La República satírica de Manuel Flores

Adéu al futur. Un homenatge a la República, de Manuel Flores
Colegio Mayor Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Hasta el 14 de septiembre de 2017

Manuel Azaña, en su discurso de 1937 en el Ayuntamiento de Madrid, se pregunta por la visión que tendría de España un ser inteligente proveniente de otro planeta, por ejemplo de Sirio. Y refiriéndose a esa inteligencia, pone en duda la nuestra: “Quiero suponer que viene de otro planeta, porque lo que es en el nuestro el número de hombres inteligentes ha disminuido de forma alarmante, y no es seguro encontrarlos con facilidad cuando se trata de examinar el problema de España”. Manuel Flores, echando mano del humor y dejando de lado el dramatismo que encierran las palabras de Azaña, ofrece en la Sala la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset su visión de tan convulsa República.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

“Azaña maneja cierto sentido del humor con un fondo dramático. Yo huyo de ese fondo, de esa imagen típica de confrontación, aunque haya existido, para distanciarme de ella con un toque de humor”, dice el autor de las 39 ilustraciones satíricas que dan forma a la exposición Adiós al Porvenir. Tomando como referencia las cartas del propio Manuel Azaña e inspirándose en el humor gráfico de la época, Flores da cuenta de una época “que se está tratando de revisar y de demonizar”.

¿Demonizar? ¿No hay también cierta Republicolatría? “Hablamos de una época convulsa y muy complicada a nivel europeo, con movimientos muy radicalizados”, explica el artista que lleva en una carpeta algunas de las revistas de época en las que se inspira: Gutiérrez y Gracia y Justicia. “Esa forma de dibujar está próxima a mi propia manera de hacerlo”. Y cita a humoristas como K-Hito, Tono o Mihura, de los que resalta precisamente su brillante faceta como ilustradores. De ellos y muchos otros se ha nutrido Flores para realizar sus dibujos llenos del color, que ya destacaba en aquellas ilustraciones de los años 30, junto a cierto constructivismo y cubismo de sus imágenes.

Cartel de la exposición Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Cartel de la exposición Adéu al futura, de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Quién sabe si influido por el hecho de haber nacido un 18 de julio (“quizás”, asume con ironía), Manuel Flores ha ido investigando en torno a la República quitándole ese aire de confrontación para centrarse en el humor: “Quería huir de la sangre y de la violencia que tanto daño nos ha hecho”. Y así, con esa distancia satírica y caricaturesca, “poner en valor todo lo que de bueno proporcionó la República: la posibilidad de votar por parte de la mujer, la educación, los avances sociales”. Porque, añade, “parece que hubo una sola República y sin embargo hubo otras en los diferentes periodos, incluso bajo gobierno de la derecha”.

Flores se hace cargo de todas ellas y se atreve a decir que él aceptaría la República “aunque estuviera al frente alguien de derechas”. En la exposición, trata en todo caso de “reproducir aquel ambiente en tono jocoso”. Ambiente que él caracteriza como de acoso “desde el primer minuto a Azaña”. Por eso lo recrea poblado de ”títeres” que están “dándose cachiporrazos unos a otros”. De hecho, el combate y la confrontación atraviesa el conjunto, como lo atraviesa la serie de intelectuales y humoristas de los que se hace eco en sus dibujos: Miguel de Unamuno, Edgar Neville, Miguel Mihura, Jardiel Poncela, José López Rubio, Antonio de Lara ‘tono’ y Ricardo García ‘K-Hito’.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores, en el Colegio Mayor Rector Peset.

Ilustración de la muestra Adéu al futura, de Manuel Flores, en el Colegio Mayor Rector Peset.

‘Adéu al futur’ posee un aire carnavalesco y gozoso que viene a servir de homenaje a los 80 años de la República, precisamente ahora que se conmemora igualmente el discurso de Azaña un 18 de julio en la Universitat de València. Las ilustraciones forman a su vez parte del libro editado por la editorial Media Vaca, germen de la exposición, cuyos editores Vicente Ferrer y Begoña Lobo son también sus comisarios. El Rector Peset acogerá la muestra hasta el 14 de septiembre, a cuyo acto de clausura está previsto que acudan la escritora Rosa Regàs y Jesús Cañete, de la Universidad de Alcalá de Henares, coproductora de la exposición que ya fue presentada en su claustro.

“El montaje aquí es distinto, por las propias dimensiones de la Sala de la Muralla y porque se incluyen partes de los textos de Azaña, con un tipo de letra semejante al de las máquinas de escribir de la época”. Para Flores, estas ilustraciones salidas de las páginas del libro y ahora colgadas en sendas exposiciones suponen un reconocimiento a su trabajo que no hubiera imaginado al principio: “Esto me supera”, afirma quien parece enmendarle la plana a Antonio Machado cuando dice en uno de los textos del ejemplar de Media Vaca: “Los españoles somos naturalmente reaccionarios, no porque estemos siempre enamorados de lo viejo, sino porque nuestra posición firme es siempre contra algo”. La República dibujada por Manuel Flores huye de ello, reflejándolo con humor.

Ilustración de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Ilustración de Manuel Flores. Imagen cortesía del Rector Peset.

Salva Torres

El excepcional legado de la saga de los Madrazo

El Mundo de los Madrazo. Colección de la Comunidad de Madrid
Museo de Bellas Artes Gravina (MUBAG)
C / Gravina, 13-15. Alicante
Hasta el 15 de octubre de 2017

Los Madrazo están considerados como la saga más célebre e influyente del ámbito artístico decimonónico español. A través de sus obras se pueden recorrer las diferentes corrientes artísticas del siglo XIX. Tres generaciones de pintores nos transmiten el pulso de su tiempo: José de Madrazo Agudo, sus hijos Luis y Federico de Madrazo Kuntz, y los hijos de Federico, Raimundo y Ricardo de Madrazo Garreta.

El Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la Diputación de Alicante y la Comunidad de Madrid exhiben en el Museo de Bellas Artes Gravina de Alicante la mayor colección que se ha reunido sobre esta familia de pintores. La exposición ‘El Mundo de los Madrazo. Colección de la Comunidad de Madrid’ se podrá ver en el museo alicantino hasta el 15 de octubre.

Raimundo de Madrazo Garreta.Margarita Tewart de Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Raimundo de Madrazo Garreta. Margarita Tewart de Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

La colección de los Madrazo pertenece a la Comunidad de Madrid desde 2006, gracias a una dación por pago de impuestos por parte de los descendientes directos de los pintores: María Teresa de Madrazo y Madrazo (hija única del pintor Luis de Madrazo Kuntz) y su esposo, Mario de Daza y Campos, que conservaban en su domicilio de Madrid un patrimonio extraordinario con obras de estos pintores.

Los Madrazo fueron pintores de éxito reconocidos y admirados internacionalmente. Artistas cosmopolitas e infatigables viajeros, completaron su formación en París y Roma ciudades en las que se relacionaron con las instituciones y los artistas más influyentes de la época. Desde sus importantes cargos oficiales en el Museo del Prado, la Academia y la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, José y Federico, pintores de Cámara, ejercieron de árbitros del arte español decimonónico.

Los Madrazo triunfaron como retratistas y posaron para ellos prestigiosos políticos, literatos y artistas de su tiempo, además de la aristocracia y la burguesía. Se transmitieron generacionalmente la habilidad en la captación del carácter de los representados que pintaron con depurada maestría.

La muestra reúne a través de 80 obras, “los tesoros” de temática costumbrista, religiosa y retratos recopilados y guardados por Mª Teresa de Madrazo y Madrazo. Obras que permiten al espectador un conocimiento de los hábitos y modas decimonónicas y dan rostro a una extensa familia que también destacó en el ámbito de la literatura, la arquitectura y la música.

Luis de Madrazo Kuntz. Maria Teresa de Madrazo y Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Luis de Madrazo Kuntz. Maria Teresa de Madrazo y Madrazo. Imagen cortesía del MUBAG.

Desde que la Comunidad de Madrid adquiriera la colección, ésta ha visitado diferentes ciudades españolas y europeas, pero es en Alicante cuando se podrá ver un discurso expositivo que reúne por primera vez a cinco generaciones Madrazo en una misma sala. Junto a ellos dos retratos de Isabel II sitúan a los autores en el contexto histórico del momento.

A continuación la muestra dedica, de forma cronológica, una sala a cada uno de los autores, lo que permite contemplar con detenimiento la estética que dominaba cada pintor. Además, como novedad, a las obras pictóricas, se ha sumado un conjunto de objetos y fotografías familiares así como correspondencia y apuntes de trabajo de los autores, una oportunidad única para descubrir los entresijos de esta familia de artistas y la historia que envuelve a estos retratos.

Según los comisarios, Montse Martí y Carlos González, para comprender la colección hay que tener en cuenta que esta selección no estaba pensada para ser obra de museo, sino para ser expuesta en una casa. Cada uno de estos cuadros guarda una historia.

La colección formaba un conjunto homogéneo, y a la vez cerrado, que había estado conservado en la esfera de la intimidad de la familia Madrazo, rasgo que la convierte en un legado excepcional. La exposición incluye un valioso testimonio que nos muestra cómo se hallaban las obras tras el desmantelamiento de la casa. Juan José Daza, heredero final de este patrimonio, abrió las puertas de su casa al fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto, Premio Nacional de Fotografía, quien realizó una serie denominada con el sugerente nombre de “La seda rota”, en la que se puede ver el ambiente y el contexto en el que se encontraban estas obras.

Jose de Madrazo Agudo. Marquesa de Branciforte. Imagen cortesía del MUBAG.

Jose de Madrazo Agudo. Marquesa de Branciforte. Imagen cortesía del MUBAG.

Prehistòria i Còmic ahora en Xàtiva

Prehistòria i Còmic
Espai Cultural del antiguo Convent de Sant Domènec
C / Sant Doménec, 7. Xàtiva (Valencia)
Hasta el 29 de octubre de 2017

La ciudad de Xàtiva es la primera parada del circuito itinerante de la muestra ’Prehistòria i Còmic’, una exposición producida por el Museu de Prehistòria, dependiente del Área de Cultura de la Diputación de Valencia, que representa un proyecto pionero en el Estado sobre la prehistoria y el cómic, el cual aborda esta compleja relación entre los tiempos prehistóricos y las historias de tantos y tantos héroes y heroínas de ficción. La muestra se podrá visitar hasta el próximo 29 de octubre en el Espai Cultural del antiguo Convent de Sant Domènec de la capital de la Costera.

El responsable del Área de Cultura de la Diputación, Xavier Rius, ha destacado que esta muestra “intergeneracional está pensada en clave muy didáctica”, con el claro propósito “de estimular a los más pequeños con la fantasía de los mundos imaginarios de la prehistoria», además de contar «con numerosos elementos de interés para los visitantes más  mayores”, ha indicado.

Vista de la exposición 'Prehistòria i Còmic'. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Vista de la exposición ‘Prehistòria i Còmic’ en Xàtiva. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

‘Prehistòria i Còmic’ ofrece una mirada sobre el mundo del cómic desde la propia prehistoria, de la mano de los grandes iconos universales presentes en nuestro imaginario y que nos remiten directamente a los tiempos más remotos. Recoge una gran diversidad de cómics, más de un centenar de ejemplares, que abarcan desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

El recorrido comienza con una reflexión científica sobre la representación gráfica de la prehistoria, que pivota sobre tres aspectos relacionados estrechamente con el mundo de la narración gráfica. Un ámbito inicial que propicia un recorrido por las primeras ilustraciones del origen de la Humanidad; desde la mitad del siglo XIX y hasta la actualidad; una referencia al arte rupestre levantino como la primera narración gráfica existente en nuestras tierras; y, finalmente, la novela de ficción como fuente de inspiración de muchos autores de cómics.

