Tres hombres torpemente seguros

La defensa del dragón, de Natalia Santa
Sección Oficial de Largometrajes
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 23 de junio al 1 de julio de 2017

Tan inequívocamente seguros, ya sea jugando al ajedrez, al frente de una pulcra relojería o suministrando productos homeopáticos, como torpemente inseguros en lo afectivo. Así son los tres protagonistas de La defensa del dragón, la película de la colombiana Natalia Santa, que Cinema Jove presenta en su sección oficial de largometrajes. Para seguirlos en ese proceder metódico, la directora hace lo propio manejando la cámara como si tuviera miedo de incomodar la rutina de sus personajes. Es así, suavemente, como logra penetrar en sus vidas, revelando la melancolía que apenas logran tapar a base de un comportamiento lógico.

Fotograma de 'La defensa del dragón', de Natalia Santa. Imagen cortesia de Cinema Jove.

Fotograma de ‘La defensa del dragón’, de Natalia Santa. Imagen cortesia de Cinema Jove.

Si en Sexy Durga, la provocadora película de Sanal Kumar Sasidharan, también a competición en Cinema Jove, la inquietud procede de una violencia oscura explícitamente puesta en escena, en La defensa del dragón, la inquietud es producto de una violencia interior domesticada que, no obstante, aflora en cierto momento del filme, justo cuando la sexualidad de Samuel (Gonzalo de Sagarmínaga) y Marcos (Manuel Navarro) es puesta en entredicho. Entonces, ambos se enzarzan, en la única secuencia manifiestamente violenta.

Santa, haciendo honor a su apellido, se entrega a sus personajes, sin juzgarlos, para extraer de ellos el patetismo que sus respectivas vidas profesionales disimulan. Es en el interior de sus hogares, más bien casas a las que les falta precisamente el aroma del afecto comprometido, donde estos tres hombres revelan su fracaso: Samuel, maestro del ajedrez, perdiendo cada partida emocional que le ofrece la vida (le llegara a decir al marido de su ex esposa que jugar al ajedrez es lo único que sabe hacer); Joaquín, intentando sacar adelante su relojería, teniendo que planchar la cama por las noches para combatir el frío lecho, y Marcos, el médico homeópata, tapando el insomnio con póker y drogas.

Fotograma de 'La defensa del dragón', de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de ‘La defensa del dragón’, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

La masculinidad de estos tres hombres, sin duda alicaída, queda compensada por su amistad, a la que se aferran y de la que extraen la energía que les impide caer definitivamente en el pozo de la melancolía. Un club de ajedrez, un casino y una cafetería son los escenarios por donde transcurren sus vidas, que Santa sigue en todo momento con pulso templado, acorde con la vitalidad apagada de sus tres protagonistas.

La defensa del dragón transcurre con cadencia, paso a paso, lentamente, creando las condiciones necesarias para que el menor atisbo de luz pueda colarse por alguna rendija de tan metódicas vidas. Natalia Santa, he ahí su mayor virtud, parece saber aguardar con paciencia ese momento. De hecho, son muchos los instantes que lo anticipan y que la cámara registra colocándose allí donde ciertas chispas saltan: un cuadro colgado de la pared, una paloma en la ventana, una puerta a punto de abrirse… Detalles que convierten a la Bogotá de la película y a estos tres hombres en radiografía de un tiempo marchito al que corresponde esa masculinidad vencida, y a la que Santa parece ofrecer una salida, por tenue que ésta sea.

Fotograma de La defensa del dragón, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de La defensa del dragón, de Natalia Santa. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Salva Torres

Sexy Durga, de la veneración al acoso

Sexy Durga, de Sanal Kumar Sasidharan
Sección Oficial de Largometrajes
Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 23 de junio al 1 de julio de 2017

Una joven pareja huye de la ciudad caminando de noche por una carretera en el sur de la India. En su avance, Kabeer y Durga son recogidos por un coche, cuyos ocupantes se ofrecen a llevarles a la estación de tren que buscan para poner tierra de por medio. Ya desde el principio, se establece una relación incómoda a causa del carácter provocador de quienes conducen el vehículo. Paralelamente, vemos cómo se celebran unos festejos en honor a la diosa Durga, en los que algunos hombres, tras alcanzar cierto trance bailando, son suspendidos de ganchos atravesados en sus espaldas, siendo paseados por el pueblo. Estas dos secuencias, el de la escapada nocturna y el del extraño ritual, se van complementando a lo largo de la película, estableciéndose sugerentes paralelismos.

