Diseño e impresión artesanal de Münster Studio en Gijón

‘Münster Studio’
Centro Cultural Antiguo Instituto
Sala 1
Jovellanos 21, Gijón
Hasta el 16 de julio de 2017

La Sala 1 del Centro Cultural Aniguo Instituto acoge, hasta el próximo 16 de julio de 2017, la exposición ‘Münster Studio’. Münster es un pequeño estudio de diseño gráfico e ilustración con base de operaciones en Barcelona. El estudio echó a andar en 2010 realizando trabajos para asociaciones, promotores de conciertos y grupos de música. Desde el principio comienzan a serigrafiar los diseños en su propio taller, actividad que se convertirá, en cierto modo, en insignia del estudio: la combinación de diseño gráfico con técnicas de impresión artesanales. Con una mano en el ordenador y otra en el bote de tinta, el estudio siempre ha tratado de investigar nuevas técnicas y lenguajes para afrontar dlos proyectos.

Imagen de uno de las ilustraciones de Münster Studio presente en la exposición. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de uno de las ilustraciones de Münster Studio presente en la exposición. Fotografía cortesía de los organizadores.

Durante estos años han trabajado con infinidad de bandas de música como La Habitación Roja, Supersubmarina, The Corrigans y Los últimos bañistas, entre otros, y organizadores de conciertos de diversos tamaños y procedencia; editoriales de libros, marcas y compañías de teatro. Su trabajo ha sido reseñado en prensa especializada y galardonado con el Premio Enderrock a la mejor portada de 2011 y el Premio MIN al mejor diseño en 2016.

La exposición recoge una selección de los carteles creados durante los últimos años por el estudio. Carteles de conciertos en su mayoría, pero también para teatro, con la particularidad de estar todos ellos impresos en serigrafía en su propio taller.

La obra de Münster Studio llega a Gijón fruto, un año más, de la colaboración entre la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón, a través del Departamento de Museos, y las Jornadas de Diseño y Comunicación Visual ‘MOTIVA 2017′ que organizan la Escuela de Arte de Oviedo y la Escuela Superior de Arte del Principado de Asturias (Avilés).

Imagen del cartel de Münster Studio para un concierto del músico norteamericano Jello Biafra, pretérito líder los Dead Kennedys. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen del cartel de Münster Studio para un concierto del músico norteamericano Jello Biafra, pretérito líder los Dead Kennedys. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Géneros de la técnica y el espanto en ‘Arquitectura y Terror’

‘Arquitectura y Terror’, nº8 de la revista Canibaal
Colegio Mayor Rector Peset
Horno de San Nicolás 4, Valencia
Viernes 26 de mayo de 2017 a las 19:30

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta el viernes día 26 de mayo su octavo número, dedicado en esta ocasión a una sugerente doble temática: ‘Arquitectura y Terror’. Como ya viene siendo habitual, la presentación tendrá lugar en el Colegio Mayor Rector Peset de Valencia (Plaza del Horno de San Nicolás, 4), situado en pleno dentro del barrio de El Carmen. El acto dará comienzo a las 19:30.

Canibaal. Makma

Inma Coll (imagen de cubierta), Jesús Palacios, José Luis Jover, Juan Francisco Ferré, Bárbara Traver, Susi Lizondo o Álvaro Colomer son solo algunos de los más de 50 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel de más de 150 páginas. Se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre vanguardia, crisis y actualidad de la arquitectura, literatura y arte que tienen al terror como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: la mansión gótica, la Torre de Babel, el monumentalismo, con especial atención a confluencias actuales no exentas de una mirada crítica en términos sociales, morales y estéticos: los nuevos «muros», los campos de refugiados, la pervivencia de construcciones vinculadas a los totalitarismos.

Encrucijadas y confluencias que abarcan un número imaginativo de episodios y referentes: del cine de Hitchcock a Birdie de la Compañía Señor Serrano, Guantánamo, la valla de Melilla, casas del bosque, albergues incendiados en el corazón de Europa, el hotel Overlook (El Resplandor), la casa de los Usher de Poe, el «no lugar» del antropólogo Marc Augé, las ruinas, King Kong en la cumbre del Empire State y muchos otros.