Seguidamente, se muestran los diferentes personajes que aparecen en los cómics, desde la visión infantil y caricaturesca hasta la más realista, pasando por los héroes selváticos y los primitivos monstruosos. A través de estos se descubre un mundo fantástico poblado por protagonistas inolvidables del cómic español, como Purk el Hombre de piedra, el Pequeño Pantera Negra, Altamiro de la cueva o Hug el troglodita, que comparten escenario con iconos del cómic americano, como Alley Oop, Tor, Los Picapiedra o Turok, además de otros héroes prehistóricos del cómic francófono no menos conocidos, como Tounga, Rahan, o las nuevas heroínas Lucy o Vo’ hounâ.

El tercer ámbito se estructura en cinco bloques correspondientes a los conceptos clave que el imaginario colectivo identifica con la prehistoria: los útiles, el fuego, el mundo de las fieras, el arte paleolítico y el megalitismo. Todo este despliegue de papel se apoya con réplicas de materiales arqueológicos del Museu de Prehistòria, como fósiles de grandes mamíferos, plaquetas grabadas, adornos o armas, entre otros. Acompañan el recorrido de la exposición numerosas tablas e ilustraciones, cuatro entrevistas a reconocidos ilustradores españoles y franceses y dos animaciones realizadas con tecnología 3D.

La exposición finaliza con una biblioteca infantil de cómics ambientados en la prehistoria, y un espacio didáctico y lúdico donde se reflexiona acerca de los grandes tópicos y anacronismos de la prehistoria. Todo ello con el fin de sumergir a los visitantes en un mundo de ficción para gozo de grandes y pequeños. Después de Xàtiva, la muestra ’Prehistòria i Còmic’ recorrerá otros espacios expositivos de diferentes municipios de las comarcas valencianas.

Vista de la exposición 'Prehistòria i Còmic' en Xàtiva. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Vista de la exposición ‘Prehistòria i Còmic’ en Xàtiva. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Un palco en el teatro del mundo. Cueto Lominchar

Un palco en el teatro del mundo. Colección Pura Formalidad. Cueto Lominchar
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
C/ Universitat, 2. Valencia
Hasta el 10 de septiembre de 2017

La nueva exposición del conocido fotógrafo Cueto Lominchar, se ubica en La Nau, antigua Universidad de Valencia fundada en el siglo XV, que actualmente, además de constituirse como sede del rectorado, cumple la función de espacio cultural, sirviendo como punto de encuentro a través de una seleccionada programación de diversas expresiones artísticas, como ocurre en el caso de la exposición que nos ocupa: Un palco en el teatro del mundo. Colección Pura Formalidad, en cuyo caso, el trabajo del artista en este enclave resultará significativo ya que desde el año 2011, el trabajo de Cueto Lominchar no había sido expuesto en Valencia.

La muestra, comisariada por Ricardo Forriols, se compone de una limitada selección del proyecto cuya extensión alcanza las dos mil imágenes para ser exactos. Puede resultar una cantidad abrumadora, pero, si se considera que la producción del artista oscilará entorno a las ochocientas mil imágenes, se comprende que se trate de una concienzuda elección.

Un palco en el teatro del mundo. Colección Pura Formalidad se insinúa claramente en dos apartados. El primero presenta una selección de retratos tomados, aparentemente al azar, retratos en los que se aprecian gestos y movimientos de personas anónimas, mientras llevan a cabo su vida inconscientes de ser objeto del punto de mira de la cámara de Cueto. La genialidad de esta primera aproximación reside en la desinhibición de los modelos, y en la delicadeza de las tomas. No se puede olvidar, la tendencia voyeur del propio artista, cuyo obturador capta instantes tras el cristal del propio estudio.

‘Un palco en el teatro del mundo’, de Cueto Lominchar. Imagen cortesía de la Universitat de València.

‘Un palco en el teatro del mundo’, de Cueto Lominchar. Imagen: cortesía de la Universitat de València.

En la segunda sección, se establece un marcado paralelismo entre las propias fotografías del autor y obras fundamentales en la cultura visual, abarcando desde ‘Diana cazadora’ obra atribuida al siglo XVI, hasta ejemplos cinematográficos como la ‘Ventana indiscreta’ obra fílmica de Hitchcook. Esta amable coincidencia, pone en alerta al espectador, quien posiblemente llegue a la conclusión de que no somos tan distintos, que en ocasionas la belleza de los detalles traspasa las fronteras espacio-temporales.

A pesar de los diferentes discursos, de ambas salas, no podemos olvidar que se trata de una exposición conjunta, y no de trabajos independientes. Ya que no podríamos alcanzar el paso comparativo, sin conocer el trabajo previo del autor.

Si retomamos, el aspecto de ver sin ser visto, resulta casi automático referirnos a conductas vinculadas a las redes sociales, entre las cuales nos escabullimos silenciosamente para conocer un poco más de las personas, conocidas o no. Por tanto, no deja de recordarnos a la conducta voyeur ya mencionada, viendo sin ser vistos. Del mismo modo, ‘Un palco en el teatro del mundo’, cumple quizá el mismo papel, exponiendo la ajetreada y aburrida vida común, tras el filtro de una cámara.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen cortesía del autor.

Dueto de Cueto Lominchar. Imagen: cortesía del autor.