Fotograma de Sexy Durgan. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

El primero y principal tiene que ver con el nombre invocado en ambas situaciones. Durga es la diosa venerada, a la que se entregan en sacrificio los hombres del festejo ritual, como Durga es la muchacha que se siente acosada por los ocupantes de la furgoneta. Cierta violencia atraviesa ambas escenas: la violencia contra el propio cuerpo, cuyo éxtasis se vincula a la devoción profesada hacia la diosa, y la violencia, más verbal que física, de los hombres hacia la pareja en ese trayecto nocturno que parece inacabable.

Sanal Kumar Sasidharan, director de Sexy Durga, con la que compite en la sección oficial de largometrajes de Cinema Jove, juega con ambas violencias, creando un ambiente opresivo que la cámara no deja de subrayar con sus movimientos alrededor de esos cuerpos y de esa noche infinita. El rito asociado a la mítica diosa queda rebajado al nivel de lo más áspero y prosaico en la realidad atosigante de la pareja fugitiva. De manera que el ritmo repetitivo de los tambores festivos, deja paso al metal ácido de la música que acompaña a los ocupantes de tan siniestra furgoneta. Y así, ligados ambos universos, vemos desplegarse una violencia que, al igual que les sucede a Kabeer y Durga, el espectador percibe como terriblemente extraña.

Fotograma de Sexy Durgan. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Sasidharan, al introducir el adjetivo sexy al nombre de Durga, no hace más que movilizar esa violencia, que no termina de recaer sobre la pareja protagonista, a modo de juego tan macabro como irónico. Un juego que va del propio rito, a estas alturas percibido como mero trasunto folclórico, al temor ¿infundado? de los jóvenes huidizos. Una película intensa, inquietante, que el director indio conduce con soltura y sarcástica mirada. De la veneración a la diosa Durga, Sasisdharan pasa a esa otra Durga más terrenal, tan acosada por los extraños ocupantes como por sus propios miedos.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de Sexy Durga. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Salva Torres

Centro Botín: Arte con vistas a la bahía

Centro Botín de Santander
C / Muelle de Albareda, s/n.
Jardines de Pereda (Santander)
Inauguración: viernes 23 de junio de 2017

El Centro Botín fue inaugurado el viernes 23 de junio bajo una enorme expectación, en una ciudad en la que se notaba un ambiente festivo y que quiso engalanarse para el gran evento. La obra del arquitecto Rianzo Piano abrió sus puertas con el objetivo de convertirse en un referente cultural.

El edificio, no exento de polémica, atrajo a un gran número de personas, entre los que no faltaron personalidades del mundo del arte y la política y, por supuesto, de los Reyes de España que, ya en el interior, descubrieron una placa simbólica para dar por inaugurado el centro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

El edificio está dividido en dos volúmenes conectados por pasarelas. La parte oeste se dedicará al arte, mientras que la este acogerá actividades culturales y formativas.

Desde su apertura, el visitante podrá disfrutar de tres importantes exposiciones: la obra de Carsten Höller, que recorre la última década de producción del artista belga, la ligereza y atrevimiento de los dibujos de Goya, y el arte en el cambio de siglo. Las obras se mantendrán hasta el 10 y 24 de septiembre, y 1 de enero, respectivamente. Desde este momento, es cuando el arte y la cultura tienen que dejar la semilla en el público y esperar que germine.

Tras el acto inaugural, fueron varias las actividades que duraron hasta bien entrada la noche, culminando con un espectáculo de luz y sonido en el recién estrenado edificio.

