria. De hecho, Carlos Urroz califica a estas decena de piezas seleccionadas de “ambiciosas y arriesgadas” y que simbolizan un nivel de recuperación de la feria.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

Pieza de Chiara Fumai. Imagen cortesía Galería Rosa Santos.

La alicantina galería Aural amplía su stand hasta casi el doble que en otras ediciones presentando a ocho artistas a través de los cuáles han querido crear un proyecto en el cuál se incida en una reflexión sobre conceptos y planteamientos muy diversos basados en la investigación, la experimentación y el pensamiento crítico. El hilo conductor de su stand se sostiene en grandes figuras de la escena contemporánea, como la galardonada y Premio Nacional de Artes Plásticas, Concha Jérez, y también en las obras tipo libro de la reconocida Anna Bella Geiger, que desde luego exploran los discursos de esta gran artista cuya andadura comenzó en la Brasil de los años 70. También en representación del panorama latinoamericano, y enlazando con el país invitado de esta edición de ARCO, podrá escucharse y verse ‘Los invisibles’ de Ingrid Wildi Merino, una pieza audiovisual que pone su atención sobre la actual problemática de los inmigrantes y el territorio, así mismo la sonora instalación de Máximo González versa sobre el acto cotidiano de pasear y no dejará impasible a aquel la experimente.

‘La isla parlante’ de Isaac Montoya es otra de las obras con una clara intención política en las que se incide, la fotografía de Javier Vallhonrat, la reflexión sobre la imposibilidad de la imagen estética de José Maldonado o el trabajo conceptual y postminimal, aunque imposible de serializar, del zaragozano Fernando Sinaga que indaga y resalta la filosofía de Voltaire, clausuran el amplio coloquio visual (y sonoro) de la galería Aural.

Obra de Máximo González titulada 'Partitura'. Imagen cortesía Galería Aural.

Obra de Máximo González titulada ‘Partitura’. Imagen cortesía Galería Aural.

Por último, Espai Tactel se estrena en este ARCO 2017 con dos jóvenes promesas cuyos nombres no dejan de escucharse en los últimos meses. La alcoyana Rosana Antolí crea auténticas coreografías con sus geometrías, mientras que Fito Conesa experimenta con la comunicación, la música y el video.

Tras este exhaustivo análisis podemos afirmar que las galerías valencianas resaltan con sus propuestas el valor del video, de la escultura y también la confianza en la capacidad de las jóvenes promesas. Debemos valorar el impetuoso esfuerzo que hacen las galerías de la Comunidad Valenciana por no fallar, año tras año, a una feria que cada edición parece centrarse más en el mercado internacional, descuidando el nacional. Tampoco se puede ignorar los retos que han de afrontar para mostrar, en un breve espacio en forma de escaparate, todo el trabajo que temporada tras temporada exige tiempo, rivalidades y sobre todo muchísimo amor por la profesión.

María Ramis

La apuesta de Hybrid por el arte emergente internacional

‘Hybrid. Art Fair & Festival’
Petit Palace Santa Bárbara
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
Del 24 al 26 de febrero de 2017

Hybrid es un festival y una feria internacional de arte emergente creada gracias al programa de apoyo al arte joven de ImpulsArte by Petit Palace Hoteles que celebrará su primera edición los días 24, 25 y 26 de febrero de 2017, durante la Semana del Arte de Madrid.

Imagen de diversas obras de artistas presentes en Hybrid (de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Marie-Lou Desmeules, Diora Reshetnikova, Yassine Chouati, Sergio Frutos y Pierre Louis Geldenhuys). Fotografías cortesía de Hybrid.

Imagen de diversas obras de artistas presentes en Hybrid (de arriba a abajo y de izquierda a derecha: Marie-Lou Desmeules, Diora Reshetnikova, Yassine Chouati, Sergio Frutos y Pierre Louis Geldenhuys). Fotografías cortesía de Hybrid.