Victoria Herrera Lluch

La Valencia olvidada, de pueblo en pueblo

La València olvidada, de Joaquín Collado
Muestra itinerante
Diputación de Valencia

La Diputación de Valencia ha firmado el documento por el que el fotógrafo valenciano Joaquín Collado autoriza al Museu Valencià d’Etnologia, dependiente del Área de Cultura, a itinerar las fotografías que conforman la exposición ’La València olvidada’, muestra que se exhibió en el MuVIM el año 2014, dentro del ciclo de actos ’Un mes amb Collado’.

La exposición se compone de un total de 89 obras realizadas entre los años 70 y las primeras décadas de los años 80 del siglo XX. El material se ha organizado en cinco apartados: barrio chino, gitanos, el rastro, San Esteban y otros. En el apartado dedicado al barrio chino se muestran imágenes tomadas de la cotidianidad de este singular ambiente de los años 70, todas ellas realizadas con un encuadre perfecto, donde el fotógrafo, disimuladamente, fotografiaba las diferentes escenas.

Fotografía de Joaquín Collado. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Fotografía de Joaquín Collado. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Por otra parte, las instantáneas relativas a la etnia gitana constituyen retratos desde una confianza que permite plasmar la mirada de un pueblo que quería recordar sus raíces. El rastro, el cual permanece fotografiado cuando aún éste se ubicaba en la plaza de Nápoles y Sicilia, muestra personas retratadas de forma directa, una vez más con la confianza que el fotógrafo establecía con el personaje.

En el apartado dedicado a la plaza de San Esteban se mezclan los juegos infantiles, la pobreza y la actividad de una juventud que jugaba a ser mayor. La exposición se cierra con un apartado general sobre València, donde se captan momentos fugaces enmarcados dentro una composición impecable.

Joaquín Collado nació en València en 1930 y se inició en la fotografía de forma autodidacta en 1965. Este ex empleado de banca cultivaba durante su tiempo libre su afición por fotografiar a personas, personajes y enclaves de la ciudad. Su mirada respecto de la vida urbana es una mezcla de inmediatez, fugacidad, búsqueda del instante óptimo y encuadre perfecto.

La muestra, comisariada por Luis Carrasco Llopis, cuenta con el apoyo de AGFOVAL (Agrupación Fotográfica Valenciana) y el Círculo Collado, y estará en itinerancia hasta el año 2021. Para el próximo ejercicio 2018, varios municipios valencianos como Ador, Gandia, Guadassuar, Algemesí, Bétera y Quartell ya han manifestado su interés en poder exhibir la muestra en sus principales salas.

Fotografía de Joaquín Collado. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Fotografía de Joaquín Collado. Imagen cortesía de la Diputación de Valencia.

Artistas de PAM! PAM! okupan el IVAM

PAM! PAM! 17
Mostra de Produccions Artístiques i Multimedia de la Universidad Politécnica de Valencia
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 17 de septiembre de 2017

“Es una especie de ginkana de arte emergente”, señaló José Luis Clemente, comisario de la cuarta edición de PAM! PAM!, la Mostra de Produccions Artístiques i Multimedia de la Universidad Politécnica de Valencia que este año acoge el IVAM. Ginkana, porque las obras de los diez jóvenes artistas seleccionados “colonizan” el espacio museístico, “más allá de las salas convencionales, del cubo en blanco”, precisó Clemente, agradecido en todo momento a José Miguel Cortés, director del instituto valenciano, por haber tenido la “osadía” de acoger tan transgresor proyecto.

Ana Císcar (último Premio Fundación Mainel de pintura), Carlos Correcher, Marina González, Valentina Henríquez, Marina Iglesias, Rubén Marín, Inma Mendieta, Agustín Moreno, Marta Negre y Sonia Tarazona son los encargados de ocupar con sus respectivas obras, el bajo de las escaleras del museo, sus techos, paredes, pasillos e incluso los baños. “Han hecho un gran trabajo de adaptación”, en lo que Clemente consideró un “proyecto dificultoso” por cuanto rompía los moldes a los que nos tienen acostumbrados los museos.

Vista de una de las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Vista de una de las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Por eso el comisario reiteró en todo momento sus agradecimientos a Cortés, por haberse prestado a ese ejercicio de colonización de su espacio, una práctica, recordó, “que viene de los años 70”. A esa domesticación se afanaron los diez artistas que, de forma entusiasta, fueron explicando sus respectivos trabajos. Clemente, por resumirlos, aludió a las diversas problemáticas puestas en juego, que vienen a girar en torno a la identidad, las corrientes migratorias o el cuestionamiento del propio arte y del poder, muchas veces relacionado con el de la imagen.

Así, Correcher, desde el propio título de su trabajo, Whatever. Anything except something (Lo que sea. Cualquier cosa menos nada), polemiza en torno al poder de las imágenes, ocupando una parte del techo de entrada, la antesala de ascensores y la librería, eliminando el color y potenciando el choque entre el humor y la violencia. Marina González critica, mediante su pequeña capilla o lugar de devoción ubicado bajo las escaleras, las terapias de autoayuda (yoga, coaching), manteniendo una posición ambigua. Iglesias monta su particular bunker en el estrecho pasillo que lleva al baño, mostrando el conflicto entre lo orgánico que cambia y la uniformidad de los soldados; también aborda el tema del camuflaje. Ya en los baños, Henríquez utiliza el carácter residual de los mismos para reflexionar sobre el extrañamiento de la migración.

Una de las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Una de las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Negre se vale del audiovisual para mostrar la influencia de ciertos notables pensadores en la sociedad, ya sea mediante la repetición de algunos de sus libros o de la confusión a la que se llega por culpa de tanta cita. Marín explora las relaciones del artista con el poder mediante imágenes, en las que los límites entre realidad y ficción se diluyen. Moreno utiliza el título de su obra, I Am True Artist (Soy un artista de verdad), para desmontar esa verdad del artista con una serie de brillantes globos que van perdiendo aire con el paso de los días.