Vista del Centro Botín.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro. 

Néstor Navarro

Valencia, La más limpia del Mediterráneo

La más limpia del Mediterráneo
Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia
Plaza del Ayuntamiento, 1. Valencia
Del miércoles 28 al viernes 30 de junio de 2017

La Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia acoge desde el miércoles 28 de junio al próximo viernes la exposición ‘La más limpia del Mediterráneo’, organizada por Amigos de la Tierra, GECEN, Greenpeace, Surfrider y Retorna, entre otras organizaciones.

Esta exposición forma parte de la campaña de sensibilización ciudadana que, con el lema ‘Comunidad Valenciana – La más limpia del Mediterráneo- estas organizaciones han impulsado en 15 ciudades y pueblos de la comunidad, a lo largo de los meses de mayo y junio.

Visión de la muestra 'La más limpia del Mediterráneo' en el Salón de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

Visión de la muestra ‘La más limpia del Mediterráneo’ en la Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

Junto a todos los ayuntamientos de los municipios visitados y diferentes cargos públicos de las diputaciones y del Consell de la Generalitat, han participado en la campaña más de 2.500 niñas y niños de 27 escuelas e institutos. Y tanto los más jóvenes como los mayores se han ilusionado con la oportunidad de construir entre todos una región mucho más sana y sostenible.

La campaña ha girado en torno a una exposición itinerante que da a conocer el problema del abandono de residuos en nuestro territorio y propone las soluciones para acabar con esta realidad y convertir a la Comunidad Valenciana en la región más limpia del Mediterráneo.

Entre estas soluciones figuran el retorno de latas y botellas a la tienda, la prohibición de las bolsas de plástico de un solo uso, el fomento de los envases reutilizables y la promoción de la venta a granel. Como culminación de todo este periplo por la comunidad, la exposición se instala en la Sala de Cristal del Ayuntamiento, entre las fechas del 28 y el 30 de junio en horario de mañana.

Vista de la exposición La más neta del Mediterrani.

Vista de la exposición ‘La más limpia del Mediterráneo’, en la Sala de Cristal del Ayuntamiento de Valencia. Imagen cortesía de la organización.

‘Génesis’, la reconexión con el mundo

‘Génesis’, de Sebastiao Salgado
Plaza Porticada. Santander
Del 15 de junio al 15 de julio de 2017

La Plaza Porticada de Santander acoge, desde el pasado 15 de junio, la exposición ‘Génesis’ del artista brasileño Sebastiao Salgado, la cual forma parte del programa ‘Arte en la calle’, de Obra Social “la Caixa”, con el objetivo de convertir la capital cántabra en un museo al aire libre y acercar la obra de importantes artistas al público en general. La muestra abarca las copias de 38 obras del artista divididas en cinco categorías: La Amazona y el pantanal, las tierras del norte, Santuario, África y Los confines del sur.

Imagen de Sebastiao Salgado de la exposición 'Génesis'. Foto: Danae N

Imagen de Sebastiao Salgado de la exposición ‘Génesis’. Foto: Danae N

 
El proyecto de Salgado, resultado de ocho años de trabajo, no solo nos acerca a los entornos naturales vírgenes, sino que llama a pasar a la acción. Y lo hace alguien como Salgado que, junto con Leia Wanick, ha plantado más de dos millones de árboles para repoblar el sureste de Brasil.

‘Génesis” pretende desandar lo andado, rebobinar siglos de historia para encontrarnos de nuevo en el origen de lo que hoy conocemos y, durante ese camino, tomar conciencia de lo que nos rodea.

Imagen de Sebastiao Salgado en la exposición 'Génesis'

Imagen de Sebastiao Salgado en la exposición ‘Génesis’. Foto: Danae N

Todo esto a través de fotografías en blanco y negro que impactan al primer vistazo y que reflejan una realidad que apenas se ha visto alterada con el paso de los años. ‘Génesis’ busca reconectar con el lado más salvaje y lejano de nuestro mundo.