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de 'El Resplandor' (Stanley Kubrick, 1980).

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de ‘El Resplandor’ (Stanley Kubrick, 1980).

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como las nuevas secciones de pensamiento con reflexiones en clave feminista (la metáfora del «techo de cristal») y socioeconómica: suburbans, Lager, espacios de ocio de acuerdo con la crítica ya clásica de Marcuse, metáforas arquitectónicas y clases sociales (J. G. Ballard), los Centros de Internamiento de Extranjeros o las Torres Gemelas de Nueva York.

Fotograma de la película 'King Kong' (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York.

Fotograma de la película ‘King Kong’ (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York. 

Nace el proyecto cultural Erredakzioa

Erredakzioa y La Taller
C / Maestro Iciar, bajo. Bilbao
Inauguración: sábado 6 de mayo de 2017, a las 19.30h

El sábado 6 de mayo, en Bilbao, tras un año de preparación, abrirá sus puertas una nueva propuesta cultural denominada Erredakzioa, ampliación de La Taller, Galería y Taller de grabado, un proyecto que desde el año 2010 dedica su quehacer a la gráfica contemporánea. La Taller recibió el año pasado el premio Gure Artea como agente en el campo de las artes visuales por parte de la Consejería de Cultura Política Lingüística y Educación del Gobierno Vasco,

La Taller y Erredakzioa se ubican en la calle Maestro Iciar, en el barrio de Solokoetxe, una frente a otra. Casualmente el nombre de la calle rinde homenaje a Juan de Iciar, calígrafo durangués del siglo XVI.

Erredakzioa. Imagen cortesía de sus autores.

Imprenta. Imagen cortesía de Erredakzioa.

Las técnicas gráficas y las tecnologías de la imprenta son el nexo que aúnan ambos proyectos. Así como La Taller es un espacio vinculado a la creación, producción, edición y divulgación de imágenes obtenidas mediante técnicas gráficas, Erredakzioa se plantea como una oficina de producción y divulgación de textos. Para la producción de textos se ha dotado, entre otras, de tecnologías que han ido quedando en desuso en el mundo de la imprenta.

De entre el variado abanico de tipos  de textos, Erredakzioa, ha elegido como proyecto particular ceñirse al texto periodístico. La encargada de llevar este proyecto adelante es la periodista y doctora Tania Arriaga Azkarate.

Así, este espacio se concibe como una humilde redacción, en el sentido clásico del término, desde la que pensar, mediante la práctica, sobre el especializado oficio que es el periodismo y la muy interesante e insospechada deriva de los medios de comunicación e información a la que asistimos en todo el mundo.

Como propuesta periodística concreta, en Erredakzioa se producirá una revista ilustrada que contenga un solo reportaje, escrito e ilustrado  por profesionales de reconocido prestigio. Tratar al periodista y al  ilustrador/a como artistas o creadoras y, además, tratar estos textos de creación con los recursos de la impresión tipográfica y la manufactura artística es nuestro pequeño reto.

La revista ilustrada resultante de esta iniciativa se denominará Minerva. No tendrá una periodicidad regular, ya que estará sujeta al ritmo creativo de los participantes, y se editará en el idioma original de la escritura. La traducción estará disponible en la web de La Taller.

Para el primer número contamos con un reportaje de la periodista Mirentxu Purroy y la ilustradora Higi Vandis y se presentará el mes de junio.

Imprenta. Erredakzioa.

Imprenta. Imagen cortesía de Erredakzioa.