En Hybrid se podrá disfrutar del trabajo de más de un centenar de artistas emergentes procedentes de una exclusiva selección de 34 propuestas, entre galerías, colectivos y espacios de arte híbridos llegados desde siete países diferentes. Artistas españoles de gran proyección como Francisco Buenavida, Juan Carlos Rosa Casasola, Verónika Márquez, Christian Lagata, Olga de Dios o Irene Cruz expondrán sus nuevas obras en Hybrid. Los acompañarán artistas emergentes internacionales como Pierre Louis Geldenhuys, Marie-Lou Desmeules, Paloma Proudfoot, Angela Kaisers, Diora Reshetnikova, Dario Felicíssimo o Marcelo Macedo, entre otros.

A parte del programa general de expositores, Hybrid contará con una programación paralela en la que destacará una serie de performance comisariada por Mario Gutiérrez Cru (Acciones Hybridas), talleres y mesas redondas, una noche de música electrónica experimental, conciertos acústicos a mediodía y sesiones de Djs a últimas horas de la tarde.

‘Proyecto Quimera’

El equipo curatorial de la feria ha escogido seis  proyectos artísticos de corte híbrido que trabajarán en parejas para intervenir un ala del hotel Petit Palace Santa Bárbara donde se realizará Hybrid.

Hybrid. Makma

El punto de partida temático viene definido por la naturaleza misma de este proyecto multipolar. La instalación final no sólo reflexionará sobre las hibridaciones y sobre las virtudes de exponer en espacios de exhibición no tradicionales, sino que ‘Proyecto Quimera’, en tanto que animal híbrido, también define su temático por su otro significado: quimera como aquello que se propone a la imaginación como verdadero, sin serlo. El proyecto reflexiona sobre las promesas del arte, sobre los problemas de la emergencia artística o sobre el engaño desde un punto de vista más filosófico.

Desde este abierto punto de partida temático los comisarios y artistas de los espacios escogidos tendrán vía libre para hablar, crear y sorprender.

‘Acciones Hybridas’

En ‘Acciones Hybridas’ el comisario Mario Gutiérrez Cru ha reunido a seis accionistas que trabajan desde una búsqueda híbrida de conceptos, espacios de trabajo y personajes. Este ciclo presentará en los espacios comunes del hotel Petit Palace Santa Bárbara propuestas nuevas y/o creadas site specific para la programación de la feria internacional de arte emergente, Hybrid.

Andrés Montes y Laura Flores realizarán acciones continuadas en los pasillos y escaleras del hotel apartir de las 11:00 del sábado 25. De 17:30 a 19:30 horas se sucederán el resto de las acciones en el salón Santa Bárbara: Miguel Andrés, Víctor Colmenero Mir, Paula Lafuente en colaboración con Kike Medina Galán, Andrés Montes, Pan (Alberto Chinchón y Miguel Palancares).

Consultar toda la información en http://www.hybridartfair.com

Hybrid. Makma

La poética del azar y la espiritualidad se citan en Shiras

‘Cronologías del azar’, de Nuria Rodríguez
Sala Principal
‘Josep Ginestar’
Espacio Refugio
Shiras Galería
Vilaragut 3, Valencia
Del 9 de febrero al 18 de marzo de 2017
Inauguración: jueves, 9 de febrero, a las 19:30

El próximo jueves 9 de febrero a las 19.30h, Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, presenta en la sala principal el último trabajo plástico de la artista valenciana Nuria Rodríguez titulado ‘Cronologías del Azar’.

‘Historia Natural’ fue el último proyecto de Nuria Rodríguez presentado en la Sala de la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset y en la Galería Estampa (Madrid). Ahora, en Shiras Galería, muestra su nuevo trabajo ‘Cronologías del azar’, donde la artista da un paso más en su búsqueda de representaciones, creando un paraíso lleno de imágenes y recursos poéticos que no dejan al espectador indiferente, donde el público se convierte en parte fundamental de la obra. Esta exposición consolida su lenguaje multidisciplinar, que se centra en la práctica de la pintura, como un proceso de ensamblaje entre imágenes preexistentes de cualquier naturaleza.