La obra de Salgado es un toque de atención, un último aviso para que cuidemos el lugar en el que habitamos, una advertencia en forma de instantáneas de inmensa belleza que busca promover el respeto y la conciencia por lo que nos rodea.

Video sobre la exposición ‘Génesis’ realizado por Néstor Navarro:

Sebastiao Salgado 2 from Makma on Vimeo.

Danae N

Idea a la sombra, idea esquiva

La sombra de la idea, de Guillermo Pérez Villalta
Galería Gema Llamazares
C/ Instituto, 23. Gijón
Inauguración: miércoles 28 de junio, a las 20.00h
Hasta el 28 de agosto de 2017

Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, Cádiz, 1948) es un nombre referencial del panorama artístico y cultural de nuestro país que apenas necesita presentaciones. El éxito con que a lo largo de su carrera ha sido recibido su trabajo pictórico, que llegó a marcar una época, ha eclipsado inevitablemente otras facetas de su labor creativa a las que el artista dedica una especial atención, constante, diaria, como ocurre con el dibujo.

Esta disciplina, sin embargo, es nodal para entender en profundidad todos los aspectos de la compleja poética del artista. Como designan los preceptos clásicos, en ella la imagen mental cobra cuerpo por primera vez y el artista la maneja y modula hasta aproximarla con la mayor exactitud posible a un explícito plan compositivo, iconográfico y narrativo, que se detiene en la obra definitiva. Sin embargo, en el caso de Pérez Villalta, el dibujo es a la vez herramienta de ese tanteo aproximativo, en ese encaje entre las piezas que componen una imagen plástica, y a la vez estado prácticamente final de la misma, debido a lo acabo de su búsqueda, a lo exhaustivo de su proceso de análisis implícito en la disciplina, las cualidades formales, de piel, que implican.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

En resumen, gran parte de los dibujos de Pérez Villalta son obras definitivas y con una entidad comparable a la de los cuadros, joyas, decorados y arquitecturas, ornamentos, grabados o esculturas que se avanzan en ellos. En la selección presentada en esta ocasión puede comprobarse de manera explícita. Se trata de treinta y cinco dibujos, fechados en los últimos seis años (los más recientes se retiraron directamente de la mesa de trabajo del artista para su inclusión en la muestra), elegidos bajo esta exacta premisa, la de su “perfección” o consumación en el intento de acercarse a la idea, y que dan cuenta de la amplitud de registros e intereses que tientan a la curiosidad del artista en lo que podemos considerar su trabajo más íntimo y quizá menos conocido públicamente.

Treinta y cinco magníficos ejemplos de la capacidad de Pérez Villalta para construir mundos imaginarios, imposibles la mayoría de las veces, disparatados o maravillosos, según el caso, donde la geometría late por debajo de la variedad de formas caprichosas de una naturaleza, una arquitectura y una humanidad tras la que no puede esconderse del todo cierto deje melancólico… Técnicas clásicas, como la sanguina, el carbón, la tinta o la aguada, reflejan un completo dominio a la hora de amalgamar lo antiguo con lo contemporáneo, la ligereza con la severidad, lo muy culto con lo popular, la razón con la fantasía.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Maestro del eclecticismo consciente, guiado por los conceptos / significados implícitos en formas y estilos, antes que por la frivolidad o el mero capricho combinatorio, Pérez Villalta en este punto no tiene parangón en nuestra historia artística del último medio siglo, ocupando una posición verdaderamente singular con su repudio tanto de la ortodoxia del academicismo moderno como de su reverso reaccionario, complaciente y nostálgico. Creador irremediablemente solitario, incluso a su pesar, quizá Pérez Villalta es por ello hoy punto de fuga para muchos artistas de las más recientes generaciones que reconocen en él su valor y atractivo como figura pionera en distintos aspectos: la reivindicación desinhibida de las cuestiones de género; el desencanto frente a los dogmas estéticos hegemónicos; la recuperación de denostadas u olvidadas formas narrativas, autobiográficas, lúdicas; el carácter desdramatizado de su labor, sin caer ni en lo pueril ni en una impostada trascendencia…