Cremà virtual de la Falla Inmaterial

La Falla Immaterial
Escola Tècnica Superior d’Enginyeria
Universitat de València
Cremá, domingo 19 de marzo de 2017

El proyecto ‘La Falla Immaterial’ de l’Escola Tècnica Superior d’Enginyeria de la Universitat de València llegará al zenit el domingo 19 de marzo, a las 20 horas, con el acto de la cremà ‘virtual’ de su falla gran sobre la fachada de la Torre Vella del Palau de la Generalitat. El acto consistirá en una proyección audiovisual de gran formato que estará acompañada de un espectáculo de sonido que el público podrá disfrutar desde la plaza de la Virgen.

Este acto se convierte así en la clausura del programa de actividades con el que el Palau de la Generalitat pretende acercar esta institución a todas las personas que visitan Valencia con motivo de las Fallas 2017, recientemente declaradas Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Falla Gran. Image cortesía de l'Escola Tècnica Superior d'Enginyeria de la Universitat de València.

Falla Gran. Image cortesía de l’Escola Tècnica Superior d’Enginyeria de la Universitat de València.

Además, el resto de monumentos construidos de manera participativa por ‘La Falla Immaterial’ podrán ser quemados virtualmente desde los dispositivos móviles a lo largo de la noche de San José. Esta será la última oportunidad de ver los monumentos en pie, aunque sea inmaterialmente, como así manda la tradición.

‘La Falla Immaterial’ es un proyecto de ciencia ciudadana que nació a partir de la declaración de las Fallas como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y que lidera la Escola Tècnica Superior d’Enginyeria de la Universitat (ETSE-UV). La iniciativa reúne tradición fallera, uso de las redes sociales y análisis de datos masivos por construir, de manera colaborativa, la primera falla de la historia hecha por una inteligencia artificial.

El proyecto propone la participación del público en general en una actividad de investigación y genera una cultura científica en la sociedad. En este caso, hace tomar conciencia del papel que pueden tener las nuevas tecnologías y el análisis de datos en acontecimientos de carácter masivo, así como la imagen colectiva que se proyecta a través de la presencia en las redes sociales.

Logo de la Crema Immaterial. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

Logo de la Crema Immaterial. Imagen cortesía de La Nau de la Universitat de València.

‘La Falla Immaterial’ refuerza el papel de la universalidad y la colaboración, frente la individualidad y la competición. La actividad arraiga en la huerta de Valencia e invita a todo el mundo, sea cual sea su origen y su lengua, a hacer falla de manera conjunta. No está limitada por las leyes del mundo físico: es ubicua, es anónima, es abierta y es dinámica; quiere, por tanto, provocar una evolución y un nivel de participación hasta ahora desconocidos en la fiesta fallera.

Es accesible desde los dispositivos móviles y desde cualquier ordenador a través de su web (fallaimmaterial.com) y de sus perfiles sociales de Twitter o Facebook (@fallaimmaterial). Los participantes pueden interactuar con estos canales enviando mensajes de texto o emoticonos y hacer servir toda su creatividad e imaginación. Esta información se utiliza para construir de manera progresiva cuatro monumentos falleros: la falla grande, la falla infantil, la falla efímera y la falla en valenciano. Durante la tarde del día 19 de marzo, los monumentos falleros de ‘La Falla Immaterial’ tendrán su forma definitiva y podrán ser quemados.

‘La Falla Immaterial’ es un proyecto de investigación de la Escola Tècnica Superior d’Enginyeria de la Universitat y cuenta con el apoyo institucional de la Universitat de València (el Centre Cultural La Nau, el Servei de Política Lingüística y la Càtedra de Divulgació de la Ciència de la Universitat de València), la Generalitat Valenciana, la Junta Central Fallera, el Ayuntamiento de Valencia (concejalías de Juventud y de Cultura Festiva), el Instituto Valenciano de Tecnologías Turísticas, la EMT de Valencia, y el Gremio Artesano de Artistas Falleros de Valencia. Ha sido posible gracias al apoyo económico recibido de las entidades siguientes: Bankia, Arroz Dacsa, Destilerías Tenis, Clínicas IVI, Datomedia, Restaurante Taberna Alkázar, Grupo CAPS, NEV Coaching & Consulting, TopRun y Salsas Choví.