Mendieta indaga en las emociones a partir de la luz y el color, mientras Císcar rememora el caso JFK y el asesinato de Oswald a través de los medios, para revelar el carácter de ficción del propio discurso periodístico. Por último, Tarazona se hace eco de la frase “tenía miedo de olvidar el amarillo” (Borges), con el fin de preservar la memoria de ese color ante una posible ceguera. El IVAM acoge la “ginkana” de ese arte emergente hasta el 17 de septiembre. Después ya se verá. “Nos gustaría contar con un espacio estable, después de haber tenido que dejar el Centre del Carme, donde se nos ofreció un espacio que no era apropiado; se nos mostró la puerta de salida”, señaló Clemente. Ahora el IVAM será quien tenga la palabra.

Una las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Una las instalaciones de PAM PAM 17. Imagen cortesía del IVAM

Salva Torres

Joan Fontcuberta o la ficción como mentira

Fake. No es verdad, no es mentira, de Joan Fontcuberta
La falsa historia del fotógrafo valenciano Ximo Berenguer
Junio 2017

Con motivo de la exposición ‘Fake. No es verdad, no es mentira’ que exhibió el IVAM desde el 20 de octubre de 2016 hasta el 29 de enero de 2017, el artista y fotógrafo Joan Fontcuberta, en colaboración con el comisario de la muestra José Luis Marzo, propusieron organizar un proyecto fake: inventar y difundir la historia del fotógrafo valenciano Ximo Berenguer. El objetivo era comprobar si en la era de la información y las redes sociales todavía es posible crear una historia falsa.

El IVAM aceptó el reto como parte del discurso crítico de la exposición y coorganizó con la Facultat de Bellas Artes de Valencia y la Facultad de Historia del Arte el seminario ‘La metodología del fake’ entre los meses de mayo y junio de 2016. La primera fase de este curso, impartido por Joan Fontcuberta, Premio Nacional de Fotografía en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011, consistió en inundar la red de referencias sobre Ximo Berenguer, desde entradas en la Wikipedia, noticias falsas y hasta artículos académicos.

El Molino, del falso Ximo Berenguer. Imagen cortesía del IVAM

El Molino, del falso Ximo Berenguer. Imagen cortesía del IVAM

Ximo Berenguer se presentó como un fotógrafo valenciano, fallecido prematuramente, y conocido por una serie documental sobre el popular music hall barcelonés El Molino, que fotografió bajo la influencia de su amante, el coreógrafo cubano Negrito Poly. El trabajo de falseado fue tan minucioso que Fontcuberta logró libros de familia del archivo de Picanya, lugar de nacimiento de Ximo Berenguer, para hacerlos pasar por verdaderos. Asimismo, contó con la complicidad de una religiosa quien, supuestamente, era hermana de Berenguer y custodiaba los 15.000 negativos que se le atribuían.

Para legitimar esta falsa historia, Joan Fontcuberta también logró la ayuda de Mira Bernabeu, codirector de la galería Espai Visor de Valencia, para organizar una exposición dedicada a Ximo Berenguer con materiales “inéditos” que se presentaron en la ciudad en el marco del evento Abierto Valencia en septiembre de 2016.

El IVAM adquirió seis fotografías de Ximo Berenguer para su colección con absoluto conocimiento de que se trataba de un proyecto de Joan Fontcuberta. Los miembros del Consejo Asesor y del Consejo Rector del museo refrendaron la propuesta de adquisición, tras ser informados de que se trataba de un proyecto fake del artista catalán.

El Molino, fotografía del supuesto Ximo Berenguer. Imagen cortesía del IVAM

El Molino, fotografía del supuesto Ximo Berenguer. Imagen cortesía del IVAM

Siguiendo con esta pormenorizada ficción, la galería Fernando Pradilla colaboró exponiendo las fotografías de Ximo Berenguer en su espacio de Madrid, bajo el comisariado de Mira Bernabeu. Y la editorial RM, especializada en fotolibros, publicó ‘A chupar del bote’, un recopilatorio del trabajo de Ximo Berenguer en El Molino. La publicación incluía fotografías de Berenguer y textos de Manolo de la Mancha.

Fue durante la presentación de este libro cuando Joan Fontcuberta, sentado entre el público, reveló que la figura de Ximo Berenguer era un fake y que las fotografías mostradas en las exposiciones eran suyas. Así culminaba la historia de Ximo Berenguer/Fontcuberta, orquestada con una voluntad pedagógica: demostrar que todavía es posible jugar con los límites entre realidad y ficción, manipular la percepción y crear historias que caminan entre la verdad y el fake.

Joan Fontcuberta. Imagen cortesía del IVAM.

Joan Fontcuberta. Imagen cortesía del IVAM.

GetxoPhoto se interesa por las Transiciones

GetxoPhoto. Festival Internacional de Imagen
Transiciones
Organiza: Begihandi
Dirección artística: Mónica Allende
Diferentes espacios de Getxo (Bizkaia)
Del 30 de agosto al 1 de octubre de 2017

El Festival Internacional de Imagen GetxoPhoto se desarrolla principalmente en las calles de Getxo, muy cerca de Bilbao -en la costa del País Vasco- y surge impulsado por el colectivo Begihandi en el año 2007. Apuesta por la exploración de formatos y lugares expositivos no convencionales. Ésta, junto con una cuidada programación artística y la implicación directa de agentes locales en su desarrollo, han sido desde el inicio sus principales señas de identidad. Aunque las exhibiciones también se programan en salas, la mayoría son concebidas como intervenciones en el exterior ya que este evento se caracteriza, sobre todo, por la defensa radical del espacio público como lugar de encuentro, disfrute y reflexión.