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Y así, Pérez Villalta se nos muestra, en esta exposición, él mismo asombrosamente despierto, lúcido, juguetón, dinámico, pero consciente de la seriedad de una labor como el arte, en especial en tiempos tan tenebrosos como los que vivimos. Así, en su dominio de la técnica dibujística se delata su interés por el control de los sistemas de ordenación armónica del plano de representación y todas las variantes que el artista introduce en lo que a priori es una red rígida que controla y fija. También es en el dibujo donde se observa con mayor claridad esa infatigable curiosidad suya por la variedad y las variaciones entre polos en tensión (el dibujo le permite, según reconoce él, no tener que pintar muchos de los cuadros que idea), yendo ligero de equipaje, trabajando más rápido, para pasar a nuevos experimentos y dejar siquiera asomar inéditas propuestas.

En esta exposición, cuyo título alude al origen mítico de la disciplina según la leyenda de Plinio a manos de la hija del alfarero Butades, le vemos una vez más “a la caza de la idea esquiva”, como él ha dicho en alguna ocasión. En esta lucha, gozosa pero exigente, el dibujo es su mejor y más dúctil herramienta, su gran aliado; posiblemente el único capaz de seguir la increíble velocidad de su ojo y su pensamiento. ¡Fascinante!

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Obra de Guillermo Pérez Villalta. Imagen cortesía de Gema Llamazares.

Óscar Alonso Molina

Isaías Griñolo: La voz de la calle

Notificaciones, proyecto comisariado por Isaías Griñolo
Enrique Falcón, Teresa Lanceta, Pedro G. Romero, Inmaculada Salinas
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 3 de septiembre de 2017

El proyecto ‘Notificaciones’, comisariado por Isaías Griñolo, nace de la perplejidad que para él supuso comprobar cómo la Policía, cuando se decide a cargar contra un grupo de manifestantes, lo hace indiscriminadamente y con saña. De nuevo el poder en su expresión más salvaje. Y, de nuevo, entroncando ese salvajismo con el del propio capitalismo que no atiende más razones que las económicas igualmente depravadas.

Para ello, se fija en las protestas llevadas a cabo por los jóvenes del Instituto Lluís Vives, cuando salieron a la calle el 15 de febrero de 2012 para protestar contra los recortes en Educación. A partir de la información que la gente colgó en Internet sobre aquellas protestas, invitó a los artistas Enrique Falcón, Teresa Lanceta, Inmaculada Salinas y Pedro G. Romero, para que reflexionaran en torno a las movilizaciones ciudadanas con el fin de dar voz a esa calle silenciada por culpa de tanta represión policial.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, en el centro, junto al comisario y los artistas de Notificaciones. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, en el centro, junto al comisario y los artistas de Notificaciones. Imagen cortesía del Centre del Carme.

En un gran mural que ocupa una de las paredes, se puede leer: “Cada vez veo más gente con una venda en los ojos. Incluso he visto gente que habiéndosele movido un poco, se la vuelve a colocar correctamente”. Griñolo quiere descorrer esa venda para que la gente, además de ver lo que realmente pasa, deje de mirar para otro lado. Quiere dejar constancia, mediante las distintas Notificaciones que integran el conjunto expositivo, de los abusos de poder, allí donde éste muestra su faz más deleznable.

Y a ello se ponen los cuatro artistas que convocó Griñolo: Falcón, Lanceta, Salinas y Romero. El primero lo hace mediante un video en el que ofrece los testimonios de diferentes hombres y mujeres reunidos en torno a un encuentro poético. Personas dispuestas a transformar el mundo mediante una escucha activa. Lanceta y Salinas operan de manera similar, trabajando en diversos talleres (la primera en Barcelona y la segunda en Sevilla) e involucrando a la gente en un proceso colectivo de participación social. Pedro G. Romero se inmiscuye en diversas tramas de actividad combativa, unas veces subterránea y otras a pie de asfalto, para mostrar cierto grado de confusión mediante diversas acciones visuales y sonoras.