Falla infantil. Imagen cortesía de l'Escola Tècnica Superior d'Enginyeria de la Universitat de València.

Falla infantil. Imagen cortesía de l’Escola Tècnica Superior d’Enginyeria de la Universitat de València.

La nueva imagen de la Plaza de Toros de Valencia

Nueva marca de la Plaça de Bous de València
Estudio Gimeno Gràfic

La nueva marca de la Plaça de Bous de València, creada por el estudio Gimeno Gràfic, ha reinventado el coso valenciano en un caleidoscopio, plural y diverso, concebido como un punto de encuentro, capaz de acoger todo tipo de eventos culturales, reuniones y espectáculos.

Este diseño, encargo de la Diputación de València -responsable de la gestión de la Plaça de Bous- proporciona una imagen dinámica y colorida de un emblema de la arquitectura valenciana, que busca extender no sólo la variedad de actividades que acoge sino también ampliar su habitual estacionalidad y promover su uso permanente a lo largo de todo el año, aprovechando así todo su potencial.

Diseño para camisetas de la marca de la Plaça de Bous de Valencia. Imagen cortesía de Estudio Gimeno Gràfic.

Diseño para camisetas de la marca de la Plaça de Bous de Valencia. Imagen cortesía de Estudio Gimeno Gràfic.

“La idea del diseño nació de un círculo, de un punto de encuentro, pero en movimiento. Sustituimos los arcos homogéneos de la plaza por figuras geométricas diferentes, que transmitieran la sensación de alegría, de fiesta y de pluralidad a través de la diversidad de colores y de elementos, que dan una proyección mayor a este espacio, más allá de su uso taurino”, explica el diseñador valenciano.

Según Pepe Gimeno, la nueva imagen gráfica se sumerge en el interior de una plaza repleta de gente, que se convierte así en un “marasmo vivo de colores y formas dinámicas” que transmiten un concepto festivo y dinámico de este emplazamiento arquitectónico.

Imagen de la Plaça de Bous de València. Cortesía de Estudio Gimeno Gràfic.

Imagen de la Plaça de Bous de València. Cortesía de Estudio Gimeno Gràfic.

Frente al cromatismo de la imagen, el logo en sí mismo -que recoge el nombre de la Plaça de Bous- se decanta por letra blanca sobre fondo negro, reforzando así la solidez y la personalidad de la marca.

“La imagen en movimiento requería de un logotipo contundente, blanco sobre negro, que aporta peso y claridad a todo el concepto. Ambos elementos se complementan y sirven de contrapunto el uno del otro. Así se logra un mayor impacto visual”, argumenta Pepe Gimeno.

Plaza de Toros.

Imagen de marca de la Plaça de Bous de València. Cortesía de Estudio Gimeno Gràfic.

Bombas Gens va tomando cuerpo

Bombas Gens
Fundació Per Amor a l’Art
Rehabilitación de Eduardo de Miguel
Reinvención del proyecto: Ramón Esteve
Asesoramiento de Anabelle Selldorf

La antigua fábrica Bombas Gens, de indudable valor histórico-social, es uno de los escasos ejemplos de arquitectura industrial de la década de 1930 que permanece en pie. Su arquitectura y el estilo art-déco de sus fachadas hacen de este espacio un enclave único y especial para albergar nuevos usos que respondan a las necesidades de la actualidad.

Vista de lo que será el futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l'Art.

Vista de lo que será el futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l’Art.

El nuevo complejo nace como un espacio polivalente, referente internacional, en que la Fundació Per Amor a L’Art desarrollará su triple actividad: artística, social e investigadora. Las primeras imágenes de la ampliación del proyecto desvelan algunos de los detalles de este proceso de recuperación único en Valencia.

Tras la rehabilitación de las naves, ejecutada por Eduardo de Miguel, Ramón Esteve asume la reinvención y ampliación del proyecto, con el asesoramiento de Annabelle Selldorf, experta en transformar edificios emblemáticos en espacios museísticos.