“Una obstinada exploradora y coleccionista, el de una entregada diseñadora y pintora, el de una incansable lectora y cazadora de experiencias, en un sostenido aprendizaje continuo”. Así define el proceso creativo de la artista Román de la Calle, Catedrático de Estética y Teoría del Arte de la Universitat de València, en el texto escrito específicamente para el catálogo de la muestra ‘Cronologías del azar’.

Imagen de la obra 'La enciclopedia imaginaria de Borges', de Nuria Rodríguez. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘La enciclopedia imaginaria de Borges’, de Nuria Rodríguez. Fotografía cortesía de la galería.

La artista tiene la sensibilidad de convertir las palabras e ideas en imágenes. En sus obras afloran sus dos pasiones: la literatura y las artes plásticas. Nuria Rodríguez es una incansable lectora que refleja en su obra una colección de símbolos e historias como si se tratase de un juego, envolviendo al espectador en una lectura llena de recursos que le hacen sentir como un explorador científico del siglo XIX, como explica la artista sobre sus procesos creativos.

La exposición ‘Cronologías del azar’ es “el paraíso donde habitasen todas las imágenes y todas las palabras”, señala Román de la Calle. Para complementar su visión, la artista cuenta su admiración hacia la obra de Borges, quien prefería las enciclopedias antes que cualquier otro formato de libro, porque en ellas se formulan todas las preguntas y todas las respuestas.

Nuria Rodríguez es artista, docente y doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y ha expuesto sus proyectos en muestras internacionales en Argentina, Francia, Brasil, EEUU, México y Taiwan.

Igualmente, Espacio Refugio acoge una instalación y obras de Josep Ginestar, artista plástico de una amplia trayectoria; entre sus principales características se encuentran una potente sensibilidad para crear lazos entre las personas y los espacios arquitectónicos.

Su investigación se expresa con materiales humildes, extraídos de la naturaleza y vinculados con su experiencia espiritual. De trayectoria artística internacional, Ginestar es diplomado por la Escuela de Bellas Artes de Paris, maitirisse por la Université Paris VIII y doctorado por la Politécnica de Valencia. Ha expuesto sus proyectos en Italia, Francia, Portugal, Egipto, México, etc. Tiene una relación especial con el mundo árabe y en particular con Marruecos.

Imagen de la instalación 'Les Receptes', de Josep Ginestar. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la instalación ‘Les Receptes’, de Josep Ginestar. Fotografía cortesía de la galería.

 

Presentación del catálogo Ecos de la memoria 2016

Presentación del catálogo Ecos de la memoria 2016
Ana Serratosa Arte
C / Pascual y Genís 19, ático. Valencia
Jueves 2 de febrero, 2017, a las 20.00h

Fondo Arte-AS cierra el primer ciclo en proyectos artísticos (2012-2016) y prepara un segundo ciclo con diferentes proyectos para los próximos años. Para ello, ha convocado a artistas y comisarios artífices de las tres primeras ediciones con el fin de hacer la presentación del catálogo, acto en el que además se podrá disfrutar de una nueva muestra que los artistas de los proyectos anteriores han creado para el espacio Ana Serratosa Arte.

El catálogo cuenta con una edición para coleccionistas a la que se suman los dos catálogos de las ediciones anteriores, AlamedaLlum 2012 y Eclosión en Valencia 2014.

Imagen del catálogo de Alameda Llum. Artista Javier Riera.

Imagen del catálogo de Alameda Llum. Artista Javier Riera.

Para el acto de presentación, está previsto que excepto Bob Verschueren (Ecos de la memoria 2016) que actualmente se encuentra trabajando en otro proyecto artístico en Francia- todos los artistas y comisarios que han participado hagan una mesa redonda en la que tratarán temas de interés dentro panorama artístico internacional. ¿Qué papel ejercen las galerías dentro de los nuevos escenarios artísticos? ¿Qué sentido tiene acercar el arte al espacio público? ¿Tiene el arte tan solo el papel de conmover al espectador o también de alertarlo frente a cuestiones sociales y medioambientales? ¿Qué valor se le da actualmente al artista del “buen hacer”?.