‘Notificaciones’ reúne fotografías, libros, documentos, material audiovisual y diversas instalaciones en torno a esa identidad ciudadana profanada por la acción policial o los excesos del poder. Un poder siempre mostrado despectiva o irónicamente, como sucede en este extracto de un poema de Diego Fernando Medel: “Todos se acuerdan del pueblo en tiempos electorales, te mandan la propaganda en cartas particulares. Como todos son tan buenos no sabes a quién votar, te aumentan las propuestas y te reducen el jornal”. Frente a ese poder grotesco y vil, la movilización ciudadana aparece como signo de autenticidad que los artistas revelan con sus diversas notificaciones.

Vista de la exposición Notificaciones. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición Notificaciones. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

Man Ray según Taiat Dansa

Man Ray, de Taiat Dansa
Sagunt a Escena
Teatre Romà de Sagunt
Domingo 23 de julio de 2017

Admiradoras de su trabajo y de los movimientos que impulsó, las coreógrafas Meritxell Barberá e Inma García llevan desde 2014 trabajando en torno a la figura de Man Ray de diferentes maneras. En el verano de ese año ambas colaboraron con la compañía Danceworks de Chicago en una pieza en la que se investigaban las imágenes creadas por Man Ray en relación al movimiento. Aquel trabajo desembocó en un work in progress desarrollado en algunos escenarios españoles que abordaba otras facetas del artista.

Inma García (d) y Meritxell Barberá. Fotografía: Lola Alarcó.

Inma García (d) y Meritxell Barberá. Fotografía: Lola Alarcó.

Fruto de este vínculo, y teniendo en cuenta algunos de los caminos abiertos por estas actividades previas, la compañía Taiat Dansa presenta ahora un espectáculo de gran formato sobre el autor estadounidense. Ambas creadoras se sienten en esta ocasión interesadas en el tratamiento de la mujer en la obra de Man Ray y, por ende, de otros artistas de su tiempo, y en el uso de la fémina a veces como modelo de inspiración y otras como un simple objeto.

La obra es una coproducción del Grec 2017 Festival de Barcelona, Institut Valencià de Cultura, Ballet de la Generalitat, Taiat Dansa y Sagunt a Escena 2017. ‘Man Ray’ se presentará los días 13 y 14 de julio en el Sant Andreu Teatre de Barcelona dentro de la programación del Grec 2017. Posteriormente el espectáculo viajará a Sagunto y se podrá ver el día 23 en Sagunt a Escena.

El ‘Man Ray’ de Taiat Dansa encierra muchas figuras en sí, algunas sobradamente conocidas por el público en general y otras mucho menos difundidas. El montaje se detiene en todas ellas y las descubre al espectador a través de un elenco de nueve bailarines (Cristina Reolid, Cristian Arenas, Miguel Ángel Fernández, Víctor Fernández, Kilian García, Cristian González, Jon López, Joel Mesa y Martxel Rodríguez) que se pondrán al servicio del universo surrealista de este artista.

La música de Caldo tratará de empaparse de los diferentes movimientos en los que estuvo inmiscuido este pintor, escultor, fotógrafo, cantante, bailarín y un sinfín de oficios más. La compañía valenciana Taiat Dansa vuelve a contar con Roberto Fratini como asesor artístico y confía el acompañamiento dramatúrgico en Eva Zapico. Estudio Savage se encarga de nuevo (ya lo hicieron en ‘Persiguiendo a Patti Smith’ y ‘Still Life’) del vestuario, Ramón Jiménez se ocupa del diseño de iluminación, mientras que el diseño y creación del espacio escénico corren a cargo de Luis Crespo.

El trabajo de Taiat suele resultar temperamental, con rigor, apasionamiento y cierta rebeldía. Meritxell Barberá e Inma García fundan su propia compañía, Taiat Dansa, en 2003. Desde entonces han presentado sus creaciones en distintos espacios y festivales del territorio nacionales y otros de ámbito internacional.