“El objetivo ha sido siempre el de conseguir unificar el criterio de intervención en todo el conjunto, sean edificios originales o de nueva construcción; y al mismo tiempo dotar a cada uno de ellos de la singularidad que cada uso específico necesita”, explica Ramón Esteve.

Vista del futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l'Art.

Vista del futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l’Art.

Como núcleo central encontramos el centro de arte ocupando las cuatro naves originales y gran parte del cuerpo de fachada. Con una relación más lateral encontramos los volúmenes de restaurante y centro de día para niños en riesgo de exclusión social, además de las oficinas que ocupan la antigua villa.

Otros espacios independientes como el yacimiento de la bodega del siglo XV en el patio posterior o el refugio antiaéreo de la Guerra Civil, están articulados con patios o zonas verdes que nos permiten disfrutar adecuadamente de la escala del conjunto y descubrir cada uno de sus rincones.

Con la intención de evocar la atmósfera industrial del complejo original, el ladrillo cerámico y el acero galvanizado prevalecen sobre el resto de materiales. En otros puntos más discretos se ha reinterpretado la cerámica original de la bodega y la alquería, que –combinada con la madera- dota de mayor nobleza a los espacios. En los interiores se emulan de nuevo las cubiertas ligeras de madera.

Vista interior del futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l'Art.

Vista interior del futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l’Art.

LA FUNDACIÓ

La impulsora de esta iniciativa es la Fundació Per Amor a l’Art. Una entidad dedicada al arte (busca desarrollar la sensibilidad artística en la sociedad poniendo la colección ‘Per Amor a l’Art’ a su alcance), la investigación (estudia y divulga aspectos relacionados con la enfermedad de Wilson y otras enfermedades raras) y la ayuda social (atiende a los más necesitados, principalmente niños en situación de vulnerabilidad). Se prevé que, tras obtener las autorizaciones pertinentes, la Fundació establezca su sede en Bombas Gens en la primavera del 2017 y desarrolle allí su triple actividad.

Imagen de Bombas Gens.

Vista exterior del futuro Bombas Gens. Imagen cortesía de Fundació Per Amor a l’Art.

 

Recordando a Nassio

Nassio Arte Urbano
Colegio Territorial de Arquitectos de Valencia
C/ Hernán Cortés, 6. Valencia
Hasta el 31 de marzo de 2017

Las manos de Ignacio Bayarri, Nassio, delatan lo mucho que ha trabajado con ellas. Son grandes, vigorosas, endurecidas por el trato con el hierro, el acero, el bronce y el mármol. Unas manos de obrero metalúrgico para un espíritu artístico y una mente de visionario. Una visión global de su extensa trayectoria se plasma en ‘Nassio Arte Urbano’, una exposición que estará hasta el 31 de marzo en el Colegio de Arquitectos de Valencia. Dirigida por el arquitecto Javier Domínguez y comisariada por Carla Alabau, incluye diversas actividades paralelas. El 4 de marzo tendrá lugar una visita a su taller de El Plantío y el 11 de marzo, en la sede del Colegio de Arquitectos, habrá un taller infantil para niños entre cuatro y 12 años. Las arquitectas Amparo Domínguez, Ester Blasco y Paz Rubio organizan estas actividades.

Obra de Nassio. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

Obra de Nassio. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

“Este año se cumple el 50 aniversario de mi Manifiesto Cosmoísta y a Javier y a Carla se les ocurrió esta idea para que la gente no se olvide de mí”, dice Bayarri. “Hemos reunido una colección de fotos realizadas especialmente para la ocasión, la escultura Cabeza cósmica y creo que vamos a conseguir el objetivo y darle vida. Los críticos de arte ya han hablado mucho de Nassio y me apetece que ahora sean los arquitectos”, añade.

No es fácil que el escultor caiga en el olvido, pues es el artista más presente en las calles y jardines de Valencia, con un total de 29 hitos monumentales  entre esculturas, bustos y murales cerámicos. Entre ellos los Cósmicos del campus de Vera, los monumentos a Ausiàs March y Blasco Ibáñez, las Cruces de Término de la avenida de las Cortes Valencianas y los relieves cromáticos para el hotel Abba Acteón.