Son algunas de las cuestiones que saldrán a debate en el acto. Pedro Medina (comisario de Ecos de la Memoria 2016), Anne-Marie Meslter (comisaria de Alameda Llum 2012), Marc Wellman (comisario de AlamedaLlum 2012), entre otros serán los encargados de dar respuesta, -si cabe- a todas ellas. A su vez, conoceremos la impresión acerca de las tres ediciones de proyectos al aire libre realizadas en Valencia con los propios artistas: Javier Riera, Julia Venske, Gregor Spänle.

Imagen de Eclosión en Valencia. Artistas Julia Venske & Gregor Spänle.

Imagen de Eclosión en Valencia. Artistas Julia Venske & Gregor Spänle.

El acto en sí, resuelve el final de un ciclo y marca el comienzo de otro nuevo para el que Fondo Arte-AS plantea una marcada línea profesional como modelo participativo, urbano y didáctico de una nueva forma de concebir la industria cultural contemporánea.

El ‘arte’ de vender arte

Mujeres galeristas
Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana (LaVac)

Vender obras de arte de elevado valor en una prestigiosa casa de subastas puede ser relativamente fácil. Hacerlo en pequeñas galerías, con un lastre de 21% de IVA y en una ciudad como Valencia, donde no existe una costumbre generalizada de consumir arte, es una ardua tarea. Una tarea que exige combinar cualidades diversas: espíritu empresarial, visión comercial y, sobre todo, sensibilidad artística para detectar nuevas firmas que reflejen las tendencias de cada momento. Además, sutileza psicológica para lidiar con los creadores y los clientes, con sus respectivas manías y exigencias. Este cúmulo de factores imprime un fuerte carácter vocacional y hace que la venta de una obra de arte pueda considerarse, en cierta manera, también una forma de arte.

Un arte para el que parecen mejor dotadas las mujeres como demuestra su creciente presencia en este mundo. Que por primera vez en la historia las prestigiosas galerías Tate estén a cargo de una mujer, la británica Maria Balshaw, de 46 años, es un hecho muy revelador.

En la Comunidad Valenciana la asociación LaVac, que reúne 18 de estos establecimientos dedicados al arte contemporáneo, 16 de las empresas que la integran son llevadas por mujeres. Unas son veteranas como  Agrait (Galería Punto) o Graciela Devincenzi (Alba Cabrera). Otras de reciente incorporación como Sara Joudi (Shiras) o Lucía Vilar y Cristina Chumillas (Pepita Lumier). También se pueden considerar históricas Visor, Adelantado, Rosa Santos, PazYcomedias…

Sara Joudi, de la galería Shiras. Imagen cortesía de la autora.

Sara Joudi, de la galería Shiras. Imagen cortesía de la autora.

“En las ferias de arte es muy frecuente ver mujeres directivas de grandes salas o asesoras de importantes colecciones”, dice Sara Joudi, artista siria afincada en Valencia que abrió hace un año la céntrica galería Shiras. “En este campo la mujer ha podido buscar su hueco y su desarrollo profesional”.

Conciliar la vida profesional con la personal sigue siendo una asignatura pendiente, opina, y para poder alcanzar el éxito muchas mujeres deben renunciar a la vida personal. “Pese a ello, hay grandes artistas mujeres, y un gran nivel de jóvenes emergentes. Creo que en gestión cultural la mujer tiene bastante más visibilidad, hay grandes profesionales galeristas que dejaron profunda huella en este país. Comisarias de exposiciones y periodistas especializadas que alcanzaron importantes metas profesionales”, concluye Joudi.