Cartel de 'Man Ray', de Taiat Dansa. Imagen cortesía de la compañía.

Cartel de ‘Man Ray’, de Taiat Dansa. Imagen cortesía de la compañía.

“La guerra civil es una herida todavía por limpiar”

El color del silencio, de Elia Barceló
Editorial Roca

Elia Barceló (Elda, Alicante, 1957) es un caso singular en el panorama literario español. Con 25 títulos de ficción traducidos a 18 idiomas y mas de 500.000 ejemplares vendidos, tiene más lectores fuera que dentro de nuestras fronteras, algo que se explica en parte por el hecho de residir en Innsbruk (Austria). Eso no significa que carezca de reconocimiento y proyección en España. De hecho, en 2015, recibió el Premio de la Crítica Literaria Valenciana por su libro de relatos, ‘La Maga y otros cuentos crueles’. Con su último trabajo, ‘El color del silencio’,  publicado recientemente por Roca, la autora busca la complicidad del lector español con un relato que abarca desde los albores de la guerra civil a la actualidad y que combina la resolución de un antiguo crimen con una denuncia de las miserias del franquismo.

La acción se desarrolla en tres tiempos. Los momentos previos a la sublevación franquista, la noche del 20 de julio  de 1969 que el hombre llegó a la Luna y la actualidad. ¿Por qué precisamente esas tres momenos? “La historia que quería contar sobre la recuperación de la memoria y las heridas del pasado, tanto a nivel personal como familiar como nacional me llevaban directamente a hablar de la guerra civil como trasfondo porque es nuestra herida común, la peor curada y la que aún está por limpiar”, dice Barceló.

Portada de 'El color del silencio', de Elia Barceló.

Portada de ‘El color del silencio’, de Elia Barceló.

“Pero lo he hecho con delicadeza, más con insinuaciones que con descripciones crudas. La llegada de la humanidad a la luna es, para mí, un momento crucial del siglo XX porque para muchos significó el comienzo del futuro, de la era de Acuario, del momento en que nuestra generación iba a tomar las riendas y a hacer un mundo mejor. Me equivoqué. Nos equivocamos. Ese futuro esplendoroso que deseábamos se torció en lo social, aunque en el aspecto técnico hayamos dado pasos de gigante. El presente era necesario para poder hablar del pasado y del futuro”.

Helena Guerrero, una artista plástica septuagenaria de éxito que vive en Australia, regresa a Madrid para asistir a la boda de su nieta. Allí, el hallazgo de unos papeles le lleva a reconstruir el pasado de su familia y resolver la misteriosa muerte de su hermana ocurrida muchos años atrás. ¿Que la protagonista sea una mujer mayor se puede interpretar como una reivindicación del papel de estas mujeres en la sociedad?

“No lo hice a propósito como reivindicación desde el principio”, responde Barceló. “Era necesario que Helena fuera mayor para poder haber vivido ciertas cosas que la historia necesitaba. Pero me fui dando cuenta de que era muy importante visibilizar a las mujeres de más de cincuenta años, que son personas fuertes, luchadoras, trabajadoras, con experiencia. Sin embargo, la sociedad les da de lado, las ignora, las aparta. Muy pronto empecé a darme cuenta de que, con mi novela, yo tenía la posibilidad de hacer algo en contra de esa injusticia”.

Elia Barceló. Fotografía de Pau Sanclemente por cortesía del autor.

Elia Barceló. Fotografía de Pau Sanclemente por cortesía de la autora.

Uno de los puntos de partida de la trama es un hecho histórico que relata Ángel Viñas en su ensayo, ‘La conspiración del general Franco’ en torno a la muerte del general Amado Balmes. En esa figura se inspira el personaje de Goyo, el padre de Helena, que según dice Barceló, le cae mejor como ser humano que la protagonista pese a su ideología fascista.