Nassio no es un hombre que se obsesione por reconocimientos y homenajes. “No me preocupan esas cuestiones”, afirma. “Mi obra hablará por mí y el futuro decidirá su validez. Puedo decir que siempre he sido fiel a mí mismo. Incluso rechacé una tentadora oferta de Lladró en sus buenos tiempos”.

Nassio en su estudio. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

Nassio en su estudio. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

Aunque compartía la vocación artística con su padre, se negó a seguir sus pasos en la imaginería religiosa y cuando su progenitor le advirtió  “que había que traer dinero a casa” tuvo la suerte de encontrar un mecenas. “El dueño de una tienda de motos me encargó un busto de su hijo, y como le gustó mucho enseguida tuve otros encargos”, recuerda. Un total de 300 bustos ha realizado a lo largo de su vida. Todo tipo de materiales y personajes y un criterio. “En las esculturas soy totalmente libre pero cuando se trata de representar a una persona me ciño más a lo figurativo para que sea reconocible”.

El Cosmoísmo, cuyo aniversario conmemora esta exposición, es sin duda la faceta más personal de su obra. Su visión es la de un ciudadano del Cosmos  que, de acuerdo con la filosofía de Platón, percibe el cuerpo humano como una cárcel del alma y se resiste a admitir la muerte como un final definitivo del viaje. “El Universo es infinito y el pensamiento humano más rápido que la velocidad de la luz”, afirma.

Volviendo a temas más terrestres Nassio se declara admirador de Santiago Calatrava, “un magnífico arquitecto e ingeniero pese a las polémicas que suscita”, y considera que desde el punto de vista urbanístico Valencia ha mejorado mucho. “Sólo  teníamos  el Miguelete, la Lonja y el Mercado Central. Había que dar grandiosidad al conjunto y eso se ha conseguido con la Ciudad de las Ciencias”.

Sobre los jóvenes artistas opina que hay de dos tipos, los serios que se esfuerzan y trabajan y los que pretenden triunfar rápido y ganar dinero. “El arte requiere un tiempo de meditación y la obra de un creador no es lo primero que hace sino el conjunto de su trayectoria. En todo caso las nuevas generaciones tienen un potencial increíble y muchas posibilidades,  sobre todo los que viajan al extranjero y regresan enriquecidos de experiencias y otras culturas. En mi época los pintores se iban a París y los escultores preferíamos Roma”, concluye el veterano artista de 85 años.

Nassio con su obra Mestalla. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

Nassio con su obra Mestalla. Imagen cortesía del Colegio de Arquitectos de Valencia.

Bel Carrasco

La Falla Corona presenta su proyecto para 2017

Proyecto de Falla Corona 2017
Presentado en Els Tallers de la Ciudad Fallera
Sábado 5 de noviembre de 2016

El proyecto de Falla Corona para el año 2017, que lleva por título “Sense permís”, ha sido presentado este primer fin de semana de noviembre en Els Tallers de la Ciudad Fallera. La Falla estará compuesta por dos volúmenes, la infantil y la grande, aunque ambas funcionarán conjuntamente creando una gran escena. En la falla infantil una niña se aúpa sobre una corona y observa otra más grande construida en madera que es sostenida por un personaje adulto, que no es otra cosa que la falla grande.

La obra, diseñada por Isidro Ferrer (Premio nacional de diseño 2002) y que realizará El Taller de Manolo Martín, tiene múltiples lecturas que no ha desvelado del todo su autor, aunque uno de los significados evidentes es la relación entre el mundo de los niños y el de los adultos.

FullSizeRender-4Mossén Sorell Corona es conocida por sus propuestas de fallas innovadoras que desde hace unos años están proyectadas por grandes nombres del diseño como Ibán Ramón, Dídac Ballester, Escif, Javier Jaen y ahora Isidro Ferrer. El taller de Manolo Martín, que realizará la falla, ya ha trabajado en numerosas ocasiones en colaboración con diseñadores e ilustradores de la talla de Sento Llobell, Sigfrido Martín Begué o Javier Mariscal.