En esta próxima edición y de la mano de su nueva directora artística, la bilbaína Mónica Allende, el festival se aventura por nuevos caminos y también prestará atención a las nuevas narrativas y tecnologías a través de trabajos realizados en realidad virtual, instalaciones interactivas o audiovisuales.

Instalación de Peter Granser en la playa de Ereaga en Algorta durante el GetxoPhoto de 2011.

Instalación de Peter Granser en la playa de Ereaga en Algorta durante el GetxoPhoto de 2011. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

La programación del Festival está estructurada en dos grandes áreas: exposiciones y actividades. Las exhibiciones se podrán visitar desde el 30 de agosto hasta el 1 de oc- tubre, principalmente en el eje que va desde la playa de Ereaga al Puerto Viejo. El centro de Algorta acogerá las exposiciones en salas. Como se ha señalado, serán alrededor de una veintena de exhibiciones que girarán en torno al tema de la presente edición -Transiciones- y reunirá la obra de reputados autores y de jóvenes apuestas provenientes de países como Italia, México, Ecuador, Japón, Holanda, Bélgica, Irán o Suiza. En pleno Brexit británico, cabe señalar que esta edición contará con una destacada presencia de autores del Reino Unido.

Vivimos un tiempo globalizado de cambios vertiginosos en varios aspectos de la vida, un tiempo lleno de Transiciones que no sabemos donde nos llevará. La globalización ha beneficiado a una gran parte de la humanidad. Sin embargo, no es menos cierto que también ha ocasionado que millones de personas queden excluidas. Esta edición de GetxoPhoto trata precisamente de eso, de ofrecer una mirada amplia a los efectos causados por la globalización y para ello abordará diversos temas como el medio ambiente, las nuevas tecnologías, la alimentación, el turismo, los viajes al espacio, la relación con el mundo animal, entre otros.

Obra de Mandy Barker. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Obra de Mandy Barker. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Por citar algunos ejemplos, la británica Mandy Barker, con un profundo mensaje ecologista, presenta imágenes de residuos plásticos que ha ido recogiendo por playas de todo el mundo. Crea composiciones de gran belleza que, por contraste, provocan un gran impacto y, en consecuencia, una mayor concienciación social sobre el problema medioambiental.

Obra de Giulio di Sturco. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Obra de Giulio di Sturco. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Por otra parte, el italiano Giulio Di Sturco fija su atención en las nuevas ciudades que están surgiendo en torno a los grandes aeropuertos, las denominadas “aerotrópolis”. Ciudades inteligentes del futuro en las que los aeropuertos serán los hitos centrales de su configuración en tanto que constituyen focos de atracción para los negocios, el comercio o la comunicación.

Obra de Richard Allenby-Pratt. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Obra de Richard Allenby-Pratt. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Richard Allenby–Pratt imagina un futuro próximo en el que Dubai queda desierto tras el anuncio de la aparición de una nueva fuente de energía. La población huye del lugar pero la naturaleza persiste, las aves vuelven y los animales liberados de los zoos pa- sean por el nuevo escenario. Un trabajo sobre la insostenibilidad y un auténtico ejercicio de imaginación en el que no faltan la ironía y la crítica social.

Obra de Edmund Clark. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Obra de Edmund Clark. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Finalmente el británico Edmund Clark presenta probablemente uno de los trabajos más sobrecogedores de esta edición. Fue el primer fotógrafo al que se le permitió el acceso a una casa en la que una persona, que no había recibido juicio previo alguno pero era sospechosa de actividades relacionadas con el terrorismo, había sido reubicada y confinada bajo una Orden de Control (Control Order), una ley especial. A través de sus imágenes Clark nos muestra la existencia de estas nuevas formas de control por parte del gobierno británico.

Obra de Mónica Alcázar-Duarte. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

Obra de Mónica Alcázar-Duarte. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

El festival presenta en esta edición una exposición colectiva titulada Nuevas Conversaciones (Nobukho Nqaba, Dries Depoorter, Monica Alcazar-Duarte, Jongsma+O’Neill), un intento por reflejar los nuevos caminos y medios de expresión que están adoptando los narradores visuales contemporáneos y que van más allá de la fotografía tradicional tal como la conocemos. Instalaciones interactivas, documentales realizados en realidad virtual o audiovisuales tendrán cabida en esta exposición programada en la Sala Torrene del centro de Algorta.

In Flux. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

In Flux, de Shoair Mavlian y Mónica Allene. Imagen cortesía de GetxoPhoto.

IN FLUX, UNA REFLEXIÓN SOBRE EUROPA EN PUNTA BEGOÑA

Esta exposición cuenta con la participación de Shoair Mavlian, comisaria de Fotografía de la Tate Modern de Londres, que junto a Monica Allende ha creado In-Flux, una muestra que reúne a cinco artistas internacionales cuyo trabajo refleja el actual estado de cambio que viven Europa y sus vecinos. Los sucesos que se presentan son tanto sutiles como drásticos, desde las violentas protestas en la Plaza Maidán de Ucrania, las de Estambul en Turquía o la inmigración en ciudades portuarias de toda Europa, hasta obras que exploran temas de identidad de este continente. Entre los artistas seleccionados que formarán parte de esta exposición están Vladyslav Krasnoshchlok y Sergey Lebedinsky (Ucrania), Emine Gozde Sevim (Turquía) y Jose Pedro Cortes (Portugal).

El Festival tiene una clara vocación pedagógica y divulgativa. También aspira a con- vertirse en un punto de encuentro entre profesionales y público interesado. En ese sentido, se organiza un amplio programa de actividades durante todo el mes de duración de GetxoPhoto. Sin embargo, varias de éstas se concentran durante la Semana de Apertura del festival, del 30 de agosto al 3 de septiembre.

Juanan Requena participa en uno de los laboratorios experimentales de GetxoPhoto.