“Con el proceso de la novela, fui entendiendo también a Goyo, pese a que está tan lejos de mi forma de pensar”, comenta Barceló. “Tanto en la derecha como en la izquierda hay gente decente y gente deshonesta. No quiero caer en el cliché y, para eso, me parecía importante dibujar unos personajes lo más reales y complejos posibles, no marionetas que poder manejar ni personajes planos buenos o malos”.

El envejecimiento de la población, el cambio climático, los atentados yihadistas, las crecientes desigualdades sociales…¿Cuales son los temas que más le procupan? “Todos esos y muchos más: la genética, la robótica, las inteligencias artificiales, la libertad del ser humano en un mundo controlado por monopolios gigantes, el desastre ecológico, la libertad de elegir una muerte digna, la violencia por razones religiosas. Soy escritora de ciencia ficción o literatura prospectiva y, por lo tanto, me interesa enormemente todo lo que vaya a afectar al futuro de nuestro planeta y de nuestra especie, y que está empezando ya. Ya Woddy Allen dijo muy certeramente: ‘Claro que me interesa el futuro. Es allí donde voy a pasar el resto de mi vida’”.

Para ella el futuro anuncia una jubilosa jubilación en la que piensa aprovechar la suerte de tener dos países, dos culturas y dos lenguas y seguir viviendo a caballo entre ambas. “Pero tengo previsto pasar más tiempo en mi tierra, entre Elda, Elche, Alicante y Santa Pola, donde están mis raíces, y los montes tienen nombre. Y luego volver a los Alpes y a mis dos hijos”. Mientras tanto echa de menos “el mar, el poder mirar al horizonte, a lo lejos, sin que haya una enorme montaña que te lo impida; me encanta nuestra vegetación maravillosa, la alegría de la gente, la lengua, el tapeo, las noches al aire libre”, concluye Elia Barcelo.

Elia Barceló. Fotografía de Pau Sanclemente por cortesía de la autora.

Elia Barceló. Fotografía de Pau Sanclemente por cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Art Públic ya tiene sus cinco ganadores

XX Mostra Art Públic / Universitat Pública de la Universitat de València
Artistas seleccionados: Ernesto Casero, Anaisa Franco, Cristian Gil, Laura Palau y Ainhoa
Salas
Campus de Burjassot-Paterna (Valencia)
Inauguración: 2 de octubre de 2017

Ernesto Casero, Anaisa Franco, Cristian Gil, Laura Palau y Ainhoa Salas + Guillermo Lechón son los artistas seleccionados para la XX Muestra Arte público / Universidad pública de la Universitat de València de entre las 56 propuestas presentadas. La muestra se inaugurará en el campus de Burjassot-Paterna el 2 de octubre y podrá visitarse hasta el viernes 27 del mismo mes.

La vigésima edición de la muestra estará comisariada por Alba Braza que, junto con Salomé Cuesta, directora del departamento de Escultura de la Universitat Politècnica de Valencia, el artista plástico Carlos Domingo, Maite Ibáñez, del vicerrectorado de Cultura de la Universitat de València, Charo Álvarez, directora del Sedi, y Jordi Caparrós, delegado de Estudiantes de la Universitat de València han sido las personas encargadas de hacer la selección de las obras, premiadas con 2.000 euros cada una.

El Servicio de Información y Dinamización (SEDI), con la colaboración del Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, organizan esta actividad que nació el curso 1997-1998 y que ha sido comisariada, desde entonces y hasta la decimoctava edición, por el actual gerente del Consorcio de Museos, José Luis Pérez Pont.

Este año, la muestra cumple veinte años e incorpora, entre otros cambios, la novedad de promover la reflexión sobre el binomio arte y ciencia y, de acuerdo con las bases de la convocatoria, las obras deben manifestar una de las múltiples posibilidades que ofrece la relación entre la creación artística y la ciencia.

La imagen que acompaña esta nota corresponde a la propuesta del artista Ernesto Casero. La pieza lleva como título For the birds y es una de las cinco seleccionadas para la Mostra Art públic / Universitat pública 2017.

Ernesto Casero.

For the birds, de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Art Públic.