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Moda y diseño solidario para Orphanage Africa

‘Encuentros con la Moda Española’
Roche Bobois
Plaza de Alfonso el Magnánimo 5, Valencia

La sede valenciana de la firma Roche Bobois, comandada en la ciudad por la familia Serra, ha acogido ‘Encuentros con la Moda Española’, una acción solidaria dentro de un circuito que abarca otras ciudades de la geografía española y que recopila diez piezas únicas del sofá ‘Mah Jong’, diseñadas para la ocasión por diez sólidos creadores españoles, cuyas intervenciones le imprimen un singular carácter, con el objetivo de ser subastadas online a través de Wardhouse, como fin último para recaudar fondos a beneficio la ONG ‘OAfrica’.

El proyecto focaliza su atención sobre uno de los diseños de referencia de la firma francesa -el sofá ‘Mah Jong’, creado por el artista alemán Hans Hopfer en 1971- y retoma el estrecho vínculo de la marca con la moda. ‘Encuentros con la moda Española’ se gesta fruto de un encuentro entre Gregory Dias, director comercial de Roche Bobois en España y Latinoamérica, y Lisa Lovatt-Smith, editora de moda de la revista Vogue hasta hace algo más de una década. Lovatt-Smith reside actualmente en Ghana y es la precursora de la ONG ‘Orphanage África’, que se centra principalmente en la infancia, bien reunificando a los niños con sus familias biológicas o gestionando casas de acogida para niños sin hogar, donde les forman y ofrecen apoyo en su transición a la vida adulta, entre otras acciones directas.

Lisa Lovatt-Smith, fundadora de la ONG 'OAfrica'. Fotografía cortesía de la firma.

Lisa Lovatt-Smith, fundadora de la ONG ‘OAfrica’. Fotografía cortesía de la firma.

Con tales propósitos solidarios, Roche Bobois nutre este proyecto con la aportación creativa de Agatha Ruiz de la Prada o el exuberante print de sus botones, la sofisticación y moderna sensualidad cual segunda piel de Andrés Sardá, así como el Ikat -ornamentación textil originaria del Antiguo Oriente- mezclado con la fantasía y el lino, junto a motivos en zigzag con reminiscencias menorquinas, sello personal que aporta Avellaneda para esta causa.

Igualmente, Custo Barcelona, a ritmo de “Whatever will be will be”, insinúa el fluir de la vida y la libertad para estampar su particular patchwork. Oriente y el arte constructivista de principios del siglo XX marcan en rojo, azul, blanco y siena el protagonismo de la abstracción y la simetría para Devota & Lomba. Por su parte, la propuesta de Ion Fiz es un latente ejercicio de introspección personal a modo de dibujos naif, recuerdo infante de sus propias correrías creativas sobre los sofás y sillones de su casa familiar.

Así mismo, el poderío gitano de Juana Martín fusiona el colorido y la pureza de los flamencos, la carrucha -o volante típico de los trajes regionales del sur- y la sofisticación de la pedrería en una sola pieza, sin olvidarse de las líneas depuradas de sus colecciones. Desde Galicia, pasando por Montevideo, Canadá y Nueva York hasta recalar en Barcelona, Purificación García tiene clara su aportación creativa al Mah Jong, mediante minimalismo, artesanía y detalles étnicos que combinan a la perfección en su pieza.

La actriz Rossy de Palma, embajadora de 'OAfrica' en España. Fotografía cortesía de la firma.

La actriz Rossy de Palma, embajadora de ‘OAfrica’ en España. Fotografía cortesía de la firma.

Como embajadora de OAfrica en España, Rossy de Palma aporta su impronta y simbólica personalidad en la elección de telas wax y la técnica del batik asiático, en algodón 100%, como soporte del color, la luz y la intensidad de África. Una tela ghanesa adquirida junto a Lisa Lovat-Smith ha sido inexorablemente el elemento inspirador para su diseño.