Juanan Requena participa en uno de los laboratorios experimentales de GetxoPhoto.

LABORATORIOS EXPERIMENTALES

Como novedad GetxoPhoto organiza por primera vez dos laboratorios experimentales de creación. Este año se centrarán en la edición de publicaciones y contarán con la mayor especialista en fotolibros de Japón, Yumi Goto, quien desarrollará junto al fotógrafo Juanan Requena un laboratorio experimental de 5 días de duración sobre el fo- tolibro como objeto. En el extremo opuesto y recuperando la tradición, el concepto y la elaboración de fanzines hechos a partir de fotocopias, Matt Martin de The Photocopy Club London impartirá un taller de 1 día de duración sobre la producción de narrativas de bajo coste.

NUEVAS ACTIVIDADES

Destacan las nuevas actividades programadas para este año, Of Bilbao y Hamaiketako. Of Bilbao es una colaboración con las galerías bilbaínas Aldama Fabre Gallery y Vanguardia que tiene como objetivo establecer lazos e impulsar el tránsito de públicos entre las dos ciudades. Scratch the surface es la exposición que presenta Aldama Fabre Gallery y que está comisariada por Trine Stephensen. Ambas muestras se inaugurarán el primer día de programación del festival en Bilbao.

Otra de las nuevas actividades programadas busca generar un espacio de intercambio con profesionales locales del medio. Esto será Hamaiketako con los fotógrafos Txelu Angoitia y Vicente Paredes y la editora gráfica Conny Beyreuther.

ACTIVIDADES QUE SE CONSOLIDAN

Como todos los años, abrimos el festival con el Opening en la Escuela de Música de Las Arenas con la presencia de algunos de los autores participantes. Se realizará una conferencia inaugural con la especialista en fotolibros Yumi Goto en las Galerías Punta Begoña, quien compartirá parte de su colección traída expresamente desde Japón. También volvemos a organizar la actividad que mayor número de personas convoca en un solo día: el recorrido por las instalaciones de la mano de la comisaria y los autores participantes, paseo que acaba compartiendo un marmitako entre todos los asistentes en el parque de Maria Cristina.

Este año llegamos a Encerrona Vol. 5, jornada de diálogos sobre fotografía con la presencia de los fotógrafos Navia, Paco Gómez, Bego Antón, Matías Costa, Jon Cazenave, Mireia A. Puigventós, Markel Redondo y Oskar Alegria. Repetimos con Camas, una nueva forma de ver una película tumbados desde camas instaladas en el mítico palacete getxotarra frente al mar, la Ruta Posavasos (utilizando posavasos como soporte de una exhibición) por bares de Getxo y Bilbao con el trabajo Pepe de Paolo Woods, el programa de visitas al festival todos los fines de semana así como las visitas nocturnas y Photowalk con un paseo a los laboratorios bilbaínos Zear, entre otras.

Orígenes de la ‘performance’

‘Intermedios. La cultura escénica en el primer tercio del siglo XX español’
Centre del Carme Cultura Contemporània
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 12 de noviembre de 2017

Felices años veinte, locos años veinte…Una etapa de bonanza económica a mediados de esa década propició un ambiente de euforia y confianza en el sistema capitalista que se extendió por el llamado periodo de Entreguerras. Se difundieron inventos que cambiaron las formas de vida, desde el automóvil y el teléfono al cine y la bicicleta. Se acortaron las faldas de las mujeres que irrumpieron en el mundo laboral, aunque con menor sueldo que el hombre. El arte en general reflejó esa efervescencia con el nacimiento de las vanguardias y la eclosión de todo tipo de espectáculos populares entre el ocio y la cultura. El circo, la copla, el cabaret, el music hall, el cine, etcétera.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Intermedios. La cultura escénica en el primer tercio del siglo XX español, una singular exposición que se puede visitar hasta el 12 de noviembre en el Centre del Carme, explora todas esas manifestaciones que desde una perspectiva contemporánea pueden considerarse como los orígenes de la performance. Organizada por Acción Cultural Española (AC/E) junto el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, y concebida y comisariada por la arquitecta Aurora Herrera, repasa los géneros escénicos de la vanguardia española entre 1900 y 1936 cuya trayectoria quebró a causa del estallido de la guerra civil.

Su título, Intermedios hace referencia a distintos territorios artísticos que se han formado de la asociación conceptual y material de formas creativas en las que se fusionan y se vinculan distintos medios, campos y actividades en torno al espectáculo
Con un carácter marcadamente visual la muestra incluye más de 200 piezas entre fragmentos de películas, atrezzo, fotografías, carteles, recortes de prensa, dibujos, pinturas u objetos singulares como la pequeña bicicleta del payaso Ramper o los sellos con su efigie. La exposición muestra una suerte de Cartografía-Travesía del primer tercio del siglo XX, periodo en el que un grupo de artistas españoles ligados por sus derivas en el ámbito escénico en general establecen una suerte de constelación creativa alrededor de tres figuras clave: Segundo de Chomón, pionero de los efectos especiales en el cine, Ramón Gómez de la Serna y Federico García Lorca.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Los campos analizados en torno a estos tres creadores son el teatro, la escenografía, las representaciones de títeres y marionetas, la arquitectura efímera en la calle, el circo, el cine y la danza. La muestra rastrea también las manifestaciones que se produjeron en los ámbitos del flamenco, el cuplé, la revista, el music hall o el vodevil, a través de las figuras de un grupo de cantantes y bailaoras. Antonia Mercé La Argentina, Tórtola Valencia, Encarnación López Júlvez La Argentinita, Pastora Imperio, Tina de Jarque, Eugenia Zúffoli, Miguel de Molina o Amalia de Isaura; en danza  Carmen Amaya y Vicente Escudero; en el mundo del teatro destacan Margarita Xirgú, Catalina Bárcena, Lola Membrives y, en especial, María Guerrero.