Esta realidad no significa que haya que echar las campanas al vuelo y cantar victoria. “La cantidad de mujeres en el mundo del arte es superior a los hombres, sin embargo, exponen mucho más los hombres que las mujeres”, dice Graciela Devincenzi, de Alba Cabrera. A pesar de que en las facultades de Bellas Artes estudian un 70% de mujeres, su presencia en el mercado es minoritaria.  En cuanto a los Premios Nacionales de Artes Plásticas otorgados desde 1994, sólo lo han recibido cuatro mujeres, y el de Fotografía sólo tres.

Graciela Devincenzi, de la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de la autora.

Graciela Devincenzi, de la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de la autora.

En octubre de 2017 la galería Alba Cabrera cumplirá 30 años, un récord sólo superado en Valencia por la galería Punto. Cuando le preguntas a Devincenzi por el secreto de su supervivencia, repite  una palabra: “Trabajo, trabajo y más trabajo”. Y da ejemplo con horarios maratonianos y su participación en distintas ferias internacionales. Recuerda el 2008 como el ‘annus horribilis’, un parón brusco del que ya se empieza a salir. Al igual que sus colegas, denuncia el tema del IVA que subió del 16% al 18% y luego a un 21%. “En Francia es del 5,67% y en Alemania del 7% y allí se consume mucho arte. El IVA español es un lastre terrible en las ferias internacionales”, comenta.

La mejor ayuda para el arte sería reducir el IVA, subraya Joudi. Su  galería Shiras, ritmo en su idioma, nació con una idea muy clara. “A causa de la crisis y el cierre de numerosas galerías, muchos artistas valencianos de primer orden se quedaron sin espacio expositivo y pensé en ofrecerles uno”, dice Joudi. “Mi criterio es combinar a los nuevos valores con los consolidados, como Miquel Navarro, Horacio Silva, Rafael Calduch, José Saborit o Javier Chapa entre otros”.

Cristina Chumillas (izquierda) y Lucía Vilar, de la galería Pepita Lumier. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Cristina Chumillas (izquierda) y Lucía Vilar, de la galería Pepita Lumier. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Cristina Chumillas y Lucía Vilar son socias y fundadoras de la galería Pepita Lumier especializada en ilustración, cómic, diseño, etcétera. Su criterio para elegir a los artistas es apostar por la calidad del trabajo de cada firma. “También procuramos que haya alternancia entre los autores consolidados y los noveles, y  traer a ilustradores que no han expuesto todavía en Valencia cuyo trabajo ya es reconocido a nivel internacional”.

¿Es Valencia una ciudad dura para los que se dedican al arte? “Tal vez lo sea desde dentro, pero cuando nos visitan clientes de Barcelona, Madrid u otro lugar, comentan lo cambiada que está esta ciudad”, responden. “Puede ser debido a dos motivos. Por un lado, que somos muy exigentes y no vemos todo lo que hacemos y, por otro, que seguimos ofreciendo una imagen al exterior que no refleja la realidad del día a día”.

Respecto a la relación con la Administración, consideran que es buena en cuanto a voluntad positiva. Por ejemplo, el Ayuntamiento acaba de conceder una ayuda a LaVac como soporte a la guía de todas las galerías. “Pero quizá la presencia de galerías de arte o de LaVac, como asociación, en determinadas decisiones no ha estado lo presente que se esperaba por parte del sector”, opinan las directoras de Pepita Lumiere.

“Hay salas de exposiciones dependientes del Ayuntamiento, en las que estaría bien contar con el asesoramiento de quien pone en valor a los artistas a la hora de llevar a cabo su programación, por ejemplo”, dicen. La falta de medios económicos limita esa buena voluntad política. “La Generalitat Valenciana o el IVAM sí invierten en celebraciones como Abierto Valencia adquiriendo y premiando la labor de artistas y galerías, pero no deja de ser algo puntual”, concluyen Lucía Vilar y Cristina Chumillas.

Responsables de galerías de Valencia. Imagen cortesía de LaVac.

Responsables de galerías de Valencia. Imagen cortesía de LaVac.

Bel Carrasco