Y, para concluir, un joven y laureado Xevi Fernández incorpora a su discurso, en clave de prosopopeya, la inspiración del cosmos creativo de su pieza, presentando colores vivos -verde menta y manchas negras- de apariencia agresiva, pero a la postre inerme. “El MAE (Mostrum post acto) es un ferus anfibio de la familia de los mentolis modularis que vive en espacios domésticos”.

‘Mah Jong’ o el sofá para “Vivir a ras de suelo”. Solidaridad con ‘OAfrica’.

Una selección de 'Mah Jong' pertenecientes al proyecto 'Encuentros con la Moda Española', de Roche Bobois. Fotografía cortesía de la firma.

Una selección de ‘Mah Jong’ pertenecientes al proyecto ‘Encuentros con la Moda Española’, de Roche Bobois. Fotografía cortesía de la firma.

Merche Medina

 

Más grafía que tipografía

Caixa Alta, caixa baixa
Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat (MuVIM)
C / Quevedo, 10. Valencia
Desde el 29 de junio de 2016

El MuVIM ha hecho coincidir el mundo paisajístico de los Lambert con el del diseño, inaugurando al mismo tiempo que Los Lambert. Paisajes vividos, paisajes soñados, la exposición Caixa Alta, caixa baixa, en la que 28 artistas recrean las letras del abecedario en clave más gráfica que tipográfica.

“En la actualidad la ‘grafía’ parece vencer a la ‘tipografía’ y nos permite hablar de espectador en lugar de lector”, explica Begoña Jordá, comisaria de la exposición que presentó en el MuVIM junto a Dídac Ballester, uno de los artistas participantes.

Caixa Alta, caixa baixa, en el MUVIM.

Caixa Alta, caixa baixa, en el MUVIM.

“El diseñador ya no se dirige al ‘que lee’, sino al ‘que mira con atención un objeto´”, apunta Jordá de forma muy sugerente, subrayando cómo en la muestra que el MuVIM acoge en su sala, valga la redundancia, baja, “se juega con el doble sentido de las mayúsculas y las minúsculas, tanto a nivel gráfico como tipográfico”.

Begoña Jordá aclaró durante su presentación que no se trataba de un trabajo “fin de carrera, sino de un trabajo de mucha calidad sobre diseño, en colaboración con la Universitat Politècnica de València”.

Caixa Alta, caixa baixa. MuVIM.

Desanda, de José Rochina, en Caixa Alta, caixa baixa del MuVIM.

Abandono de la tipografía y el ordenador

En un gran panel aparecen esas cajas tridimensionales en las que cada artista ha dado rienda suelta a su imaginación para jugar con las letras. Letras que ya no remiten a frase alguna, sino que muestran su poder significante, visual, libre de la atadura del significado. Lástima que en la pared contraria se haya montado un conjunto de letras, que remiten a diversos premios de diseño, unidas desaliñadamente con torpe celofán. El “museo de las ideas” parece, en este caso, haber mostrado cierta escasez.

Menos mal que Dídac Bellester, con sus ‘48 variaciones de una foto de perfil’, Maddie de la Gándara, con ‘Neón’, William Marloco, con ‘Typus Tempus’, Ibán Ramón, con ‘El porqué de las cajas’, José Rochina, con ‘Desanda’, o Iván Torres, con ‘Pollastres tipográfics’, por citar algunos, compensan el desaguisado con talento gráfico.

“Hemos querido trabajar el mundo del diseño no desde la idea, sino desde una caja en tres dimensiones, abandonando la tipografía y el ordenador y volviendo a trabajar la plasticidad con la mano”, concluyó Jordá.

Pollastres tipogràfics, de Iván Torres, en Caixa alta, caixa baixa del MuVIM.

Pollastres tipogràfics, de Iván Torres, en Caixa alta, caixa baixa del MuVIM.

Salva Torres