El circo está representado por Ramper y Didó o Balder como maestros de los títeres. Salvador Bartolozzi, Sigfrido Burmann, Néstor de la Torre o Alvaro de Retana, con una colección de sus exquisitos figurines,  en escenografía. El cine incluye los nombres de pioneros como Benito Perojo, Luis Buñuel, Jose Luis Sáenz de Heredia, Luis Marquina, Francisco Elías o Jerónimo Mihura. Antonio Accame Scassi es el exponente de la arquitectura efímera.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Entre las piezas protagonistas se encuentran el retrato de María Guerrero, considerada como la mejor actriz de la escena española; la bicicleta que utilizaba Ramper en sus espectáculos; los figurines originales de Federico García Lorca para La zapatera prodigiosa y una selección de 12 películas entre las que destacan por su modernidad y originalidad Carne de fieras del director valenciano Armando Guerra, la primera película con desnudo, Don viudo de Rodríguez un film del absurdo o La Verbena de la Paloma considerada la mejor película del cine español. Además, diferentes escenas de las bailaoras del momento como Pastora Imperio o Carmen Amaya en acción.

Según José Luis Pérez Pont, director del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, “Intermedios rescata del olvido un periodo clave para comprender el desarrollo del arte contemporáneo tal y como lo conocemos hoy en día. La hibridación de lenguajes, la transformación de las artes escénicas y su interacción con la literatura o el cine dieron como resultado un escenario que iba a cambiar por completo el modo de entender el arte para la sociedad española. Esta exposición es una oportunidad para conocer los diferentes géneros que están en el origen de la performance y del arte de acción”.

Como complemento a la exposición, Acción Cultural Española ha editado una publicación en formato revista, que toma como referencia las revistas de la época, de las que se ha hecho una lectura y una revisión para llevarlas a un terreno contemporáneo, con una libertad compositiva y carácter lúdico que se expresan sobre todo en la secciones de variedades y de anuncios telegráficos, maquetados entre textos de carácter más científico.

Intermedios.

Intermedios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Bel Carrasco

Fotofestival Benidorm nace lleno de retratos

Fotofestival Benidorm 2017
Retrato. Mujeres fotógrafas
Diversos espacios de Benidorm (Alicante)
Del 15 de julio al 15 de agosto de 2017

La primera edición del Fotofestival Benidorm se dedica al retrato, a la representación, y en especial a la mujer en la fotografía; nueve fotógrafas que han hecho del retrato su modo de reflexionar y trabajar el medio fotográfico: 9+9 exhibiciones durante un mes.

Nueve exposiciones, intervenciones en el callejero de Benidorm, ya que Fotofestival Benidorm se caracteriza por utilizar el espacio público como lugar de encuentro, disfrute y reflexión del arte fotográfico. Y nueve escaparates de comercios de la ciudad que albergarán en sus vitrinas piezas de retratos de otras tantas fotógrafas.

Fotografía de Angelica Dass. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Fotografía de Angelica Dass. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Se apuesta por formatos y espacios expositivos no habituales: fachadas empapeladas, vinilos, escaparates, para acercar el arte fotográfico al público. Habrá conferencias, charlas, intervenciones, talleres, recorridos y cine. Un festival que se realiza gracias a la implicación directa de diferentes agentes locales, comerciantes y hoteleros y que cuenta con la participación de autoras de Méjico, Brasil y Argentina pero que a su vez está muy bien representado por fotógrafas nacionales, consolidadas, de media carrera y emergentes.

Obra de Sofía Moro. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Obra de Sofía Moro. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

El leitmotiv o el motivo central del mismo es el retrato. En esta primera edición se ha querido rendir merecido homenaje a las fotógrafas. De entre las autoras afianzadas,  se cuenta con la presencia de la artista de Terrassa, Joana Biarnés (1935), la mexicana Lourdes Grobet (1940) y la hispano-brasileña, carioca, Angélica Dass (1979).

Fotografía de Bárbara Traver. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Fotografía de Bárbara Traver. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

En la media carrera, están en las artistas madrileñas Sofía Moro (1966) y Estela de Castro (1978); y la bonaerense Romina Ressia (1981). También participan la toledana María Gómez (1990); la madrileña Bárbara Traver (1992) y la ilicitana María Urbán (1971), en virtud al I Premio del Festival Internacional de Fotografía de Benidorm, en el que fueron seleccionadas por un jurado compuesto por: Lucía Casani, directora de La Casa Encendida; Pilar Citoler, coleccionista y promotora del premio de fotografía de su nombre; Rosina Gómez-Baeza, directora de Factoría Cultural Madrid; Chantal Grande, de la Fundación Forvm para la fotografía; Ana Tallés, docente; y los co-directores del Fotofestival Alicia Lamarca Auer y José Luis Martínez Meseguer. Premio que ha sido patrocinado la Concejalía de Igualdad del Ayuntamiento de Benidorm.

Fotografía de Lourdes Grobet. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Fotografía de Lourdes Grobet. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Fotofestival Benidorm quiere implicar al pequeño comercio de Benidorm, de ahí que organice también una ruta de escaparates. Se trata de una exposición paralela de fotógrafas de Benidorm. Sus fotografías estarán expuestas en los escaparates de los nueve comercios que participan es esta edición; itinerario señalizado en el plano general. De esta manera los visitantes recorrerán los establecimientos y se promocionarán sus actividades comerciales. Las artistas que participan en este recorrido son: Dori Galiana, Alicia Lamarca, Gema Macias, Lola Marpi, Laura Medrano, Dara Nemethova, Ana Sanmartín, Ana Gemma Soto Sanchez y Olivia Such.

Fotografía de Joana Biarnés. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.

Fotografía de Joana Biarnés. Imagen cortesía de Fotofestival Benidorm.